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Lista de cine

Lista de películas de la distribuidora Alfa Pictures

(2020) | 76 min. | Comedia Tráiler
Durante ocho años, José Vicente se ha volcado a estudiar una oposición, con la esperanza de establecerse con su novia, y abandonar la casa de los padres de ésta, que le mantienen. Al fin salen las listas, en las que aparece como aprobado, lo que desencadena una gran alegría en su entorno, incluso sus suegros adelantan para la entrada del piso todo su dinero. Por desgracia, una llamada advierte a José Vicente de que se ha producido un error administrativo, en realidad no tiene plaza, sino que ha quedado como primer suplente. De ahí que una siniestra idea le ronde la mente: ¿y si asesina al inmediatamente anterior para ocupar su puesto? Tercer largometraje dirigido por Alfonso Sánchez, que sorprendió gratamente con El mundo es nuestro, y un poco menos con El mundo es suyo, ambas protagonizadas por él junto a su socio, Alberto López, con quien forma el dúo cómico conocido como Los Compadres. Aquí ensaya un camino nuevo, no construye un film apoyado en los diálogos entre los dos humoristas, sino una comedia de tintes negros, pero con cierta elegancia, que por momentos se diría que aspira a imitar a Plácido, de Luis García Berlanga, y Arsénico por compasión, de Frank Capra. Por desgracia, no llega ni de lejos a esas alturas. Al guión le falta una vuelta de tuerca, pues si bien el arranque le saca mucha punta a la picaresca española, y a la desesperación por culpa de la precariedad económica que puede llevar a un individuo a cualquier cosa, con tal de asegurarse un puesto vitalicio, aunque sea como funcionario mileurista. Pero después pierde fuelle cuando la acción se encierra en un apartamento. Aún así, logra la carcajada por momentos; Sánchez ha decidido quedarse relegado en un papel secundario, cediéndole todo el protagonismo a López, que explota su gracia natural. No todo el reparto consigue el mismo nivel, aunque hay de todo.
4/10
(2019) | 95 min. | Fantástico | Terror Tráiler
Un futuro sin determinar. Uma se despierta en un lugar desconocido de la noche a la mañana: un misterioso islote en medio del mar que se asemeja a un vergel, en donde otras mujeres pulcras y vestidas de blanco pasan las horas en los jardines como si de diosas se tratara, servidas por elegantes jóvenes. Allí se respira una extraña paz. Pronto sabrá Uma que está en ese lugar para ser reeducada obligatoriamente durante dos meses, el tiempo necesario para que acepte la proposición de matrimonio que ha rechazado. Al poco tiempo se hará amiga de otras jóvenes que está allí encerradas por otros motivos. Tenía buenas hechuras este film de ciencia ficción distópica con elementos de terror y misterio. El punto fuerte es el planteamiento y una ambientación recargadísima al estilo jardín del Edén, verdor y flores por doquier, personajes envueltos en gasa y maquillaje, colores límpidos, luz clarísima, aspectos que dan como resultado una cárcel de seda, enigmática e inquietante. Se trata del primer largometraje de la española Alice Waddington (Bilbao, 1990), que rueda en inglés con actores extranjeros, aunque la producción es enteramente española. Desde luego, audacia no le ha faltado, aunque el resultado final no alcance cotas demasiado altas. La sensación con Paradise Hills es que se malogra una buena oportunidad de causar impacto. Se genera gran interés al principio, pero poco a poco la cosa se vuelve blandita, con un desarrollo más lento de lo conveniente y un giro de los acontecimientos que se ve venir, aunque el guión –en donde ha participado la propia Waddington y Nacho Vigalondo– no deje de ser original, con ideas que funcionan, como la de la división social en Uppers y Lowers, a la que por otra parte podría habérsele sacado mayor partido. Pero en general falta emoción y la tensión acaba estando muy por debajo de las expectativas. El conjunto es poco consistente. También se antoja un error de bulto la introducción de un importante elemento fantástico que desconcierta y resta credibilidad, además de ayudar a que la pesadilla distópica se diluya y tome derroteros más efectistas. Con todo, la película se deja ver. Aunque lo mejor, acaba siendo seguramente el cuidado diseño de producción a cargo de Laia Colet. Mientras que el trabajo de las actrices, en donde destaca una convincente Emma Roberts, es correcto, aunque probablemente se echa de menos una mayor presencia de Milla Jovovich.
5/10
(2017) | 131 min. | Romántico | Biográfico | Comedia | Drama Tráiler
En su hotel de México es hallado el célebre escritor Romain Gary en un estado de desvanecimiento lamentable, lo que hace temer por su vida. Su mujer Lesley le traslada a un hospital de la capital, y durante el trayecto irá leyendo el último manuscrito de Gary, "La promesa del alba", un libro autobiográfico dedicado a su madre. Ahí narra cómo ella consiguió sacarle adelante a través de imposibles situaciones y cómo le inculcó su obsesión por llegar a lo más alto. Año tras año, durante las múltiples vicisitudes que atravesó la vida del escritor, el aliento materno no sólo no le faltó, sino que fue el constante estímulo de su vida. Ciertamente la vida de Romain Gary (1914-1980) es una tremenda aventura llena de contratiempos, viajes, fracasos y éxitos artísticos, vaivenes vitales. No sorprende que Jules Dassin ya llevara su historia a la pantalla en 1970. Nacido en Vilnius (entonces ciudad polaca de Wilno) como Roman Nacew, pasó una infancia pobre y sin recursos, bajo un dominio materno obsesivo que dirigía sus pasos hacia un futuro que ella presagiaba glorioso. Para su madre Nina su hijo llegaría a ser un artista consumado, además de oficial del ejército francés, diplomático, etc. No importaban las dificultades, su hijo triunfaría y ella se dejaría la vida en ello. Asombra ver que el empuje de Nina convirtiera en realidad sus sueños. El director Eric Barbier (The Last Diamond) toma este relato autobiográfico del escritor y le da forma de modo bastante correcto, eludiendo con soltura el aspecto episódico, con un tono de leve comedia –tiene su gracia, por ejemplo, cómo termina imponiéndose la literatura en la vida del niño, en lugar de la música o la pintura– y acentuando siempre la imponente presencia materna (incluso más allá de la muerte) a través de las edades del hijo, niño, joven, adulto. El resultado es meritorio, aunque no entusiasme. Llevada con ritmo ágil y con un estilo narrativo eficaz, que alterna la tercera y la primera persona, Eric Barbier se mueve bien por los diferentes escenarios de la vida de Gary, que incluye lugares de Polonia, Francia, Inglaterra, África, México. Aunque quizá el film pueda hacerse demasiado largo an algunos pasajes, debido a las reiteradas cuitas del protagonista (un tanto agotadoras), siempre presente con esa sempiterna angustia personal de no estar a la altura de los anhelos maternos. Los actores están muy bien, tanto Pierre Niney, a quien ya vimos con el mismo estilo de zozobra interior en Frantz, como Charlotte Gainsbourg en el papel de la madre obsesionada con el futuro de su hijo.
6/10
(2016) | 105 min. | Comedia
Ópera prima como realizador y coguionista de Pol Rodríguez, hasta el presente ayudante de dirección en numerosos títulos, algunos relevantes, como Pan negro. Tomás, un anciano, desea enterrar a su esposa en Quatretondeta, una pequeña localidad, cumpliendo el deseo de la fallecida. Pero en la funeraria no se lo permiten, pues ha reclamado el cadáver una supuesta hija de la mujer, cuya existencia desconoce el propio viudo, así que éste opta por robar el coche fúnebre con el cadáver en su interior… El cineasta, de origen alicantino, toma como modelos los filmes más esperpénticos del valenciano más relevante del cine, Luis García Berlanga. Pero si en las obras del maestro los personajes, por muy exagerados que se presentaran, resultaban fácilmente reconocibles, aquí muchos de ellos (el ayudante del enterrador que se niega a hablar, etc.) parecen “marcianos”, y el humor de tintes negros que aquél explotó en obras maestras como El verdugo, aquí no tiene la más mínima gracia. El film acaba resultando aburrido, sobre todo en un punto en el que se empeña en realizar la promoción turística de las fiestas de Moros y Cristianos, en secuencias que no aportan nada al conjunto. Se desaprovecha así un esquema –el encuentro entre el anciano romántico y la joven desarraigada– que podría haber dado juego. No logran remontar el film los esforzados actores, por mucho que el veterano José Sacristán imponga ternura a su personaje, que Laia Marull también rebose humanidad, y que Julián Villagrán, el funerario, tenga cierta gracia. Sobresale en todo caso un inmenso Sergi López, como el brutote criador de pollos Genovés, el mejor hallazgo de la cinta.
4/10
(2015) | 110 min. | Comedia Tráiler
Al cine español se le suele animar con frecuencia a mirar a Hollywood, para así poder llegar al gran público y no quedarse en cintas que sólo interesan al que las hace, y a pocos más. Este título de Alfonso Albacete tiene esa intención, no es casual su mención a toda una ristra de películas romanticonas, incluida, cómo no, Pretty Woman. Pero querer no es poder, aunque se urdan mil y un enredos, se llene la pantalla de chicos y chicas monos, no falte la amiga a la que se confía todo, y hasta se incluyan coreografías musicales. La clave es la coherencia, que la suspensión de la incredulidad que se reclama al espectador esté justificada, lo que no es el caso. La cinta sigue a Oli, que trabaja en una perfumería, y está fascinado por el actor Eric Soto, que viene a hacerse unas fotos publicitarias a la tienda. Y desde luego el amor es ciego, porque Oli no se da cuenta de que quien de verdad le quiere es su compañero de piso Carlos, al que no presta la más mínima atención, porque ha supuesto que es gay, lo que no es ni por asomo. Aunque puede que eso del amor esté sobrevalorado, porque Carlos, psicólogo, está escribiendo un libro, en que lo reduce a pura química, secreción de sustancias y cambio en las cifras estadísticas de las mismas. Más de seis años han pasado desde las exitosas entre el público, pero de escaso valor, Mentiras y gordas, que hizo con su habitual compañero tras la cámara David Menkes. Ahora en solitario no mejora demasiado, quizá el tono es más ligero, pero la mirada a las relaciones afectivas es tremendamente superficial, cuestiones como el compromiso, o lo que debería valorarse en el hombre o la mujer de tu vida, brillan por su ausencia. No es que uno espere un tratado sobre el amor, pero tras visionar el film, si éste es algo más que química, ese algo debe ser el puro azar, pero no la entrega, el sacrificio, etc, que vendrían a ser pura zarandaja. Por otro lado las subtramas –el padre que regenta un gimnasio– dan pie a momentos forzados –salvemos esta gran labor social–, y las menciones a la prensa rosa y sus abusos no conducen demasiado lejos. Los actores se limitan a estar, con más o menos gracia.
3/10
(2014) | 95 min. | Animación Tráiler
Nobita es un niño de diez años que acumula todos los defectos imaginables: tremendamente patoso, le da pereza hacer las tareas escolares, tiene miedo a los perros, etc. Pero un día se presenta en su habitación Sewashi, un chico del futuro que asegura ser su tataranieto. Puesto que Nobita acabó siendo un fracasado, lo que trajo como consecuencia la pobreza de sus descendientes, el recién llegado le deja como mascota un gato-robot, Doraemon, que con sus sofisticados aparatos tecnológicos ayudará a su nuevo dueño a resolver los problemas cotidianos. Con motivo del 20 aniversario de Doraemon, se estrena la primera película en animación 3D del célebre gato robótico. Stand By Me Doraemon no tiene ni de lejos la calidad de las grandes producciones estadounidenses, mientras que sus personajes resultan algo sencillos y carecen del encanto que sus versiones en animación tradicional. Sin embargo, el prolífico realizador especializado en serie B Takashi Yamazaki y el debutante Ryuichi Yagi se las apañan para que el producto funcione. A modo de homenaje, el guión mezcla las tramas de diversos episodios que componen más o menos la historia global del personaje, por lo que resulta muy accesible para espectadores neófitos. Sorprende gratamente que tenga mayor calado que el resto de entregas, y que este tipo de producciones niponas para toda la familia. De hecho, reflexiona sobre la madurez, en la línea de (salvando todas las distancias posibles) Toy Story 3, que parece el modelo que se ha querido imitar, añadiendo algo de dramatismo. Así, le da la vuelta al esquema del propio Doraemon, donde habitualmente el niño no tiene que esforzarse porque los inventos del gato le resuelven todos los problemas, y pone de manifiesto la necesidad de cada uno de salir adelante por sí mismo. Aunque consigue trazar una interesante evolución del personaje central, por desgracia el film da gato por liebre, y no acaba en el punto en que debería hacerlo. Se ha optado por añadir un doble final, decepcionante, y supuestamente feliz, cuando el camino que en un primer momento parece que va a seguir tenía mayor enjundia.
5/10
(2019) | 132 min. | Acción | Thriller Tráiler
Dos capitanes de la policía, Jeong Han-soo y Han Min-Tae, rivalizan por un ascenso. Ambos tratan de resolver el asesinato de una joven, cuyo cadáver ha aparecido con las extremidades amputadas. Cuando Han-Su arresta a un turbio religioso que podría ser el culpable, el caso se da por cerrado, pero pronto Min-Tae encuentra evidencias de que su oponente ha metido la pata. El cine surcoreano vive un gran momento, no sólo por los cuatro Oscar –incluido el relativo a mejor película– de Parásitos, de Bon Joon-ho, sino también por la calidad media de sus producciones. Así lo demuestra este correcto título, debut como realizador de Lee Jung-Ho, guionista de The Tooth and the Nail, que apunta maneras. Su tono oscuro recuerda en cierta medida al de Memories of Murder, uno de los mejores trabajos del primero. En realidad versiona libremente el film francés Asuntos pendientes (2004), con cambios sustanciales, pues allí los agentes encarnados por Daniel Auteuil y Gérard Depardieu se enfrentaban a una banda de atracadores, que aquí son sustituidos por un asesino en serie. Se ha limitado también la trama romántica que daba tanto juego. Podría ser un film más redondo, pues abre algunas subtramas innecesarias. También queda la sensación de que prima la ligereza, pese a que el principio una frase impresa en la pantalla promete una reflexión sobre la ética que deben seguir los agentes de la ley a la hora de perseguir a auténticos monstruos, si a veces puede estar justificado ‘saltarse las líneas’, corriendo el riesgo de transformarse en otra bestia. Se apunta también una idea muy oriental que podría haber dado más juego, pues los polis se sienten como Sísifo, condenados a una tarea que nunca acaba, quizás como castigo por acciones cometidas en otra vida. También se echa de menos que se aporten más datos sobre el pasado de los protagonistas, que se supone que antaño se llevaban bien, para que se entienda del todo por qué están enfrentados. Y se abusa del recurso a que cada vez que se encuentren están a punto de pegarse pero les separan, además de que algunos segmentos resultan confusos. Pese a todo, Jun-Ho rueda brillantes secuencias de acción, sobre todo un asalto a un piso, y el tramo final, manteniendo en todo momento la intriga. Quizás las interpretaciones de Lee Sung-min (Han-soo) y Yoo Jae-myung puedan parecer exageradas a los ojos occidentales, pero no cabe duda de que ambos rebosan carisma.
6/10
(2017) | 97 min. | Aventuras | Animación | Comedia Tráiler
El joven pingüino Maurice se pinta con rayas de tigre para parecerse a su madre adoptiva, que en el pasado formó parte de los Campeones, equipo de justicieros que hacía frente a amenazas como el koala pirómano Igor, adversario digno de James Bond, obsesionado con destruir la jungla. Maurice abandona su hogar para fundar su propio grupo de vigilantes, donde estará acompañado por el pez payaso junior en su pecera, el gorila azul Miguel, el científico Tarsier Gilbert y la murciélago Batricia, mientras que los sapos Al y Bob se supone que forman parte del equipo pero no acompañan a los demás en sus misiones. Primer largometraje de CGI para salas de cine de los personajes, creados para el telefilm francés de animación convencional Les As de la jungle: Opération banquise, de 2011, seguido de las series Les As de la jungle en direct (2012) y Les As de la jungle à la rescousse (2013), emitidas en diversos países, entre ellos España. Tiene a su favor el atractivo diseño de los personajes, deudores de la producción de DreamWorks Madagascar, mientras que la técnica ha llegado a un punto en el que incluso los filmes de presupuesto reducido logran resultados aceptables en cuanto a animación se refiere. Tiene un tono amable para el público familiar. Por desgracia, el desarrollo resulta demasiado convencional le faltan elementos originales con pegada, los diálogos no tienen demasiado nivel, y la trama no engancha en ningún momento, salvo al público infantil.
4/10
(2013) | 100 min. | Drama
Geni ha pasado por una dura experiencia. Un accidente, por el que aún arrastra una visible cojera. Aunque más visibles son las heridas psicológicas, que le impiden llevar una vida normal, aunque su esposo, sus hermanas, su padre, se esfuerzan por ayudarle, quieren, como asegura el título de la película, "lo mejor para ella". No sólo reincorporarse a la vida laboral, sino tareas como la de coger un taxi, pueden ser muy complicadas para la frágil Geni. El reencuentro con una antigua compañera del colegio, Mariana, despertará en Geni ilusiones juveniles nunca satisfechas. Mar Coll, cineasta surgida de la prestigiosa escuela de cine catalana ESCAC, continúa la línea marcada por su debut en el largo con Tres días con la familia. Con estilo sobrio, sin concesiones para el artificio –la única sería la de la película en DVD sobre un milagro en una historia de monjas–, pinta de modo convincente los problemas psicológicos de la protagonista, y el esfuerzo sincero de sus seres queridos, su familia, por ayudarla, dentro de las propias limitaciones de cada uno. El planteamiento puede recordar a La herida de Fernando Franco, estrenada con pocas semanas de diferencia. Las razones que hacen de Todos queremos lo mejor para ella una película superior estriban en una trama más elaborada: dentro de que el fondo es semejante –existe una situación que hay que encajar, vivir y convivir con ella–, el deseo de avanzar de los personajes, que las cosas sean mejores, resulta más palpable, y da más alas a una historia que de por sí resulta incómoda, y por tanto ardua, para el espectador medio. Nora Navas hace un buen trabajo como protagonista, evitando las tentaciones histriónicas. Le apoya un reparto apañado.
6/10
(2015) | 70 min. | Drama Tráiler
Sencilla pero inteligente es la última propuesta de Marc Recha, el “catalán iraní”, que entrega una historia minimalista rodada con su propio hijo Roc, e incluso él mismo, que una mirada superficial podría describir como una tonta película doméstica, en que se registra lo que da de sí un día en el campo con un chaval tratando de hacer volar una cometa. En efecto, ése es el punto de partida, Roc está solo tratando de hacer volar una cometa que le ha hecho su padre. Aparece entonces Sergi, con el que disfruta no sólo con la cometa, sino escuchando sus cuentos acerca de un gigante, con el que ríe gustoso, existe entre ambos una complicidad. Es cierto que la descripción de esta relación paternofilial con el preguntón Roc y el ocurrente Sergi se alarga, y puede cansar, pero de algún modo la cometa es un símbolo de la misma película a la que hay que echar hilo para que vuele, y sirve para dejar bien asentada la idea de lo bien que lo pasan juntos, simplemente estando, conociéndose, creciendo en la mutua confianza y en el amor. Lo que en tiempos de aparatos electrónicos que convierten en autistas a los niños no tiene precio. Además, Marc Recha sabe pegar a su historia un giro final sobrio y sorprendente, que tiene su encanto, y que apuntala la idea de que nada hay mejor en este mundo que las relaciones con otras personas basadas en el amor. El chaval es muy natural y también Sergi López entrega una interpretación donde se limita, para bien, a ser él mismo.
6/10
(2017) | 90 min. | Comedia
Una familia de cuatro hermanos: Oreste, Giacinto, Fanny y Alex. Su padre, viudo, lleva cinco años en coma y las necesidades económicas apremian. Decidirán entonces de mutuo acuerdo vender la casa familiar. Pero al poco tiempo de firmar el contrato recibirán la noticia bomba: su padre ha despertado, tiene buena salud y espera volver a casa cuanto antes. Simpática comedia italiana, debut en la dirección del actor Augusto Fornari, que también hace labores de guionista. Retrata a un grupo de hermanos muy distintos –el despreocupado "bon vivant"; el solitario y estirado; el padre de familia bonachón; la emotiva y sufridora– que a duras penas podrán ponerse de acuerdo con los planes para mantener la farsa en que se sustenta la película: mantener la ilusión de que la casa sigue siendo de la familia. Tienen cierta gracia las secuencias iniciales con los gitanos, así como los ridículos intentos por disimular el mobiliario inicial de la mansión, y a lo largo del metraje la trama dará lugar a situaciones más o menos ocurrentes y divertidas, al tiempo que impera el elogio de la unión y el cariño familiar por encima de las diferencias. No hay escenas especialmente memorables, ni grandes momentos de carcajada, aunque sí de variadas sonrisas, y también pesa el final demasiado abrupto, poco original y sorprendente, pero dentro de su tono ligero Una casa, la familia y un milagro es una comedia más que correcta. El reparto cumple.
5/10
(2017) | 95 min. | Drama Tráiler
La actriz madrileña Barbara Lennie se transmuta en argentina para protagonizar Una especie de familia, donde le toca interpretar a Malena, una aspirante a madre, de buena posición, proveniente de Buenos Aires. Se ha trasladado al hospital de una zona paupérrima con la esperanza de adoptar, sin esperar a trámites legales, un hijo, que espera Marcela, ya madre de unas cuantas criaturas, y que no tiene medios para alimentar una boca más. Las cosas no van a ser tan fáciles. El marido de Marcela ha sufrido un accidente, y ahora quieren más dinero por entregar el niño. Diego Lerman, ayudado en el guión por María Meira, describe el deseo de una mujer por ser madre a toda costa. Y a la hora de plasmarlo en la película, opta por dejar cosas fuera de campo, lo que desconcierta y deja demasiados interrogantes en el espectador, las respuestas están apenas insinuadas: ¿por qué Malena no tiene hijos propios? ¿Qué pasa con su marido, ausente al principio en la aventura? ¿Los cauces ordinarios para adoptar no son suficientes? ¿Hay mafia en este terreno o sólo “iniciativa privada” para atajar una miseria ante la que las autoridades se ven desbordadas? Hay algunos aspectos del film que tienen fuerza, la mujer que sufre por no tener un hijo, la mujer que sufre por perderlo, el común sufrir, se sea rico o pobre. Cinematográficamente puede impresionar el ataque de langostas, pero suena a capricho esteticista; hay un trabajo de cámara muy cuidado, la fotografía del polaco Wojciech Staron es bella, los planos tienen una cualidad pictórica, siguiendo a Malena, o en ese general con que se cierra la película. Pero no basta para hacer convincente la narración, la tozudez de Malena por tener el hijo como sea, y su decisión final, tienen un toque de impostura, a pesar del esfuerzo actoral de Lennie.
5/10
(2013) | 91 min. | Drama

En el año setenta y uno, a finales del franquismo, Mercè Rodoreda, una de las autoras europeas más importantes del siglo veinte, coincide en Ginebra, donde vivía, con el crítico literario y editor Josep Maria Castellet y le invita a merendar en su casa. La escritora, ciertamente un personaje recóndito, guardaba el secreto de todo lo que la concernía, se había convertido ella misma en secreto o, quizás, incluso, en productora de secretos. Pero aquella tarde, extrañamente, se abrió y compartió muchos de ellos.

(2018) | 92 min. | Drama Tráiler
Desde que no está su marido, a Estrella, costurera de talento ahora retirada, sólo le dan algo de vida los fugaces instantes con su hija Leonor, quizás para ver algún capítulo de una serie, si bien ella tiende a hacer sus propios planes. La muchacha se siente a disgusto en su nuevo trabajo, como planchadora en un taller textil, así que aspira a irse a Londres a trabajar como ‘au pair’, para aprender el idioma, aunque eso implique la separación temporal de su madre. Acertada ópera prima de la sevillana Celia Rico Clavellino, autora del corto Luisa no está en casa, con las luces y sombras del trabajo de una primeriza, por un lado todo parece bastante sentido, se nota que ha meditado bastante sobre lo que quería contar y que no le pilla de lejos, atención al momento en que da importante información mediante la conversación telefónica con una teleoperadora. Por otro, acusa algún problema de segmentos reiterativos (la segunda teleoperadora), de ritmo o de falta de dirección concreta del relato, que no dan al traste ni de lejos con la obra de una realizadora a la que va a haber que seguir. Explora bastante bien, con enorme sutilidad las ansias de independencia juveniles, en paralelo a la otra cara de la moneda, la perspectiva de quien se queda sola, con la dificultad añadida de ser viuda. Es una maravilla contemplar el trabajo de Lola Dueñas, que sabe imprimir como nadie la contradicción de quien por un lado no quiere que su retoño se vaya, pero que por otro desea lo mejor para ella. Está muy bien acompañada por Anna Castillo, que también refleja que para su personaje irse no resulta fácil, y por el siempre sorprendente Pedro Casablanc, pese a que le ha tocado un personaje más breve, bailarín aficionado por el que Estrella se sentirá atraída.
6/10
(2015) | 91 min. | Thriller Tráiler
En un pequeño pueblo de las montañas vive una comunidad de trabajadores en torno a una fábrica de hierro. Son hombres y mujeres clasificados en dos grandes grupos, entre los que no hay relación. El régimen de vida en el villorrio es estricto, casi de esclavitud: trabajo en la fábrica y regreso a sus casas, sin posibilidad de salir del estrecho cerco que los rodea, denominado “la frontera”. Pero un trabajador, Jonás, empezará a indagar sobre su situación cuando un accidente cuesta la vida a su mujer y su hijo. Interesante film español de planteamiento sumamente atractivo, escrito y dirigido por el debutante argentino José Skaf. Los primeros minutos atrapan sobremanera, marcados por la atmósfera opresiva del lugar, donde hombres y mujeres pululan cual muertos vivientes, sin iniciativa, sin alegría, al tiempo que reciben las consignas de una especie de gobernador. La sensación es que estamos ante una especie de secta cuyo líder –qué enorme presencia tiene José Sacristán– mantiene bajo su bota a unos súbditos sometidos intelectualmente que sólo funcionan como peones para servir a ocultos propósitos. Las gentes de esa pequeña localidad viven perpetuamente asustados de lo que sea que haya tras la enigmática “frontera” y se mueven por una especie de kantiano deber ancestral del que no dudan ni un momento y que escuchan cada día una y otra vez: mantener el fuego, es decir, dedicar su vida a trabajar el hierro en la fundición. Pero qué lástima. Podíamos haber estado ante un film brillante, inolvidable, muy de acuerdo con los tiempos distópicos, pero con el paso de los minutos se van simplificando las cosas y deja finalmente un regusto a decepción. Porque desde luego Vulcania daba para mucho más. Incomprensiblemente el guión no aprovecha los puntos calientes que se han ido sugiriendo –la libertad, la búsqueda de la verdad y, el más importante de ellos, la capacidad magnética del protagonista que le permite dominar el hierro– y el desenlace es excesivamente precipitado, casi un bosquejo. Parece como si al término del primer acto las ideas se hubieran esfumado, de modo que apenas hay avance ni en la trama ni en las relaciones entre personajes –tenue esbozo el de la relación entre Jonás y Marta–, de manera que se desemboca directamente, torpemente, en el final del tercer acto. Con todo, Vulcania es un film meritorio, original, con algún giro logrado, y que entretiene sin duda gracias a su planteamiento intrigante al estilo El bosque y a la intensidad mantenida durante todo el metraje por el equipo artístico. Miquel Fernández (Fin) aprueba con nota en su papel protagonista, y no le van a la zaga la atemorizada Aura Garrido (qué gran actriz) y el siempre estupendo Ginés García Millán.
5/10

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