Lista de películas con público apropiado Adultos

Sórdida historia real, sobre una madre de familia que se corrompe y acepta ejecutar abortos en la Francia ocupada por los nazis. Isabelle Huppert encarna a la última mujer guillotinada en Francia.

Palma de Oro en Cannes, el film narra el viaje de una improbable pareja: Max (Gene Hackman), un ex convicto, que va a poner un negocio de lavado de coches; y Lionel (Al Pacino), que quiere conocer a su hijo, nacido cuando estaba en el mar.

Dos hermanos gemelos están convencidos de que su madre es una impostora, después de que ésta se someta a una operación para reconstruirle el rostro, pues ha sufrido un grave accidente. Producción austríaca tan sórdida como algunas de las películas de Michael Haneke. Por desgracia, los realizadores no cuentan con el mismo talento.

Extraño ejercicio de ciencia ficción, que parte del relato “La vida en un minuto humano”, del conocido autor polaco Stanislaw Lem. La trama arranca en una conocida librería de viejo, cuyos fondos desaparecen para ser reemplazados por miles de ejemplares de un libro titulado “1”. Allí se contiende, convenientemente codificada, la descripción completa de todo que hace la humanidad entera en el transcurso de un minuto. La policía, desconcertada, detiene al dueño y una empleada de la librería, más un gurú ligado al Vaticano que había acudido allí. Debut en el largometraje del realizador húngaro Pater Sparrow. Aunque de arranque intrigante y sugerente atmósfera, la suya es una obra un tanto soporífera y críptica, en la que destaca la ambientación, con un dibujo de la policía en clave "1984". Hay un desparrame de imágenes con poco sentido, donde no falta lo desagradable o lo pornográfico, que quiere abarcar las claves del famoso minuto. Y una voz en off filosofa sin demasiada coherencia sobre una humanidad desnortada.

Alex y Sergi viven juntos en Barcelona, y tras 7 años de convivencia han decidido al fin intentar tener un hijo. Pero a ella le surge la posibilidad de una estancia de un año en Los Ángeles que podría ser su último tren para convertirse en artista de la fotografía. Aunque a regañadientes, Sergi, que es profesor, acepta la marcha de Alex, y el paso del tiempo pasa factura a la relación: a las charlas diarias vía videoconferencia atravesadas de complicidad, siguen los roces, las incomprensiones y el resentimiento, de modo que lo que al partir era un estrecho contacto, ya no se mantiene con la misma intensa frecuencia. 10.000 km, debut en el largo del cortometrajista Carlos Marques-Marcet, fue multipremiada en el Festival de Malaga, lo que incluye la Biznaga de Oro a la mejor película. Saludada como la última sensación del cine español, puede ser equiparada a la reciente La herida de Fernando Franco en su condición de íntima “obra de cámara” que dibuja la perplejidad y desorientación de los jóvenes que tratan de ubicarse en el mundo y encontrar la felicidad. Todo aderezado con las nuevas posibilidades tecnológicas, que sólo aparentemente acortan las distancias. Sin duda que Alex y Sergi se quieren, y se guardan fidelidad, pero en la sociedad del “pensamiento líquido” pesan demasiado los deseos poco consistentes de autorrealización, los sentimientos demasiado epidérmicos -el sacrificio o la generosidad son puro humo, se desea vivirlos, pero sin saber cómo-, la falta de un proyecto vital sólido en lo referente a formar una familia, la excesiva importancia que se concede al sexo. La distancia es un problema, pero no es, evidentemente, todo el problema de su relación. Comenzar la película con un alarde de plano secuencia que incluye una larga escena de sexo, quizá sea una forma plástica de subrayar que de distancia cero se va a pasar a una distancia oceánica entre los protagonistas, pero no deja de ser una expresión de lo limitada que a veces es la mirada fílmica a lo que debe ser una relación de pareja. El que podríamos denominar tercer personaje de la película, el ordenador, permite algunas originales ideas de puesta en escena, estéticamente originales, pero a veces da la sensación de que el director se entretiene en ellas porque Alex y Sergi no dan más de sí, están estancados, ahogados en un malestar. La estrechez antropológica de la propuesta -la sensación es que Marques-Mercet, director y coguionista, no tiene una mirada existencial mucho más amplia que la de sus protagonistas, los correctos Natalia Tena y David Verdaguer- no impide que, al menos como “foto” sociológica, el film tenga interés. También como cuidado ejercicio de estilo, aunque pagando el precio de la reiteración excesiva, que se trata de aliviar con el humor, a veces algo tosco.

Ramón Salazar debutó como realizador en 2002 con la prometedora pero limitada Piedras, película coral sobre cinco mujeres muy diferentes que llegó a ser la única competidora española en el Festival de Berlín en la sección oficial, toda una hazaña para un joven que no había cumplido los 30 años. En 2005 dilapidaba el prestigio adquirido con la estrambótica 20 centímetros, musical en torno a un travesti que sufría narcolepsia. Han tenido que pasar 9 años –en los que el autor ha ejercido como guionista de 3 metros sobre el cielo y Tengo ganas de ti, adaptaciones de las novelas de Federico Moccia– para que llegue a las carteleras 10.000 noches en ninguna parte, su tercer trabajo como director. Resulta un tanto complejo contar con palabras el argumento de 10.000 noches en ninguna parte. Tiene como protagonista a un joven de Madrid traumado por numerosas razones, especialmente por su compleja relación con su madre, una mujer desequilibrada con serios problemas con el alcohol, de cuyos cuidados debe hacerse cargo a caballo con su irresponsable hermana. Se evadirá de su dura realidad evocando su pasado durante el improbable reencuentro en un París onírico con una singular amiga de su infancia, de la que fue apartada por su progenitora, y con un viaje a Berlín, donde comparte piso con tres variopintos personajes, lo que le permite acabar eliminando sus tabúes sexuales. Repite como tema central las carencias afectivas, lo que ya estaba presente en la ópera prima de Salazar. Y logra algunos momentos de altura, especialmente la confesión del personaje de Najwa Nimri sobre su pasado, de enorme intensidad dramática, en gran parte por el esfuerzo de la actriz. El resto del reparto tiene nivel, sobre todo en el caso del joven Andrés Gertrúdix, como un individuo agobiado por una perturbadora suma de complejos, y la veterana Susi Sánchez, como casi siempre encarnando a la madre del protagonista, papel por el que obtuvo una candidatura al Goya a la mejor secundaria. Por su parte, Lola Dueñas vuelve a hacer creíble a una de esas excéntricas mujeres que siempre escoge. Además, el film saca provecho de uno de esos montajes a base de secuencias descontextualizadas, que parecen piezas de un rompecabezas que sólo cobran sentido en el conjunto final. 10.000 noches en ninguna parte intenta seguir la estela del cine de Atom Egoyan y de 21 gramos, de Alejandro González Iñárritu. Abundan las imágenes sugerentes, y se juega muy bien con lo real y lo imaginario. Sin embargo, sus aspiraciones líricas no siempre funcionan, pues en diversas ocasiones 10.000 noches en ninguna parte resulta pretenciosa y caótica. Ha comentado el propio realizador que el guión, firmado por él mismo, no estaba cerrado sino abierto a las improvisaciones de los actores, lo que suele dar buenos resultados, pero en este caso parecen haberse incluido demasiados pasajes erráticos que no se sabe muy bien adónde quieren ir a parar.  

Un policía, recientemente recuperado de una lesión, vuelve al cuerpo y descubre que sus compañeros han estado realizando actividaddes ilegales. Pese a su amistad, no dudará en exponer sus delitos cueste lo que cueste.  Tercera parte de una trilogía compuesta por 12 Trampas y 12 Trampas 2, ofrece la misma acción y violencia que sus antecesoras, aunque la calidad, no muy buena desde los inicios, ha descendido con cada nueva secuela.

Danny Fisher es un oficial de policía que logra capturar a Miles, un peligroso narcotraficante. Pero durante la detención, muere accidentalmente la novia de Miles, atropellada por un coche. Cuando Miles sale de la cárcel buscará cumplida venganza. Para ello, secuestra a la chica del agente, al que obligará a pasar 12 pruebas a cambio de volver a verla viva. El finlandés Renny Harlin antaño dirigía producciones de gran presupuesto de acción que triunfaban en las taquillas, como Máximo riesgo o La jungla 2. Alerta roja. Tras el sonoro fracaso de La isla de las cabezas cortadas, apenas ha levantado cabeza y finalmente ha quedado relegado al infierno de la serie B. En esta ocasión pone su talento al servicio de John Cena, superestrella del wrestling que ya había protagonizado la prescindible Persecución extrema. El propio Cena se convierte en el principal lastre de la película, ya que es absolutamente inexpresivo e incapaz de lograr ninguna conexión con el público. Además, la trama es difícil de creer, previsible, tópica y muy similar a Jungla de cristal 3. La venganza, donde el villano (Jeremy Irons) también obligaba a los protagonistas a resolver pruebas imposibles. Tantos defectos dan al traste con los esfuerzos de Harlin por componer secuencias de acción más o menos eficaces que no logran interesar al espectador.

  Tercera película como director, del también guionista Robin Campillo, que ha colaborado en varias ocasiones con Laurent Cantet, en títulos como El empleo del tiempo y La clase, con los que comparte cierto aire realista próximo al documental. Además, como responsable de la película La resurrección de los muertos y la subsiguiente serie televisiva Les revenants, esta especie de muertos con vida que son los enfermos de sida a principios de los años 90 del pasado siglo, conectan con los zombies que habitaban las citadas obras. 120 pulsaciones por minuto describe el activismo con amplia repercusión mediática del grupo Act-Up, que en su rama de París nació en 1989. Aglutinaba sobre todo al colectivo homosexual francés que padecía el azote de la pandemia del sida, y que no deseaba quedarse de brazos cruzados ante la inoperancia de los gobernantes. Así, lejos de conformarse con reunir a un grupo de enfermos, lo que trataban era de llamar la atención de la opinión pública mediante una militancia llamativa, en manifestaciones y actos de protesta, sobre todo protestando contra los que consideraba actores ineficaces del drama, entre ellos los políticos y la industria farmacéutica, interrumpiendo actos, y desparramando sangre falsa por doquier. Nathan acaba de incorporarse a las actividades de Act-Up, y pronto se va a enamorar de Sean, uno de los miembros del grupo más combativos, sobre todo porque sabe que tiene los días contados. A pesar de sus numerosos premios, incluido el grande del jurado en Cannes, la película es irregular. Contiene momentos vigorosos, rebosantes de energía, en los momentos de protesta. Otros son reiterativos, de clara intencionalidad didáctica, las asambleas en que todos participan apasionadamente pero con orden y respetando los turnos, decidiendo posturas y actos de protesta, que retrotraen a La clase o al cine social de Ken Loach. En la película se incide en la burocracia o poca sensibilidad administrativa, denunciando la ineficacia de las campañas de prevención acerca de la enfermedad. Pero al mismo tiempo se muestra indulgente en lo relativo a la promiscuidad. Para llegar al espectador, se hace necesaria una historia personal que atrape, de modo que se dibuja el enamoramiento homosexual de Nathan y Sean con esta finalidad. Pero se nota que le mismo Campillo es consciente de esta debilidad, nos falta conocer un poco mejor el drama individual de las personas que vemos, hasta el punto de que incluye una escena en uno explica a otro quién es quién, desvelando rasgos que el espectador no puede sospechar, simplemente porque no estaban integrados en la narración. También se trata de paliar esta carencia en el tramo final, cuando el avance de la enfermedad en uno de los personajes, golpea fuerte en el ánimo de todos los que le rodean. La puesta en escena tiene fuerza, sobre todo los momentos de protestan, las escenas intimistas son convencionales. Hay alguna escena simbólica poderosa, la del río Sena sin duda es una de ellas. Los actores realizan un trabajo interpretativo convincente, sobre todo Nahuel Pérez Biscayart.  

Singular thriller francés del desconocido director de origen georgiano Géla Babluani. Rodado en blanco y negro, con un estilo de ‘cinéma verité’ sobrio y glacial, sin contrapuntos musicales, la trama arranca con el joven inmigrante Sébastien trabajando de albañil en la reparación del techo de una casa. Su propietario anda en negocios de muy dudosa legalidad, y Sébastien aplica la oreja con idea de conocer el entorno en el que se mueve. La repentina muerte por sobredosis del tipo que le contrató, y la noticia de que no va a cobrar ni un euro, le empujan a una arriesgada decisión: asumir el trabajillo gangsteril en que andaba metido, usando un billete de tren y una hoja de instrucciones. No tiene ni idea del peligroso ‘juego’ en que acaba de meterse. Las primeras impresiones del film engañan, se diría que estamos ante una historia costumbrista, que va a describir la interacción entre un obrero ajeno al mundo de la delincuencia, y el gángster para el que trabajaba. Pero de pronto Sébastien empieza a caer metafóricamente en el vacío, cuando se lanza a la búsqueda de dinero más o menos fácil, dejando a un lado cualquier planteamiento moral. Pues se convierte en una pieza más de un siniestro pasatiempo de ruleta mortal, con apuestas muy elevadas de por medio, donde su vida y la de los otros doce ‘tzameti’ del título están en juego. Babluani demuestra ser un director muy visual, capaz de crear una atmósfera de tensión insoportable, que maneja con asombrosa soltura la planificación y su ‘tempo’, hasta conducir a un final que, si bien no es muy sorprendente, resulta coherente con el armazón urdido para el film.

Víctor es un joven que llega al estudio artístico de Martin y Ana. Los tres están desesperados, faltos de inspiración, necesitados de alegría. Cada uno empleará sus propios métodos para buscar su sitio en el mundo. Dura película sobre la búsqueda de la identidad, el éxito y el sentido de la vida. Los límites éticos quedan relegados en muchos casos, lo que provocará más de un nudo en los estómagos de los espectadores.

Tras el fallecimiento del zar Boris Godunov, su viuda y su joven heredero Peter son asesinados. El usurpador False Dimitri sube al trono, pero enseguida es también asesinado. El caos se apodera de Rusia. Andrey, un joven criado, fue testigo del asesinato de la familia del zar Godunov. Se le quedó grabada la imagen de la hija, que pudo salvarse, aunque no lo sabe con seguridad. Si sigue viva en algún lugar, es la legítima heredera del trono. Drama histórico de procedencia rusa producido por Nikita Mikhalkov (El barbero de Siberia, 12, Ojos negros). Dirige el desconocido fuera de su país Vladimir Khotinenko, que adapta la novela de Arif Aliyev.

Ambiciosa serie televisiva danesa, concebida para su estreno en el 150 aniversario de los enfrentamientos bélicos entre Dinamarca y los prusianos del imperio austrohúngaro. Está narrada en dos tiempos, en la actualidad con un anciano recluido en su caserón y una joven obligada a realizar servicios sociales, que incluyen cuidarle; y en el pasado, con los antepasados de estos personajes, sobre todo dos hombres y una mujer, a los que separan las barreras sociales, ella es hija de familia noble, ellos de modesta condición, hijos de la servidumbre, y los que afectan de modo definitivo los acontecimientos históricos. Aunque el esfuerzo de producción de esta serie creada por Ole Bornedal es notable, se nota demasiado el "mensaje" de criminalizar a políticos y militares a los que les gustaría "jugar a los soldaditos", y las subtramas románticas tampoco son memorables. Es cierto que nunca se oculta la idea del revisionismo histórico, al plantear la serie en dos planos temporales, unode ellos  el contemporáneo. Pero lo cierto es que la conexión resulta algo forzada y distrae, y hace que miremos el pasado sin poder disfrutar de cierto tono épico o trágico, los personajes parecen tristes figuras a los que los sucesos que ocurren a su alrededor dictan su destino.

Adaptación de una malsana novela corta de Stephen King, muy en su línea. Transcurre en el año del título, y arranca con la confesión de unos sórdidos hechos que está consignando por escrito, en la habitación de un hotel, el granjero Wilfred James. Ahí cuenta sus esfuerzos por trabajar sus tierras con campos de maíz, en compañía de su esposa Arlette, y su hijo adolescente aunque casi un hombre, Henry. La mujer ha obtenido por herencia unas tierras que podrían hacer su propiedad más rentable, pero ella quiere vender, obtener el divorcio y poner una tienda en Omaha. Wilfred no piensa permitir tales planes, así que manipula a su voluble hijo para asesinarla, de modo que puedan seguir con su cansina vida rural. Sin embargo, la culpa les va a perseguir de un modo terrible. Pelicula de atmósfera opresiva, bastante desagradable, que traza el cuadro de las penalidades que podía atravesar una familia en el campo en los años en torno a la Depresión, con padres castradores e hijo víctima de los complejos de sus progenitores. Abunda en lo que ya han venido a ser clichés en el imaginario de King, o sea, ambiente familiar opresivo, citas bíblicas tremendistas, lenguaje obsceno sin que venga a cuento, fatalismo... A lo que se suma la cuestión de los remordimientos por el crimen, variante kingniana de Dostoievski en forma de desagradables ratas chupasangres, que se meten por tuberías y paredes, y siguen a los asesinos allá donde van, no se puede escapar al castigo, la venganza será terrible. Dirige el desconocido Zak Hilditch, responsable también del guión.

Adaptación algo plúmbea de la poco halagüeña novela de anticipación del británico George Orwell, acerca del peligro de los estados totalitarios, ‘grandes hermanos’, dispuestos a impedir la libertad de los ciudadanos. Se estrenó justamente en el año que el novelista inmortalizó con su obra. Michael Radford no logra dar con el tono para retratar la opresión del estado, y tampoco para describir el romance prohibido. Lo más destacable es el trabajo de John Hurt.

El Bronx ha quedado aislado del resto de la ciudad de Nueva York. El lugar está habitado por pandilleros peligrosos y la policía no se atreve a entrar. Un multimillonario envía a la zona a un mercenario para rescatar a su hija. Subproducto italiano que copia descaradamente el esquema de 1997: Rescate en Nueva York. Además de su falta absoluta de originalidad, acusa su preocupante falta de presupuesto, una fotografía desastrosa, y un reparto mediocre.

El valle de San Fernando, en Los Angeles, está habitado por un conjunto de habitantes peculiares. De manera misteriosa y repentina, una serie de crímenes hacen cundir el pánico en la zona. Nadie sabe quien puede ser el causante de las muertes, pero todos sospechan de todos. Los crímenes se siguen sucediendo, y cada muerte es más cruel que la anterior. Los vecinos del valle de San Fernando se sienten trastornados, y esto les empuja a iniciar una serie de complejas relaciones entre ellos, en medio del temor y del recelo. Un thriller lleno de truculencia, en el que se mezclan la violencia, la acción y el erotismo. Cuenta con un atractivo reparto, en el que destaca la presencia del sugerente Jeff Daniels. El argumento es original, mantiene la intriga y alcanza algunos momentos de aceptable tensión.

Marion, francesa, y Jack, estadounidense, son una pareja estable, o eso parece. Residentes en Nueva York, han pasado las vacaciones recorriendo Italia, tras confiar a los padres de ella en París a su lindo gatito. Antes de regresar a la Gran Manzana recalan en la capital francesa los días del título. Y estallará una crisis, que empieza con las bromas en torno a una foto en que él aparece "en pelota picada" y sigue con el pasado amoroso de Marion, que sale a su encuentro. La película es claramente deudora de Antes del amanecer y Antes del atardecer, de Richard Linklater, no en vano Julie Delpy, además de coprotagonizarlas las coescribió. Lo que significa mucho diálogo y divagación de aspecto frívolo, que al final da como resultado una radiografía de cierto tipo de parejas que incapaces de ligarse por un compromiso o de lanzarse a tener hijos, se quieren (hasta cierto punto), haciendo esfuerzos ímprobos para soportar las manías y defectos del otro. El resultado logrado por Delpy directora, guionista y actriz es desigual. Hay una inteligente crítica a la cultura popular representada por un "tour" de "El código Da Vinci", o a las pretensiones pedantes de saber mucho; y algún buen pasaje humorístico. Pero en general agota, por la incontinencia verbal, y su estrecha visión del hombre, incluida la reduccionista visión de la sexualidad.