Jeremy Leven

Paolo, italiano que conduce un autobús turístico en París, propone matrimonio a Greta, azafata alemana. Pero se enamora de Cécile, azafata francesa que se detiene junto a su autobús en su bicicleta. Siguiendo un mal consejo de su amiguete Derek, tratará de mantener relaciones con las dos mujeres a la vez, lo que derivará en el caos. Amena cinta escrita y dirigida por Jeremy Leven, autor del libreto de El diario de Noa. Los actores realizan un buen trabajo.

El canadiense Shawn Levy se convirtió en punto de referencia de la industria con Noche en el museo, que arrasó en las taquillas. En Acero puro continúa en el terreno del cine familiar, y de los sólidos efectos especiales, en un film de tono un poco más dramático. Adapta libremente un relato corto del maestro del género fantástico Richard Matheson, que ya dio lugar a "Steel", un recordado episodio de En los límites de la realidad que protagonizó Lee Marvin. Charlie Kenton fue un tenaz boxeador hasta que los humanos fueron reemplazados en el ring por pesados robots que se destrozan a puñetazo limpio. Desde entonces, sobrevive manejando baratos robots con los que combate por dinero en pueblos perdidos. Tras perder al último de sus púgiles destrozado por un toro con el que se enfrentaba en singular liza, Kenton se hace cargo durante un verano de Max, su hijo, al que apenas conoce pues hasta entonces ha vivido todo el tiempo con su madre, prematuramente fallecida. El chico encuentra casualmente en un vertedero de chatarra a un viejo robot concebido como sparring, que demuestra tener actitudes para el combate... Producen Acero puro nada menos que Robert Zemeckis y Steven Spielberg, que como realizador versionó a Matheson en su debut, El diablo sobre ruedas, y que se involucra de nuevo en una historia de robots, después de la saga de Transformers. Sin embargo, se trata de un producto muy diferente, que se aleja del gran espectáculo y de la destrucción masiva de edificios. Estaría más cerca de los clásicos del cine pugilístico, ya que en realidad parece una mezcla de Campeón y Rocky, con la diferencia de que los combates los realizan los robots, lo que le da cierta frescura. El todoterreno Hugh Jackman sale del paso con nota, como siempre, en un papel de perdedor muy en plan El buscavidas, y cuenta para darle la réplica con un niño actor resultón, Dakota Goyo, que fue Thor de pequeño, y que resulta convincente como chaval más maduro en muchos aspectos que su padre. También cumple el elenco femenino, encabezado por Evangeline Lilly (Kate de Perdidos) y Hope Davis, en un breve papel. Una vez más, Levy logra con Acero puro un producto atractivo y ameno para un 'target' muy amplio, con pequeñas notas sobre la responsabilidad familiar, las relaciones paternofiliales, y sobre todo la capacidad del ser humano de superarse a sí mismo. También tienen su valor sus críticas a la reconversión del deporte en espectáculo donde todo vale con tal de ganar de dinero.

Lacrimógeno film dirigido con eficacia por Nick Cassavetes (Alpha Dog), a partir de su guión escrito en colaboración con Jeremy Leven, basado a su vez en la novela de Jodi Picoult. La historia presenta a la familia Fitzgerald, que vive en una idílico chalet cerca de la costa de California. Sin embargo, la vida de los componentes de la familia dista mucho de ser idílica puesto que la pequeña Kate enfermó de leucemia a los pocos años. Como es lógico los padres quedaron entonces desolados, al igual que su hermanito. Las esperanzas de vida de la niña no eran muchas y el matrimonio decidió entonces tener otra hija, Anne, concebida in vitro. Todo se preparó artificialmente para que el cuerpo de Anne fuera perfectamente compatible con el de Kate, de modo que su organismo pudiera suministrarle todo lo necesario a la enferma. Han pasado onces años de aquello, años de operaciones, de estancias en el hospital, de diversas enfermedades... y la salud de Kate sigue siendo precaria. Un buen día la pequeña Anne se presentará a un abogado y le pedirá que le ayude para demandar a sus padres por los derechos de su cuerpo. La desisión de Anne plantea una preguntas muy serias: ¿Cuál es el límite de la paternidad? ¿Hasta qué punto los padres pueden disponer de la vida de los hijos? ¿Cuándo el amor puede convertirse en egoísmo? Cassavetes responde a estas preguntas con claridad y hay en el fondo una sólida crítica al utilitarismo del ser humano y a la máxima de que “el fin justifica los medios”, aunque se trate incluso de casos muy especiales. También se advierte del peligro que supone para la convivencia no aceptar el dolor y rebelarse contra la realidad. El director acierta al no desarrollar los hechos cronológicamente, pues correría el riesgo de aburrir y contristar demasiado; en su lugar, introduce las reflexiones de cada miembro de la familia acerca de la situación de Kate y de cómo su enfermedad ha influido terriblemente en sus vidas. Esto da un poco de aire a la opresiva historia, a la vez que permite introducir oportunos 'flash backs'. De todas maneras es innegable que se trata de una película de estilo “americano”, es decir muy triste y forzadamente emotiva, de modo que el director no evita introducir las consabidas escenas hiper dramáticas, algunos momentos sentimentales un poquito rebuscados (como el de la playa) o ciertos diálogos tan literarios que resultan difícilmente extrapolables a una niña. En cuanto al reparto, la jovencita Abigail Breslin (Pequeña Miss Sunshine) prosigue con mucho talento su meteórica carrera de actriz infantil y Alec Baldwin borda su pequeño papel de abogado. Pero es Cameron Díaz quien más sorprende en su poco agraciado rol de madre. Su trabajo es de una sobria madurez interpretativa, equilibrado y convincente.

Las novelas de Nicholas Sparks, romántico a machamartillo, han sido adaptadas antes al cine en dos ocasiones. Mensaje en una botella, de Luis Mandoki, describe el hallazgo en el mar de una botella con un mensaje, que un viudo dirige a su mujer recién fallecida; y Un paseo para recordar, de Adam Shankman, se centra en el casto amor juvenil entre un joven algo gamberro y la hija de un pastor protestante, aquejada de una enfermedad. En los tres filmes domina el amor humano, entendido como fuerza poderosa capaz de superar los obstáculos que impiden su plena realización. Pero El diario de Noa, dirigida por Nick Cassavettes (mejor director que los otros dos citados), confunde el afecto del noviazgo con pasión y sentimientos intensos, que deben ser satisfechos en la cama. La trama arranca en una residencia de ancianos, donde una mujer aquejada del mal de Alzheimer recibe la visita de un hombre que le lee el diario de Noa, donde se consigna el apasionado amor juvenil de éste por Allie. Al estilo de Tomates verdes fritos, se alternan las vicisitudes de este amor desgraciado (diferente posición social de los jóvenes, oposición de los padres de ella, separación, guerra…), con escenas de los dos ancianos, en que se alimenta la expectación sobre cómo acabará todo. Cassavettes adopta un aire de folletín, con una sublimación del amor algo empalagosa. Eso sí, lo reviste de una bonita fotografía, una impecable ambientación, y unos buenos actores, tanto los veteranos (Garner, Rowlands) como los jóvenes (Gosling, McAdams).

Ante las presiones de su editor para que termine su nuevo libro, Alex Sheldon, un escritor que sufre un agudo bloqueo creativo, decide contratar a Emma Dinsmore, para que ejerza como taquígrafa. Entre los dos, acabarán interpretando variados papeles, para imaginar historias románticas que inspiren el desarrollo de la novela, pero ambos terminarán enamorándose de verdad. Que la vida inspira el arte, pero que puede también suceder justo lo contrario, es la premisa de esta comedia romántica de Rob Reiner, director de Cuando Harry encontró a Sally, que también interpreta un papel de importancia. La protagonizan dos jóvenes en alza: Kate Hudson y Luke Wilson.

Rannulph Junuh era un joven que prometía llegar a ser un auténtico campeón de golf. Además salía con la guapísima Adele, hija del propietario de un maravilloso campo de golf. Pero llegó la guerra y Junuh debió quedar bastante traumatizado, pues ni volvió a casa, ni dio señales de vida. Hasta que un día, inesperadamente, vuelve al hogar. Ya no quiere saber nada de golf ni de su ex novia, pero se presenta en su vida un personaje misterioso, Bagger Vance, que le anima a que vuelva a empuñar los palos de golf en un gran torneo. Robert Redford dirige esta película que tiene ecos de un título deportivo que él mismo protagonizó: El mejor, situado en el mundo del béisbol. En este caso el papel “redfordiano” corre a cargo de Matt Damon, mientras que su “ángel guardián” es el simpático Will Smith. Una hermosa fotografía y el duelo de tono épico en el “green” son las principales bazas de un film que no inventa la pólvora, pero que tiene su rato de gracia.

Johnny Deep interpreta a un joven que está a punto de suicidarse desde lo alto de una valla publicitaria. Las autoridades consiguen salvarle. El joven parece salido de otra época. Afirma ser Don Juan, un personaje del siglo XVII famoso por su éxito con las mujeres. Como es natural, todo el mundo piensa que está como un cencerro. Es enviado a un escéptico psiquiatra interpretado por Marlon Brando. Poco a poco el psiquiatra queda cautivado con las narraciones que le hace Don Juan, en las que relata sus numerosas conquistas, sus fantásticas aventuras y sus peligrosos duelos. Don Juan viste como en el siglo XVII, con capa y espada y una máscara con la que se cubre el rostro de vez en cuando. Lo cierto es que lleva una vida de auténtico Don Juan de nuestro tiempo. Es capaz de conquistar a cualquier mujer con su gallardía y sus bonitas palabras. Pero ahora Don Juan atraviesa una crisis y su psiquiatra debe ayudarle. Basada en el mito del personaje de Don Juan, común a varias culturas e inmortalizado por escritores como Zorrilla y Lord Byron, o por Mozart en su genial Don Giovanni. En esta película conoció el boyante Johnny Depp a Marlon Brando, y se hicieron grandes amigos. Aunque el argumento se desarrolla a trompicones, la película se deja ver gracias al atractivo de sus intérpretes y a algunas curiosas situaciones. Merece la pena destacar la composición musical de Michael Kamen. En el score original se incluye una canción interpretada por Bryan Adams con la guitarra de Paco de Lucía.

Danny acaba de salir del instituto en Nueva York. Y para "ganarse los garbanzos", tiene un sueño: convertir un casa amplia que ha heredado su familia en una pequeña ciudad en un hotel. El problema es que a los lugareños, gente tranquila, no les gustan mucho las novedades. Pero con ayuda de colegas e inversores, y de una chica del pueblo, espera hacer realidad ese gran sueño. Lo más llamativo de esta película es que la escriben y dirigen dos hermanos que luego se han convertido en productores todopoderosos de Hollywood: Bob Weinstein y Harvey Weinstein. Desde luego el film no permitía prever su éxito, pues se trata de una tontorrona "peli de colegas", que produjeron a través de la recién creada Miramax. En el reparto se puede ver a una jovencita Marisa Tomei.

Un científico educa a una estudiante a su estilo, al mismo tiempo que trata de clonar a su esposa muerta. Insustancial comedia que apenas tiene interés, a pesar del esfuerzo de Peter O'Toole y Mariel Hemingway, la pareja de protagonistas, que están acompañados por un puñado de actores muy competentes.