Carles Cases

Un heroico policía, un repartidor de bollería industrial, un concejal, un matrimonio en crisis y otros individuos sobreviven al derrumbe de un túnel. La tragedia les ha dejado tan marcados que deciden reunirse todas las semanas, a modo de terapia. Se esperaba poco del debut como realizador de Pepón Montero, guionista de series televisivas de segunda fila (por hacerse el elegante), como Plutón B.R.B. Nero o Chiringuito de Pepe. Coescribe el guión con Juan Maidagán, compañero en este tipo de subproductos catódicos. Tiene cierta frescura al principio, por tratarse estrictamente de un film post-catastrofista, que comienza con el rescate, donde la gran mayoría de este tipo de películas concluye. También porque su humor disparatado, con alguna excepción, no va hacia la sal gruesa, al estilo Torrente, lo que más se estila en la comedia española, sino que el humor procede del costumbrismo, y de la descripción de personajes muy reconocibles. Sin embargo, desconciertan sus chistes surrealistas, a veces metacinematográficos, como cuando el policía habla con frases propias del Séptimo Arte. No se sabe muy bien qué se pretende. Sí que cuenta con un par de gags a prueba de cualquier tipo de público, pero en general apenas arranca las carcajadas. A ratos parece que va a explorar las posibilidades dramáticas del relato, con reflexiones sobre las segundas oportunidades, la necesidad de apoyo social y familiar, etc., pero no se toma nada en serio y el conjunto acaba derrumbándose, también por la irregularidad del reparto, pues mientras algunos actores, como Manolo Solo o Natalia de Molina se defienden, otros desentonan y resultan exagerados, como Arturo Valls –promotor del proyecto para probar de nuevo fortuna en la gran pantalla– y Raúl Cimas.

Debut en el largometraje documental de Javier Balaguer, que debutó en el campo de la ficción dramática con el film sobre los malos tratos Sólo mía. Con un par de cámaras y escaso presupuesto, ha recogido fílmicamente el proceso de búsqueda de los restos mortales de Miguel de Cervantes Saavedra, que se sabía que fue enterrado en el madrileño Convento de las Trinitarias, cercano a su residencia. Su trabajo se estrena coincidiendo con el cuarto centenario de la muerte del autor de “El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha” (el mismo 23 de abril fue emitido por algunos canales autonómicos y posteriormente se ha estrenado en cine). Comienza criticando la falta de apoyo y el desinterés de las instituciones con el proyecto puesto en marcha por un grupo constituido por forenses, geólogos, historiadores e investigadores, que han obrado sin ánimo de lucro económico, y sólo han contado con la ayuda del Ayuntamiento de Madrid, y de las madres trinitarias, que han permitido el acceso a sus instalaciones. Resultan descorazonadoras por contraste sus imágenes del parlamento británico, donde no existe división alguna a la hora de apoyar cualquier reivindicación de William Shakespeare. Documenta también la búsqueda de la casa natal del dramaturgo, de la que los ingleses han hecho una cuestión de estado, y han gastado siete millones de euros… ¡a pesar de que ellos ya tenían localizados sus restos mortales! En España lograr 100.000 euros, una cifra muy reducida, ha sido complicadísimo. A continuación, se muestran con pelos y señales las fases de la excavación. El realizador logra hacer todo interesante, incluso para quienes desconozcan cómo se llevan a cabo este tipo de indagaciones tan complejas (en el lugar yacen los huesos de numerosas personas, sepultadas allí a lo largo de los siglos). El conjunto está ilustrado por secuencias en las que el actor Ramón Barea se convierte en un convincente Cervantes, para dar su punto de vista.

Como es habitual, el director catalán Ventura Pons rueda a ritmo de película anual. En esta ocasión, su propuesta es diferente a los dramas a los que se dedica desde finales de los 90, y los momentos más cómicos se parecen en cierta manera a las primeras comedias que rodó, en la línea de ¡Rosita, please! y similares. El argumento se compone de numerosos relatos cortos aparentemente inconexos, aunque al final se explica la relación entre ellos. Como suele suceder en este tipo de películas, el nivel es irregular. Algunos segmentos están muy bien resueltos, sobre todo el relato del escritor que alaba en una entrevista la obra de un autor joven, lo que desencadena consecuencias inesperadas. Otros son menos interesantes, y bastante surrealistas, como el de la mujer a punto de suicidarse, un hombre que va a visitar a una residencia a su padre, que se viste con ropa interior de mujer, un tipo al que le ha enviado una carta su ex novia, pero antes de recibirla se ha suicidado, la señora que limpia su casa hasta vaciarla por completo incluso de muebles y baldosas, un profesor que ante la visión de un niño que sangra tras haber sido herido con una botella rota, le reprende por no haberle dado los buenos días... Especialmente insufrible es la parte formada por varios relatos mudos, en homenaje a los primeros tiempos del cine, y que recrean a base de humor muy simplón historias clásicas, como “La bella durmiente”, “Robin Hood”, “Guillermo Tell” y la Anunciación a María del Evangelio. Pons cuenta con un amplio reparto, que incluye a actores muy solventes, como Julieta Serrano, Jordi Bosch, Joel Joan, Roger Príncep o Santi Millán. Todos realizan correctos trabajos y logran arrancar sonrisas ocasionales. Pero el film trivializa los temas centrales que trata, como la vejez, la muerte y la eutanasia, y el conjunto decepcionará incluso a los incondicionales del prolífico Ventura Pons.

El cineasta catalán Ventura Pons cierra su personal trilogía basada en las novelas de su amigo Lluís-Anton Baulenas, tras las desiguales Anita no pierde el tren y Amor idiota. Lamentablemente esta tercera colaboración se parece más a la segunda de estas películas, si bien ahora se trata de una drama en toda regla con personajes totalmente desubicados, con vidas muy desordenadas y un futuro falto de sentido. Tras dos años trabajando en una ONG en África, Anna (María Molins) regresa a Barcelona traumatizada con la violencia, la miseria y la muerte que ha visto allí, y sobre todo muy escéptica en cuanto a la eficacia de la labor asistencial que se realiza. Al cabo de los meses, se pone a trabajar de guardia nocturno en una residencia sanitaria de lujo a las afueras de la ciudad y decide abandonar a su marido. Apenas se habla con su hermana, la única de su familia con la que tiene trato. Su único amigo es un compañero de trabajo, Carducci (Albert Pérez), un homosexual que le regala su caravana para que viva en ella y además le anima a seguir luchando con su vida, le entiende, le escucha... Porque Anna, como dice el título, va realmente a la deriva. Durante el día duerme y por las noches trabaja. Todo es monótono hasta que se encapricha de un interno de la residencia, de quien ni siquiera sabe su nombre, con el que practicará sexo todas las noches y cuando haga falta. La película transmite la tristeza de los personajes, zarandeados hacia no se sabe dónde y sin ningún ideal que seguir. Lo único que merece la pena es pasarlo bien, dice uno de ellos, pero si eso no es posible –como parece ocurrirle a la protagonista– no queda sino desahogarse con el sexo, da igual con quién, da igual cuándo, da igual la postura. El film habla de la decepción de esas personas que han gastado su vida en ideales que finalmente les han dejado vacíos (en este caso, las ONG). Y de la amargura que les invade cuando todo su mundo supuestamente solidario se viene abajo como un castillo de naipes. No hay asidero entonces, solo abismo vital. Aunque el propio Ventura es aún más crítico al decir que en esta película África es "una metáfora de los sueños de unos seres que quieren huir de su realidad inmediata". El director rueda bien y cuenta con la competencia de su equipo técnico y artístico habitual, con intérpretes como Roger Coma, Marc Cartes o Mercé Pons.

Jordi es un fracasado empresario catalán que decide viajar a Buenos Aires para hacer fortuna. Es el mes del corralito argentino y Jordi aspira a que se haga realidad aquello de que ‘a río revuelto, ganancia de pescadores’. Una vez allí, se implica con una serie de personas de las altas esferas, muchas de las cuales están lejos de ser ‘trigo limpio’. La película utiliza los duros días del corralito como contexto para contar una historia. El interés de Ramón Térmens ha sido el de desarrollar una trama con personajes reales que despierte el interés, y es que se trata de un thriller que quiere mantener en vilo al público. Lo que no quita para que esta intención se complemente con un intento de llamar la atención sobre la corrupción tanto a nivel político como empresarial.

El director catalán Ventura Pons adapta por tercera vez una obra teatral de Sergi Belbel, tras Caricias y Morir (o no). La acción tiene lugar en dos épocas distintas, separadas por cuarenta años, y sigue los pasos de una familia de clase media. En los 60, la madre sufre un cáncer terminal, y se comporta como una déspota que tiene a sus hijos traumatizados. Éstos se reencuentran en la actualidad, tras muchos años sin verse. En el piso de arriba se acaban de instalar unos inmigrantes andaluces, en la trama del siglo XX, mientras que en el XXI han sido sustituidos por una familia magrebí. Ha contado Pons con grandes actores. Destaca el trabajo de Anna Lizarán, la gran estrella del teatro catalán, a quien el cineasta había dirigido en Actrices y que repite los dos papeles que ya hizo en los escenarios. También brilla envejecido por el maquillaje el expresivo Joan Pera, muy popular en la escena barcelonesa, y que tiene una voz muy familiar para el público español, porque dobla a Woody Allen, pero que no se prodiga demasiado en la gran pantalla. Toca el realizador muchísimos temas, como la emigración y la xenofobia, las relaciones familiares conflictivas, la homosexualidad, la enfermedad terminal y los malos tratos. Pero lo hace de forma demasiado aséptica, una característica inherente a su filmografía, y con cierta tendencia a sugerir detalles morbosos o escatológicos. Tampoco puede evitar que los personajes resulten demasiado fríos. No resultan atractivos para el espectador, incluso cuando son capaces de realizar acciones positivas, como atender a una enferma, o dar de comer a un niño hambriento.

Un matrimonio mayor decide despedir a los inquilinos alquilados en su casa de Barcelona. El motivo es que él está enfermo y desea pasar sus últimos momentos en soledad, con la sola compañía de su mujer. De este modo, ambos hablarán, uno a uno, con sus huéspedes: la profesora de francés, el guardia de seguridad y la emigrante argentina. De las conversaciones saldrán a la luz diversas historias y demás. El desigual Ventura Pons (Actrices) dirige una película intimista, teatral, rodada casi completamente en interiores, con tonos pastel y luces artificiales de hogar rancio, antiguo. Cuenta con dos grandísimos intérpretes como protagonistas, y tanto José María Pou como Núria Espert logran que nos interesemos por sus vidas, por su pasado. Sin embargo, poco a poco Pons va derivando su guión y sus imágenes hasta derroteros cada vez más sórdidos, en donde salen a relucir secretos inconfesados y situaciones grotescas, que incluyen travestismo, adulterio, homosexualidad e incesto. Y no hay más en esta especie de mirada atrás de sus personajes: la visión existencial de Pons, muy material y pobre, transmite al espectador una honda tristeza ante la esterilidad de las vidas que presenta. Al final sólo se salvan las buenas actuaciones y una dirección competente.

El veterano escritor y cineasta Gonzalo Suárez ha escogido su ciudad natal, Oviedo, aludida en el título, para rodar esta historia sobre la infidelidad en la que se cita en todo momento “La Regenta”, la inolvidable novela sobre ese mismo tema de Leopoldo Alas ‘Clarín’, que también transcurría en la capital asturiana, rebautizada como Vetusta. El reparto coral está encabezado curiosamente por Aitana Sánchez-Gijón, cuyo apellido hace referencia a la ciudad de al lado, y Carmelo Gómez, que interpretaron a los personajes principales de La Regenta, en la esforzada adaptación televisiva de Fernando Méndez Leite, y que encadenaron este rodaje con La carta esférica, que también les emparejaba. El propio Gonzalo Suárez filmó otra versión para el cine de La Regenta, en 1974, con Pilar Bardem. Aitana Sánchez-Gijón encarna a Mariola Mayo, una famosa diva del teatro que está a punto de estrenar en los escenarios “Campoamor de Oviedo”, una versión teatral de “La Regenta” (una labor imposible teniendo en cuenta la extensión de la novela). Mariola dejó plantado al actor Álvaro Mesía (que se llama igual que su personaje en la obra), para iniciar un idilio con Benjamín Olmo, que también forma parte de la compañía, pues interpreta al sacerdote don Fermín de Pas. Nada más llegar, este último traiciona a Mariola Mayo, iniciando una tórrida relación con la mujer del alcalde, que a su vez tiene como amante a una periodista. Gonzalo Suárez compara el mundo con un escenario, en el que todos interpretan y nadie dice la verdad. De esta forma, para el autor no tiene sentido mantener una relación, porque la infidelidad y las mentiras surgirán en cualquier momento. Para conseguir el efecto de que el mundo parezca un teatro, las interpretaciones son exageradas y los diálogos grandilocuentes. Se diría que el resultado es un estrambótico juego, entre el surrealismo y las bromas metaliterarias, que no puede ser tomado demasiado en serio. El film ha sido subvencionado por el gobierno español y diferentes instituciones asturianas, y sus imágenes promocionan lugares emblemáticos de Oviedo, como su inigualable catedral, el teatro Campoamor y hasta la estatua de Woody Allen. En otro orden de cosas, resulta cuanto menos curiosa la obsesión del director por ir sacando desnudo a cada uno de los miembros del reparto, venga a cuento o no.

Una joven conduce por la noche por una carretera solitaria, a las afueras de la ciudad. De repente, en el kilómetro 31 un niño se planta delante de su vehículo y ella se lo lleva por delante. Todo ha ocurrido muy deprisa. Pide ayuda por móvil. Sale del coche y se acerca al niño inerte en el asfalto, pero resulta que el niño no está muerto, y se incorpora y tiene aspecto fantasmagórico. Y entonces es un camión el que atropella brutalmente a la joven. Una vez en el hospital, le amputan las piernas y entra en estado de coma. Su hermana gemela, su amigo Nuno y el novio de la herida intentarán encontrar una explicación a lo ocurrido. Se ve que hay kilómetros peligrosos, como este "31" o ese Km. 666 que sufrió la joven Eliza Dushku. Ahora, en esta coproducción entre México y España, el guionista y director Rigoberto Castañeda, ofrece una historia con apariciones de fantasmas, muertes arbitrarias, ocultos secretos del pasado, susurros en la noche y sustos variados, que tienen como nexo de unión ese caprichoso kilómetro 31. Por lo demás, el guión es malo, muy malo, además de absolutamente incomprensible, de modo que el conjunto parece una colección de retales sin sentido, de secuencias inquietantes donde sólo la atmósfera sombría transmite algún tipo de emoción. Hasta los personajes carecen de cualquier interés. Y la cosa tiene su gracia, porque todo empiza con la famosa frasecita de "Historia basada en hechos reales". Toma ya.

Pocos títulos se ajustan tan bien a su trama como éste de Ventura Pons. En efecto, el film muestra a una serie de personajes insatisfechos con sus vidas (el ejecutivo infiel, que se acuesta con la decoradora; la pareja 'enrollada' que vive en el conformismo; los inmigrantes que caen atrapados en la telaraña de los países opulentos), que se lamen sus heridas, incapaces de amar desinteresadamente. El cineasta catalán nos mete en el callejón de vacío paralizante en que se encuentran, donde el lujo, el aspecto físico y las relaciones insustanciales no llenan. Eso sí, es incapaz de señalarnos cuál es la salida, da la impresión de que no cree en su existencia.

El cineasta catalán Ventura Pons, que suele situar sus películas en la actualidad, recrea en esta ocasión la España de principios de los 70. La acción tiene lugar en Valencia, donde Ferrán, veinteañero sin perspectivas vitales, se apunta a una timba de cartas, para sacarse un dinerillo. Aunque pierde más de lo que tiene, en la partida conoce a ‘El Chino’, jugador profesional que acaba tomándole como protegido, para enseñarle a vivir de las apuestas. Tomando como base una novela de Ferran Torrent, Pons intenta enlazar con El buscavidas, el clásico sobre un perdedor que saca dinero mediante el juego, y con películas sobre jugadores de cartas, como El destino también juega, El rey del juego, Maverick o Rounders. El irregular cineasta  describe con eficacia la atmósfera turbia que rodea al submundo del juego clandestino, aunque abusa de todos los tópicos imaginables de la época. Por ejemplo, se ceba en el retrato de un improbable sacerdote. Como es habitual, Óscar Jaenada da el do de pecho, creando un personaje magnético, y el resto del reparto realiza un trabajo más o menos correcto. A pesar de todo, algunas de las situaciones resultan demasiado artificiosas.

El veterano cineasta barcelonés Antoni Verdaguer llevaba alejado del cine desde 1995, cuando rodó Una pareja de tres. Vuelve a ponerse tras las cámaras para filmar, con estilo cercano al documental, las peripecias de varios personajes representativos del Raval, el famoso barrio barcelonés. Aurelio es un anciano que a pesar de la oposición de su familia, decide convertirse al islam, por amor a una mujer marroquí. Benet y Cristina son una pareja de artistas que tiene que hacer frente a la grave enfermedad de ella. Juli, un cantante del barrio vive acosado por unos narcotraficantes. Vanessa, una prostituta, vive sometida por un marido sin escrúpulos... Verdaguer usa actores no profesionales que saben expresar la espontaneidad propia de los habitantes del citado barrio. El film ofrece situaciones características que también podrían haber ocurrido en cualquier otra gran ciudad del mundo moderno, y analiza asuntos como la integración intercultural, la explotación sexual y el narcotráfico.

Responsable de Las cosas del querer, Jaime Chávarri es uno de nuestros escasos directores con experiencia en el musical. Por eso, era uno de los más adecuados para acometer la biografía cinematográfica de su admirado artista José Monje Cruz, más conocido como Camarón de la Isla, una de las leyendas del flamenco. Chávarri parte de la infancia de Camarón, y recoge su llegada a la gran ciudad, donde tendrá un encuentro crucial con el guitarrista Paco de Lucía. Juntos graban un disco y triunfan en el mundo del flamenco, al tiempo que Camarón se enamora de La Chispa, una joven gitana con la que acaba contrayendo matrimonio. La película se contagia en mayor o menor medida del duende del genial cantaor, sobre todo en lo relativo al actor Óscar Jaenada. Al igual que ocurría en el caso de Jamie Foxx, que en Ray se transformaba en un clon de Ray Charles, Jaenada logra un mimetismo tan absoluto con Camarón, que por lo visto la gente que había conocido al personaje real no se lo podía creer al ver la cinta. Parece que el equipo técnico aplaudía al actor cuando ejecutaba los números musicales, eso sí, en ‘playback’, con la voz del auténtico Camarón. Jaenada obtuvo justamente el premio al mejor actor,  en la última edición de los Goya, donde el film triunfó también en las categorías de diseño de vestuario, y maquillaje y peluquería. Chávarri, que también ejerce como coguionista, contó con el beneplácito de la familia del cantaor, a pesar de que aborda, muy sutilmente, un asunto turbio, los problemas de Camarón con las drogas que finalmente pudo superar.

Un pueblo catalán, en los 50. Sor Consuelo, madre superiora de un convento, visita a Augusto Aixelá, un rico terrateniente, con el fin de pedirle ayuda para la construcción de un asilo de ancianos. Éste acepta y los continuos encuentros posteriores provocarán una atracción mutua que derivará en inesperado romance. El veterano Jaime Chávarri adapta la novela homónima de Eduardo Mendoza. Y aunque no puede evitar los tópicos de la España de la postguerra, está bien filmada e interpretada.

Pere-Lluc es un idiota confeso, condición que cree compartir con toda la humanidad. Parece haber llegado al colmo de la idiotez cuando ofrece un bochornoso espectáculo exhibicionista en un restaurante. Pero la estulticia no conoce fronteras, y tras una noche de borrachera, se fija en una atractiva mujer casada, Sandra, que coloca banderolas publicitarias por la noche. Y como si fuera un inmaduro adolescente, empieza a espiarla, hasta que se conocen y emprenden una tórrida relación. El director catalán Ventura Pons (Actrices) adapta una desconocida novela de Lluís-Anton Baulenas, que está en la línea de jóvenes desorientados y vacíos por dentro, que se mueven por impulso hacia ninguna parte. Film muy subido de tono, lo protagonizan el televisivo Santi Millán y Cayetana Guillén Cuervo.

Regina es una jovencita que se muda con su familia a un misterioso caserón. Mientras organiza su nueva vida, descubre que su nuevo hogar oculta una misteriosa fuerza demoníaca, que parece perseguir a su hermano pequeño. Para colmo de males, su padre sufre problemas de salud y su carácter cambia de forma radical, sin motivos de peso. Cuando Regina investiga el extraño caso, se entera de que cuarenta años atrás tuvo lugar en su casa un extraño ritual, en el que siete niños fueron sacrificados. Jaume Balagueró, que ya nos aterrorizó con Los sin nombre, demuestra una vez más ser un excelente creador de atmósferas inquietantes. Él está al frente de esta película, la más cara del cine español a excepción de Los otros, y el proyecto más ambicioso de la productora española Fantastic Factory. Esta compañía está especializada en cine fantástico para su distribución internacional. Por esta razón hay una fuerte apuesta por un reparto que combina estrellas de varios países, como la canadiense Anna Paquin, la sueca Lena Olin, el italiano Giancarlo Giannini y el español Fele Martínez.

Paul, un joven estudiante de música, se inicia en la homosexualidad de la mano de un célebre pianista. Mientras, su sobreprotectora madre, que está a punto de divorciarse, se encuentra en la más absoluta inopia. El catalán Ventura Pons filma en inglés, con actores británicos, la adaptación de una compleja novela de David Leavitt. En la bien perfilada galería de personajes destaca Juliet Stevenson, en el difícil papel de la madre.

El especialista en comedias desenfadadas Antonio del Real (Cha-cha-chá) sitúa la acción en el mundillo que mejor conoce, el del cine español. Cuando está a punto de recibir un Goya, un productor (Emilio Gutiérrez Caba) recibe una llamada desesperada de su amigo Enrique (José Sancho), un actor deprimido por haber caído en el olvido. Lo mejor del film es sin duda el ajustado reparto.

Anita es taquillera en un cine de barrio. Los tiempos cambian, y los dueños deciden tirar la sala abajo y vender para que se monten unos multicines. Y a ella, cincuentona, la ponen de patitas en la calle, pues no casa con la nueva imagen de empresa que se pretende transmitir. La mujer soñadora está triste y acude todos los días al solar de las obras. Allí conoce a un obrero, hijo de inmigrantes y casado, con el que inicia un romance.   El director catalán Ventura Pons cambia la estructura dramática de sus últimos films (Caricias, Morir (o no)), para internarse por terrenos más propios de comedia. Eso sí, abordando, aunque con tono ligerito, las crisis afectivas propias de la madurez; y, a la vez, ofrece un homenaje muy particular y sentido al cine. Rosa María Sardá está divertidísima, como suele.

Cuatro amigos celebran un éxito empresarial navegando en el barquito de Howard frente a la costa de Galicia. ¡Qué gozada! Pero nuestros amigos son un poquito torpes con los aparejos, y chocan ontra un arrecife. No hay problema, seguro que los simpáticos lugareños echan una mano. Pero los pescadores de Imboca son un pelín especiales. Guardan un oscuro secreto relacionado con Dagon, una monstruosa deidad marina. Adaptación de dos relatos cortos del mago de la novela gótica de terror, H.P. Lovecraft. Stuart Gordon, el director de Re-Animator y especialista en dar sustos, está tras la cámara. Asegura Gordon que el rodaje fue duro y “que todo el equipo estaba constantemente empapado con una lluvia que te helaba hasta la médula”. Pero no duda en decir que está tocada de cierto heroísmo, que como decía Hemingway, “es la gracia bajo presión”.

Tres estudiantes de medicina pasan el verano de 1965 en Cádiz. En principio están estudiando las asignaturas que les han quedado para septiembre. Pero cuando conocen a tres bailarinas en un garito nocturno las hormonas se disparan, y comienzan a pensar en una “asignatura” diferente. Peli del veterano Jaime Chávarri. Aparte de confirmar el talento de Emma Suárez, sirvió para descubrir el de Pilar López de Ayala.

El director catalán Ventura Pons sigue presentando films donde se entremezclan diversas historias, a modo de relatos cortos. La novedad en Morir (o no) reside en que las siete historias de la película se cuentan dos veces, de modos distintos, en blanco y negro y color. La diferencia en el doble relato viene dada por el hecho de si la muerte hace acto de presencia o no en medio de los personajes. De este modo, las andanzas de un director de cine en etapa de bloqueo, un heroinómano con problemas, una cría que se atraganta con un hueso de pollo, un motorista atropellado por la policía, un enfermo que no consigue pedir ayuda, una histérica que se atiborra a pastillas y un ejecutivo amenazado por un asesino cobran doble interés. El film se basa en la obra de Sergi Belbel, y presenta una agradecible frescura. El planteamiento recuerda a títulos como La vida en un hilo, ¡Qué bello es vivir! o Dos vidas en un instante. El reparto está perfecto, a pesar de estar integrado por rostros relativamente desconocidos. 

Germaine es una española casada con un belga. La familia lo está pasando mal tras la extraña muerte de Rolande, la hija mayor. Un día Germaine se echa a llorar y dice a su esposo que quiere volver a su casa en Los Pirineos para "volver a empezar". Primera película del belga Alain de Halleux, se enmarca en la tradición de esos cambios bruscos e inesperados que llevan a las familias a volver a conocerse de nuevo. La película, en ese sentido, logra dibujar bien a la familia protagonista, sobre todo a Germaine. La dureza inicial se contrasta con detalles de humor bien insertados, sobre todo a cargo de los hijos pequeños. Se trata de una coproducción de Bélgica y España, donde se pueden reconocer los rostros hispanos de Tristán Ulloa y Laia Marull. También la protagonista, Rosa Renom, es española, aunque se ha prodigado bastante menos en la pantalla hasta ahora.

España de postguerra. Forteza es un legendario guardameta, que actualmente sobrevive viajando de pueblo en pueblo, y sometiéndose a tandas de penaltis de los lugareños, a cambio de unos durillos. Cuando llega a un pueblecito asturiano, es recibido con alborozo por las fuerzas vivas, guardia civil incluida. Forteza conoce a una joven, madre de un niño mulato, por quien se ve inmediatamente atraído. Adaptación de un cuento del periodista y escritor Manuel Hidalgo, dirigida por el veterano Gonzalo Suárez. El director abandona por un momento su cine sesudo, y nos cuenta una pequeña fábula, donde el enfrentamiento entre maquis y guardia civil en el tramo final se revela hermosa metáfora de cómo las diferencias deberían procurar resolverse por medios pacíficos. Suárez ha definido su film como un western. Y algo de eso hay en una película que él mismo califica como "la más amable que he hecho". En el ajustado reparto destaca Carmelo Gómez como el portero, y Maribel Verdú como la chica que alegra su triste corazón.

Una niña desaparece. Aparece su cuerpo, brutalmente mutilado. Cinco años después, la madre ha superado (es un decir) la pesadilla. Hasta que recibe la llamada de una voz femenina que asegura que es su hija. Acude entonces al policía que investigo el caso tiempo atrás. Todo parece señalar a la actuación de una secta pseudorreligiosa: ‘los sin nombre’. Desasosegadora película firmada por Jaume Balagueró, que adapta una novela de Ramsey Campbell. El film presenta una sociedad que ha tocado fondo, que recuerda a títulos emblemáticos como Seven. Fotografía de tonos fríos y música inquietante contribuyen a crear una atmósfera de terror psicológico.

Varios personajes barceloneses, con una relación afectiva entre ellos, no son capaces de comunicarse ni entenderse. Al final acaban aflorando los instintos más bajos. Pero parece que tan solo unas simples caricias pueden ser el comienzo de un lazo más fuerte. Película muy del gusto del catalán Ventura Pons (Anita no pierde el tren, Amor idiota), con un reparto coral donde resaltan los nombres de Rosa Maria Sardà, Sergi López o el triunfito Naím Thomas.

Una joven estudiante de teatro, que aspira a interpretar a Amparo Ribera, una vieja diva de la escena, en una nueva obra sobre su vida, entrevista a tres de sus discípulas, para meterse mejor en su papel. Ventura Pons y Josep María Benet i Jornet adaptan para el cine la obra teatral ‘E.R.’ del segundo, una reflexión sobre el difícil mundo de la interpretación en los escenarios. Al inicio parece que el film va a dibujar el relevo generacional en la escena, al estilo de Eva al desnudo de Joseph L. Mankiewicz. Pero la narración se centra más en tres mujeres de la misma edad –una actriz consagrada, una estrella de televisión, una dobladora–, que ofrecen, a través de los recuerdos que guardan de su antigua maestra, sus distintas versiones de lo que supone la actuación y la fama. Las diferencias se ponen de manifiesto, sobre todo, en las diferentes concepciones que tienen de una tragedia griega que estudiaron con la vieja actriz. Ventura Pons, sin esconder el origen teatral del material que maneja, consigue una ágil puesta en escena, con momentos de intenso dramatismo. Aunque la visión sobre el mundo de las actrices peque a veces de parcial, cayendo en el viejo tópico de que, para triunfar en el oficio, hay que, prácticamente, ‘vender el alma al diablo’, logra meter al espectador en la historia. Destaca el recital interpretativo de las maravillosas protagonistas, que muestran una peculiar relación de amor-odio. 

Crónica de la transición española vista a través de los ojos de un adolescente que imita la personalidad de su hermano mayor, que pertenece a la tribu urbana de los Mods. Tiene una relación especial con su abuelo, un viejo militar ya retirado que conserva el coche oficial. Sin muchas pretensiones, Santiago Matallana consiguió un interesante filme sobre la juventud que él mismo escribió y realizó.Los actores resultan excelentes, tanto los veteranos Manuel Aleixandre y Amparo Soler Leal como el joven Zoe Berriatúa.

Adaptación libre de la historia del doctor Jekyll y Mr. Hyde creada por Robert Louis Stevenson. En la versión de Gonzalo Suárez, una pareja conoce a un peculiar individuo que no se llama ni Jekyll ni Hyde, pero que también es médico. Al igual que el personaje de Stevenson, tiene una personalidad malvada y otra buena. El problema le llega al buen doctor cuando se casa y su esposa se siente terriblemente atraída por su lado oscuro.

Azucena es una chica de 22 años. Vive con su madre, y sufre un trauma sexual de la infancia por el que es incapaz de permitir que un hombre la toque. Azucena se refugia en la religión, de modo que vive rodeada de imágenes, estampitas y velas, hasta el punto de que de vez en cuando se le aparece la mismísima Virgen... Un día conocerá a Narciso, otro joven cuyo pasado es traumático y que se dedica a vestirse de mujer y a desnudarse en el escenario. Estas dos almas en pena parecen estar hechas la una para la otra. El director Elio Quiroga (La hora fría) dirige este despropósito, plagado de situaciones surrealistas, con aire kitch y desagradable, y con un guión poco logrado y que incluye también una empanada mística considerable. El eficaz Gustavo Salmerón hace lo que puede con su triste y rebuscado papel, mientras que Mercedes Ortega no da para mucho.

Película coral, compuesta por historias independientes, recreadas a partir del libro de Quim Monzó, uno de los autores de referencia de Ventura Pons. Son pequeñas instantáneas de la vida, que muestran las pulsiones por las que se mueve el ser humano.

Rosita es una cantante de ópera catalana que tras dejar plantado a todo un equipo de rodaje hollywodiense, se marcha a Bulgaria a descansar. Allí se reencontrará con un ex amante. Amparo Moreno protagoniza esta comedia de Ventura Pons que muchos han calificado como bodrio y es que ni la historia, ni el guión, ni la puesta en escena hay por dónde cogerlo.

La película adapta una célebre novela de José Luis Sampedro, quien recrea el último traslado de troncos por el río Tajo, que tuvo lugar en los años 40 del siglo XIX, desde Peralejos de las Truchas hasta Aranjuez. A la vez ofrece una trama dramática protagonizada por un irlandés (Tony Peck) que ha perdido la fe en el ser humano, tras su experiencia en la II Guerra Mundial. Buen reparto Alfredo Landa y Fernando Fernán Gómez.