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Lista de cine

Lista de películas de la distribuidora Alfa Pictures

(2013) | 0 min. | Biográfico | Documental | Musical

Un viaje con dos artistas distintos y cómplices a través de un continente que ha vivido y vive grandes cambios, y en el que han echado raíces profundas. Serrat es el símbolo para toda una generación, que le venera como un referente. Sabina es otra cosa. Es el cuate, esa palabra tan mexicana que describe el amigo, el colega, el cómplice.

(2015) | 90 min. | Drama

El día que los caballitos de mar, el grupo infantil de natación de la piscina municipal, empiezan a nadar sin burbuja, se produce un hecho que saca a flote sospechas, dudas y temores.  Anna, la directora del club de natación, se enfrenta a un difícil dilema y pide explicaciones a Jordi, el entrenador, después que algunos padres se hayan quejado de como el chico ha gestionado la negativa a lanzarse al agua de uno de los niños, que no quiere hacerlo porque está asustado. Jordi asegura que ha actuado con tacto y que no lo ha reñido ni asustado.  Pero el problema es otro: los padres ven con inquietud y preocupación que, para tranquilizarlo, lo haya abrazado y le haya dado un beso. El conflicto empieza cuando cada uno da su versión de ese gesto. Las versiones sobre el beso no coinciden. ¿Se trata de un gesto de afecto para calmar a un niño asustado o detrás se oculta alguna otra cosa? La sospecha alimenta el miedo y esta genera violencia.  Hèctor, el otro monitor de la piscina, se desentiende de Jordi y se embarca en una batalla de dudas y temores. No se mete, no se pronuncia. Su silencio es el de la conformidad, el de las mayorías sumisas.  ¿Queremos vivir en un mundo donde los mecanismos de control y de sospecha se activen para prevenir cualquier riesgo o en un mundo donde un gesto de ternura no se penalice ni se cuestione? El Virus de la Por (El Virus del Miedo)  abre interrogantes sobre los miedos contemporáneos, las relaciones humanas, los prejuicios y la confianza.

(2013) | 90 min. | Thriller | Drama Tráiler
Coproducción española, en la que ha intervenido Televisión Española, y que cuenta con un guión de Javier Gullón (El rey de la montaña, Invasor), que adapta la novela del Nobel portugués José Saramago “El hombre duplicado”. El hombre duplicado al que sigue Denis Villeneuve en Enemy tiene el rostro de Jake Gyllenhaal. Un anodino profesor de universidad, que convive sin grandes ilusiones con una mujer de la que espera un niño, y que se deja llevar por sus pulsiones sexuales, descubre en una película de vídeo, El que la sigue, la consigue, que uno de los actores con un minúsculo papel de botones es idéntico a él. Aquello acrecienta su ya habitual angustia vital, y trata de contactar con el otro, que también se agobia bastante con la insólita situación. Película difícil y críptica, se supone que se trata de una exploración de la identidad humana y los mecanismos del subconsciente, los enfrentamientos de corte esquizofrénico que experimentamos contra nosotros mismos, aquello que apuntaba san Pablo de que hay una ley en mis miembros por la que hago lo que no quiero, de modo que queremos ser nosotros mismos, pero de otra manera, nunca estamos satisfechos en la situación actual. Lo cierto es que la trama de que somos nuestro peor enemigo, no parece conducir a ninguna parte, con la idea de aproximar de algún modo orden y caos. Como el director de Incendies y Prisioneros es un auténtico especialista en la creación de atmósferas opresivas, sí que consigue transmitir incomodidad, el ambiente de la ciudad con unos edificios que parecen aprisionarte. Uno puede pensar un poco en Enemy, al enfrentarse a determinados elementos surrealistas, en el David Lynch más delirante. Pero todo esto no basta para entregar una película suficientemente sólida, queda la sensación de arriesgado experimento no satisfactorio.
5/10
(2016) | 118 min. | Comedia Tráiler
Varias historias entrelazadas en torno a la celebración del Día de la Madre. Dos hermanas, Jesse y Gabi, no se hablan con sus padres desde hace tiempo, hasta el punto de que ignoran que una se casó con un indio, y les ha hecho abuelos, y la otra es lesbiana. Un viudo, Bradley, no sabe cómo lidiar con sus dos hijas, sobre todo la mayor, que se está haciendo mujer. Sandy, madre de dos hijos, había soportado la separación de su marido, hasta que éste le presenta a la jovencita con la que se ha casado. Miranda es una exitosa presentadora de teletienda, emprendedora que ha amasado una fortuna pero que está muy solita. Kristin no acaba de decidirse a casar con su novio aspirante a cómico Zack, a pesar de que han tenido un bebé, y es que ella, dada en adopción, teme conocer a su madre biológica. Especialista en lo que se ha dado en llamar “cuentos de hadas contemporáneos”, de los que sería exponente máximo su Pretty Woman, en los últimos tiempos Garry Marshall ha estrechado aún más sus películas, al haber dirigido tres seguidas de tipo coral en torno a alguna celebración, y tras el día de los enamorados (Historias de San Valentín) y el fin de año (Noche de fin de año), ahora se apunta al día de la madre. El resultado es más que previsible, un pastelito amable de apetitoso aspecto, con Julia Roberts de guinda sonriente, Jennifer Aniston y compañía, que demuestran su buen hacer. Se puede saborear con gusto, si a uno o una le van los dulces empalagosos, y olvidar luego con celeridad, pues todo es tópico y facilón, o sea, la consabida receta de buenos sentimientos y mensajitos muy políticamente correctos, sin un ápice de capacidad para el riesgo. Por ejemplo, no hay familias normales, ya se ve que eso sería arriesgar demasiado.
5/10
(2018) | 84 min. | Animación | Drama Tráiler
1975. El ejército comunista de Pol Pot logra entrar en Nom Pen, capital de Camboya, obligando a la mayor parte de la población a desplazarse a campos de trabajo rurales, para dedicarse a la agricultura. El joven matrimonio formado por Chou y Khoun debe dejar su hogar, con Sovanh, su hijo de cuatro años. Obligados a caminar durante muchos días, sin apenas comida, acaban perdiendo de vista a su pequeño en el cruce de un río por culpa de la aglomeración de gente. Sin ningún tipo de piedad, los soldados les obligan a seguir adelante y se les informa de que quizás se reencontrarán con el chico más adelante, si tienen suerte… El franco-chino-camboyano Denis Do firma su ópera prima, un durísimo drama inspirado en la historia de sus propios progenitores, que se vieron obligados a escapar de los jemeres rojos (de la misma forma que sus abuelos habían tenido que dejar China por la invasión japonesa durante la II Guerra Mundial), y estuvieron separados durante mucho tiempo del hermano del futuro realizador. El film –que ganó el primer premio en el Festival de Animación de Annecy– trae a la memoria el gran clásico que denuncia este episodio oscuro de la historia del siglo XX, Los gritos del silencio, aunque de igual forma conecta con Se lo llevaron: Recuerdos de una niña de Camboya, dirigida por Angelina Jolie, que también mostraba los campos de trabajo en donde se recluía a los ciudadanos. Por otro lado, el estilo de dibujo realista y el tono remiten a una serie de películas de dibujos concebidas para adultos de la última década, entre las que destacan Vals con Bashir, El pan de la guerra y Un día más con vida, todas sobre conflictos bélicos reales. De calidad técnica aceptable, destacan los fondos concebidos por el director artístico Michael Crouzat, uno de los principales animadores de Gru, mi villano favorito, porque la belleza del paisaje camboyano contrasta con las duras condiciones de los personajes, y sus dificultades para sobrevivir. El propio realizador ha coescrito con las también debutantes en el largometraje Magali Pouzol y Elise Trinh un guión que abarca prácticamente los cuatro años que duró la barbarie, sin escatimar detalles –desgraciadamente reales– de la crueldad del régimen: ejecuciones sumarias, el adoctrinamiento ideológico, la paranoia que obliga a buscar constantemente a disidentes, etc. Aciertan al centrarse en uno de los peores dramas que puede sufrir un ser humano, desconocer cuál ha sido el destino de un hijo, y muestra como los progenitores que sufren una tragedia de este estilo dejan todo lo demás en segundo plano, y son capaces de cualquier sacrificio con tal de salvar a su pequeño. Se diría que con este material el resultado tiene que ser obligatoriamente un film deprimente, y aunque por lógica no es para un público fácilmente impresionable, tiene un tono ligeramente esperanzador, sobre todo porque muestra que aunque los regímenes totalitarios tienden a separar a las familias –para formar a los jóvenes conforme a sus principios doctrinales–, las agresiones sólo consiguen que el vínculo entre sus miembros se vuelva más fuerte.
7/10
(2018) | 91 min. | Thriller | Drama Tráiler
Nueva Orleans. Roy trabaja haciendo el trabajo sucio de un mafioso local. Será enviado a hacer un trabajito nocturno en casa de un abogado, pero en realidad es un trampa ideada por su jefe. Salvará la vida por los pelos y en la casa encontrará a Rocky, una joven desvalida que simplemente estaba en ese momento en el lugar equivocado. Huirán juntos de aquel lugar y marcharán hacia el oeste, hasta hacer escala en un motel de Galveston. Sólida adaptación de la novela homónima de Nic Pizzolatto, autor texano cuyo reconocido prestigio viene unido al éxito de True Detective, serie noir creada por él. Sorprendentemente no se pone detrás de las cámaras ningún aguerrido cineasta de filmografía violenta, sino alguien a quien a priori no se le relacionaría con este tipo de cine: las actriz francesa Mélanie Laurent. La protagonista de El concierto firma así la autoría de su cuarto largometraje, el primero de ellos con producción estadounidense. El resultado es notable al trasladar a imágenes el atormentado mundo de Pizzolatto, un autor que no es precisamente la alegría de la huerta y que se ha encargado también de escribir el guión. Sin apenas personajes secundarios, la película se centra en la pareja formada por Roy y Rocky. Asistimos a sus conversaciones, discusiones y decisiones apresuradas. Ocurren pocas cosas y todo es inestable, pero a su vez cada uno extrae lo mejor del otro. En términos generales Galveston narra el tortuoso y largo viaje de un asesino que será a su modo redimido por el amor. Pero no hablamos aquí de un sentimiento blandito y pasajero, sino de un amor potente y duradero, un amor que es puro sacrificio, medio quizá de expiar las propias culpas. Se inscribe así la historia en el modelo clásico del antihéroe capaz de renunciar a sí mismo hasta el fin. Será un itinerario interior y misterioso, una supervivencia violenta ligada también al fatalismo de este tipo de historias que muestran las bajezas y también las grandezas del ser humano, pero que no dan resquicios a la algarabía de los finales de cuentos de hadas. No se ocurre un actor más adecuado para encarnar a Roy Cady que Ben Foster, un tipo que parece siempre a punto de explotar. A su lado Elle Fanning hace un papel excelente de joven vulnerable que no ha tenido suerte en la vida y que va camino de infelices derroteros. Logra la directora mostrar la dureza y degradación del ambiente en que se mueven ambos personajes, pero se agradece su comedimiento a la hora de explicitar la sordidez y la violencia.
6/10
(2015) | 95 min. | Terror Tráiler
Melanie sufrió un trauma cuando de niña fue testigo de la conversión de sus padres en zombis. Años después, la pandemia que causó esta tragedia e hizo estragos entre la población está controlada, por lo que Melanie acude a un parque temático donde adinerados turistas pueden pasear entre muertos vivientes y disparar contra ellos. Se ha sobreexplotado tanto en los últimos años el subgénero zombi que después de transformarlos en hiperveloces (28 dias después), usarlos como metáfora política (La tierra de los muertos vivientes) o convertirlos en objeto de parodia (Zombies Party), ya resulta difícil sorprender a los espectadores con nuevas ideas. Pero este pastiche que viene a ser Parque Jurásico con zombis, pero sin el talento de Steven Spielberg, ni siquiera se esfuerza por introducir algún elemento con un mínimo de frescura. Steve Barker, autor de la poco conocida Avance del más allá, está al frente de esta coproducción hispano-belga-inglesa cuyas pretensiones de crítica social y su intrínseca reflexión sobre la futilidad de la venganza quedan diluidas por un guión bastante mediocre y previsible. El británico Dougray Scott se esfuerza por dar algo de lustre a un reparto de segunda fila, que por otro lado lo tenía bastante difícil para sacar adelante a unos personajes tópicos.
4/10
(2011) | 90 min. | Drama

Cuenta la historia de una mujer de 81 años de edad que vive en un pueblo del interior de Brasil, y que después de la muerte de su marido trata de encontrar su nueva vida. Partiendo de una ciudad real y su gente, la película explora su universo rico e imaginario, poético y mágico, para hablar sobre las relaciones humanas, que apunta a la coexistencia de tradiciones y la vida contemporánea, la realidad y el sueño, la vida y la muerte, disolviendo los límites entre estos conceptos.

(2013) | 98 min. | Thriller Tráiler
Puesta de largo del tarraconense Jesús Monllaó Plana, que llegó a ser candidato al Goya al mejor corto en 2002 por La mirada oblicua. Adapta el libro de Ignacio García-Valiño "Querido Caín", finalista del V Premio de Novela Ciudad de Torrevieja en 2006. Hijo de Caín tiene como protagonista a Nico, un joven inteligente pero conflictivo. Después de que mate cruelmente al perro de la familia, su padre, Carlos, decide contratar a Julio Beltrán, un psicólogo infantil que ayudará al chico a desarrollar su afición por el ajedrez, en espera de que este juego le sirva como terapia. Pero sigue comportándose de forma siniestra, al tiempo que el terapeuta mantiene en secreto que en el pasado tuvo un idilio con Coral, la madre de su paciente. El debutante cineasta Monllao demuestra su capacidad, pues ha logrado una factura impecable y hasta el ritmo adecuado, en un thriller con pocas pretensiones, que sigue la estela de La huérfana, El buen hijo, El niño que gritó puta y otras películas de jóvenes psicópatas. Hijo de Caín cuenta con un aceptable reparto en el que destaca un esforzado José Coronado, en un papel complejo. Aunque al cine español le viene bien que se produzca cine de género pensando en el público, y ha aparecido una nueva hornada de jóvenes que ruedan bien, en la que se debe incluir a Jesús Monllao, Hijo de Caín abusa de los clichés del género, y todo resulta extremadamente predecible. Además, se empeña en introducir algún giro de más, lo que agota un poco al espectador.
5/10
(2015) | 82 min. | Documental Tráiler
"Luke, yo soy tu padre" se convirtió en una de las frases más impactantes y conocidas del Séptimo Arte, después de que la pronunciara Darth Vader en El imperio contraataca. La eligen como título los cineastas españoles Toni Bestard (El perfecto desconocido) y Marcos Cabotá (Amigos...) para un documental que homenajea a David Prowse, 'progenitor' del malvado más temible del cine, pues le interpretó en la trilogía original de La guerra de las galaxias, si bien le puso la voz James Earl Jones. Además, cuando llegó el momento de que el personaje revelara su rostro, en una secuencia de El retorno del jedi, fue sustituido por otro actor, Sebastian Shaw, experiencia dura para Prowse, pues no se le comunicó la decisión, y se enteró según se ve en el film por un periodista, y por lo que vio en la pantalla. Desde entonces ha roto relaciones con George Lucas, que jamás ha retomado el contacto con él, y no le invita a las convenciones oficiales de la franquicia. Presenta al actor octogenario viviendo en el anonimato en las afueras de Londres, rodeado de su esposa e hijos. A continuación reconstruye su vida, desde que se convirtió en campeón de halterofilia, y pasó a rodar filmes de la productora británica especializada en terror Hammer, como Frankenstein y el monstruo del infierno, de Terence Fisher. En el cine se le vio la cara en La naranja mecánica, de Stanley Kubrick. Y se hizo muy popular por una serie de anuncios para que los niños aprendieran a cruzar con precaución, empleo por el que años más tarde fue condecorado por la reina. Aunque George Lucas ha declinado la oferta de ser entrevistado, I am Your Father ofrece valiosos testimonios, de compañeros, como el también culturista y actor Lou Ferrigno, Kenny Baker –que estaba en el interior de R2-D2– y numerosos fans. Destaca la voz de Gary Kurtz, legendario productor de la saga y de títulos como Apocalypse Now. La película resulta emotiva, sobre todo el tramo final, centrado en la reconstrucción, con ayuda de un grupo de fans, de cómo habría sido la escena de El retorno del Jedi en la que Darth Vader se redime y se quita el casco con este actor. Por desgracia, Lucasfilm no ha dado permiso para que se exhiban las imágenes, por lo que el resultado no se puede ver en pantalla.
6/10
(2013) | 87 min. | Documental
    A pesar de que sus propuestas son minoritarias, Ventura Pons rueda a buen ritmo, pues más o menos estrena una película al año. En esta ocasión regresa al género documental, donde brilló años atrás con dos de sus mejores trabajos, Ocaña, retrato intermitente, en torno a la figura de un carismático artista, y El gran gato, homenaje a otro, un cantante fallecido. Ignasi M se centra en el personaje al que alude el título, un prestigioso museólogo seropositivo, que a pesar de ser homosexual, tuvo dos hijos con su ex mujer. En la actualidad pasa un momento muy duro, pues su empresa ha quebrado por culpa de la crisis, y la madre de sus retoños se ha quedado parapléjica al tiempo que ha descubierto, sus inclinaciones lésbicas. Además, Ignasi ha hipotecado su casa y se encuentra al borde del desahucio, y su padre se ha intentado suicidar. Ciertamente, más allá de la descripción de la estrambótica familia del protagonista, Ventura Pons apenas tiene qué contar, así que los escasos 87 minutos de Ignasi M se hacen interminables. Su humor basado en constantes alusiones al sexo puede resultar algo desesperante. Tiene cierto interés, en todo caso, su dibujo de una sociedad desnortada, donde el 'todo vale' conduce a situaciones surrealistas, y donde los lazos familiares sobreviven al hedonismo y a la obsesión por las relaciones carnales.
3/10
(2017) | 116 min. | Drama
1937, en el Frente de Aragón. Lluís de Brocà, teniente republicano, llega a su nuevo destino en el pueblo donde también sirve su inseparable amigo Juli Soleràs. Éste se preocupa más que él por una amiga común de Barcelona, con la que el oficial tuvo un hijo, llevándoles comida. Por su parte, Lluís vuelca toda su atención sentimental en Carlana, criada que tuvo dos hijos no reconocidos con el terrateniente local, asesinado cruelmente por los anarquistas. Ésta le pedirá ayuda para falsificar papeles que demuestren que su señor al presentir su destino se casó con ella para garantizar el futuro de los niños… Si en su trabajo más destacado, Pan negro, de 2010, Agustí Villaronga reconstruía los duros años de la postguerra, ahora sitúa la acción en plena contienda civil española. Incierta gloria adapta la novela homónima, clásico de las letras catalanas, de Joan Sales, catalanista y comunista, pero a pesar de esto último también católico, que como consecuencia ofrece una visión más compleja y realista de lo habitual de la Guerra Civil, que desde la perspectiva republicana, reconoce los errores de su bando. Como consecuencia, el film del mallorquín resulta menos maniqueo de lo que se suele ver en las numerosas incursiones del cine español en esta temática en las últimas décadas. Aquí existe algún personaje del bando ‘rojo’ guiado por el idealismo, pero otros, más exaltados, se dejan llevar por la ira, y el odio, lo que da lugar a asesinatos, y quema de iglesias y conventos. Describe realidades poco divulgadas de los milicianos, como el fervor a la Virgen en las fiestas populares, o que pese al ateísmo y la persecución religiosa se sigue celebrando la Navidad. Agustí Villaronga tiene a su servicio a algún actor que se luce, en especial Núria Prims, con su Carlana, prototipo de los inevitables aprovechados, que en un conflicto nadan entre ambas partes, sólo preocupados por medrar. También brilla Oriol Pla, como Juli Soleràs, chiflado con corazón. El tercero con mayor peso, Marcel Borràs, realiza un loable esfuerzo, pero no acaba de estar bien explicado del todo su personaje Lluís de Brocà, que primero ignora a la madre de su hijo y a éste, luego les acoge y les adora… Tampoco tienen la misma calidad todos los secundarios, pues realiza una labor encomiable Luisa Gavasa, que aprovecha su origen aragonés, pero en cambio el gracejo natural de Fernando Esteso juega esta vez en su contra, pues rompe la tensión dramática, y no se entiende muy bien por qué se recluta a Juan Diego para un personaje que sólo aparece brevemente en dos secuencias. En suma, la irregularidad marca el conjunto, pues por un lado el responsable de Tras el cristal vuelve a mostrarse como un gran creador de atmósferas, con un personalísimo sello personal. Por otro, no logra remontar un guión al que le falta una reescritura para remendar agujeros, o evitar pasajes que no acaban de funcionar, como las metáforas equinas para explicar la pasión naciente del teniente hacia la señora, muy poco sutiles (“echa de menos al señor, porque era el único que le montaba”). Y por supuesto, la masturbación de éste, que ya no puede más, por si alguien no lo había cogido. No es el único detalle truculento, pues resulta llamativa el empeño del director en desnudar a sus personajes, venga a cuento o no.
5/10
(2019) | 100 min. | Comedia | Drama

Vali y Mina son dos hermanas que son polos opuestos en cuanto a personalidad, separadas por las dificultades y las pruebas sucesivas de la vida. Una es cantante, soñadora e impulsiva, mientras que la otra es terapeuta, distante y racional. Su cariñoso padre finalmente ha encontrado la oportunidad perfecta para reunirlas, aunque sólo sea por un fin de semana, para poder arreglar las cosas entre ellas: Vali tiene una audición en París y es Mina quien deberá acompañarla a pesar de no compartir la pasión musical de su hermana.

(2019) | 105 min. | Drama Tráiler

En la ciudad anárquica de Seaside, cerca del mar, los titiriteros Judy y Punch están tratando de resucitar su espectáculo de marionetas. El espectáculo es un éxito debido a la superioridad de los títeres de Judy, pero la ambición y la adicción de Punch por el whisky les llevará a una tragedia inevitable que Judy deberá vengar.

(2017) | 80 min. | Documental

Kilian Jornet, el mejor corredor de montaña de la historia, escribió cuando era niño una lista de todas las carreras que le gustaría ganar y todas las montañas que soñaba escalar. En mayo de 2017 tachó la última cima de la lista al completar un histórico doble ascenso al Everest solo, sin oxígeno y de una sola tirada. Fue el colofón del proyecto Summits of My Life, que durante cinco años le ha llevado a recorrer picos espectaculares alrededor del planeta acompañado por un pequeño grupo de alpinistas. ‘Path to Everest’ repasa el camino que ha llevado a Kilian Jornet hasta la cima más alta del mundo descubriendo a su paso su cara más íntima con sus miedos, sus contradicciones y sus ilusiones por seguir buscando nuevos retos que le permitan seguir soñando, siempre rodeado de montañas y de aquellos que le inspiran.

(2014) | 80 min. | Terror Tráiler
El balear Alfredo Montero debutó en 2006 con el largometraje Niñ@s, centrado en el abuso infantil, que denunciaba los abusos a menores pero no tuvo ninguna suerte en su distribución comercial. Ahora, ha rodado La cueva, un film más asequible al gran público, sobre todo en lo que se refiere al sector juvenil. Ha obtenido pequeños reconocimientos, como el premio a la mejor actriz (Eva García-Vacas) y actor (Marcos Ortiz), en la sección Zonacine del Festival de Málaga, y también el premio principal a la mejor película de Nocturna, Festival de Cine Fantástico de Madrid. La cueva tiene como protagonistas a dos chicas, Celia y Begoña, y tres chicos, Iván, Carlos y Jaco, que acuden a Formentera a pasar unas vacaciones en plena naturaleza virgen, al estilo mochilero. Cuando descubren la entrada a una cueva escondida en un acantilado, deciden explorarla, pero acaban perdiéndose entre sus angostos pasadizos, lo que conducirá a una situación tan inesperada como traumática. Resulta complicado identificarse con los protagonistas, jóvenes superficiales y frívolos, sin ningún rasgo particular que les aporte carisma. De esta forma, cuando llegan las secuencias en las que lo pasan mal, el espectador no acaba de implicarse. Además, la trama resulta mucho más simple de lo que promete en un primer momento, y a pesar de su ajustada duración, llegan a hacerse lagos los planos de los personajes avanzando perdidos por las galerías. Pero La cueva cuenta con esforzadas interpretaciones de sus actores, todos ellos de anodina trayectoria hasta el momento. Además, el realizador logra una puesta en escena y secuencias de gran tensión, y a pesar del aluvión de cintas de terror cámara en mano, subgénero conocido como "found footage" (metraje encontrado), Montero ha sabido integrar el aparato con el que se filma la acción en la trama, como un objeto más con el que cuentan los personajes.
5/10
(2015) | 94 min. | Thriller | Drama Tráiler
El norteamericano Oliver (Stephen Dorff) y su socio Ricardo (Alberto Ammann) trabajan para un importante hombre de negocios en Nueva York. Están comprando bonos del estado peruanos a bajísimo precio, aprovechando la enorme crisis económica del país. La población más desfavorecida ni siquiera puede acceder a un servicio de sanidad digno y los pequeños agricultores se ven afectados por antiguas políticas agrarias, que han demostrado no ser eficientes. Unos están desesperados y otros buscan lucrarse a costa de los más pobres. Interesante película coproducida por España, Perú y EE.UU. con reparto y equipo internacional, al frente del cual se sitúa el guionista y director debutante Barney Elliott. Podríamos decir que, a diferente escala, la historia del film responde al de un thriller económico al estilo Syriana aunque con mucha menor entidad y repercusión internacional. Pero las premisas resultan igualmente muy actuales y realistas, donde la trama presta especial atención a las grandes tragedias personales que atraviesan habitantes anónimos, daños colaterales y “desdeñables” desde la lejanía financiera de las grandes e insensibles corporaciones, cuando lo único que importa es el lucro personal y empresarial. Falla en el film la narración un tanto obtusa, con tres líneas argumentales que acabarán confluyendo, y el aire tristón del conjunto (a veces rebuscadamente trágico), en general de ritmo lento con algún momento desconcertante. Pero a su favor juega una eficiente labor actoral, en donde está correcto Stephen Dorff (Blade), relegado últimamente a películas de bajo presupuesto, y donde sobresale extraordinariamente el desconocido actor Amiel Cayo en su papel del agricultor Florentino, de enorme potencia expresiva.
5/10
(2018) | 105 min. | Biográfico | Comedia | Drama Tráiler
Como ocurre con los personajes reales de las obras de William Shakespeare, Oscar Wilde se ha convertido en alguien más grande que él mismo, un tipo humano de resonancias universales. Genial escritor, ingenioso e irónico, casado con su amada Constance y padre de dos hijos, homosexual, epicúreo y disoluto, converso al catolicismo, su vida resulta fascinante, y es lógico que atraiga a todo tipo de artistas, que tratan de recrearla de modo que ilumine a las nuevas generaciones. Se nota que para Rupert Everett, guionista, director y protagonista, y reconocido homosexual, este film es un proyecto muy personal, en el que se ha metido hasta los tuétanos. El cineasta vertebra la trama en torno al conocido cuento de Wilde “El príncipe feliz”, que se corresponde con el título original del film, mucho más atinado que el adoptado en la versión española. Porque la idea es subrayar la hermosura del amor imposible entre Wilde y su buen amigo Robbie, del que el cuento viene a convertirse en símbolo, mientras se subraya el contraste con la relación tempestuosa y pasional con Bosie, que dio pie a la acusación promovida por la familia de éste de sodomía, y que llevó a su estancia en prisión y consiguiente caída en desgracia. El film, triste, se centra en los años que siguen a la salida de la cárcel de Wilde, donde ha escrito en forma de carta a Bosie su “De profundis”, con su estancia en París, en que se bascula entre la atención que le prestan sus amigos, su encuentro con el cristianismo, sus adicciones, sus esfuerzos por suavizar la relación con su esposa y su promiscuidad autodestructiva. Destaca el esfuerzo de Everett por ofrecer una visión poliédrica del personaje, nada complaciente, y que maneja mucha de la información contrastada que se conoce sobre él, aunque siempre con su prisma personal. Logra componer con convicción a Wilde, y se ha rodeado de un plantel de buenos actores: Emily Watson y Tom Wilkinson, como la mujer y el sacerdote, son poderosos aunque tengan pocos minutos de metraje. Edwin Thomas y Colin Morgan saben ofrecer las dos caras del amor que profesan a Wilde, y Colin Firth el de la amistad difícil de otorgar cuando el otro ha caído en barrena.
6/10
(2019) | 110 min. | Comedia Tráiler
Una amable película que viene a decir que algunos ladrones sí son gente honrada. Adapta “La fábrica de la Usina”, una novela de Eduardo Sacheri que se hizo acreedora del Premio Alfaguara en 2016. Y en el seguimiento de un esquema de película de robos perpetrado por “no-profesionales”, sigue las pautas de filmes como Atraco a las tres y Granujas de medio pelo, y en su deuda a los clásicos cinematográficos del subgénero, se permite una justa cita a Cómo robar un millón y..., del gran William Wyler. En una población rural cercana a Buenos Aires, un grupo de giles –termino para designar a la buena gente, trabajadora, tal vez algo ingenua...–, liderado por Fermín Perlassi, vieja leyenda del fútbol local, suman fuerzas y dinero para formar una cooperativa agrícola aprovechando los silos e instalaciones de una explotación abandonada. Unos pocos dólares aquí y otros pocos allá devienen en cantidad suficientemente importante para ser depositada en la caja de seguridad de un banco. Cuando el director de la entidad aconseja a Perlassi ingresar el dinero en una cuenta para obtener el crédito que necesitan para realizar toda la inversión, se produce el corralito de 2001 que afectó a toda Argentina, y pierden todo lo que que tenían. No es la única desgracia que se produce, y el disgusto de todos es mayor cuando se enteran de que han sido estafados, el director del banco y uno de sus clientes más importantes, Fortunato Manzi, sabían lo que se avecinaba. Un año después, un cúmulo de circunstancias les lleva a un descubrimiento excepcional: Manzi ha excavado una cámara de seguridad en medio del campo, donde oculta todo el dinero robado. Trazarán entonces un plan para hacer justicia. Sebastián Borensztein, responsable de títulos de interés como Un cuento chino y Capitán Kóblic, dirige y coescribe el film con el autor de la novela, y volviendo a contar con Ricardo Darín como productor y en el capítulo interpretativo, aunque aquí integra un reparto bastante coral, es protagonista pero menos. La narración se hace amable de cabo a rabo gracias a la dignidad y decencia de los personajes, divertidos y con rasgos entrañables, desde los hermanos tan contentos con sus teléfonos móviles, al antiguo zapador del ejército, pasando por el hijo que necesita independizarse de la madre y volar por su cuenta, o el otro que deja sus estudios para ayudar en casa tras las crisis, o al anarquista de boquilla al que encarna Luis Brandoni. Y por otro lado, está bien trazada y explicada la peripecia de quienes, estudiando bien las cosas, roban a un ladrón y merecen lo mejor por ello.
7/10
(2020) | 111 min. | Thriller | Drama

Violeta, psiquiatra, recibe una visita inesperada a su consulta. Se trata de Rita, la mujer de Jan, un antiguo amor de adolescencia de Violeta que marcó su vida tras abandonarla de forma traumática veinte años atrás. Rita acude a Violeta con el pretexto de recuperar el amor de su marido. Lo que Violeta desconoce es que la visita de Rita es el primer paso de un plan trazado por Jan para sumergirla en el pasado.

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