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Lista de cine

Lista de películas de la distribuidora Aquelarre

(2004) | 92 min. | Comedia
Un pueblecito del norte de Francia. Dos vecinos se odian. Un día acaban a puñetazos, y el remolque agrícola de uno de ellos cede inesperadamente sobre sus cabezas. Ambos acaban en la misma habitación del hospital, donde les comunican que se han quedado inválidos. Condenados a la silla de ruedas, cada uno decide por su cuenta, viajar a Finlandia, a la sede de Aaltra, la empresa que fabricó el vehículo que les cayó encima, para pedir una indemnización. Los franceses Benoît Delépine y Gustave de Kervern dirigen y protagonizan una comedia surrealista, de personajes delirantes pero humanos, en la línea del finés Aki Kaurismäki. El autor de Un hombre sin pasado y Nubes pasajeras, avala a sus discípulos galos con un divertido cameo. Rodada en blanco y negro y con pocos medios, esta peculiar `road movie´ está contada casi sin diálogos. Y admitido que el humor negro abunda y que los protagonistas son dos gruñones malintencionados, en el fondo el film aborda la discapacidad física con un tono amable y esperanzado.
6/10
(2009) | 95 min. | Comedia | Drama | Musical

Es una hermosa primavera de 1981 en Polonia. En una ciudad costera, Janek de 18 años e hijo de un capitán de la marina, forma una banda de punk-rock para expresar las cosas que mas le importan. Su vida es la música y su primer gran amor Basia, pero las cosas para Janek están a punto de cambiar. Huelgas masivas organizadas por “Sindicato Solidaridad”, se extienden por toda Polonia y el Partido Comunista planea, en secreto, imponer la ley marcial. La tensión crece en todo el país, las rebeliones adolescentes se convierten en un peligro que va en aumento durante ésta agitación política. El punk, los militares, el amor, la muerte de un ser querido y la insumisión cambiaran por completo la manera de ver la vida de Janek.

(2011) | 176 min. | Drama
La vida en gris, muy, muy en gris, y un gris muy, muy oscuro. Con increíble parsinomia, y sin que al guionista y director Cristi Puiu le tiemble el pulso en ningún momento de su impuesta y bien consciente lentitud insoportable, seguimos las evoluciones del cuarentón Viorel, casado y con dos hijas, al que las cosas no le van muy bien con la familia y el trabajo, y que hace inquietantes preparativos con un arma. El estilo del director rumano quedó perfectamente establecido en La muerte del Sr. Lazarescu, de modo que bien podría decirse que Aurora, un asesino muy común, está cortada por el mismo patrón. Pero lo que ahí era un prodigio de equilibrio para hablar de la deshumanización que puede acompañar a la ancianidad y al trato hospitalario de los pacientes, aquí se convierte en interminables, casi insufribles, pasajes anodinos del protagonista que, como un alma en pena, conduce, manipula un rifle, se ducha, etcétera, casi 3 horas de metraje donde los prolongados silencios dificultan aún más el visionado, sólo tras una hora de película uno se sitúa un poco en lo que el director se propone. Francamente, si a este film se le recortara el metraje a la mitad no perdería nada esencial, y probablemente la atmósfera irrespirable que se lograría sería muy semejante a la que vemos en el montaje final. Las reflexiones van en la misma dirección del film citado, pero Puiu no acaba de dar en la diana con la precisión de antaño, y le faltan respuestas para el comportamiento de Viorel, o explicaciones de cómo ha llegado a ese callejón sin salida.
5/10
(2009) | 74 min. | Animación | Aventuras
La muñeca Nomeolvides y otros juguetes desechados tiene vida propia en el desván situado en el ático de una vieja casa. Ella y sus amigos celebran todos los días el cumpleaños de alguien, pues por riguroso sorteo eligen siempre a uno para tal menester. También van a trabajar en un trenecito que tienen por ahí, o escuchan la radio gracias a una singular locutora ratoncita. Lo que no sospechan es que la Cabeza del Imperio del Mal, con un sistema de circuito cerrado de televisión, les tiene vigilados, y entre sus maléficos planes se encuentra la idea de secuestrar a Nomeolvides. Original película de animación checa, que acude a la técnica del stop-motion para mover los personajes fotograma a fotograma. Jirí Barta, con su guionista Edgar Dukta, entrega una historia clásica de amistad y valor, de encantadora ingenuidad, donde sobresalen los originales diseños de cada criatura. La idea de mostrar juguetes fabricados con desechos –esa especie de señor Patata con una chapa como gorro– funciona bien, y momentos como una tremenda inundación o lo que se diría una nevada, tienen su encanto. También llama la atención el modo en que está concebido el villano, y las escenas en que los amigos de Nomeolvides se ven confundidos por decenas de falsas muñecas que parecen ella.
6/10
(2012) | 104 min. | Drama Tráiler
Suecia. Rasa es una joven de origen balcánico, musulmana, que llegó al país nórdico cuando tenía un año. Ahora es una joven llena de energía que trabaja en una fábrica rural empaquetando verduras. Es un trabajo duro, pero ella es rápida, resistente, buena trabajadora. Rasa es el sustento de su padre, quien debido a una lesión tiene serias dificultades para incorporarse al mundo laboral. Pero por culpa de la crisis económica, Rasa se quedará sin trabajo... Come duerme muere es el debut en la dirección de la sueca Gabriela Pichler, quien también escribe el guión. Probablemente se sirve para contar su historia de datos autobiográficos, ya que su madre es bosnia y la trama nos recrea la vida esforzada y terriblemente sacrificada de los inmigrantes en Suecia, gente que lucha por salir adelante con escasa preparación profesional. Pichler compone un film hiperrealista, rodado a menudo con cámara al hombro, sin concesión alguna al idealismo o a la simple creatividad. El espectador es testigo únicamente de las idas y venidas de Rasa, de su trabajo, de su amistad con un joven colega, de las relaciones con el grupo de parados, de sus fracasos por encontrar empleo, del cariño que siente hacia su padre. Aunque aletea en el personaje un gran optimismo y un no rendirse ante las dificultades, poco más narra este film más que esos trozos de vida, retazos de una existencia con poca esperanza de que haya algo más que eso: comer, dormir, morir. Es grandísimo el trabajo de la actriz protagonista, Nermina Lukac.
4/10
(2009) | 102 min. | Comedia
Mika Kaurismäki es dos años mayor que su hermano, el mucho más conocido Aki Kaurismäki, el realizador finlandés de mayor prestigio. Mika empezó con un corto en 1979, dos años antes del debut en el largometraje de su hermano Aki. Aunque ha dirigido más de treinta títulos (incluyendo documentales y cortos) pocos han tenido la repercusión internacional de los trabajos de Aki, aunque algunos como  Honey Baby y  Colgados en Los Ángeles se han estrenado en diversos países. El realizador encadenó el rodaje en 2009 de Divorcio a la finlandesa con el de Kolme viisasta miestä, que marcaba su regreso profesional a su país natal, donde llevaba sin rodar 18 años. Esta comedia tiene como protagonistas a Juhani Helin, asesor matrimonial, y Tuula Helin, consejera de negocios, que tras varios años de matrimonio han decidido divorciarse porque se llevan como el perro y el gato. Seguirán compartiendo la misma casa, tras comprometerse a seguir a rajatabla unas normas de convivencia. Ella invita al domicilio conyugal a su nuevo novio, Marco, mientras que Juhani contraataca recurriendo a su hermano, proxeneta metido en asuntos turbios, que le alquila los servicios de una de sus chicas. Ésta, una guapa joven con problemas, fingirá por unos días estar comprometida con Juhani. Tanto éste como su esposa disimulan que a pesar de la ruptura sienten unos celos difíciles de soportar... Esta especie de versión finlandesa de La guerra de los Rose, resulta más alocada y cómica –quizás demasiado– de lo habitual en la factoría de los hermanos, aunque abundan los hallazgos divertidos, como las reacciones coléricas de los cónyuges ante las nuevas conquistas de su ex, o el vecino estrambótico. Sin embargo, está presente el compromiso moral de los hermanos, pues encierra sólidas reflexiones, sobre todo en relación a la necesidad de afecto familiar, la paternidad, la ausencia materna y los efectos perniciosos del aborto. Aunque no llega a la genialidad y profundidad de las grandes obras de su hermano, Mika se muestra más positivo y alegre de lo que es normal en éste y en otras cintas de su filmografía, y logra sentidas interpretaciones premeditadamente algo exageradas del reparto. Destacan los trabajos secundarios, como padres de los protagonistas, de Kati Outinen y Kari Väänänen, los actores más habituales y representativos del cine de su hermano Aki.
6/10
(2010) | 110 min. | Comedia | Drama
Fresca película argentina, codirigida por Mariano Cohn y Gastón Duprat, que antes fueron responsables del documental Yo presidente y el film de ficción El artista, sobre el esnobismo en el arte moderno. En esta ocasión han compuesto una cinta en tono tragicómico que sorprende gratamente, y que en parte retoma el mismo asunto, pues el personaje central es otro ‘modernillo’. El guión está escrito por Andrés Duprat, hermano de uno de los realizadores. Tiene como protagonista a Leonardo, altivo diseñador ‘gafapasta’, que vive con su familia en la única casa diseñada por Le Corbusier en América Latina. Casado con una mujer autoritaria, con la que tiene una hija con la que le resulta imposible comunicarse, Leonardo sólo acepta como amigos a otros ‘intelectuales’ como él, y trata con sarcasmo y desprecio a sus estudiantes cuando le enseñan sus diseños. Su idílica existencia se ve amenazada cuando su vecino, Víctor, un hombre más humilde, de aspecto zafio algo amenazador, cuya existencia hasta entonces ignoraba por completo, decide abrir un boquete en su pared, situada muy cerca de la casa de Leonardo, para tener una ventana que le proporcione unos rayitos de sol. A pesar de los esfuerzos de Víctor por ser amable y que se entienda su postura, Leonardo considera que la ventana amenaza su privacidad, es ilegal y queda muy mal estéticamente. Exige a Víctor que la cierre inmediatamente. El argumento es mínimo, pero Cohn y Duprat le sacan mucha tajada, gracias sobre todo a una labor encomiable de los dos protagonistas, poco conocidos fuera de Argentina, pero realmente increíbles. El hombre de al lado critica la idiosincrasia de un tipo de personaje muy reconocible en cualquier país: un modelo de individuo pretencioso, amante de las tendencias de vanguardia, progresista (por supuesto tiene un retrato del “Che” Guevara a pesar de que la casa la limpia una criada), y que trata con desprecio a los que no son como él. Pero lo hace con mucha elegancia y un humor bastante sano, de modo que hasta los que en cierta medida se sientan identificados con él, disfrutarán con la cinta. Aunque son dos películas muy diferentes, recuerda lejanamente a La cena de los idiotas en versión argentina, pues también en esta ocasión el personaje supuestamente triunfador se ríe con sus amiguetes del supuestamente tonto e inferior. Pero éste resulta ser mucho más sincero y coherente que él.
6/10
(2011) | 92 min. | Histórico | Drama
Asombrosa y fascinante película del polaco Lech Majewski (1953), que además de guionista y director, ejerce de compositor y fotógrafo y da muestras de ser un artista pleno de singularidad, con todo lo que eso conlleva de genialidad creativa y anomalía comercial. La atracción confesa de Majewski por la obra del pintor flamenco Pieter Bruegel se concretó en película al leer un ensayo sobre el cuadro “El camino al Calvario”, de Michael Francis Gibson. Tal fue su admiración por lo que leyó que decidió trasladar a la pantalla las ideas recogidas en ese libro. Gibson le dio su aprobación y ambos se pusieron manos a la obra. El molino y la cruz tardó cuatro años en estar acabada. El film es como un fresco vivo del propio lienzo de Bruegel, que data de 1564, época en que los españoles dominan con mano dura y crueldad extrema los Países Bajos, hechos que se muestran con explicitud. De modo insólito Majewski convierte en relato fílmico las escenas estáticas del cuadro, de modo que ofrece prodigiosamente una pintura que respira a través de sus personajes, amantes, matrimonios, mercenarios, niños que juegan, mercaderes, banqueros, ajusticiados etc., mientras el propio Bruegel (Rutger Hauer) se pasea por esa tierra, que es la suya y va concibiendo su creación. Esa puesta en escena –muy superior a otros anacrónicos intentos similares, como la acartonada La inglesa y el duque o la desagradable burla rembrandtiana La ronda de noche–, adquiere en El molino y la cruz una inusitada perfección, de belleza subyugante, que hace al espectador vivir y sentir el cuadro milagrosamente, como si fuera uno más entre los que se pasean por las verdes colinas, las casas de madera, las calles de piedra, bajo el cielo nublado y los chillidos de los cuervos que comen los ojos de los cadáveres. Algún detalle, por otra parte, resulta desconcertante, como el de que los personajes españoles hablen español y, sin embargo, los flamencos hablen... ¡inglés! Pero el resultado hipnótico de El molino y la cruz tiene mucho que ver con dos aspectos fundamentales. Por un lado, el carácter trascendente que desprende y, por otro, el excepcional acabado visual. El centro del cuadro de Bruegel, y del film de Majewski (como explica el título elegido), es la pasión y muerte de Cristo –Jesús encarcelado, flagelado, cargando con la cruz y crucificado ante los ojos de su madre, la Virgen María–, mientras allá en lo alto, en el molino sobre la roca, su padre –Dios Padre– hace girar la rueda de los acontecimientos humanos y los dirige bajo su divina providencia. El propio Majewski explica que cualquier forma de arte sería algo vacío sin ese eje vertical que lleva desde Dios al hombre. Palabras mayores. En cuanto a la propuesta formal de Majewski, no queda sino rendirse a la evidencia de su brutal y epatante belleza. Cada escena de El molino y la cruz, así, cada escena, es un cuadro digno del mejor artista. El uso de la profundidad de campo es sencillamente mágico (esos exteriores vistos a través de las ventanas, de las puertas de las casas, de los arcos de piedra, los rayos de luz abriéndose paso entre las nubes), de modo que cada plano esconde numerosas perspectivas e historias (el molino siempre al fondo, girando, girando, girando). Este maravilla fotográfica es por supuesto fruto de la más avanzada técnica digital por ordenador y el propio Majewski confiesa que en ocasiones tuvieron que jugar con más de 100 capas para la confección un sólo plano. Se entiende por tanto que sólo este proceso llevara dos años de trabajo a un amplio equipo de diseñadores. Mucho más se podría hablar de El molino y la cruz..., pero es mejor ver el film, disfrutarlo igual que se hace con las mejores obras pictóricas. Gustará más o menos, quizá será pesado para algunos, antinatural, mientras que para otros dejará una huella significativa. Desde luego estamos ante una película diferente, nada comercial, sin apenas diálogos, con momentos de contemplación que pueden resultar quizá vacíos de contenido, difíciles para los tiempos rápidos que corren, de obtuso significado, etc. Cine exigente, no apto para todos los paladares, como las mejores lecciones de arte, de pintura, de cine.
7/10
(2010) | 75 min. | Documental
La noticia de que el realizador iraní Jafar Panahi había sido detenido por razones políticas, en mayo de 2011, conmovió a la comunidad cinéfila internacional. Se le acusaba de pretender criticar al régimen en un proyecto en marcha que finalmente no pudo rodar. La noticia de que Panahi se había declarado en huelga de hambre tuvo una enorme repercusión internacional y se le puso oficialmente en libertad, aunque la realidad es que fue condenado a arresto domiciliario, y quedó inhabilitado para rodar durante 20 años. En esta insólita cinta se diría que el realizador intenta aprovechar hasta el límite la reducida autonomía que le permite el régimen. Tiene prohibido en concreto filmar, salir del país y conceder entrevistas, pero según explica él mismo al principio del metraje, no se le ha dicho nada que le impida interpretar como actor un guión previamente escrito. En cualquier caso, Esto no es una película tiene la apariencia de un documental, en el que su colega Mojtaba Mirtahmasb rueda las reflexiones de Panahi sobre su desgraciada situación, como si se le estuviera entrevistando. Se atreve a contar cómo iba a ser esa película que no le dejaron elaborar, en torno a una muchacha deseosa de estudiar bellas artes, pese a la firme oposición de sus progenitores. Evidentemente, resulta fácil establecer paralelismos entre esos padres opresores y los políticos iraníes en el poder. Para poner más en jaque a estos mandatarios, en el curso del metraje el propio Panahi (o bien el supuesto personaje que interpreta) llega a tomar una cámara para tomar imágenes de un joven que acude para recoger la basura. Sorprende la serenidad del realizador, que mientras permanece en arresto domiciliario come, friega los platos, y atiende a su curiosa mascota, un camaleón. Conmueve al compararse con un personaje de una de sus películas, Mina, la niña de El espejo, que en la secuencia más recordada del film se rebela, cansada tras una larga jornada de trabajo, y explica al equipo de cineastas que la está rodando que no quiere actuar más, por lo que se quita la venda que lleva su personaje en un brazo. Asegura Panahi que él también necesita quitarse la venda que le han impuesto. Al parecer, el film fue sacado de Irán en la clandestinidad en un pen drive, gracias a un amigo que viajaba a París.
6/10
(2012) | 88 min. | Documental

Relato dramatizado de lo que está ocurriendo hoy en Europa. Una reconstrucción documental que penetra en la palpable y densa realidad de un Continente envuelto en agudas colvulsiones sociales, todo ello visto a través del movimiento del 15M, de la mirada de una joven africana ilegal que busca su redención en Europa y de hombres y mujeres que se enfrentan al sistema, nada más que para poder vivir dignamente sus vidas.

(2011) | 86 min. | Documental | Histórico
La historia de los 4.500 negativos que los prestigiosos fotógrafos Robert Capa, Gerda Taro y David "Chim" Seymour tomaron durante la Guerra Civil española, que desaparecieron y fueron recuperados 70 años después en Ciudad de México. Estamos ante un singular documental sobre la memoria, sobre un mundo en blanco y negro que quedó impreso para siempre en unos negativos capaces de traer al presente un mundo de recuerdos, de vidas y de momentos terribles, instantáneas de existencias precarias de un mundo en guerra, el de la España de la Guerra Civil. Parece clara también la posición ideológica de la narración, centrada en unos hombres que por medio de su cámara quisieron realzar a los republicanos y condenar a las tropas nacionales. El film está producido, escrito y dirigido por Trisha Ziff, una mujer que demuestra talento y ternura a la hora de llegar al espectador con autenticidad, a través de las fotografías y de las palabras de exiliados supervivientes de la guerra fratricida que asoló a España y sembró un odio que aletea después de muchas décadas.
4/10
(2009) | 78 min. | Drama
Jomar, antigua estrella del esquí, se encuentra terriblemente deprimido. El tipo decidió aislarse trabajando en una alejadas pistas de esquí, pero no levanta cabeza, a pesar de que su psiquiatra le invita a volver al mundo real. Y puede que tanga que hacerlo, pues inesperadamente se entera de que es padre de un niño de 4 años, de modo que emprende un insólito viaje en motonieve hacia el norte, pertrechado de una garrafa con litros de alcohol, al que es aficionado, para reunirse con su vástago. El noruego Rune Denstad Langlo rueda una peculiar road-movie sobre la nieve, con una bella fotografía y elementos tragicómicos. Aunque no es muy larga, carga un tanto el periplo del solitario protagonista, que en el trayecto se va encontrando diversos personajes –como una adolescente y su abuela–, sufre una avería, etc, mientras se deteriora físicamente, por una ceguera que le afecta de vez en cuando. Tiene interés humano y el director juega a desvelar paulatinamente el modo en que Jomar se quedó solo. Puede considerarse una especie de Una historia verdadera en versión nórdica, aunque de calidad bastante inferior.
4/10
(2012) | 80 min. | Animación
Esforzada producción española que se vende como la primera película europea rodada mediante la técnica del stop-motion –animación fotograma a fotograma– en 3D. O apóstolo supone el debut en el largo del compostelano Fernando Cortizo, hasta ahora cortometrajista, que ha invertido un largo proceso de producción (dos años de desarrollo y uno de rodaje). O apóstolo, situada en la actualidad, tiene como protagonista a Ramón, convicto que tras escapar de la cárcel acude en busca del botín que antes de que le detuvieran pudo esconder en una remota aldea, junto al Camino de Santiago. Al caer la noche, los lugareños le ofrecen refugio, junto a diversos peregrinos. Pero Don Cesáreo, párroco local y líder de la comunidad, resulta ser un tipo siniestro que oculta un macabro plan. Carece, como se puede suponer, del holgado presupuesto de otros filmes que utilizan la misma técnica, como Frankenweenie, estrenada poco antes, donde la animación era mucho más fluida. Pero los muñecos de O apóstolo rebosan encanto artesanal y sus movimientos, aunque son más precarios que los del film de Tim Burton, funcionan a la perfección. Los dobladores interpretaron previamente las secuencias de sus respectivos personajes para servir de modelo a los animadores. Despunta especialmente el breve trabajo de Luis Tosar (una especie de Malamadre, de Celda 211), y también Paul Naschy, fallecido antes de que acabara el rodaje, a quien se le dedica la película. El veterano actor logra dar cierta humanidad al arcipreste de Santiago de Compostela, pese a ser un personaje ambicioso y egoísta que se aprovecha de la buena voluntad de su ayudante, Pablo, un contrapunto un tanto ingenuo que representa a los sacerdotes vocacionales de buena voluntad, al que pone voz Jorge Sanz. Además, la ambientación de estilo fantaterrorífico está lograda, y sorprenden diversos decorados, sobre todo una reproducción de la catedral de Santiago de Compostela. Si bien rompe un poco el ritmo, destaca un inserto realizado mediante animación tradicional con imágenes troqueladas, que narra la llegada de la peste. El conjunto está aderezado por una sugerente banda sonora, entre cuyos autores figura nada menos que Philip Glass. La trama de O apóstolo, que integra numerosos elementos del folclore gallego, como la Santa Compaña, resulta evocadora, si bien atraerá más al público adulto que a los niños. Por desgracia, el planteamiento inicial podría haber dado más de sí, el conjunto resulta excesivamente ligero, y deriva hacia un final un tanto confuso y apresurado.
5/10
(2010) | 98 min. | Drama
La distribuidora de este film no ha hecho visionado del mismo para la prensa. Ofrecemos, pues, la sinopsis de la distribuidora. Son las dos de la madrugada en Madrid cuando comienza una emisión del programa de radio “Propios y Extraños”, seguido por una fiel y numerosa audiencia que a esas horas de la noche trabaja, estudia, o simplemente no puede dormir. Utilizando internet el programa se escucha en ciudades de otros países, lejanas pero cercanas, como Buenos Aires. A través de las ondas y las distancias, por intermedio de Sole, la conductora del programa y de los dramas y las vivencias de sus oyentes, seremos testigos de historias aparentemente no relacionadas entre sí que se entrecruzan, asumidas por personajes de este mundo y de esas horas de la noche. Los seres humanos que habitan los espacios nocturnos se conectan, se confiesan, viven y sufren. La radio será entonces un personaje más vital y clave para el destino de todos los protagonistas, con un final que no dejará indiferente a nadie.
(2010) | 105 min. | Drama
Una curiosa mirada al mito del doctor Frankenstein y su criatura de Mary Shelley. El húngaro Kornéi Mundruczó sigue a un director de cine, que se dispone a rodar su nueva película en un deshabitado caserón de Budapest. Allí acuden a un casting numerosas personas, pero Viktor no acaba de dar con el actor que necesita, quiere alguien nuevo, que no esté maleado por una formación académica; y presiona con fuerza a los candidatos. Entre ellos aparece Rudi, un joven silencioso y con pinta de alelado, que ha pasado años en un orfanato, y que parece incapaz de controlar su fuerza con los demás, hace daño a los otros sin querer. Descubriremos que existen unos lazos entre el chico y el director de cine. Película, ante todo, de atmósfera, de grandísima fuerza visual y extraño lirismo, incluidos los movimientos torpes de los personajes, al modo del monstruo de Frankenstein. Argumentalmente apenas esbozada, la relación de tipo paternofilial entre los protagonistas, y las víctimas de Rudi, parecen una simple excusa para entregar un ejercicio de estilo con cualidades hipnóticas, que habla sin grandes honduras de los monstruos que podemos llegar a fabricar los seres humanos, y de la añoranza de la familia. Por eso el film deja un regusto insatisfactorio: falta la historia, aunque preciso es reconocer a Mundruczó, que además interpreta al personaje del director, lo sugerente que es su propuesta.
5/10
(2010) | 87 min. | Comedia | Drama
Nikola y Braco son dos hermanos bastante opuestos –uno es empresario; el otro, profesor de literatura–, aunque en el fondo son muy muy parecidos. Se quieren de veras y comparten su frívola existencia, las relaciones con sus mujeres, amantes y demás secretos. Son dos vividores cuyas esposas e hijos comparten muchas más cosas de lo que creen. La historia de Sólo entre nosotros comienza tras la muerte de su padre y se extiende durante un año, donde conocemos las vidas y enigmas de esta peculiar familia. Desdeñable comedia sobre dos calaveras y su mundo de engaños, amantes y demás relaciones familiares. La película de Rajko Grlic comienza siendo una comedia muy sexual –bastante explícita– sobre dos tipos que parece que lo único que buscan es sexo, y aunque acaba por derivar hacia el drama, el frívolo y tramposo desenlace ‘familiar’ acaba cerrando el círculo esperado, el de la vida falsa que un mundo ególatra ha fabricado con las personas. Hay sin duda en Sólo entre nosotros una crítica al hedonismo que se ha apoderado de Europa del este, y más exactamente de los Balcanes, tras la horrible guerra civil. La humorística rivalidad ideológica entre los dos hermanos sirve para concluir que esos polos opuestos buscan en realidad siempre la misma cosa: el placer, la comodidad, la paz familiar. Y si para ello la mentira ha de apoderarse de sus vidas, bienvenida sea. Son divertidos algunos golpes de humor y las interpretaciones, con Miki Manojlovic a la cabeza, son correctas, pero el producto es muy limitado y no aporta gran cosa.
3/10
(2006) | 92 min. | Comedia | Romántico
Producción hispano argentina sobre un empresario español afincado en Argentina que está enormemente influido por los horóscopos, y que acabará trabajando en una fotonovela, onde conocerá a una chica llamada Fraty. Según su director, la historia es pretendidamente naïf e incluso cursi en su romanticismo. Entre el reparto, destaca el español Roberto Enríquez (El principio de Arquímedes).
4/10
(2011) | 90 min. | Biográfico | Drama

En 1976, un Golpe de Estado de las Fuerzas Armadas desalojó al Gobierno constitucional argentino, y una política de terror y avasallamiento de los derechos humanos se instaló en el poder. En pocos años, esta política desembocó en una espiral de violencia oculta y silenciosa que asesinó a 30.000 ciudadanos de toda edad y condición social. Se los mal llamó desaparecidos, y había entre ellos pequeños de corta edad y criaturas en proceso de gestación que vieron la luz en las cárceles de la dictadura militar y que fueron robados por sus mismos secuestradores que los anotaron como hijos propios

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