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Lista de cine

Lista de películas de la distribuidora Sherlock

(2006) | 105 min. | Documental
Documental dedicado a Robert Wilson, director, escenógrafo y dramaturgo de vanguardia. El film de Katharina Otto nos adentra en la personalidad del controvertido artista, y cuenta con los testimonios de personalidades como Philip Glass, Susan Sontag, David Byrne, William Burroughs y Tom Waits. Según la directora, “se trata de una película sobre una vida plena, y el arte forma parte de ella. No es una película sobre el arte, donde de la vida forma parte de él.” Lo cual no quita para que nos explica el lenguaje y la iluminación que caracterizan a su obra.
4/10
(2008) | 106 min. | Bélico | Drama
Adam Stein es un judío, desequilibrado mental, que en 1961 reingresa en un sanatorio en el desierto de Negev, en Israel. Allí se encuentran otros enfermos mentales que, como él, perdieron la cordura en los años del nazismo en los campos de concentración. Pero Adam es especial, tiene ciertas cualidades de líder, algo que aprecia el director del centro. Y que podría ser especialmente valioso a la hora de tratar a un nuevo huésped, un niño que se cree un perro, y que obliga a Adam a reencontrarse con su doloroso pasado. Irregular película de Paul Schrader, que maneja guión ajeno de Noah Stollman, que a su vez adapta una novela de Yoram Kaniuk. Sin duda que el cineasta demuestra en Adam resucitado su dominio de la narración cinematográfica, donde las escenas de la actualidad se combinan con otras del pasado, en blanco y negro –las del teatro de variedades, el auge del nazismo y los campos de concentración– y color –las de después de la guerra, en Berlín e Israel–, que van explicitando la terrible tragedia del protagonista. El problema de Adam resucitado es su tono malsano que cansa, que se manifiesta en la extraña relación sexual del protagonista con una enfermera, en el empeño del comandante nazi en tener a Adam como un perro bufón, y en los momentos en que se manifiesta la locura de Adam y otros pacientes, reiterativos. Todo da la impresión de ser algo desmesurado, ya sean las escenas en que se culpa a Dios de haber permitido el horror del holocausto, o las del crío que parece que va a ser humano, pero no, o en que uno u otro personaje se ponen a aullar como perros. La búsqueda de la hija tras la guerra da pie también a momentos extraños, de vez en cuando se hace presente en el film un incómodo punto histriónico que te saca de la película. Hay que reconocer que Schrader en Adam resucitado toma riesgos, y que actores como Jeff Goldblum o el habitual William Dafoe cumplen sobradamente, pero el resultado es definitivamente insatisfactorio.
5/10
(2005) | 77 min. | Animación

Los animales de la granja Mullewapp llevan una agradable vida de campo, hasta que reciben una visita inesperada: Johnny Mauser, un ratón que se convierte en el habitante más popular de la granja actuando como el héroe de increíbles historias que cuenta a los demás animales, destronando al gallo Franz. Un día, un lobo hambriento se lleva a la oveja Nube para comérsela. Franz y su inseparable amigo el cerdo Waldemar deciden ir a rescatarla, llevándose con ellos a Johnny, el cual deberá demostrar si es un héroe de verdad o ha estado engañándoles. Durante esta aventura descubrirán que su fortaleza reside en la gran amistad que los une.

(2017) | 98 min. | Biográfico | Drama | Musical Tráiler
Un director llamado Yves Zand rueda una película sobre Barbara, famosa cantante real que triunfó en los cabarets franceses en la década de los 60 y 70. La actriz que la interpreta toca el piano y canta en el plató ante la fascinación del director, fan de la musa desaparecida. El actor Mathieu Amalric gusta de ponerse de vez en cuando detrás de las cámaras para dirigir proyectos bastante personales, no siempre del todo complacientes con el público, véase Tournée o La chambre bleue, de corte claramente minoritario. Así es también Barbara, metacine singular que no entra en los parámetros de biopic convencional, pues ni siquiera pretende contar la vida de la protagonista, sino que asistimos a una serie de escenas que se suceden a raíz de la película que se está rodando sobre Barbara (1930-1997). Las andanzas de la actriz Brigitte, las tomas del film, los traslados a las localizaciones, las canciones interpretadas en diversos escenarios, etc., dan una idea del personaje aunque arrojan poca luz sobre él. Al menos se trata de un material insuficiente para quien no haya estado antes familiarizado con la cantante. Sin un discurso narrativo lineal, más bien valiéndose del que traza sinuosamente el propio rodaje ficticio, Amalric (que también interpreta al director en la pantalla) da muestras de una visión formal novedosa en este bastante peculiar cine dentro del cine, muchas veces desconcertante –a veces es difícil situar lo que estamos viendo en el plano correcto–, otras ciertamente original, como en la mezcla de filmaciones reales y simuladas en una misma secuencia narrativa. En cualquier caso, Barbara es una película rarita, de esas en donde el cineasta se convierte claramente en autor. Mejora el resultado general la presencia de la magnífica actriz Jeanne Balibar, que se metamorfosea en su personaje y que como ella es capaz de interpretar su música a la perfección, con una solidez llamativa.
5/10
(1976) | 90 min. | Comedia | Musical Tráiler
Singular comedia negra con notas surrealistas que la aproximan al esperpento, donde hay espacio incluso para el musical zarzuelero. La dirigió y coprotagonizó Fernando Fernán Gómez en el inmediato postfranquismo, lo que se nota para mal en algunas toscas concesiones al destape típico de la época. Sigue las evoluciones del desigual matrimonio en un pueblo entre don Justino, con una edad y modales no demasiados refinados, y la atractiva y joven Mariana. Lo que resulta un completo chasco para Juan, que estaba haciendo el servicio militar, y que al regresar a casa se ha encontrado casada a su antigua novia Mariana con su tío Justino. Aunque está decidido a respetar a su pariente y a la que ahora llama tía, el hervor de la sangre es demasiado fuerte, y ambos acaban manteniendo una relación a espaldas del engañado. Y como querrían no tener que actuar a escondidas, acabarán acudiendo a la bruja del pueblo, con idea de que un conjuro sirva para deshacerse de Justino. El film, con un guión de Pedro Beltrán, es decididamente gamberro y transgresor, con un tono ácrata muy de Fernán Gómez, con bromas irónicas como ciertos rótulos que advierten al posible espectador escandalizado, que de ningún modo pretenden dar mal ejemplo con su obra artística. Fue la primera vez que Fernán Gómez dirigió a Emma Cohen. Aunque hay algún momento divertido, e ideas ocurrentes como el plano final de una orquesta tocando en medio del campo, es decididamente irregular, demasiado reiterativa y unisituacional, con toques surrealistas que juegan en exceso al desconcierto.
5/10
(2007) | 90 min. | Comedia | Romántico Tráiler
Los Angeles, California. La costumbre es besar a la persona que amas al llegar la medianoche del día 31 de diciembre. En la víspera de nochevieja, Wilson deja un mensaje en Internet haciéndose llamar el 'Misántropo', con la idea de encontrar a alguien con quien pasar el último día del año. La idea en realidad la ha tenido su amigo y compañero de piso Jacob, porque lo cierto es que Wilson está un poco deprimido con el año que ha pasado y lo único de quiere es estar en casa. Una tal Vivien contestará a su mensaje. Ejemplo de cine independiente made in USA, cuyo presupuesto no supera los 25.000 dólares. Con tono muy directo y desenfadado, a veces tan procaz y grosero que sinceramente resulta de mal gusto, la historia narra el encuentro entre dos personajes desconocidos, buena gente, que huyen de la soledad desesperadamente. Durante un día deambularán por las calles y hablarán de ilusiones, proyectos, amor, sexo, etc. y junto con ellos, la ciudad de Los Angeles, sinónimo de magalópolis donde reinan los corazones solitarios –o "el lugar donde fracasan las historias de amor", como dice el protagonista– se convierte en un personaje más, y de enorme fuerza por cierto. La oscura fotografía en blanco y negro –casi todo exteriores– regala imágenes muy bellas, realzadas por un puñado de fabulosas canciones, y algunos momentos del guión son de altura, como la escena del teatro. Los actores hacen verosímiles sus respectivos roles de seres perdedores y en general el film es emotivo. Sin embargo, también resulta bastante deprimente ante la visión de un puñado de personajes que malviven penosamente un día y otro, sin un horizonte vital que dé sentido a sus vidas. Obtuvo el Gran Premio del Jurado del Festival de Florida.
5/10
(2007) | 100 min. | Comedia
  Thomas Vinterberg fue uno de los creadores del Dogma 95, con Lars Von Trier, al que le une también la dureza temática y la densidad narrativa. Si Von Trier se tomó un respiro a modo de divertimento con El jefe de todo esto, Vinterberg no iba a ser menos y hace lo propio con Cuando un hombre vuelve a casa, lo más parecido a una comedia que concibe el cineasta danés, rodada entre la dura Querida Wendy y la intensa y extremadamente funesta Submarino. Sebastian, un joven ayudante de cocina tartamudo, trabaja en los preparativos del regreso a su localidad natal de un famoso cantante de ópera. Antes del evento, Sebastian se ve inmerso en una crisis porque no sabe si seguir con su novia o con una joven por la que se siente atraído, al tiempo que su madre le revela la verdad sobre su padre, al que creía muerto. Enlaza temáticamente con el film más famoso de Vinterberg, Celebración, también sobre las complejas relaciones entre un hijo y su padre, con reflexiones en torno a las debilidades humanas y la corrupción. Incluso hay una brutal discusión en torno a una mesa. Pero a Vinterberg le sienta muy bien rodar esta historia –que también tiene sus sordideces– en un tono más distendido, a veces con momentos surrealistas, como todo lo concerniente a los divertidos cocineros, sin duda un gran hallazgo. Desde luego las imágenes de Vinterberg –que ha dejado atrás el estilo Dogma– son bastante poderosas, y su dirección de actores impecable, por lo que el film está a la altura de la calidad habitual de su cine. El título parece hacer referencia al propio realizador, porque supuso su regreso al cine danés tras rodar en inglés la citada Querida Wendy y It's All About Love.  
6/10
(2010) | 89 min. | Romántico
Gianfrancesco Lazotti lleva dos décadas en activo como realizador de series en Italia, con alguna aislada incursión en cines. Tiene mayor reputación gracias a sus trabajos como ayudante de dirección de grandes como Ettore Scola (La sala de baile) y Dino Risi (Teresa). En esta ocasión, aborda un drama romántico que se inspira libremente en hechos reales. En De cintura para arriba, Rosalba pide ayuda a su mejor amiga, Katia, para que le sople frases que expresen sus sentimientos románticos para las cartas que escribe a Danilo, el chico del que está enamorada, que cumple condena en prisión. Katia, joven impedida en silla de ruedas, acaba a su vez sintiéndose muy atraída por el recluso... Concebida como un entretenimiento ligero, que inicialmente recuerda a Cyrano de Bergerac, Lazotti prioriza el lucimiento de sus protagonistas, la actriz y modelo Cristiana Capotondi, y Filippo Nigro (La ventana de enfrente), que realizan un trabajo más o menos aceptable expresando la pasión de sus personajes. Subyace en cierta forma un mensaje positivo, en torno al amor como motor para superar los prejuicios y las barreras.
5/10
(1979) | 169 min. | Musical Tráiler
Seguramente "Don Giovanni" no es la mejor ópera de Wolfgang Amadeus Mozart, si tenemos en cuenta otras como "Las bodas de Figaro" y "La flauta mágica", por ejemplo. Pero, por descontado, se trata de una obra mítica del genial compositor, basada en el inmortal mito de Don Juan. El libreto original de Lorenzo Da Ponte se basó principalmente en la obra de teatro "El burlador de Sevilla" de Tirso de Molina. Mozart compuso la música en 1787 y la ópera fue estrenada el mismo año en el teatro Nacional de Praga. El director americano Joseph Losey se encargó de dirigir esta película, basada en la ópera de Mozart, en 1979, algo desde luego inusual en el realizador de El sirviente y El mensajero. La empresa de por sí era complicada por varios motivos: lo archiconocido de la obra original, la duración monumental de la misma y, sobre todo, el riesgo de unir cine y ópera. El resultado es, efectivamente, un poco desconcertante y temerario, en el sentido de que no es una ópera y tampoco, digamos, cine normal. Hay una esmerada puesta en escena, y ésta es a todas luces cinematográfica, pero inevitablemente los ritmos y la atmósfera (la externa y la interna de los personajes) no son propios del séptimo arte, sino de una premiosidad más teatral. Por otra parte, seguramente los más melómanos no quedarán del todo satisfechos, pues es inevitable que abrume la artificiosidad del conjunto, pues al no ser tampoco ópera filmada propiamente dicha, también se pierde el efecto del "directo". De todas maneras, Losey realiza un gran trabajo, pues pone mucho esmero en no forzar los cambios de imagen y en mover fluidamente la cámara manteniendo siempre que puede el mismo plano en pantalla. También le saca partido a la fotografía de Gerry Fisher, sobre todo en las brumosas secuencias del río, cuando aparecen en la fiesta las tres máscaras. Por lo demás, aunque quizá se echen en falta arias de mayor potencia e intensidad, es imposible no disfrutar de la impresionante música compuesta por el genio de Salzburgo y de la sólida interpretación de los actores, todos ellos grandes de la ópera, comenzando por el protagonista Ruggero Raimondi y por las excelentes sopranos Edda Moser y Kiri Te Kanawa.
6/10
(2009) | 78 min. | Fantástico
Debut en el largometraje del italiano Marco Chiarini, anteriormente autor del corto Esercizi di magia. Obtuvo dos candidaturas a los premios David Di Donatello, en los apartados de director novel y efectos visuales. Simone, un niño de once años de la campiña italiana, huérfano de madre, se ha quedado solo con su progenitor, un hombre honrado, pero de modales bruscos, que a veces hasta le ata para que no se meta en problemas. Sin embargo, él se escapa para emprender la búsqueda del Hombre Cerilla, pues el que encuentre a este ser mitológico, verá cómo se cumplen todos sus deseos. Le ayudan sus diversos amigos imaginarios, Armando Armario, Luz Ciérnaga, Óscar Oscuro, Ocram etc., y finalmente Lorenza, una niña real, que pasará el verano en la zona y estrechará lazos con Simone. Chiarini compone una esforzada fábula que exteriormente parece una recreación del imaginativo universo interior del protagonista, llena de humor, surrealismo y sencillas pero eficaces animaciones. Así las cosas, captará el interés del público infantil, aunque en realidad es un film para adultos que rememora la imaginación de la infancia, y que tiene de fondo temas bastante duros, especialmente la dificultad del protagonista para superar el fallecimiento de su madre, pues aunque sabe que no va a volver, se resiste a aceptar la realidad refugiándose en sus ensoñaciones. Chiarini le saca tajada al bajo presupuesto, y a la espontaneidad de los niños protagonistas, así como al buen hacer del actor Francesco Pannofino, más conocido en Italia por su faceta de doblador de grandes astros como George Clooney.
5/10
(2010) | 88 min. | Animación
Un viejo mago se gana la vida haciendo trucos con su chistera, su conejo, sus cartas y sus apariciones de flores y monedas. Pero es un mago de los de antes y el público por los años sesenta ha cambiado. Es la época del incio de la música moderna y la televisión y a la gente le interesa más el rock & roll que cualquier ilusionista con sus pañuelos y su magia para niños... El protagonista sin embargo no cesará en su empeño de ir de un lugar a otro en busca de trabajo, desde París o Londres, hasta llegar a un pueblecito perdido de Escocia, donde una muchachita quedará encandilada con sus trucos. Preciosa y tiernísima película dirigida con una impresionante maestría por Sylvain Chomet, quien en 2003 ya llamó la atención con Bienvenidos a Belleville. En este caso toma un guión original e inédito de 1956, escrito por el genio francés del cine cómico, Jacques Tati (1907-1982), y lo traslada a dibujos animados con resultados próximos a la obra maestra. No es casual ese apoyo en Tati, ya que todo en este film respira a ese genial cineasta, director de inolvidables películas como Día de fiesta o Las vacaciones del señor Hulot, desde la caracterización del protagonista –que es una traslación animada del propio Tati– hasta el humor propio de su cine, una comicidad basada en el gesto, en el slapstick, con ausencia prácticamente absoluta de diálogos (y ni falta que hacen). Se permite Chomet incluso un rendido homenaje a su mentor en una memorable escena en la que el mago entra en un cine donde están exhibiendo la genial película Mi tío... Y por supuesto hay una característica muy “tatiana” en el film: la bondad. No hay un solo personaje desagradable y las aventuras del protagonista y su pequeña amiga son de tal ternura, amor y sencillez que acaban siendo tumbativas hasta para el más escéptico. La historia indaga en el fin de una época, la de la ilusión y la imaginación, un mundo pretérito donde los sueños podían hacerse realidad. El modo en que se muestra esa terrible conclusión es puro cine, pero también sorprende por su triste crudeza y su punto pesimista (y tan realista al fin y al cabo). De cualquier forma, el conjunto resulta memorable por la gran carga poética en numerosísimas secuencias e imágenes de gran belleza, con animación tradicional a base de dibujos sencillos y alargados que recuerdan un poco el estilo de Toulouse-Lautrec. Acompaña a todo una música muy adecuada y nostálgica creada por el propio Chomet, unos sonidos que retrotraen a tiempos de lánguidas trompetas de jazz o teclas pianísticas del compositor Erik Satie. Con todo merecimiento la película obtuvo la nominación al Oscar.
8/10
(2017) | 110 min. | Drama Tráiler
Beirut. Cuando el refugiado palestino Yasser ejerce como capataz en una obra que renueva la fachada de un edificio le cae agua encima, por culpa de Toni, cristiano libanés que riega las plantas. El primero insulta al segundo que se siente agraviado por lo que decide denunciarle. El asunto tomará una enorme relevancia en los medios de comunicación. Cuarto largometraje como realizador de Ziad Doueiri, tras las interesantes West Beirut, Lila dice y El atentado, y haber ejercido mucho tiempo como técnico en Hollywood. Fue por ejemplo el primer ayudante de cámara habitual del cine de Quentin Tarantino, en títulos como Reservoir Dogs y Pulp Fiction, lo que aquí se nota con su imaginativa planificación y el rápido montaje. Se centra en las dificultades para cerrar las heridas, cuando ha habido un conflicto, en este caso la Guerra Civil que asoló el país, pero además en ambos bandos se han producido injusticias. Resulta imposible llegar a la reconciliación si ninguno es capaz de ceder, o tratar de comprender al otro. Cada historia puede tener diversos puntos de vista e interpretaciones, por lo que en un conflicto llega un momento en que da igual quién lo inició, lo importante sería tener buena voluntad para cerrarlo. Impresionantes las interpretaciones de Adel Karam –el libanés y Kamel El Basha –el palestino–. Mientras que el primero tiene tras de sí una larga trayectoria, el segundo debuta, logrando el premio al mejor actor en el Festival de Venecia. Ambos reflejan muy bien a personajes obstinados y testarudos que si no evolucionan impedirían una convivencia normal. Eclipsan por completo a los eficaces secundarios.
7/10
(2015) | 119 min. | Animación Tráiler
La animación japonesa ha dado ya un buen puñado de obras maestras gracias a la sensibilidad de cineastas como Hayao Miyazaki e Isao Takahata. Podían surgir dudas acerca de lo tendría que ofrecer en El niño y la bestia Mamoru Hosada, forjado en el mundo de Digimon, y que antes dirigió La chica que saltaba a través del tiempo. Pero se despejan al poco de empezar la película, y son reemplazadas por la admiración en el último tramo, verdaderamente notable. Como en otras cintas de anime, vienen a la cabeza Pompoko y El viaje de Chihiro, interaccionan el mundo de los humanos y un mundo fantástico, el de las bestias. Kyuta, un chaval de 9 años que vive en la gran ciudad de Shibuya, ha perdido a su madre, y no ha llegado a conocer a su padre. Cuando escapa de casa, ante la perspectiva de ser adoptado por unos familiares, se sumerge a través de un callejón en el mundo de las bestias, Jutengai, y se convierte en aprendiz de Kumatetsu, que aspira a ser Señor de la ciudad, para lo que tendrá que enfrentarse con otro rival en singular combate. Tosco y pendenciero, Kumatetsu no es de fácil trato, a pesar de que intentan atemperar su carácter un buen amigo y un monje; sin embargo acabará produciéndose una especial conexión entre la bestia y Kyuta. Aunque cuando cumple 17 años, el chico empieza a preguntarse cuál es su lugar en el mundo. Hosada ofrece una historia de iniciación a la vida y maduración, donde tanto el chico como la bestia crecen interiormente. El film combina sabiamente sentido del humor y dramatismo, e incorpora cuestiones muy importantes como la de tener una educación, contar con la ayuda de los padres y buenos amigos. Además se habla simbólicamente de la oscuridad, cómo se puede amargar el alma, con una referencia de la literatura universal bien conocida, el “Moby Dick” de Herman Melville. Los fondos y la paleta de colores son muy espectaculares, el elemento fantástico está presente pero sin aturdir –un error demasiado frecuente en cine de este tipo–, y la animación sencilla de los personajes funciona a las mil maravillas, como suele ocurrir en la animación nipona.
7/10
(2007) | 115 min. | Experimental | Musical Tráiler
Inclasificable film del cineasta barcelonés Pere Portabella (1929), quien hace gala de una peculiarísima mirada hacia la composición de la imagen y del discurso fílmico. Ya sólo el inicio deja a uno patidifuso: un piano toca solo mientras se mueve igualmente solitario por una gran estancia vacía. Al cabo del rato contemplamos cómo un hombre afina parsimoniosamente otro piano y luego pasamos a ver a un camionero que se dirige a Alemania, etc. Con escenas y secuencias de este tipo, sin seguir una narración lineal, sino construyendo una especie de collage musical y visual, Portabella ofrece un raro producto del que al menos se puede deducir una intención: mostrar la influencia y la pervivencia en el tiempo de la música del gran genio Johann Sebastian Bach. Sorprende en el film, rodado en castellano, italiano y alemán, la profusión de anacronismos, pues a momentos actuales –el camionero, el vendedor de pianos, la interpretación en el metro, etc.–, el director recrea con ambientación moderna algunas estampas del pasado, como el mercado de la carne o el trabajo del compositor como Cantor de la Iglesia de Santo Tomás, en Leipzig. Y junto a imágenes logradas, como la subyugante escena del piano cayendo al mar o los tubos del órgano mientras suenan los acordes de György Ligeti, también hay momentos desconcertantes, como un insistente desnudo femenino que no se sabe a qué viene. Hay asimismo cierto aire de reportaje documental en las escenas en que contemplamos al guía turístico o visitamos las instalaciones actuales de la Escuela de Santo Tomás, en donde semanalmente se ofrecen recitales y en donde la sublime música de Bach ejerce su benévola influencia sobre el alma de los alumnos. Por lo demás, las piezas musicales del maestro alemán son omnipresentes a lo largo de toda la película. El sentido homenaje al compositor es muy explícito y, de hecho, entre los muchos elogios que recibe, se pone en boca de un personaje una aguda y rotunda frase del nihilista Émile Cioran: “La música de Bach es una de las pruebas principales de que este mundo no es un fracaso”.
4/10
(2010) | 90 min. | Drama | Fantástico
Debut del italiano Massimo Natale, que adapta la obra "Luglio 80", de Giorgio Fabbri. La acción se sitúa en el verano de 1980, especialmente trágico para Italia, pues tuvo lugar entonces la misteriosa explosión del avión DC9 de una compañía civil sobre la isla de Ustica, en junio, y el trágico atentado de tren en Bolonia, en agosto. Entre esas dos fechas, Martino, un chico de 15 años, queda fascinado con los militares estadounidenses que practican surf en una playa bajo jurisdicción de la OTAN, en cuya valla ha logrado hacer un agujero para poder colarse. Mientras descubre el amor tras fijarse en Silvia, la novia de su hermano, Martino se hará amigo de Jeff Clark, un capitán del ejército estadounidense que acabará dándole lecciones de surf, a pesar de que su padre, comunista convencido, detesta todo lo que tiene que ver con 'el imperialismo yanqui', y de que algunos de sus amiguetes piensan que los americanos han sido los responsables de abatir el DC9. El realizador rueda toda la acción en la playa, y le saca partido a un presupuesto ajustadísimo. Rueda una convencional historia de iniciación con un tono dramático-nostálgico que hace el visionado agradable. Entrelaza la acción principal con imágenes líricas mezcladas con una voz en off que evoca la historia de Dargut, un príncipe en busca de una vasija mágica por amor. Además cuenta con el actor estadounidense Treat Williams, conocido sobre todo por ser el protagonista de la serie Everwood, que logra con pocos trazos un personaje muy humano. No desmerecen los jóvenes Luigi Ciardo (Martino) y la atractiva Matilde Maggio (Silvia).
5/10
(2013) | 111 min. | Drama Tráiler
Luc Berger está muy bien situado en la vida. El porvenir profesional en su empresa no puede ser más prometedor, y tiene una familia estupenda, su esposa y una hijita. Pero su vida da un vuelco una fatídica noche en que, regresando de una fiesta infantil, se detienen en una tienda de esas que están abiertas toda la noche, y sufren el brutal ataque de un individuo. El agresor, Kenny De Groot, será arrestado al cabo del tiempo, pero un incomprensible error procesal provoca su puesta en libertad. Lo que despierta la indignación de la opinión pública, mientras que Luc, carcomido por lo que ha sufrido y la inesperada liberación de De Groot, podría tomarse la justicia por su mano. Citando a Albert Camus, el film se inicia con la frase de que "no existe la justicia, sino los límites". Jan Verheyen, guionista y director, ha desarrolado su narración en torno a esta idea, mostrando con visión poliédrica un caso límite, en que se pueden entender todos los puntos de vista, y donde no se cargan las tintas contra ningún personaje, si hubiera que citar una excepción, podríamos mencionar al ministro de justicia, el más preocupado por el puro politiqueo. La película, que da para un amplio debate, muestra las limitaciones del Estado de Derecho. Las garantías para proteger a un inocente, pueden dejar en la calle a culpables sobre los que no existen demasiadas sombras de duda. Pegarse a la letra de la ley, y más cuando se habla de defectos de forma, puede degenerar en injusticia. La felicidad que nos ofrece la democrática sociedad occidental carece con frecuencia de resortes para afrontar las tragedias que ocurren en la vida. Nadie es criminal al nacer, las circunstancias pueden empujar y favorecer una carrera fuera de la ley, pero la libertad en las decisiones personales existe. El sistema no es un ente puramente abstracto, lo construimos los individuos, y debemos poner los medios para que funcione, enmendar sus errores. Todo este conjunto de ideas vertebra bien el film, de modo que Verheyen, a través de las tribulaciones del protagonista, obliga al espectador a no inhibirse en sus responsabilidades.
6/10
(2019) | 85 min. | Drama Tráiler
La adolescente Marta pasa unas vacaciones en Senegal con su padre, Manel, que regenta una agencia de viajes, y con su hermano pequeño. El matrimonio se separó, y se trata de una de las escasas ocasiones en que el progenitor convive con sus hijos. Pero Marta se aburre con las “turistadas”, safaris, danzas tribales y baños en la playa o en la piscina de su hotel. Le atrae más relacionarse en francés con los lugareños, como Khouma, que hace vídeos para vender a los viajeros, y Aissatou, una chica de su edad, que limpia las habitaciones. Neus Ballús es una más de las directoras formadas en Cataluña que se suma a la aventura de contar historias-experiencia sencillas, quizá vividas en primera persona, o casi, sigue así la estela de sus compañeras Lucía Alemany (La inocencia), Carla Simón (Verano 1993), Celia Rico Clavellino (Viaje al cuarto de una madre) y Laura Jou (La vida sin Sara Amat). El resultado tiene la ventaja de cierta autenticidad, de transmitir emociones reconocibles, aunque toca pagar el precio de un cierto cansinismo lánguido, y eso que las duraciones de las propuestas están muy controladas, en el caso que nos ocupa no se llega a la hora y media de metraje. El film permite explorar la idea de hasta qué punto se conoce un país cuando se está en el mismo por poco tiempo y motivos de placer, escapándose de la mirada la realidad social y personal de los que viven ahí. En efecto, Marta aprenderá con su actitud adolescente que trata de escapar del control paterno, algunas lecciones vitales interesantes: sus acciones pueden tener consecuencias, en primer lugar en ella misma –hacer algo mal, daña en primera persona–, pero también en otros, los famosos “daños colaterales”, que con frecuencia se pasan por alto o se consideran como mal menor; y los consejos del progenitor, aunque puedan ser deslizados de modo lacónico y sin excesiva convicción, pueden tener debajo algo de verdad. Con gran naturalidad se muestra el egoísmo adolescente que busca la autocomplacencia y gratificación inmediata, también en pequeños detalles, como en el modo en que Marta utiliza a su hermano Bruno para que le cubra, sin ocuparse nunca sinceramente de él. También el daño que puede hacer un padre con su mal ejemplo, o con su poca habilidad para tender puentes de comunicación, lo que implica esforzarse por entender a los hijos. Los actores están muy bien, Elena Andrada resulta muy creíble, y Sergi López da a la perfección el tipo de padre no mal tipo, pero despistado. También funcionan los más secundarios Diomaye Augustin Ngom, Madeleine C. Ndong y Ian Samsó.
6/10
(1989) | 88 min. | Comedia
Simpática comedia que gira en torno al personaje de Paloma (Ana Belén) una mujer casada, ama de casa, con dos hijas pequeñas. Mientras que su marido Pepe (José Sacristán) es un borrachín pícaro que trapichea en juicios con su cuñado, el pescadero Juancho (Juan Echanove) y el vecino facha Toñito (Antonio Resines), antiguo novio de Paloma, pierden los higadillos por ella. La cosa llega al culmen cuando en la plaza donde está la casa de la familia ruedan una película sobre la guerra civil, cuyo protagonista es el actor Luis Doncel (Juan Luis Galiardo), un galán de tres al cuarto pero toda una celebridad, del que queda prendado Paloma. Film con cierta chispa, con personajes de sainete que componen una especie de historia a lo "13 Rúe del percebe", el film y el supuesto rodaje acontecen en pleno centro de Madrid. El reparto reúne a varias figuras del cine español. El guión es de Rafael Azcona y del director, José Luis García Sánchez.
5/10
(2012) | 79 min. | Animación
Deliciosa adaptación de los libros infantiles de Gabrielle Vincent, el film dirigido por el trío Stéphane Aubier-Vincent Patar-Benjamin Renner conserva la delicadeza de los dibujos con decorados apenas esbozados y personajes entrañables, con colores pastel, al tiempo que maneja una trama sólidad, emocionante, divertida y con valores, firmada por Daniel Pennac. Ernest & Celestine cuenta la improbable amistad entre un oso y una ratoncita, en un mundo en que ambas especies de animales viven en mundos separados, los osos en la superficie, los ratones en el subsuelo. Frente a las profesiones convencionales para asegurar el futuro que su entorno les impondría, ellos desarrollan sus talentos para la interpretación y la pintura, lo que produce problemas entre sus congéneres. La trama es muy tierna, pero no resulta sensiblera. Hay acción trepidante, con múltiples persecuciones más propias del típico "cartoon". Y hay humor, mucho humor, con sutil ironía. Tal combinación convierte el film en una cinta plenamente disfrutable por niños y adultos. Por supuesto que hay enseñanzas aprovechables para los peques, pero la ventaja es que no se meten con calzador, están bien insertadas en la historia que se cuenta. La animación en 2D funciona sin las grandes alharacas de otras producciones que presumen de 3D y ofrecen resultados bastante mediocres.
7/10
(2016) | 96 min. | Documental

Entre julio de 1936 y abril de 1939 España se desangró en una guerra civil que causó centenares de miles de muertos y medio millón de exiliados. La guerra se sufrió en el frente y en la retaguardia, donde la represión se cobró miles de víctimas. Los sublevados contaron desde el primer momento con el apoyo de Hitler y Mussolini con armas y tropas. La República, en cambio contó con ayuda soviética, mientras las potencias democráticas se inhibían. Esta soledad, más la división política y la ineficacia militar, determinaron la derrota republicana y la victoria total de Francisco Franco.

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