Elena Furiase

Tras Un Dios prohibido, el director Pablo Moreno vuelve a entregar una sólida película sobre la persecución religiosa en la Guerra Civil española. Se agradece la valentía con que se enfrenta a unos hechos reales deleznables que costaron la vida a miles de sacerdotes, y en este caso al jienense Pedro Poveda (1874-1936), canonizado en 2003 por Juan Pablo II. Moreno estructura su película a modo de flashbacks, al hilo de la propia historia que narra Poveda a sus carceleros mientras espera su martirio durante una noche de agosto que iba a ser la última de su vida. Dos hitos en su biografía se recrean especialmente en la película. El primero, cuando siendo joven sacerdote en Guadix dedicó su atención pastoral a los más humildes, los pobres habitantes de la cuevas situadas a las afueras de la ciudad. El segundo, y al que se dedica la mayor parte del metraje, la fundación de la Institución Teresiana, asociación educativa internacional presente en la actualidad en más de 30 países. La intención de Poveda de impulsar la educación gracias a la formación de profesorado cristiano, especialmente femenino (con lo que eso significaba por los derechos de la mujer), fue una iniciativa poco entendida en esos tiempos convulsos y descreídos. Hubo por tanto de enfrentarse a la incomprensión, no sólo del mundo anticatólico sino incluso de parte de un sector de la jerarquía eclesial que no supo apreciar sus brillantes aportaciones. La película, en este sentido, deja huella al mostrar la talla humana y espiritual de Poveda, que durante toda su vida ayudó incansablemente a los necesitados y combatió la injusticia sin atender a signos políticos. Esto hace que los pasajes de Guadix sean quizá los más logrados. Pablo Moreno filma con oficio, con un elegante manejo de la cámara y una estudiada planificación. Tal pericia compensa algunos defectos menores que denotan la falta de medios, como la casi total ausencia de extras, un maquillaje deficiente y simplificaciones excesivas en el guión. En el apartado interpretativo el actor Raúl Escudero hace un esforzado trabajo como protagonista, pero quien brilla más por su naturalidad es Elena Furiase en su papel de Pepita Segovia, la principal colaboradora de Poveda.

Una monja acude a una casa por la noche para velar junto a un enfermo, cuyo mal humor y peores maneras han espantado ya a varias enfermeras. Con una sonrisa recibirá Sor Inés los vituperios del hombre postrado en la cama, cuya hija Olga intenta calmarlo. Esa primera noche, a petición de Olga la religiosa iniciará en voz alta la lectura de la vida de su madre fundadora, Santa Soledad Torres Acosta. Y noche tras noche llegará a la habitación del enfermo y reemprenderá la lectura. Tercer proyecto de envergadura del director Pablo Moreno, tras Un Dios prohibido y Poveda, que recibieron una estimada acogida entre el público. Vuelve el director a narrar una historia real de temática religiosa, un biopic de la madrileña Santa Soledad Torres Acosta, madre fundadora de las Siervas de María. A pesar de que se nota su modesto presupuesto, Moreno esquiva, aun con mayor habilidad que en sus anteriores filmes, las dificultades derivadas: la ambientación, los figurantes, los exteriores, etc., de modo que logra una narración consistente, sobria pero correcta, que no sugiere improvisación o ligereza. Esto, junto con el cuidadoso manejo de la cámara y una trabajada planificación aportan al conjunto un acabado lustroso y meritorio. Estamos, seguramente, ante la mejor película del director. El guión de Luz de Soledad, coescrito por Pablo Moreno y Pedro Delgado, explora los comienzos de la vocación de Santa Soledad, junto con las dificultades e incomprensiones –familiares e institucionales– inherentes a su ingreso en la congregación. También son años convulsos, y en algunas acertadas pinceladas se traslada a la pantalla el ambiente hostil y anticlerical que reinaba entonces en España. Pero como ya ocurrió con Poveda, aquí los guionistas se deciden por una narración en dos tiempos –en la época actual y en el pasado–, sólo que en esta ocasión los dos mundos casan a la perfección y tienen gancho por sí mismos. Así, ese inicio en la noche madrileña del siglo XXI ofrece una visión muy cercana y material de la labor que ofrecen hoy en día las Siervas de María, al tiempo que genera el marco idóneo para introducir escenas del pasado. Más discutible es esa fijación en mostrar innecesariamente el lado menos espiritual del clero, sacerdotes aprovechados, bebiendo alcohol, criticando y riendo junto con próceres de la sociedad en una especia de tertulias de folletín. Pero sí funcionan como motor de la acción los desencuentros personales, incomprensiones y calumnias, tan habituales en la vida de los santos, algo que también sucedió en la vida de la protagonista (la relación con su padre, la ligereza del fundador Padre Miguel, los abusos del segundo director de la congregación, las envidias de Sor Magdalena, etc.). De cualquier forma lo mejor es la imagen que se ofrece de la santa, la de una mujer de fe, nada melindrosa ni altanera, sino sencilla y audaz, de una fortaleza impresionante para servir a los demás. Por su propia naturaleza Luz de Soledad es una película que aporta genuina emoción y a veces es difícil reprimir las lágrimas. Aunque puedan resultar algo relamidos, hay momentos muy bien resueltos, que ayudan al espectador a sentir la realidad del amor a los demás, de la misericordia, de la conversión, de la presencia de Dios en el enfermo, bien acompañados por una banda sonora eficaz a cargo de Óscar Martín Leanizbarrutía. Pero imposible hubiera sido tal cosa sin el trabajo de un reparto a la altura. El casting esta vez ha dado en el blanco: Laura Contreras como Santa Soledad está estupenda, transmite mucho con su mirada, con sus leves gestos, con su leve sonrisa; pero todos los secundarios brillan de veras: Elena Furiase (Sor Magdalena), Antonio Castro (el padre), Lolita Flores (la madre). Y especialmente destaca Susana Sucena en el papel de la monja que visita al enfermo en la actualidad; su alegría y su bondad ofrecen un atractivo vital sin paliativos.

Julio de 1936. Los ánimos están muy caldeados en todas España, suenan tambores de levantamiento militar y guerra civil. En la localidad oscense de Barbastro, un grupo de jóvenes religiosos claretianos vive ilusionadamente su vocación, soñando con ir a tierras de misión. Entre risas y bromas propias de su edad, no imaginan que están en el ojo de un huracán de odio irracional que les va a conducir al martirio. El director y guionista salmantino Pablo Moreno recrea una historia auténtica, acontecida a comienzos de la Guerra Civil española, cuando un comité revolucionario se hace con el control de Barbastro -el coronel Villalba se pliega a sus deseos-, y luego sufre presiones desde Barcelona, especialmente del anarquista Durruti, para librar la lucha en la retaguardia. Sin complacencias pero también sin tapujos, se describe el cautiverio, tortura y asesinato de varias personas a manos de los anarquistas. Su delito fue ser católicos, y siempre se les dio la oportunidad de renegar de sus creencias para salvar la vida. En concreto, fueron martirizados el obispo del lugar, Pelé, un laico de raza gitana y 21 miembros de la comunidad claretiana, la mayoría de ellos jovencísimos seminaristas. Juan Pablo II los beatificó entre 1992 y 1997. Ha quedado constancia de la peripecia de los religiosos gracias al testimonio escrito de Faustino Pérez, uno de los seminaristas martirizados, y al de dos argentinos que se salvaron por su condición de extranjeros. Un Dios prohibido destaca por el rigor histórico y la valentía de la narración, evidentemente dura, sobre todo al retratar el efervescente odio a la religión que condujo a realizar tales crímenes, donde la sangre reclama todavía más sangre para tapar errores que la conciencia no puede ocultar. Incluso el caso de Trini, encaprichada con el seminarista Esteban, y que suena a subtrama inventada para incorporar un personaje femenino, es auténtica, y muestra el grado de compromiso del joven con sus votos religiosos. Sorprende gratamente el esfuerzo por matizar y no demonizar, en una búsqueda por contar la verdad y hacer justicia a la historia: no falta así el natural miedo entre los religiosos y la fortaleza que se prestan unos a otros en momentos de debilidad, y entre las filas revolucionarias no dejan de asomar el remordimiento y el estupor ante el modo en que sus víctimas encaran su más que probable destino; incluso el obispo, salvajemente torturado, se pregunta "qué hemos hecho mal" y "por qué despertamos tanto odio", un examen de conciencia que asombra dadas las circunstancias. La escasez de medios se advierte en la filmación en digital con planos muy cerrados, la deficiente calidad de sonido y los escasos figurantes. Quizá por ello tiene aún más mérito el dignísimo resultado final. Porque la historia es de una fuerza enorme y el guión se esmera en perfilar los caracteres, tanto de los verdugos como de los futuros mártires, hay elementos que los humanizan y breves destellos de humor que conceden de vez en cuando un respiro. Y abruma desde luego el heroísmo de unas personas que sufrieron el odio más recalcitrante y que a su vez demostraron tener un corazón lleno de fe, dispuesto a perdonar hasta las últimas consecuencias. Las interpretaciones son convincentes, y eso que la mayoría de los actores no son profesionales. Destaca quizá la intensidad de Jacobo Muñoz.

Estrenada en 1918 en el Teatro de la Comedia de Madrid, “La venganza de Don Mendo”, del ingenioso Don Pedro Muñoz Seca, es una de las cuatro obras más representadas en España, junto con “Don Juan Tenorio”, “La vida es sueño” y “Fuenteovejuna”. Sus ingeniosas frases y juegos de palabras no sólo han hecho reír a varias generaciones, sino que continúan funcionando como el primer día. Resulta bastante arriesgado tomarla como “leitmotiv” de una comedia, porque pueden surgir comparaciones odiosas. Sin embargo, no le preocupa al veterano director José Luis García Sánchez el reto de usar la obra como tema central. Su película, Don Mendo Rock ¿La venganza?, narra los esfuerzos de los vecinos de un pueblo de Andalucía para grabar una versión televisiva del famoso texto, en clave de musical. Participan numerosos lugareños, como Lola, la mujer de un teniente de la Guardia Civil que se propone a toda costa interpretar a Magdalena, la protagonista de la obra, a pesar de que está embarazada. José Luis García Sánchez representa el cine español más caduco, ése que se critica por estar más pendiente de recibir subvenciones que de llevar gente a los cines. Su nuevo trabajo se sitúa en la línea de algunas de sus comedias corales, como La marcha verde o La corte de Faraón, que tratan de rescatar el espíritu del Luis García Berlanga de La vaquilla, realizador con el que comparte uno de los nombres de pila y uno de los apellidos, pero no el talento cinematográfico. Antes, García Sánchez contaba con el guionista habitual del maestro, Rafael Azcona, pero tras su muerte se ha tenido que apañar sin él. Explica García Sánchez en las entrevistas que el productor José Frade le reclutó para rodar una adaptación tal cuál de la obra, y que él aceptó a condición de que fuera un musical. Para ello contrató al músico Quico Veneno, que ha compuesto canciones a partir de los versos de Muñoz Seca. El título del film hace presagiar una adaptación en clave de musical roquero... Pero finalmente apenas le saca partido a la música en algún número intercalado con calzador, y brevemente en la representación final. El resto de la película José Luis García Sánchez la ha rellenado con una acumulación de personajes histéricos y alocados, en situaciones absurdas, y con diálogos vergonzosos que hacen gala de un humor chabacano de vergüenza ajena. Posiblemente se explica que el realizador haya podido contar como estrella con la hoy en día solicitadísima a nivel internacional Paz Vega para este despropósito, porque ha aprovechado que ésta estaba embarazada en la vida real, y resultaba difícil que esos meses la contrataran para otra película. Aquí, resulta totalmente irrelevante que su personaje esté embarazado o no, lo que da una idea de la cutrez de la película.

Grandes sorpresas en El internado: Marcos sospecha que la versión oficial acerca de la muerte de su tío no se ajusta a la realidad. Lucía le confirma que sigue vivo, pues ella misma le ayudó a escapar. Los chicos empiezan a discernir quién está detrás de la muerte de Carol, mientras que Iván se aleja cada vez más de su adorada Julia. Séptima y última temporada de la serie. Para mantener el secreto del final, se tomaron estrictas medidas de seguridad durante el rodaje, prohibiéndose la entrada a personas ajenas al equipo.

Debut en la dirección de Xavi Giménez, director de fotografía de películas como Los sin nombre, Intacto, El maquinista o Ágora. En este proyecto ha contado con el solvente Marcel Borràs como protagonista, quien en 2010 ha presentado tres películas: Bruc, Cruzando el límite y El diario de Carlota. Fran es un adolescente díscolo que ha dejado de estudiar y que pasa las horas saliendo con sus amigos y su novia, bebiendo y consumiendo drogas. Su padre está desquiciado y cuando siente que ha “cruzado el límite”, lo interna en un centro similar a un reformatorio. Pero no lo es, sus gestores dicen que es un lugar donde se corrige la conducta, se cambia, se reeduca. Para conseguirlo ponen en práctica unos métodos más propios de un campo de concentración.

El centro Laguna Negra tiene una nueva profesora. Se trata de Rebeca, joven profesora de historia que viene para sustituir a Elsa, que está de baja maternal. Mientras, Marcos y sus amigos descubren anonadados que diferentes personajes están intentando asesinarles a todos. La actriz Irene Montalá –que interpreta a Rebeca– es la principal novedad en esta tanda de episodios de la exitosa serie española de intriga y misterio.

Marcos y sus amigos investigan un misterioso lienzo que encontraron en los pasadizos, dentro de una mochila. Resulta ser un cuadro de El Bosco. Este hallazgo aumenta todavía más la aureola de misterio que rodea al internado La Laguna Negra. Esta temporada de la serie introduce un elemento fantástico, pues el fantasma de uno de los alumnos, que fue asesinado, Cayetano, se aparece a su amiga Julia. Destaca la incorporación de la actriz Mariona Rivas, que interpreta a una nueva profesora que oculta un misterioso secreto.

Martín es el nuevo profesor de Ciencias que llega a la Laguna Negra. Por su simpatía, enseguida se gana la confianza de los otros profesores. Nadie sabe que a Martín le persigue la Guardia Civil, que ha estado a punto de atraparle. Además, guarda un secreto relacionado con la Laguna Negra, que no conoce ni siquiera su pequeño hijo. La llegada de Martín, nuevo personaje interpretado por Ismael Martínez (Hospital central) marca esta tanda de episodios de la serie española. Luis Merlo abandonó temporalmente la serie tras esta temporada.

Primera temporada de esta serie española sobre un grupo de jóvenes que estudiar a el elitista internado Laguna Negra, situado en medio de un bosque. La temporada comienza cuando María, una misteriosa chica de la limpieza recién llegada con un misterioso pasado, y Marcos y su hermana Paula, dos nuevos alumnos cuyos padres podrían haber muerto, se presentan en el lugar.La atmósfera de misterio en un lugar único -el bosque deviene en una especie de isla- y las situaciones personales de los personajes (con sus secretos e intenciones ocultas) caracterizan esta exitosa serie, que también ofrece elementos “adolescentes”, de romance y de ligera comedia. Aunque algunas situaciones son de culebrón -madres con hijos de identidad desconocida, alumnos y profesores celosos-, y se cae en el tópico -las situaciones incómodas en que la criada pilla al director en pelota picada, la ropa que se rasga dejando a la chica mona en ropa interior-, resulta un entretenimiento razonable. En el gnomo amigo de Paula se puede reconocer un homenaje indudable al monstruo de Frankenstein.

Los alumnos del internado Laguna Negra investigan el asesinato de un compañero, un desconocido que había emprendido una misteriosa búsqueda. En la 2ª temporada hubo incorporaciones como Alejandro Botto, un nuevo profesor.