Nick Cassavetes

  Algo pasa con la carrera de Cameron Díaz, que anda desorientada, tras el fracaso comercial de algunas de sus películas, como The Green Hornet, y los malos resultados artísticos de El consejero, a pesar de que ahí tenía detrás al prestigioso Ridley Scott. La actriz suele decantarse por comedias muy ligeras, como Qué esperar cuando estás esperando, Bad Teacher, y ahora No hay dos sin tres. En esta ocasión, la actriz encarna a Carly Whiten, ilusionada por su reciente conquista de Mark, aparentemente el hombre ideal, al que está a punto de presentar a su padre. Pero descubre que está casado con Kate. Tras entablar una amistad que al menos les sirve para consolarse mutuamente, ambas mujeres planean vengarse por los pocos escrúpulos de Mark, pero se dan cuenta de que no son las únicas en discordia. No hay dos sin tres cuenta con un reparto atractivo, pues aparte de Díaz tiene como protagonistas a Leslie Mann, una actriz muy dotada para la comedia, esposa del especialista Judd Apatow, y con Nikolaj Coster-Waldau, en la cima de la popularidad por la serie Juego de tronos. El elenco está a las órdenes de un director tan solvente como Nick Cassavettes, responsable de films interesantes, como John Q o Alpha Dog. Por desgracia, el guión de la debutante en el largometraje Melissa Stack no acaba de funcionar, pues las acciones de los personajes no parecen naturales, tarda en arrancar y además abusa de la sal gruesa en un intento desesperado de hacer reír, que combina perlas como escenas escatológicas en el baño o diálogos en torno al vello púbico. Los protagonistas se esfuerzan por arrancar la carcajada hasta el punto de que llegan a parecer caricaturescos, especialmente Coster-Waldau en su surrealista secuencia final.  

Lacrimógeno film dirigido con eficacia por Nick Cassavetes (Alpha Dog), a partir de su guión escrito en colaboración con Jeremy Leven, basado a su vez en la novela de Jodi Picoult. La historia presenta a la familia Fitzgerald, que vive en una idílico chalet cerca de la costa de California. Sin embargo, la vida de los componentes de la familia dista mucho de ser idílica puesto que la pequeña Kate enfermó de leucemia a los pocos años. Como es lógico los padres quedaron entonces desolados, al igual que su hermanito. Las esperanzas de vida de la niña no eran muchas y el matrimonio decidió entonces tener otra hija, Anne, concebida in vitro. Todo se preparó artificialmente para que el cuerpo de Anne fuera perfectamente compatible con el de Kate, de modo que su organismo pudiera suministrarle todo lo necesario a la enferma. Han pasado onces años de aquello, años de operaciones, de estancias en el hospital, de diversas enfermedades... y la salud de Kate sigue siendo precaria. Un buen día la pequeña Anne se presentará a un abogado y le pedirá que le ayude para demandar a sus padres por los derechos de su cuerpo. La desisión de Anne plantea una preguntas muy serias: ¿Cuál es el límite de la paternidad? ¿Hasta qué punto los padres pueden disponer de la vida de los hijos? ¿Cuándo el amor puede convertirse en egoísmo? Cassavetes responde a estas preguntas con claridad y hay en el fondo una sólida crítica al utilitarismo del ser humano y a la máxima de que “el fin justifica los medios”, aunque se trate incluso de casos muy especiales. También se advierte del peligro que supone para la convivencia no aceptar el dolor y rebelarse contra la realidad. El director acierta al no desarrollar los hechos cronológicamente, pues correría el riesgo de aburrir y contristar demasiado; en su lugar, introduce las reflexiones de cada miembro de la familia acerca de la situación de Kate y de cómo su enfermedad ha influido terriblemente en sus vidas. Esto da un poco de aire a la opresiva historia, a la vez que permite introducir oportunos 'flash backs'. De todas maneras es innegable que se trata de una película de estilo “americano”, es decir muy triste y forzadamente emotiva, de modo que el director no evita introducir las consabidas escenas hiper dramáticas, algunos momentos sentimentales un poquito rebuscados (como el de la playa) o ciertos diálogos tan literarios que resultan difícilmente extrapolables a una niña. En cuanto al reparto, la jovencita Abigail Breslin (Pequeña Miss Sunshine) prosigue con mucho talento su meteórica carrera de actriz infantil y Alec Baldwin borda su pequeño papel de abogado. Pero es Cameron Díaz quien más sorprende en su poco agraciado rol de madre. Su trabajo es de una sobria madurez interpretativa, equilibrado y convincente.

Escalofriante película basada en hechos reales, que como otros títulos coetáneos –Diario de un escándalo, Juegos secretos–, dibuja una sociedad occidental enferma, que debería empezar a afrontar de una vez los graves problemas que la amenazan. Nick Cassavetes, director y guionista, recrea tomándose ciertas libertades el caso de Jesse James Hollywood, que conmocionó en 1999 a la opinión pública estadounidense. El cuadro que entrega de los adolescentes californianos y sus familias no puede ser más desolador. La cosa arranca con el enfrentamiento violento entre los jóvenes Johnny Truelove y Jake Mazursky, por una deuda relacionada con el tráfico de marihuana. Decidido a cobrar su deuda “como sea”, Johnny no tiene ocurrencia mejor que secuestrar a Zack, el hermanastro adolescente de Jack, un quinceañero que se siente sobreprotegido por sus padres. Lo que podría ser una experiencia desagradable, para Zack se convierte en una inmersión en el mundo de los adultos (?), en el que siempre quiso ingresar. Pues los “amigos” de Johnny, especialmente Frankie, lejos de maltratarle, le tratan como a un “colega”, haciendo de él uno más en sus juergas y francachelas. Pero paralelamente, en el “mundo real”, las cosas se les están complicando. Los padres de Zack han denunciado la desaparición del chico, Jake amenaza a Johnny de muerte, un abogado afirma que se enfrenta a posibilidad de cadena perpetua… Y en el horizonte asoma la posibilidad de lo que podríamos denominar “solución final”. El mayor interés de la cinta es su condición de radiografía social sin moralina, de la que salen malparados jóvenes y adultos. Los primeros viven en un artificial “mundo infeliz”, donde los alicientes que les animan responden al nombre de alcohol, sexo, droga, ropa, videojuegos, música y poco más. Su completa inmadurez les incapacita para tomar cualquier tipo de decisiones, y cuando se mueven en “terreno peligroso”, la posibilidad de “meter la pata” más todavía, es casi del cien por cien. Caso llamativo es el de Elvis, objeto de burlas de la banda de Johnny, cuyo complejo de inferioridad le convierte en carne de cañón para ejecutar la acción que ningún otro osaría acometer. Y triste, muy triste, es el caso de Zack, la víctima, que se plantea su secuestro como una “gran aventura”, de un vértigo embriagador. En la parte de los progenitores, los tenemos de dos tipos: los que se mueven ya en el mundo de la delincuencia, y que más que otra cosa reprochan a sus retoños su increíble estupidez a la hora de resolver un “problema”; y los “normales” –es un decir–, sinceramente preocupados, pero sin recursos para ganarse la confianza de sus hijos. La película cuenta con un atinado reparto –destacan entre los jóvenes Anton Yelchin y Justin Timberlake, y Sharon Stone entre los adultos– y buen ritmo, donde los interrogatorios que salpican el metraje, y los rótulos que enumeran las personas que se cruzan con el secuestrado como “Testigo 1”, “Testigo 2”, etcétera, presagian un fatal desenlace. Eso sí, la enorme crudeza con que se describe el estilo de vida vacío de los personajes –experiencias sexuales, lenguaje soez, peleas, droga…– resulta excesiva.

Las novelas de Nicholas Sparks, romántico a machamartillo, han sido adaptadas antes al cine en dos ocasiones. Mensaje en una botella, de Luis Mandoki, describe el hallazgo en el mar de una botella con un mensaje, que un viudo dirige a su mujer recién fallecida; y Un paseo para recordar, de Adam Shankman, se centra en el casto amor juvenil entre un joven algo gamberro y la hija de un pastor protestante, aquejada de una enfermedad. En los tres filmes domina el amor humano, entendido como fuerza poderosa capaz de superar los obstáculos que impiden su plena realización. Pero El diario de Noa, dirigida por Nick Cassavettes (mejor director que los otros dos citados), confunde el afecto del noviazgo con pasión y sentimientos intensos, que deben ser satisfechos en la cama. La trama arranca en una residencia de ancianos, donde una mujer aquejada del mal de Alzheimer recibe la visita de un hombre que le lee el diario de Noa, donde se consigna el apasionado amor juvenil de éste por Allie. Al estilo de Tomates verdes fritos, se alternan las vicisitudes de este amor desgraciado (diferente posición social de los jóvenes, oposición de los padres de ella, separación, guerra…), con escenas de los dos ancianos, en que se alimenta la expectación sobre cómo acabará todo. Cassavettes adopta un aire de folletín, con una sublimación del amor algo empalagosa. Eso sí, lo reviste de una bonita fotografía, una impecable ambientación, y unos buenos actores, tanto los veteranos (Garner, Rowlands) como los jóvenes (Gosling, McAdams).

Un padre de familia. Trabajador honrado donde los haya. Cuando su pequeño sufre un desvanecimiento, lo lleva corriendo al hospital. Está tranquilo, pues su seguro debería cubrir cualquier eventualidad. Debería. Porque los burócratas del centro médico se agarran a la cláusula de turno, para decir que el urgente trasplante de corazón que necesita su hijo, debe pagarlo de su bolsillo. John hace lo posible para reunir el dinero, pero cuando la cosa se pone cuesta arriba, adopta una dramática decisión: ocupa un ala del hospital, toma a varias personas como rehenes, y exige la inmediata intervención médica que necesita su hijo. Nick Cassavetes (Volver a vivir, Atrapada entre dos hombres), acostumbrado al drama y a la composición de personajes, insufla cierta credibilidad a lo que podía ser un puro producto de acción, mamporros y lágrimas. Y describe y critica, sin pelos en la lengua, un sistema de seguros médicos en Estados Unidos que muchas veces da lugar a palmarias injusticias (vamos, para que luego nos quejemos de la Seguridad Social…); aunque quizá se la va la mano un tanto a la hora de plantear la dramática decisión de John Q, con el circo policial y mediático que se organiza en torno al hospital. De todos modos tiene la suerte de contar con el recién oscarizado Denzel Washington, que encarna a la perfección al hombre corriente desbordado por los acontecimientos injustos.

Maureen está muy enamorada de su marido Eddie, pese a sus claros desequilibrios mentales, que le llevan con frecuencia a la violencia; eso sí, nunca contra ella. De resultas del arrebato contra un vecino que, bebido, quiso propasarse con Maureen, Eddie es recluido en un psiquiátrico, con el consentimiento de su esposa. 10 años después sale a la calle, cuando ella ha formado un hogar con otro hombre y dos niñas, una de Eddie, que no conoce a su padre. Tras Volver a vivir, Nick Cassavetes recupera un guión de su padre John, prueba palpable de que su carrera trata de seguir la misma senda. Sin embargo hay diferencias estilísticas. John Cassavetes evitaba la afectación en sus films mediante la frescura que proporciona una cierta improvisación. Su hijo se ata más a la historia que cuenta, lo que pesa en el abrupto salto temporal: cambio de ambientes marginales al de una casa de clase acomodada, transformación de los personajes... Sobre todo el de Maureen, que no visitó nunca a su marido, y del que hemos de creer, sin embargo, que ha mantenido siempre su amor. La historia, que por la representación de una situación familiar compleja recuerda a La buena estrella del fallecido Ricardo Franco, tiene fuerza, el hálito de unos seres complejos, cotidianos, cuyo amor es real. Se mueven no sólo por pulsiones sexuales, sino por el afecto a la persona entera, con sus virtudes, que se aprecian, y con sus defectos, que se buscan erradicar. Otros interesantes temas en segundo plano vienen de la amistad con los dueños de un bar, o de la profesionalidad sin rutinas en el difícil mundo de la psiquiatría. El reparto resulta acertadísimo; y es de justicia resaltar el gran trabajo de Sean Penn, justamente recompensado en Cannes.

Mildred es una mujer madura. Viuda, sus hijos ya han abandonado el hogar. Uno se casó, la otra partió, cansada de continuas discusiones. A su existencia solitaria recién estrenada se le presenta una oportunidad inesperada, en forma de niño, para darse a los demás. Se trata de J.J., el hijo de Mónica —una vecina que necesita ayuda tras separarse del marido que la maltrataba—, a quien cuida, cuenta cuentos, da cultura, cuando la madre está ausente. Nick Cassavetes —que debuta como director— recupera el estilo de su padre John (Faces, Gloria, Una mujer bajo la influencia), genuino representante del cine underground americano de los 70, con personalidad propia. Aborda para ello una historia familiar e intimista, cuyo centro es Mildred, un personaje bordado por Gena Rowlands, su madre. En medio de la cotidianidad, ella se aferra a volver a vivir una nueva vida criando al pequeño J.J., descolgándose de las estrellas, como reza el título original. Aunque la situación de canguro no puede durar para siempre, se convierte en una experiencia que le ayuda a replantearse el modo de vivir el tiempo de vida que le queda. Historia sencilla, contada con sensibilidad y adecuado ritmo pausado, describe tipos humanos fácilmente identificables en la vida real. Y desliza en la pantalla, como sin darles demasiada importancia, pero dándosela, temas de peso, como el cuidado —amor, sacrificio, confianza— que precisan las relaciones familiares y con los amigos, las ventajas de una educación que completa las enseñanzas que se dan en la escuela, la posibilidad de que surja un amor en la madurez. Cassavetes ha apostado, con encomiable modestia, por una realización que no se hace notar, sin efectismos, completamente al servicio de la historia. Y dirige muy bien a los actores: sobre todo a la citada Rowlands, a Marisa Tomei, y al pequeño Jake Lloyd.