San Sebastián 2017, día 29: las apuestas para las plataformas digitales, las últimas películas a concurso y un pronóstico

Llega el cine en blanco y negro, algo tiene esta opción estética a la hora de fotografiar una película que la envuelve de una atmósfera evocadora y sugerente. Aunque sea para abordar historias tremendas, de degradación humana hasta el paroxismo, el caso de El capitán, regreso al cine de su país del alemán Robert Schwentke tras una larga etapa hollywoodiense, que incluye títulos como Plan de vuelo: Desaparecida, RED y la saga Divergente.

Situada en las últimas semanas de la Segunda Guerra Mundial, la película se basa en hechos reales, el golpe de suerte de un desertor alemán, que encuentra en su deambular un automóvil abandonado, con el uniforme de un oficial altamente condecorado. Suplantada su identidad, el capitán Willi Herold va reuniendo a su alrededor a un grupo de soldados, que podrían ser desertores como él o no, pero ante los que hace la vista gorda, como alguno la hace también en su caso, con respecto a su graduación y misión recibida supuestamente y en directo del mismísimo Führer. La pantomima va subiendo de grado, y Herold no duda en ejecutar con su propia mano a hombres que han cometido el mismo crimen que él. ¿Llegará al colmo cuando en un campo de prisioneros desertores de su propio ejército, haya que aplicar mano dura?

Como en las otras películas que ha rodado en alemán, Schwentke firma el guión de una historia que pinta como lo que en principio podía ser un ejercicio puro del instinto de supervivencia, degenera en arbitraria disposición de la vida de los otros, Herold toma el gusto a dar órdenes de tremenda crueldad y sin consideración moral alguna, como sin duda ha visto hacer antes a sus oficiales. Un modo de actuar tan brutal, que incluso produce repulsa en oficiales alemanes, que al menos considera que deberían guardarse las formas, un compatriota desertor debería ser juzgado por un tribunal militar y ejecutado, si es el caso, con dignidad. Pero en momentos en que se masca la derrota, y en que la borrachera de ostentar un poder, el del “comando Herold”, la conciencia está muerta, y si alguien como Freytag aún tiene algún escrúpulo, o siente cierta camaradería cómplice por la suerte de quienes han intentado salvar el pellejo como él, una orden y el valor puesto a prueba obligan a tomar partido. Los actores atrapan bien la idea de ser “actores” en el último acto de la tragedia nazi, con Max Hubacher como el impostor principal, y también lo hace muy bien Milan Peschel, el más humano de sus hombres.

La película no deja ningún resquicio a la esperanza, se trata de recoger en unas fantásticas imágenes en blanco y negro obra de Florian Ballhaus, no la dignidad humana, sino la indignidad, no hay espacio para héroes al fin, como en La lista de Schindler; y el pasaje final durante los títulos de crédito, en que la circulación de un vehículo militar con el comando Herold, ya en la actualidad, invita a no olvidar y no caer nunca en lo mismo.

La pérdida de la identidad

La directora polaca afincada en Holanda Urszula Antoniak sabe de lo que habla al entregar Más allá de las palabras. También ella rueda en blanco y negro, y su película nos lleva a Alemania, pero a la actual. Ahí, en Berlín, ejerce de abogado Michael, integrado en la sociedad alemana a base de disimular su acento, él ha optado por olvidar sus raíces polacas, que hubo un tiempo en que era Mischa. Pero la aparición imprevista de su padre, al que creía muerto, le obliga a replantearse quién es realmente.

Antoniak habla de la inmigración dentro de una Europa, cuya unión podría ser ficticia, de una sociedad un tanto hueca, y lo hace de modo premioso, recreándose en sus imágenes, y recordando que no se debería renunciar a los orígenes sino quiere acabar esfumándose en la nada.

El anciano actor recupera la infancia

La última película a competición nos ofrece cine dentro del cine, siguiendo en ese sentido la estela de The Disaster Artist, aunque con un tono y registro completamente diverso. El león ha muerto esta noche arranca con Jean, un anciano actor, a punto de rodar la escena de su muerte. Pero la actriz de la película ha sufrido un desengaño amoroso y se suspende el rodaje. Pausa que permite a Jean volver a la casa desocupada donde vivió con su fallecida esposa, y encontrarse con un grupo de niños que están filmando una película amateur, en la que acepta colaborar.

Se trata de una película sencilla, en que se entrecruzan la realidad y la ficción, con pasajes oníricos propios del realismo mágico, y otros, los de los niños, propios de un taller de cine, con momentos más o menos improvisados. La mezcla de ideas ofrecida por el director de origen japonés Nobuhiro Suwa funciona razonablemente, y permite jugar con la presencia de un actor legendario, Jean-Pierre Léaud, que se dio a conocer de jovencito de la mano de François Truffaut, Los cuatrocientos golpes que le permitieron luego repetir su clásico personaje de Antoine Doinel. Ecos y reflejos de un actor maduro que empezó ante la cámara siendo un chaval.

Un intento de pronóstico

Y acabados los títulos que compiten, podemos decir que el nivel ha sido mediano, con algunos títulos interesantes y otros no tanto.

Para mí lo mejor ha sido La vida y nada más, Pororoca, The Disaster Artist y C'est la vie, me alegraría que alguna de ellas se llevara la Concha de Oro. También considero valiosas El autor y El capitán, pero menos. Entre éstas deberían andar los premios de Concha de Oro, dirección, guión, premio del jurado, fotografía.

Creo que para mejor actor hay que fijarse en los hermanos Franco, un posible ex aequo que estéticamente queda muy bien, en Bogdan Dumitrache, Jean-Pierre Bacri y Jean-Pierre Léaud. Mientras que en el caso de ellas, mi favorita sería Regina Williams, pero también serían buenas ganadoras Sofía Gala Castiglione y Maria Dragus.

La cosa queda en manos de un jurado presidido por un estadounidense, John Malkovich, lo que tal vez ayude, o no, a las opciones de The Disaster Artist y a la mirada española a su país de La vida y nada más.

Las series y el streaming, “La peste” y “Fe de etarras” o cómo están cambiando el cine

Empieza a ser normal que las series y películas estrenadas en plataformas on line tengan importante presencia en los festivales, no hay más que ver las últimas ediciones de Cannes y Venecia, y la polémica de si debería dejar competir a un título que no va a tener distribución en salas. San Sebastián no ha querido ser menos, y ha proyectado dos capítulos de la primera serie producida directamente para su contenedor digital por Movistar+, uno de los patrocinadores.

La peste es una serie ambiciosa, que transcurre en la Sevilla de finales del siglo XVII. Hay un esfuerzo importante de producción, dentro de lo que cabe, rodaje en las calles de la capital andaluza ante la catedral, vistosos planos del Guadalquivir con barcos y el “skyline” de la ciudad, barrios degradados con casas de adobe, fotografía en claroscuro muy cuidada. Y tiene detrás al director de La isla mínima y El hombre de las mil caras, Alberto Rodríguez.

Pero todo esto no es suficiente. Decir que La peste es la peste sería una broma demasiado fácil, y quizá injusta, pero sí resulta obligado decir que la trama es tediosa, y el cansino desarrollo no atrapa en ningún momento. La carta de la truculencia, personajes degradados, víctimas de la peste, autopsias muy gráficas, sórdido sexo, apenas sirve de excusa para lo más obvio. Falta una historia interesante, capaz de atrapar. Las andanzas de un tal Mateo, que sale de Sevilla para volver luego a ocuparse del hijo bastardo de un amigo, que es acusado de hereje, pero al que acude un obispo para que investigue un brutal crimen de tipo religioso, son confusa, y vienen entreveradas con unas autoridades que no quieren alertar sobre el riesgo de peste para que no deje de fluir el oro de América, y el trabajo de una pintora que firma con el nombre de su padre, son tiempos machistas, supersticiosos y brutales, donde nadie muestra un resquicio de bondad, hasta los niños son brutales. La España oscura, un ejercicio de autoflagelación que pienso que no va a lograr enganchar, al menos las dos primeras entregas no lo consiguen.

Por su parte, de Netflix llegó Fe de etarras, comedia de Borja Cobeaga con guión de Diego San José, con el riesgo de hacer risas con el tema del terrorismo, tema de alta hipersensibilidad, todo resulta aún muy cercano, con heridas no cicatrizadas, era lo que me comentaban algunos donostiarras.

Los responsables del film, son lo bastante conocedores de la realidad de su tierra, y tienen la suficiente elegancia y sentido común para guardar cierto equilibrio, pero en este caso moverse en el filo de la navaja es muy complicado. Su película describe la espera de un comando etarra para cometer un atentado, y entretanto deben aparentar normalidad con los vecinos, y ello en plena efervescencia del Mundial de Fútbol de Sudáfrica, donde inesperadamente España está haciendo un buen papel.

La película, de actores muy graciosos, Javier Cámara, Julián López, Miren Ibarguren, Gorka Otxoa, contiene algunos buenos gags, en el fondo los que más se alejan de ETA y se acercan al humor de Ocho apellidos vascos. El final, humor negro, deja un poco perplejo y se presta a diversas interpretaciones, pero se diría que es el modo de expresar el rechazo de la violencia y el asesinato para defender las ideas que sean sobre el País Vasco.