Maestro del anime entrega "Una carta para Momo"

¿Cómo se le ocurrió la idea original para la historia de Una carta para Momo?

Se me ocurrió tocar el tema de una situación familiar en la que una mujer tuviera que hacer frente a muchas dificultades para salir adelante y criar a sus hijos después de la prematura muerte de su marido. Me gustó la idea de que el padre pudiera de alguna manera seguir velando por su familia después de morir. Era reconfortante, en una situación tan dramática. A esta historia familiar le añadí dos elementos: la ambientación en el Mar Interior de Seto, y el ingrediente fantástico representado por los duendes.

¿De dónde surgió la idea de los duendes?

Hace unos años, tuve la oportunidad de ojear un Kibyoshi (libro ilustrado del periodo Edo). Era un libro realmente fascinante y no me lo podía sacar de la cabeza. Además, me encanta la película Kin-Dza-Dza! de Georgiy Daneliya, en el que dos hombres entran en contacto con extraterrestres que se expresan en un lenguaje incomprensible y tienen hábitos absurdos. Así que traté de reemplazar la relación entre los protagonistas y los extraterrestres con una niña de once años y un grupo de duendes. No podría haber otros dos mundos más opuestos e incomprensibles, y sin embargo hay algo que surge y permanece en la mente de estos personajes después de todas las fricciones y las adversidades a las que se enfrentan.

¿Y el Mar Interior de Seto?

Mi familia es originaria de Tomonoura, en la prefectura de Hiroshima, por lo que la búsqueda de mis raíces me conduce inevitablemente a las islas del Mar Interior de Seto. Para ser honesto, yo nunca había pensado en utilizar esta localización para una de mis películas, pero en el caso de Momo llegó de forma casi natural.

El de Momo es un mundo completamente diferente al de su anterior película, Jin-Roh...

Muchas de las películas en las que he trabajado como animador se caracterizan por el tono sombrío, al igual que Jin-Roh. Creo que Momo es un poco mi reacción a todo lo que había hecho hasta ahora. A menudo las películas que exigen a los animadores que den lo mejor de sí mismos son muy dramáticas y complejas. Sin embargo, en el papel de director, he tenido la oportunidad de elegir algo más relajado. Por mi naturaleza, prefiero historias ligeras y divertidas.

Momo es un tipo de película que llevo mucho tiempo esperando poder realizar. Tal vez no haya nada especialmente innovador, pero me da la impresión de que a día de hoy no se hacen películas de esta clase muy a menudo, así que creo que Momo tiene cierto valor intrínseco. Quería hacer una película con la que la gente saliera sonriendo del cine.

¿Cómo ha elaborado la personalidad de Momo?

En el pasado, me han señalado en repetidas ocasiones que tenía que crear personajes más interesantes (risas). Normalmente, el protagonista de una película se encuentra en manos de la situación o en manos de las figuras que lo rodean, y tiene la misión de hilo conductor de la historia. Por esta razón, no creo que deba estar necesariamente dotado de una personalidad extraordinaria. Por el contrario, en muchos casos, su forma de ser varía dependiendo de las circunstancias que lo rodean. Por ejemplo, Momo discute a menudo con su madre, pero en el fondo no es mala chica. Cuando se enfrenta a gente nueva se encuentra incómoda y balbucea insegura, pero en compañía de los que la conocen bien habla tranquilamente. Así que traté de representar con el máximo realismo la personalidad de una niña como Momo, expresando plenamente la multiplicidad de estas facetas, no sólo a través del diálogo, sino también a través de los gestos, por ejemplo subrayando la diferencia en su actitud cuando se encuentra a solas con su madre y cuando se encuentra formando parte del mundo exterior.

La búsqueda de realismo es una de las características que destacan en las animaciones en las que ha trabajado en el pasado.

En mi opinión, la animación contiene dos factores fundamentales: uno es la diversión a través del movimiento y el otro es la imposibilidad de expresarse sin una base de realismo. Sin embargo, cuando se quiere expresar algo como el verdadero dolor en una escena de fuerte intensidad, esto resulta muy difícil si usamos el lenguaje enfatizado típico de la animación.

Si debo confesar uno de mis modelos, solo puedo citar Jarinko Chie (Chie, el mocoso, 1981, dirigida por Isao Takahata). A pesar del uso del estilo de la animación, en Jarinko Chie cada personaje tiene vida propia y se ilustra con mucho cuidado, como si se tratara de una persona real. Semejante atención es poco frecuente en las producciones animadas de hoy en día. Se trata de un conjunto delicado de pequeñas expresiones, por ejemplo la forma de caminar o cómo reacciona el personaje cuando le llaman. En esta película he querido expresar las características y personalidades de los personajes a través de los movimientos de sus cuerpos. Fue mi gran reto, que me llevó a revisar cada diseño de la película.