El director dirige a su esposa

¿Qué familiaridad tenía con el libro? ¿Y qué le llevó a querer adaptarlo a la pantalla?

¡Me lo pasaron! Leí el guión porque Kate [Winslet] quería interpretar el papel. Lo leí hace cuatro años y sentí inmediatamente que no debería dirigirlo, porque transcurre en una zona residencial de nuevo, como en el caso de American Beauty. Pero luego leí el libro, y me dejó hecho polvo. De un modo extraño, no me parece que trate de una zona residencial, sino de un matrimonio.

Sí, es sobre esta comunidad, y sí, es sobre esa época, 1950, pero en el fondo de todo, trata de hombres y mujeres. Advertí que me encantaban esos dos personajes, incluso Frank, que en cierto modo es débil y manipulador, mientras April es a veces cruel y está llena de rabia. A pesar de todo, me parecieron maravillosos, profundamente simpáticos y de una fascinación sin límites.

¿Por qué eligió a Leonardo DiCaprio?

La idea de Leo me vino cuando leía el libro. Era muy obvio en cierto sentido. Era una combinación de los dos actores y el papel. La de Leo es una interpretación asombrosa. Pensé que me preguntaría: ‘¿Tengo que ser tan lerdo?’ Pero si hacia algún lado empujó a Frank fue hacia la dureza, la debilidad y la crueldad, y creo que fue emocionante para él. Él ha interpretado muchos personajes heroicos, o gente perturbada con un arma en la mano, pero no creo que haya interpretado antes a un padre, o alguien que siente que la vida le ha aplastado.

Él y Kate desprenden una química tan grande… Son como un hermano y una hermana. No tengo que crear una relación. Ya existe una.

En cuanto a Kate, ella tomó el libro entero, y quiso entender a April. No interpreta dentro de una zona confortable suya en absoluto. Necesitaba meterse dentro de la cabeza de una mujer que actuara como lo hace April… y fue duro. Lo hizo con gran aplomo y gracia.

La película parece menos estilizada que American Beauty y sus otros filmes, Camino a la Perdición y Jarhead.

Sentí que necesitaba abordar el tema de un modo más honesto, directo y simple que en American Beauty, que está hecha con mucho estilo, y contiene secuencias fantasiosas y florituras visuales.

Ésta es una película sobre el modo de actuar. Trata de penetrar debajo de todas las capas de piel del individuo para llegar a su esencia.

Las campanas y silbidos de la realización de películas divierten por un tiempo, pero fácilmente te acaban aburriendo. Con mis tres primeras películas estaba esa sensación de ‘oooh, puedo probar esto ahora, o aquello’, mientras que a menudo vuelves a las cosas que te fascinan de verdad, como las relaciones humanas, que es lo que me fascina en un escenario. La verdad emocional de Revolutionary Road me recuerda a una obra de teatro.

En la cabeza, tenía la idea de una película hermana de ¿Quién teme a Virginia Woolf?, Escenas de un matrimonio y ese tipo de películas, más que American Beauty y Juegos secretos, que pintan de modo más obvio las urbanizaciones. Sentí que hacía una película sobre el matrimonio, y aún lo siento. Es una historia de amor, una trágica historia de amor.

El dibujo de la década de los cincuenta es maravilloso.

Me encanta [la serie de televisión] Mad Men, pero es algo más que la época misma. Me reuní con el tipo que escribió y creó Mad Men, y me dijo que Revolutionary Road era la gran novela de esa época, y que era la inspiración de la serie.

Es muy interesante que nuestra cultura haya escogido revisitar esa época ahora, porque parece a la vez familiar y profundamente ajena. Es tan genial el ‘look’, y es duro no convertir en un fetiche ese período. La gente vestía tan bien… ¿Cómo se pudo vivir, y tan recientemente? Ahora todos llevamos camiseta y vaqueros, y en comparación ofrecemos un aspecto espantoso.

Se fija mucho en los viajeros diarios del tren, hombres con sombrero…

Lo sé. Quería que parecieran salmones nadando río arriba.

Y aunque es una obra de época, el tema de la película resulta moderno.

Así lo creo. Existe una añoranza en el corazón del libro, y espero que en el corazón de la película. Está el sentimientos de que los personajes añoran algo. Y no saben lo que es.

April intenta expresarlo con palabras. Y su añoranza la representa París. Pero París es una metáfora. Todos tenemos nuestro París, una vía de escape, un edén. Hay un momento en la vida en que piensas que todo está a tu alcance. Y eso es lo que ella intenta recuperar. En cualquier época es duro despertar con treinta y pico años y advertir que no estás viviendo la vida que quisieras. Si tu vida la apuntala la decepción, ¿cómo desembarazarse de ella? Desde mi punto de vista, eso es lo que hace la historia universal.

Creo que ahora la gente a menudo discute de cómo lograr un equilibrio en tu vida, conciliar tener niños con el trabajo. Si estudiáramos la cantidad de tiempo que pasamos hablando con nuestra pareja sobre temas varios, ése encabezaría casi seguro la lista. Es increíblemente normal.

¿Dónde rodó?

En Darien, Connecticut. Fue todo en localización. Queríamos sensación de realidad, que la olla a presión que es el hogar de los Wheeler resultara auténtico. Fue genial. Era una casa pequeña, con todo el equipo apretujado allí dentro. Creo que esa realidad ayudó a las interpretaciones.

¿Considera la historia deprimente?

La gente a la que le gusta el libro dice que sí, es deprimente, pero maravillosa: y eso espero que digan también de la película. Es raro cuando la gente dice: ¿no lo encuentras deprimente? Yo digo que no. Es triste y serio, pero son cosas que deberíamos poder abrazar. La idea de que el drama no puede ser entretenido es absurda.

La ley del silencio es una tragedia. Pero es genial, una película que eleva el espíritu. Y también lo son Un tranvía llamado Deseo y Al este del edén. Porque cuando ves algo bien hecho, te eleva el espíritu.

La idea de que la tragedia es algo deprimente es errónea. Si funciona, te hace sentir más vivo tener esa experiencia, y es lo que he pretendido con Revolutionary Road. Sí, es trágica, pero también un estímulo a sentirte más vivo. Y ésa era mi meta.