Lista de películas puntuadas con 2 en sexo

Sórdida historia real, sobre una madre de familia que se corrompe y acepta ejecutar abortos en la Francia ocupada por los nazis. Isabelle Huppert encarna a la última mujer guillotinada en Francia.

Julie, Kayla y Sam, amigas desde niñas, pactan perder la virginidad el día del baile de graduación. Cuando los padres de las dos primeras descubren lo que va a ocurrir, harán todo lo posible para impedirlo; pero acabará uniéndose también Hunter, progenitor de Sam, porque conocedor de su homosexualidad, no quiere que se acueste con un varón, ya que sabe que no le va a gustar la experiencia. Debut como realizadora de Kay Cannon, guionista de Dando la nota, y secuelas, que tenían algunos elementos interesantes, pero que abusaban del humor grueso. Aquí sólo ha quedado lo segundo, pues #SexPact parte de un planteamiento bastante trillado, el de los jóvenes obsesionados por perder la virginidad, a lo American Pie, aunque en este caso son chicas (¡igualdad incluso en el patetismo!). Añádanse padres sobreprotectores que como siempre en el cine de Hollywood moderno, aprenderán que no pueden interferir en la sexualidad de sus retoños, ellos mismos deben aprenderlo todo, ni siquiera unos pequeños consejos están bien vistos por la corrección política; y un personaje para el público LGBT, como manda la moda. Acumula sal gruesa hasta la extenuación, llegando al extremo en una secuencia de vomitonas contagiosas que sólo puede calificarse como espeluznante, y otra… ¡con una competición para absorber cerveza por el trasero! Por salvar algo, se debe reconocer el talento para la comedia de Leslie Mann, por una vez en un film no producido por su marido, Judd Apatow (como Lío embarazoso, Virgen a los 40), aunque su espíritu está presente, ya que sirve de inspiración, y del luchador de wrestling John Cena, que demostró tener cierta gracia en Y de repente tú…, otro producto de Apatow.

Extraño ejercicio de ciencia ficción, que parte del relato “La vida en un minuto humano”, del conocido autor polaco Stanislaw Lem. La trama arranca en una conocida librería de viejo, cuyos fondos desaparecen para ser reemplazados por miles de ejemplares de un libro titulado “1”. Allí se contiende, convenientemente codificada, la descripción completa de todo que hace la humanidad entera en el transcurso de un minuto. La policía, desconcertada, detiene al dueño y una empleada de la librería, más un gurú ligado al Vaticano que había acudido allí. Debut en el largometraje del realizador húngaro Pater Sparrow. Aunque de arranque intrigante y sugerente atmósfera, la suya es una obra un tanto soporífera y críptica, en la que destaca la ambientación, con un dibujo de la policía en clave "1984". Hay un desparrame de imágenes con poco sentido, donde no falta lo desagradable o lo pornográfico, que quiere abarcar las claves del famoso minuto. Y una voz en off filosofa sin demasiada coherencia sobre una humanidad desnortada.

Las hermanas Strattford son súper: Aunque Kat parece algo muerma, Bianca resulta hiperguay. Cameron acaba de aterrizar en el instituto, pero le basta ver un segundo a Bianca para quedarse colgadito de ella. La pena está en el troglodita padre de las Strattford, que piensa que sus retoños pueden quedarse preñadas en cualquier momento; así que no les deja salir. Pero por Snoopy, que la cosa no quedará así. Comedia de instituto para adolescentes. Caras bonitas de ellas y ellos, unas pocas gamberradas, chistes en torno al sexo... Así discurre el film de Gil Junger, en línea con la ya clásica serie televisiva Sensación de vivir. Dicen que está inspirada en "La fierecilla domada", de Shakespeare. ¡Atiza!

George es un compositor cuarentón que está pasando una crisis de edad, e inicia una búsqueda casi desesperada por encontrar a la mujer que él considera perfecta. Y la encuentra. Nada más y nada menos que en Jenny, una joven recientemente casada que se dirige a México para pasar su luna de miel. George viaja tras ella para volver a verla. Blake Edwards (Desayuno con diamantes, La Pantera Rosa) dirige la película que lanzó a la fama a una sensual Bo Derek y que despertó las pasiones de muchos espectadores. Dudley Moore es el infeliz que está dispuesto a seguir a '10', (apodo de Derek) hasta el fin del mundo si hace falta, sólo para encontrarse con la chica de sus sueños; y la odisea le hace pasar por más de un aprieto y situaciones hilarantes. Destaca en la banda sonora la pieza musical 'Bolero' de Ravel.

Alex y Sergi viven juntos en Barcelona, y tras 7 años de convivencia han decidido al fin intentar tener un hijo. Pero a ella le surge la posibilidad de una estancia de un año en Los Ángeles que podría ser su último tren para convertirse en artista de la fotografía. Aunque a regañadientes, Sergi, que es profesor, acepta la marcha de Alex, y el paso del tiempo pasa factura a la relación: a las charlas diarias vía videoconferencia atravesadas de complicidad, siguen los roces, las incomprensiones y el resentimiento, de modo que lo que al partir era un estrecho contacto, ya no se mantiene con la misma intensa frecuencia. 10.000 km, debut en el largo del cortometrajista Carlos Marques-Marcet, fue multipremiada en el Festival de Malaga, lo que incluye la Biznaga de Oro a la mejor película. Saludada como la última sensación del cine español, puede ser equiparada a la reciente La herida de Fernando Franco en su condición de íntima “obra de cámara” que dibuja la perplejidad y desorientación de los jóvenes que tratan de ubicarse en el mundo y encontrar la felicidad. Todo aderezado con las nuevas posibilidades tecnológicas, que sólo aparentemente acortan las distancias. Sin duda que Alex y Sergi se quieren, y se guardan fidelidad, pero en la sociedad del “pensamiento líquido” pesan demasiado los deseos poco consistentes de autorrealización, los sentimientos demasiado epidérmicos -el sacrificio o la generosidad son puro humo, se desea vivirlos, pero sin saber cómo-, la falta de un proyecto vital sólido en lo referente a formar una familia, la excesiva importancia que se concede al sexo. La distancia es un problema, pero no es, evidentemente, todo el problema de su relación. Comenzar la película con un alarde de plano secuencia que incluye una larga escena de sexo, quizá sea una forma plástica de subrayar que de distancia cero se va a pasar a una distancia oceánica entre los protagonistas, pero no deja de ser una expresión de lo limitada que a veces es la mirada fílmica a lo que debe ser una relación de pareja. El que podríamos denominar tercer personaje de la película, el ordenador, permite algunas originales ideas de puesta en escena, estéticamente originales, pero a veces da la sensación de que el director se entretiene en ellas porque Alex y Sergi no dan más de sí, están estancados, ahogados en un malestar. La estrechez antropológica de la propuesta -la sensación es que Marques-Mercet, director y coguionista, no tiene una mirada existencial mucho más amplia que la de sus protagonistas, los correctos Natalia Tena y David Verdaguer- no impide que, al menos como “foto” sociológica, el film tenga interés. También como cuidado ejercicio de estilo, aunque pagando el precio de la reiteración excesiva, que se trata de aliviar con el humor, a veces algo tosco.

Ramón Salazar debutó como realizador en 2002 con la prometedora pero limitada Piedras, película coral sobre cinco mujeres muy diferentes que llegó a ser la única competidora española en el Festival de Berlín en la sección oficial, toda una hazaña para un joven que no había cumplido los 30 años. En 2005 dilapidaba el prestigio adquirido con la estrambótica 20 centímetros, musical en torno a un travesti que sufría narcolepsia. Han tenido que pasar 9 años –en los que el autor ha ejercido como guionista de 3 metros sobre el cielo y Tengo ganas de ti, adaptaciones de las novelas de Federico Moccia– para que llegue a las carteleras 10.000 noches en ninguna parte, su tercer trabajo como director. Resulta un tanto complejo contar con palabras el argumento de 10.000 noches en ninguna parte. Tiene como protagonista a un joven de Madrid traumado por numerosas razones, especialmente por su compleja relación con su madre, una mujer desequilibrada con serios problemas con el alcohol, de cuyos cuidados debe hacerse cargo a caballo con su irresponsable hermana. Se evadirá de su dura realidad evocando su pasado durante el improbable reencuentro en un París onírico con una singular amiga de su infancia, de la que fue apartada por su progenitora, y con un viaje a Berlín, donde comparte piso con tres variopintos personajes, lo que le permite acabar eliminando sus tabúes sexuales. Repite como tema central las carencias afectivas, lo que ya estaba presente en la ópera prima de Salazar. Y logra algunos momentos de altura, especialmente la confesión del personaje de Najwa Nimri sobre su pasado, de enorme intensidad dramática, en gran parte por el esfuerzo de la actriz. El resto del reparto tiene nivel, sobre todo en el caso del joven Andrés Gertrúdix, como un individuo agobiado por una perturbadora suma de complejos, y la veterana Susi Sánchez, como casi siempre encarnando a la madre del protagonista, papel por el que obtuvo una candidatura al Goya a la mejor secundaria. Por su parte, Lola Dueñas vuelve a hacer creíble a una de esas excéntricas mujeres que siempre escoge. Además, el film saca provecho de uno de esos montajes a base de secuencias descontextualizadas, que parecen piezas de un rompecabezas que sólo cobran sentido en el conjunto final. 10.000 noches en ninguna parte intenta seguir la estela del cine de Atom Egoyan y de 21 gramos, de Alejandro González Iñárritu. Abundan las imágenes sugerentes, y se juega muy bien con lo real y lo imaginario. Sin embargo, sus aspiraciones líricas no siempre funcionan, pues en diversas ocasiones 10.000 noches en ninguna parte resulta pretenciosa y caótica. Ha comentado el propio realizador que el guión, firmado por él mismo, no estaba cerrado sino abierto a las improvisaciones de los actores, lo que suele dar buenos resultados, pero en este caso parecen haberse incluido demasiados pasajes erráticos que no se sabe muy bien adónde quieren ir a parar.  

Tras un apagón en un ascensor, el joven Matthew vive una noche de pasión con la desconocida chica que ocupa el ascensor en el que está metido. A la mañana siguiente ella ya no está y Matthew es incapaz de saber quien ha sido porque en ningún momento le vio la cara. Su objetivo ahora será dar con ella, pero tendrá que buscarla por toda la Universidad. Típica comedia americana de adolescentes descerebrados que no piensan en otra cosa más que en la fiesta y el sexo. Cualquier excusa le vale al director para enseñar a chicas ligeras de ropa o soltar chistes vulgares. Ni siquiera el reparto da la talla, aunque se deja ver Katherine Heigl antes de alcanzar el éxito en Anatomía de Grey.

  Tercera película como director, del también guionista Robin Campillo, que ha colaborado en varias ocasiones con Laurent Cantet, en títulos como El empleo del tiempo y La clase, con los que comparte cierto aire realista próximo al documental. Además, como responsable de la película La resurrección de los muertos y la subsiguiente serie televisiva Les revenants, esta especie de muertos con vida que son los enfermos de sida a principios de los años 90 del pasado siglo, conectan con los zombies que habitaban las citadas obras. 120 pulsaciones por minuto describe el activismo con amplia repercusión mediática del grupo Act-Up, que en su rama de París nació en 1989. Aglutinaba sobre todo al colectivo homosexual francés que padecía el azote de la pandemia del sida, y que no deseaba quedarse de brazos cruzados ante la inoperancia de los gobernantes. Así, lejos de conformarse con reunir a un grupo de enfermos, lo que trataban era de llamar la atención de la opinión pública mediante una militancia llamativa, en manifestaciones y actos de protesta, sobre todo protestando contra los que consideraba actores ineficaces del drama, entre ellos los políticos y la industria farmacéutica, interrumpiendo actos, y desparramando sangre falsa por doquier. Nathan acaba de incorporarse a las actividades de Act-Up, y pronto se va a enamorar de Sean, uno de los miembros del grupo más combativos, sobre todo porque sabe que tiene los días contados. A pesar de sus numerosos premios, incluido el grande del jurado en Cannes, la película es irregular. Contiene momentos vigorosos, rebosantes de energía, en los momentos de protesta. Otros son reiterativos, de clara intencionalidad didáctica, las asambleas en que todos participan apasionadamente pero con orden y respetando los turnos, decidiendo posturas y actos de protesta, que retrotraen a La clase o al cine social de Ken Loach. En la película se incide en la burocracia o poca sensibilidad administrativa, denunciando la ineficacia de las campañas de prevención acerca de la enfermedad. Pero al mismo tiempo se muestra indulgente en lo relativo a la promiscuidad. Para llegar al espectador, se hace necesaria una historia personal que atrape, de modo que se dibuja el enamoramiento homosexual de Nathan y Sean con esta finalidad. Pero se nota que le mismo Campillo es consciente de esta debilidad, nos falta conocer un poco mejor el drama individual de las personas que vemos, hasta el punto de que incluye una escena en uno explica a otro quién es quién, desvelando rasgos que el espectador no puede sospechar, simplemente porque no estaban integrados en la narración. También se trata de paliar esta carencia en el tramo final, cuando el avance de la enfermedad en uno de los personajes, golpea fuerte en el ánimo de todos los que le rodean. La puesta en escena tiene fuerza, sobre todo los momentos de protestan, las escenas intimistas son convencionales. Hay alguna escena simbólica poderosa, la del río Sena sin duda es una de ellas. Los actores realizan un trabajo interpretativo convincente, sobre todo Nahuel Pérez Biscayart.  

Ambiciosa serie televisiva danesa, concebida para su estreno en el 150 aniversario de los enfrentamientos bélicos entre Dinamarca y los prusianos del imperio austrohúngaro. Está narrada en dos tiempos, en la actualidad con un anciano recluido en su caserón y una joven obligada a realizar servicios sociales, que incluyen cuidarle; y en el pasado, con los antepasados de estos personajes, sobre todo dos hombres y una mujer, a los que separan las barreras sociales, ella es hija de familia noble, ellos de modesta condición, hijos de la servidumbre, y los que afectan de modo definitivo los acontecimientos históricos. Aunque el esfuerzo de producción de esta serie creada por Ole Bornedal es notable, se nota demasiado el "mensaje" de criminalizar a políticos y militares a los que les gustaría "jugar a los soldaditos", y las subtramas románticas tampoco son memorables. Es cierto que nunca se oculta la idea del revisionismo histórico, al plantear la serie en dos planos temporales, unode ellos  el contemporáneo. Pero lo cierto es que la conexión resulta algo forzada y distrae, y hace que miremos el pasado sin poder disfrutar de cierto tono épico o trágico, los personajes parecen tristes figuras a los que los sucesos que ocurren a su alrededor dictan su destino.

Serie polaca creada por Joshua Long, que al estilo de The Man in the High Castle, imagina una historia alternativa, a partir de una cadena de terribles atentados ocurridos en Polonia en 1983, en las ciudades de Varsovia, Cracovia y Gdansk, que habrían reforzado el autoritario régimen comunista, con rasgos que asemejarían al país a lo imaginado por George Orwell en "1984". En 2003 las autoridades preparan actos conmemorativos por los 20 años de los trágicos sucesos. En tal tesitura Anatol, un inspector de policía,  investiga unos extraños asesinatos, en que le está vedada la información que necesita para dar con la verdad. Existe un motivo de resistencia subterránea, liderado por la decidida Effy. Y Kajtan, cuyos padres murieron en el atentado, y que fue criado por su abuela, es un brillante estudiante de derecho, cuya novia es hija de un jerifalte del partido. Pero el estímulo de su profesor, también juez, le llevará a buscar una verdad elusiva, más cuando su mentor muere en un extraño atropello. Aunque el planteamiento es sugestivo, la narración resulta morosa y no acaba de enganchar. Quizá lo que más choca, es que la Polonia dibujada se parece muy poco a la de antaño o a la de ahora, ya sea al describir las prácticas del comunismo, el movimiento obrero, o el papel de la Iglesia. Resulta todo muy artificioso y la intriga se pierde en cierta nebulosa. Es una lástima, pues en la dirección de los capítulos figura un nombre tan prestigioso como el de Agnieszka Holland. En el ajustado reparto destaca Robert Wieckiewicz, quien hiciera de Lech Walesa en Walesa. La esperanza de un pueblo de Andrzej Wajda.

Adaptación algo plúmbea de la poco halagüeña novela de anticipación del británico George Orwell, acerca del peligro de los estados totalitarios, ‘grandes hermanos’, dispuestos a impedir la libertad de los ciudadanos. Se estrenó justamente en el año que el novelista inmortalizó con su obra. Michael Radford no logra dar con el tono para retratar la opresión del estado, y tampoco para describir el romance prohibido. Lo más destacable es el trabajo de John Hurt.

El valle de San Fernando, en Los Angeles, está habitado por un conjunto de habitantes peculiares. De manera misteriosa y repentina, una serie de crímenes hacen cundir el pánico en la zona. Nadie sabe quien puede ser el causante de las muertes, pero todos sospechan de todos. Los crímenes se siguen sucediendo, y cada muerte es más cruel que la anterior. Los vecinos del valle de San Fernando se sienten trastornados, y esto les empuja a iniciar una serie de complejas relaciones entre ellos, en medio del temor y del recelo. Un thriller lleno de truculencia, en el que se mezclan la violencia, la acción y el erotismo. Cuenta con un atractivo reparto, en el que destaca la presencia del sugerente Jeff Daniels. El argumento es original, mantiene la intriga y alcanza algunos momentos de aceptable tensión.

Marion, francesa, y Jack, estadounidense, son una pareja estable, o eso parece. Residentes en Nueva York, han pasado las vacaciones recorriendo Italia, tras confiar a los padres de ella en París a su lindo gatito. Antes de regresar a la Gran Manzana recalan en la capital francesa los días del título. Y estallará una crisis, que empieza con las bromas en torno a una foto en que él aparece "en pelota picada" y sigue con el pasado amoroso de Marion, que sale a su encuentro. La película es claramente deudora de Antes del amanecer y Antes del atardecer, de Richard Linklater, no en vano Julie Delpy, además de coprotagonizarlas las coescribió. Lo que significa mucho diálogo y divagación de aspecto frívolo, que al final da como resultado una radiografía de cierto tipo de parejas que incapaces de ligarse por un compromiso o de lanzarse a tener hijos, se quieren (hasta cierto punto), haciendo esfuerzos ímprobos para soportar las manías y defectos del otro. El resultado logrado por Delpy directora, guionista y actriz es desigual. Hay una inteligente crítica a la cultura popular representada por un "tour" de "El código Da Vinci", o a las pretensiones pedantes de saber mucho; y algún buen pasaje humorístico. Pero en general agota, por la incontinencia verbal, y su estrecha visión del hombre, incluida la reduccionista visión de la sexualidad.

Carlos Iglesias, popular actor, sobre todo por la serie Manos a la obra, acertó con su debut en la realización, Un franco, 14 pesetas, film inspirado en sus propios recuerdos cuando sus padres emigraron a Suiza. Reincidió en la misma temática con la decepcionante Ispansi (Españoles), en torno a niños madrileños acogidos por la Unión Soviética tras la Guerra Civil, cuya cansina voz en off se recuerda con desagrado años después de su visionado. Ahora, el director e intérprete ha rodado una secuela de su ópera prima. 2 francos, 40 pesetas recupera a Martín, y a su familia, protagonistas de aquélla, seis años después de su regreso a España, cuando la crisis energética hace estragos. El pequeño Pablo ha cumplido los 18, y viaja con un amigo a los alrededores de Uzwill, el pueblo de Suiza donde vivió con los suyos una larga temporada. Sus progenitores también acaban allí, cuando reciben la noticia de que el viejo amigo Marcos, que sigue en ese país con su antiguo trabajo, se dispone a bautizar a su segundo retoño. No logra ni de lejos la frescura de su antecesora, como si Carlos Iglesias hubiera agotado sus sugerentes y sentidas anécdotas en torno a la época y el choque de culturas. 2 francos, 40 pesetas no consigue recuperar el toque entrañable de sus personajes, y rompe constantemente el tono amable del original, por su continuo recurso al sexo. Aunque intenta centrarse en la crítica social de la época, con alusiones al blanqueo de capitales en Suiza que hoy en día sigue estando –desgraciadamente– de actualidad, lo cierto es que 2 francos, 40 pesetas fracasa por completo, al estar compuesta por situaciones alocadas carentes de inspiración, que acaban siendo una torpe imitación del cine de Luis García Berlanga. Se trata de un film muy coral cuyos intérpretes parecen esforzarse, pero aún así no logran salvarlo ni siquiera en momentos puntuales.  

East Village neoyorkino. Nochevieja de 1981. La vida de un nutrido grupo de jóvenes se va a cruzar en un ático. Allí se prepara una fiesta, que al principio, para desconsuelo de la anfitriona, parece un completo fracaso. Sentimientos, incertidumbre, miedos, amores y desamores se dan cita en una película en la que circula muchos pitillos. Nueva película que explora en el desconcierto vital de la juventud. El reparto es excelente, hay buena música, y algunos de los temas planteados presentan un innegable interés. La directora explica que “deseaba hacer una comedia romántica fuera de onda, que explorase las relaciones en sus momentos más elevados y desesperados”. Las caras más conocidas son las de Christina Ricci y Ben Affleck.

Un grupo de ocho estudiantes universitarios está viajando a Florida durante sus vacaciones primaverales pero deciden tomar un desvío equivocado que les llevará a un pueblo extraño en Georgia. Este pueblo solo aparece cada 100 años y se dedica a asesinar de las formas más sanguinarias a todos los visitantes perdidos. Es una película delirante y gore que se centra básicamente en las secuencias de mutilaciones, sexo y desenfreno. Es un mero entretenimiento para amantes del género sin acercarse a otras cintas muy bien conseguidas como la saga Saw.   

El fascinante director oriental Wong Kar Wai vuelve a la carga, entregando una nueva película sobre las heridas del amor, que retoma a uno de los integrantes de la pareja protagonista de Deseando amar, concretamente al encarnado por Tony Leung. Es éste uno de esos filmes que exige haber visto previamente el anterior, que nos narraba la imposibilidad de un amor entre un hombre y una mujer, engañados por sus respectivos cónyuges, que estaban viviendo una aventura. Ellos iniciaban una relación empapada de amor, pero en la que su deseo más hondo era el de no caer en el mismo error que las personas que les habían traicionado. Se trataba de un amor especial, único, irrepetible, que se desarrollaba en una atmósfera como de ensueño, el Hong Kong de los años 60. Y cuya consumación podría suponer romper esa delicada y frágil situación, el final de aquello que lo hacía tan extraordinario. 2046 arranca después de la separación de tan singular pareja. Chow no puede olvidar ese “mood for love” vivido años atrás, y por ello se instala en un nuevo “mood”, un estado anímico de insatisfacción en que trata de olvidar al amor de su vida manteniendo relaciones efímeras con toda clase de mujeres; lo que le hybde en una pasión erótica que nunca sacia. El otro modo de enfrentarse a su honda tristeza es la de escribir novelas de ciencia ficción situadas en el año 2046, un homenaje al número de habitación del hotel donde solía reunirse con su amada. Esta secuela (uno duda en usar esta palabra, que parece de una minusvaloración que no es cierta a la hora de hablar de esta subyugante obra de Wong Kar Wai) resulta mucho más compleja que el film que la justifica. Nadie duda que es más atractivo un amor imposible, que la caída en una especie de limbo, el 2046, donde se mueve un hombre sufriente que es incapaz de pasar página y continuar su vida enfrentado a nuevos desafíos. Él ha decidido seguir hospedado de modo permanente en ese estado mental de 2046, incluso físicamente (buscando la mentada habitación del hotel), y vivir de un modo egoísta, encerrado en un caparazón del que sale sólo de modo esporádico (cuando echa una mano a la hija de su casero, en sus cuitas de amor), los únicos momentos en que vuelve a respirar, siquiera sea sólo un instante.

21 gramos. La diferencia entre la vida y la muerte, lo que media entre un cuerpo animado y un cadáver. Con este título el mexicano Alejandro González Iñárritu nos habla de la fragilidad de la existencia, de los hilos tenues de nuestro devenir terreno, que pensamos controlar, pero que con enorme facilidad se parten o enredan. Al igual que hiciera en su notable debut, la muy dura Amores perros, nos cuenta tres historias. Pero su peculiar estructura de puzzle, inspirada en William Faulkner, es esta vez más complicada. De modo fragmentado, y al principio desconcertante, nos presenta a tres personajes, cuyos derroteros finalmente están muy relacionados, auténtica carambola a tres bandas. El director rueda su película en inglés, con estilo realista algo desaseado, como si fuera la vida misma, sin esfuerzos por embellecer las imágenes y con brioso montaje. Jack Jordan, preso convicto, acaba de salir de la cárcel. Allí ha abrazado el cristianismo evangelista. Está convencido del “Jesús te ama”, y desea sinceramente salir adelante, junto a su familia. Pero a las dificultades para conseguir trabajo, se suma un fatal atropello. Con su vehículo se lleva por delante al marido y dos hijitas de las hasta entonces felizmente casada Cristina Peck. Termina de completar el cuadro Paul Rivers, enfermo del corazón, necesitado de un trasplante. Y el órgano se lo va a proporcionar el difunto esposo de Cristina. González Iñárritu y su coguionista Guillermo Arriaga hablan con gravedad y sentido fatalista del destino, fuerzas incontrolables que dan al traste con nuestros proyectos. Al describir las situaciones familiares, no se conforman con lugares comunes: así, se nos habla del deteriorado matrimonio de Paul, mantenido artificialmente con mentiras y medias verdades, incluido un aborto que su esposa Mary le ocultó; de las dificultades del “volver a empezar” de Jack, la falta de confianza de la esposa; y de lo que era una vida feliz en Cristina, y que se transforma en desesperación pura y dura, retorno a la adicción a las drogas y deseo de venganza. Cada fotograma transpira rabia, amargura y nihilismo. Hay pequeñas cosas que nos hacen felices, pero duran poco. No hay sentido en el dolor, si hubiera Dios no habría permitido esto, viene a pensar el pobre Jack. La catarsis que al final alcanzan los personajes es limitada.

Cinta adscrita al realismo mágico, que mira con un punto de humor muy desinhibido la desazón vital que atraviesan en la actualidad tantas personas. El punto de partida es el viaje de Caroline a un remoto pueblecito de sur de Francia, su madre Isabelle –localmente conocida como Zaza–, con la que apenas tenía relación –la dejó al cuidado de sus abuelos siendo niña, y siempre estaba viajando–, acaba de morir inesperadamente. Mientras está haciéndose cargo de los arreglos funerarios se encuentra con que el cadáver de Zaza ha sido robado, y surgen todo tipo de hipótesis, mientras se ve obligada a prolongar su estancia. Lo que significa una inmersión en un curioso mundo hedonista, que le haría recuperar el gusto por el placer sexual que habría perdido. Su particular guía es Pattie, una mujer que si no es ninfómana le falta poco –altamente promiscua con los hombres, habla de su experiencia sexual con detalle casi pornográfico–, y allí va tratando con distintos personajes que le invitan a fantasear sobre lo ocurrido, como el que parece un antiguo amante de su madre, y tal vez su padre, aunque también podría ser un chiflado necrófilo. Los hermanos Arnaud y Jean-Marie Larrieu vuelven a armar tras El amor es un crimen perfecto una trama con elementos desconcertantes, que invitan a preguntarse quién está más muerta, si Zaza o Caroline. Aunque no nos engañemos, su propuesta no entra en grandes vericuetos intelectuales, más bien parece una especie de juego o una broma, con abundantes elementos de comedia, que muchos espectadores encontrarán de dudoso gusto, al menos la insistencia en las perversiones sexuales resulta un tanto agotadora. Sin duda que los guionistas y realizadores se muestran habilidosos a la hora de hilar su discurso, conviven el realismo y la fantasía, el humor y el punto dramático, en cuidadoso equilibrio. E Isabelle Carré aguanta el protagonismo, y eso que acechan sobre todo dos actores, André Dussollier y Karin Viard, para robarle las escenas en que sus personajes cobran peso con sus respectivos excesos. Destaquemos también el trabajo de Laurent Poitrenaux, el gendarme, de breve presencia pero con indudable personalidad.