Fernando Trueba, director y guionista de "Isla perdida"

Yo, admirador desde hace mucho tiempo, no pude evitar sentirme como si estuviera entrando en el sanctasanctórum del cine, sólo que con más libros de Truffaut y menos humo de tabaco de lo que me imaginaba. El ganador del Oscar por "Belle Epoque" nos abre las puertas no solo de su casa, sino también de su mundo interior, donde la cinefilia es casi una religión. En ese espacio tan personal nos adentramos en el proceso creativo de "Isla perdida (Haunted Heart)", su nuevo trabajo, un thriller protagonizado por Aida Folch y Matt Dillon.

¿Por qué un thriller?

Es un género muy bonito y a mí me gusta mucho. No he tenido muchas oportunidades de practicarlo, hasta ahora, haciendo esta película, pues para mí era un ejercicio de cine puro, de cine clásico, ¿no? De todos los géneros quizás sea el más puramente cinematográfico. El thriller, el suspense. ¿Por qué? Pues porque siempre habla de una realidad mientras hay personajes que están vigilando o siendo vigilados.

Entonces la cámara se convierte casi en un instrumento de lo que realmente estás contando, más que ningún otro género.

Hay gente que dice, no, el musical. Vamos a ver, el musical es un género teatral, que el cine ha adaptado a veces con éxito, por supuesto. ¿O la comedia? Pues la comedia también, que es maravillosa, pero también tiene un origen en el vodevil, en el teatro. El western tiene un origen en las novelas de dos duros que vendían en las estaciones de tren. En cuanto al suspense, aunque sí existe la literatura de Sherlock Holmes, quizá eso sea otra cosa, el suspense es lo más cinematográfico que hay. Y por eso Alfred Hitchcock es el director por excelencia, porque utiliza herramientas más al servicio del cine, y nada más que del cine, no de otras visiones de la humanidad, del mundo, de la política, de lo social, de lo que sea. Es cine puro. Entonces eso es muy tentador. Y yo siempre he sido muy aficionado al género, me encanta ver el cine negro, thrillers y tal, cuando son buenos. Junto con la comedia mi género favorito.

Aunque Isla perdida efectivamente es muy cinematográfica, el espectador también nota que tiene contenido, ¿qué ha querido contar?

Mi intención era rodar una película que empezase en la luz. En verano, en esa cosa luminosa, agradable, estupenda. Y que vaya poco a poco deslizándose hacia la oscuridad. Por eso los tres actos clásicos están divididos en tres estaciones, verano, otoño e invierno. La primavera no está, que es la que se identifica con el amor. El verano, el otoño y el invierno. Entonces ese ejercicio de que esa atmósfera se fuera enturbiando en paralelo a lo que les ocurre a los personajes y al aspecto también de la película, eso era muy interesante desde el punto de vista narrativo, de contar la historia.

También un poco difícil, porque cada acto aquí parece una película distinta casi. Tiene un tono diferente. Creo que eso es lo fascinante. Sí, va evolucionando. En el primer acto ya se siembran algunas cositas. Pero pasamos por ellas porque estamos contentos, felices, en un lugar paradisíaco.

En eso me ha recordado a La sombra de una duda, de Hitchcock. Es un clásico de cómo hacer eso, exactamente.

Evidentemente, desde el principio siembra la duda. Si no, no funcionaría. Es que es bonito ir administrando esas pequeñas informaciones, esos pequeños indicios aquí y allí, para que el espectador también dude y sospeche...

Digamos que es una película donde vemos todo a través de ella. Llegamos con ella y nos vamos con ella. Entonces hay una identificación grande con el personaje de Alex. Sí, también porque creo que Aida Folch lo consigue llevarnos a su territorio. También la actriz creo que tiene mucho mérito.

Ha escrito el guión con Rylend Grant, autor de cómics.

Cuando yo le cogí era un chico muy joven que acababa de salir del American Film Institute, había hecho una película allí fenomenal, escrita y dirigida por él. Estaba buscando a alguien y me pareció un escritor muy americano...

Esta película es totalmente americana. Muy negra. Nos llevamos muy bien durante el proceso de escritura.

¿Cómo surgió la idea de rodar algo completamente distinto a El olvido que seremos, su película anterior?

Este proyecto existía antes. Ya llevaba unos años preparándolo. Y cuando he podido, pues, lo he puesto en marcha, ¿no? Pero ya sabía que quería hacer esta película. Ya tenía el guión cuando hice El olvido que seremos. Todo estaba en preparación.

¿Cuando hizo el guión ya había pensado en Aida Folch como protagonista?

Al principio del proyecto no estaba claro. Pero una vez que terminamos de escribir, de inmediato pensé en Aida. El personaje lo tenía que interpretar una actriz que no estuviera en edad de parecer una cría ni demasiado mayor. Debía estar en ese punto, en la treintena, cuando ya le habían pasado cosas, pero todavía tiene la juventud suficiente para arriesgarse y embarcarse en ciertas historias.

Y Aida es una actriz con la que yo me entiendo muy bien. Tenemos mucha complicidad y es muy trabajadora, muy seria. Lo prepara todo mucho. El personaje, la lengua... Hemos hecho tres películas y cada una en un idioma. Sí, una en francés, otra en español y esta en inglés.

Es verdad. El artista y la modelo estaba rodada en francés, La reina de España en español, y ésta en inglés.

Y yo le digo en broma que la siguiente será en portugués o italiano. Que vaya estudiando. Como hablo portugués, le digo que probablemente trabajaremos en portugués. Me responde que si se lo digo en serio. Quién sabe.

Pero no solo está muy bien su acento, sino que está muy gracioso cuando hace spanglish, o cuando insulta en español, ¿no?

Es muy sentido, muy... Muy de verdad. Sí, muy de verdad, eso es. Es muy espontánea, por eso... "Yo le llamaría cabronazo", me dijo. Eso me hizo gracia. Posiblemente eso se pierda en el doblaje. Casi todo el mundo la verá doblada, aunque estará también disponible en versión original para cinéfilos.

Tiene al frente del reparto a una gran estrella, que es Matt Dillon, al que por lo visto, le unía con usted su afición al jazz latino.

Sí, de hecho, nos habíamos conocido en Los Ángeles un día por casualidad, pero luego nos hemos visto algunas veces en Nueva York, y teníamos un amigo común, que es Chico Farrell, que quería mucho a Matt Dillon, y siempre me hablaba, y me decía que si no conocía a Matt Dillon, y tal. Pues no, no, y tal, ya sé que es aficionado a la música. Sí, sí, le queremos muchísimo. Y de hecho, su mujer, Lupe, siempre decía, le queremos como un hijo. Siempre me hablaban de él con cariño, pero yo no le conocía entonces. Y al final le conocí y vi inmediatamente que era un buen tipo para trabajar con él.

Primero nos conocimos, luego nos volvimos a ver en Nueva York, en una ocasión le dije que tenía una historia ahí que todavía no sabía cómo la íbamos a hacer o financiar, pero que me gustaría que la leyera, a ver qué le parecía. Y entonces, cuando se la pasé, le gustó y a partir de ahí, todo fue hacia adelante.

Pero, ¿ha sido complicado? Porque, al fin y al cabo, es una gran estrella de Hollywood.

Sí, pero no es difícil de trato, él es muy campechano. Es artista, es pintor, está siempre con los músicos, ha dirigido documentales de música, incluso una película de ficción que hizo hace años, Singapur, no me acuerdo. Sí. Y, o sea, él tiene muchas inquietudes, es muy artista, además de actor. Procede de una familia de ilustradores, No sé si sus abuelos o tíos eran los que dibujaban Flash Gordon, tiene una familia muy curiosa, relacionada ahí con el arte.

Nosotros, los que fuimos jóvenes de los 80, le teníamos como ídolo juvenil, pero luego ha madurado muy bien en películas como Crash.

Aquí tiene un papel muy complicado porque aparenta lo que no es... Sí, tiene un papel complejo porque debe ser atractivo, que te caiga bien, pero que luego te pueda dar miedo. Ya al principio refleja algo de duda. Al final la lección ha sido muy buena porque ha hecho un trabajo estupendo. Sí, daba muy bien esos dos lados. Pero yo creo que el personaje más...

También es complicado el personaje de Juan Pablo Urrego.

Me encantó trabajar con él en El olvido que seremos. No tenía duda de que tenía que repetir con él.

Es un súper actor. Juan Pablo es de los mejores actores con los que yo he trabajado. Hace fácil lo más difícil. Tiene una gran elegancia, y además precisión. Entiende todo. Es muy bueno. Si fuera norteamericano sería una superestrella, el tío más conocido del planeta. Aquí lo expresa todo por dentro. No es como el personaje de Matt Dillon, que es más fácil de interpretar yendo acorde con el diálogo. Él todo lo refleja. Es importante que el público se encariñe con su personaje. Lo consigue.

Es importante para la película la localización en la isla. ¿Cómo escogió este lugar para irse a rodar allí?

Hicimos muchos viajes de localizaciones. Y al final me resolvió un asunto un amigo que probablemente conocerá usted, estuvo muchos años en días de cine. Alberto Bermejo.

Sí, sí, claro. Se jubiló hace un par de años o así.

Bueno, pues Alberto, que es mi amigo de la infancia, vino a cenar un día con su esposa, y me preguntó qué estaba haciendo. Pues nada. Acabo de volver de Grecia. Ya hemos hecho tres viajes. Estamos buscando localizaciones, pero no acabo de encontrar el lugar. Ah, ¿y qué es lo que buscas? Le respondí, contándole lo que necesitaba. Me dijo que Inés, su hija mayor, había estado trabajando en una ONG en Grecia varios años. Y ellos habían ido a verla dos o tres veces. Y entonces me hablaron de ese lugar. Como todo el mundo me dice siempre que tengo que visitar muchos sitios, no le di mucha credibilidad. Pero después de que se fueron me metí en google Maps. No di crédito a mis ojos. A la primera foto que vi, ya me di cuenta de que quería ir a rodar allí. Llamé por teléfono a Colombia a Diego, mi director artístico. Se metió en internet a ver fotos y se dio cuenta de que era justo lo que queríamos. Enseguida organizamos un viaje para ir allí. Esto nos ahorró mucho dinero porque cada vez que nos trasladamos tenemos que coger muchos coches, barcos, etc., así que aumenta el presupuesto de la película.

Isla perdida va a poner de moda el lugar donde transcurre la acción.

Esperemos que no. El turismo lo destruye todo. A veces lo pienso y digo, a ver si... Claro, es una responsabilidad poner un sitio en una película. Efectivamente estamos en una era en la que la gente ve una película, descubre sitios que le apetece descubrir y tiene la posibilidad de llegar. Intentaremos no divulgar demasiado el nombre del sitio. Que lo busquen.

Veo, sólo con hablar con usted, que le sigue divirtiendo hacer películas. Siempre ha dicho que hace películas porque le divierte. Y eso se nota.

Es un trabajo bello, es lo más bonito. Soy feliz escribiendo guiones. Por ejemplo, acabo de terminar un guión y estoy encantado de la vida. Y rodando. Creo que eso se transmite al espectador. Por ejemplo, Martin Scorsese está feliz, y rueda cosas distintas.

Otros se han aburrido, como Francis Ford Coppola, que se retiró del cine.

Nos queda ver Megalópolis, pero pienso que será un aburrimiento. Ojalá me equivoque.

Temo que tenga razón.

Es curioso. Porque cuando los directores envejecen, unos han hecho sus mejores películas. Y otros han hecho las peores. Muchos se vuelven impersonales. Pero hay gente, como John Ford o Jean Renoir, que han hecho sus mejores películas de viejos. Sí, siempre son interesantes. Probando cosas distintas, ¿no?

Y Hitchcock hizo varias de sus mejores películas siendo mayor, y siempre fue interesante también.

Las últimas no fueron tan buenas, ¿no? No estaban mal, pero tuvo una época de madurez muy buena. Y muy larga.

Hay algunos directores que dices, ¿cuántas obras maestras ha hecho este tipo? Le pasa a Billy Wilder, a John Ford, a Renoir, Mizoguchi, Ozu, etc. Si ves su última película, La calle de la vergüenza, llegas a la conclusión de que se puede estrenar ahora mismo.

Desgraciadamente se está perdiendo es ver el cine en salas. Yo sé que a usted le gusta. De hecho, he coincidido con usted alguna vez viendo una película de Tod Solonz en el cine Golem. ¿Preferiría que la gente viera su película en el cine?

Parece que se está perdiendo, que el público no quiere ir al cine. Creo que a partir de la pandemia la cosa ha ido a peor. Hay zonas de Estados Unidos que se han recuperado bastante y en Francia ha ido la cosa bien.

La gente se ha acostumbrado mucho a las plataformas. Y es penoso, ¿no? Pero yo creo que cuando uno descubre la maravilla que es ver una película con gente en el cine, ya no quiere cambiar. Eso no va a desaparecer nunca. Lo que pasa es que las salas no están en su mejor momento. A la vez, la gente que ha tenido la audacia de estrenar en cines ha triunfado, al menos algunos. Hace poco, estaba en Francia haciendo un tour por una serie de cines y me maravilló lo bonitos y cuidados que los tienen. Son una belleza. En Burdeos, en Toulouse y demás. Uno en una iglesia, otro en medio del campo. Es algo mágico. Aquí no les tenemos tanto cariño a los cines, salvo a lo mejor en el caso de Cine Doré, una joyita que tenemos. Debemos a Berlanga que lo rescatara. Libró una batalla personal y consiguió salvarlo y que el Estado lo comprara. Una de las muchas cosas que le debemos a Berlanga. Muchísimas.

¿Qué me puede decir de su hijo, Jonás, que ha ganado el premio de la quincena de realizadores en Cannes?

¿Qué quiere que le diga? Nada, muy bien. Soy fan de sus películas desde el principio. Intento, en la medida de lo posible, ser muy objetivo. Es muy libre. Eso es lo bueno, que es libre. No sabes qué vas a ver.