Jeffrey Jones

Trece años después de la emisión del último capítulo de la serie Deadwood, que contó con tres temporadas, HBO recupera la historia. Durante estos años ha dado tiempo para que la serie original haya ido ganando en prestigio hasta ser considerada una de las mejores series pioneras, junto con otras que marcaron época, como Perdidos, The Wire o Los Soprano. La película presenta a los personajes respetando el paso de los años, al tiempo que el pueblo se prepara para fomar parte del estado de Dakota del Sur: Seth Bullock y Charlie Utter siguen asumiendo labores de sheriff y ayudante; Swearengen domina aún el pueblo desde su local (que ahora se llama "Gem", en homenaje a la prostituta que él mató); Trixie está embarazada y sigue viviendo con Sol Star; el doctor se desvive por los habitantes, en especial últimamente por Swearengen que está gravemente enfermo del hígado. En esta situación regresan al pueblo tres personajes clave: Calamity Jane, Alma Ellsworth, junto con su hija ya crecidita, y el violento Hearst, ahora convertido en senador y que llega con la pretensión de comprar nuevas tierras. No escapa a nadie que esta producción quiere ser un colofón al mundo mostrado en la serie, y lo consigue con eficacia. El conjunto se ve de todos modos como un largo episodio, que va yendo y viniendo de personaje en personaje, humanizándolos algo más y recuperando viejas cuestiones, aunque sin duda el tema central es el ajuste de cuentas con respecto a Hearst, quien nada más llegar será responsable de un asesinato. HBO levanta algo la mano en cuestiones de violencia y sexo, quizá para llegar a un público más amplio, mientras que la puesta en escena sigue siendo excelente.

Una geóloga se da cuenta de que un terrible terremoto de intensidad 10 está a punto de destruir Los Ángeles. Pero las autoridades no la escuchan. Telefilm que recopila todos los tópicos del género catastrofista, pero encima carece del presupuesto de los grandes espectáculos cinematográficos en la misma línea.

Una tv-movie de HBO centrada en los amores de la corresponsal de guerra Martha Gellhorn con el escritor Ernest Hemingway. Con la columna vertebral de una entrevista a una envejecida Gellhorn, se nos describe el romance de la pareja desde que se conocen en Cuba, en el Sloppy Joes de Cabo Hueso, pasando por la cobertura de los dos de la guerra civil española en Madrid, donde ayudan en el rodaje de un documental, o su viaje a China donde se entrevistan con Chiang Kai-shek, pero también con los líderes comunistas. Por supuesto se muestra la apasionada relación y los desencuentros. Philip Kaufman sigue demostrando que es un director bluff, parecía “elegido para la gloria”, pero luego su carrera se ha deshinchado con títulos de escaso interés. Ya ni logra “epatar” con sus excesos eróticos –aquí también los incluye–, que dieron pie a La insoportable levedad del ser y Henry & June. Hemingway & Gellhorn adolece de varios problemas. Está la sensación de que se nos ofrecen viñetas infantiloides, no un relato bien vertebrado, al guión le falta solidez de Jerry Stahl y Barbara Turner. Sobre la guerra civil, no hay un esfuerzo serio por describirla, sólo frases tipo “vamos a ir por esos hijos de puta fascistas”; además la decisión de incluir metraje documental en sepia e insertar a los protagonistas o rodar planos ad hoc, es muy artificiosa, te saca de la película. Falta genuina emoción y sobran tópicos y sentimentalismo barato, véase a Gellhorn-Nicole Kidman sufriendo por los niños de la guerra, o a Hemingway-Clive Owen jugando a la ruleta rusa con un general ruso, un Robert Duvall no acreditado bastante patético. En general resulta difícil creerse a los personajes, Owen con mostacho recuerda más a Groucho Marx que al escritor al que se supone que interpreta. Podía haberse logrado más complejidad al pintar la relación amorosa, o cómo Hemingway termina pegándose un tiro. Pero nada de eso. Dos mujeres de Hemingway, Pauline Pfeiffer y Mary Welsh, son pura caricatura, la primera una especie de histérica beatorra católica, la otra poco más que una enfermera. Quedaría Gellhorn, que evidentemente es la mejor dibujada y sale medianamente bien parada, aunque frases como “no quiero ser una nota a pie de página en la biografía de un escritor” tampoco es que ayuden.

Tercera y última temporada de Deadwood, serie del oeste que se canceló un tanto inesperadamente. Como se sabe sigue la vida cotidiana en un pueblo perdido de Montana en 1877, un lugar fundado por buscadores de oro y en donde el crimen campa a sus anchas. La llegada del poderoso George Hearst, hombre sin escrúpulos decidido a dominar el pueblo, pondrá en vilo el liderazgo del mafioso Al Swearengen (Ian McShane), del sheriff Seth Bullock (Timothy Olyphant) y de los demás habitantes del lugar, que además se prepara para celebrar sus primeras de elecciones. Como es habitual en HBO, la serie incluye algunos momentos de violencia brutal y sexo explícito, muy acorde con el lugar sin ley que se describe, plagado de gentes rudas y sanguinarias. En esta temporada, además de la habitual presencia de Calamity Jane, hace su aparición otro célebre personaje real, Wyatt Earp.

Seth Bullock encuentra dificultades para imponer la ley, tras haber sido nombrado sheriff de Deadwood. Su esposa llegará al pueblo, junto con su hijo. Mientras, la enfermedad se cierne sobre Al Swearengen, que necesitará la inspiración del médico... Interesante serie que recupera elementos del western clásicos y personajes tan legendarios como Calamity Jane. Destaca la dureza con que se retratan las condiciones de vida de los pioneros, en un lugar donde la ley del más fuerte y los intereses personales parecen ser lo único que importan.

Personajes de muy distinto pelaje buscan fortuna en el salvaje Oeste. Y acuden al poblado de Deadwood, en Dakota del sur, donde la ley no existe, abundan los buscadores de oro, y los saloones que ofrecen alcohol, juego y prostitutas. Destaca Seth Bullock, un ex marshall, y gente mítica como Wild Bill Hickock y Calamity Jane. La serie de David Milch, cuyo primer episodio dirige Walter Hill, apuesta por el realismo sucio, con un Oeste corrupto y un trasunto de 'padrino', que no duda en eliminar a los que estorban.

Las habilidades del Dr. Dolittle, capaz de hablar con los animales, ya son conocidas por multitud de ellos, que acuden a dos y cuatro patas a su consulta. En esta ocasión los bichejos requieren de él una ayuda no estrictamente profesional: el bosque donde viven varios corre peligro de desaparecer, por los planes urbanísticos de unos especuladores con pocos escrúpulos. Así que recurre a una excelente excusa para salvar el bello paraje natural: el peligro de extinción que corre una especie de oso, a la que pertenece la simpática Ava. Sólo hay un pequeño inconveniente: hay que buscar novio a la osa, y el candidato es un bohemio oso de circo. La nueva entrega de las andanzas del Dr. Dolittle se reviste de buenos sentimientos ecologistas. Se multiplican los animales (cruce entre animales auténticos, animatronics y técnicas de animación por ordenador), y contemplamos gags tronchantes servidos por un mono borracho, un mapache y una comadreja mafiosos, unos perros necesitados de terapia, o una tortuga la mar de cachonda.

Max y Page. Madre e hija. Unas cazafortunas que utilizan armas de seducción para forrarse a costa del prójimo incauto. La idea es sencilla: una se liga al tonto de turno y le conduce hasta el matrimonio; luego la otra le seduce, la mujer le pilla en situación comprometida, divorcio al canto y pensión de por vida. Con este método han ido acumulando un pequeño capital. Pero Page está comenzando a hartarse de un modo de vida que no es vida. Además está Jack, un jovenzuelo que comienza a llamar su atención. La madre no está dispuesta a aceptar que su polluelo desea volar fuera del nido paterno. De modo que urdirá una triquiñuela para hacerla volver al redil. Además, juntas tramarán un golpe que esperan sea definitivo. La víctima potencial es Tensy, el magnate de la industria del tabaco, un tipo con mucha, mucha pasta, pero que no captaría la atención ni de una vaca en celo. Las seductoras es una divertida comedia que crea situaciones de enredo en torno a las debilidades de todo hijo de vecino. Aunque David Mirkin, cuando se pone serio, le saca punta de “mensaje” al film y asegura que trata “en gran medida, sobre la necesidad de renunciar a tener todo bajo control y aceptar la incertidumbre de la vida”, ahí es nada. El director, que ha participado en la célebre serie de animación Los Simpson, dice haber tenido como referencia del film los clásicos Las tres noches de Eva y Luna de papel. Aunque un título más cercano al film es Un par de seductores, con Steve Martin y Michael Caine. Sí es cierto que la peli muestra lo difícil que es construir toda una vida sobre la mentira y el engaño. Como explica Hewitt, “la mayor parte del tiempo, estas dos artistas del timo se ganan la vida haciéndose pasar por otras personas. Y creo que no tienen tan claro quiénes son en realidad, porque siempre se ocultan tras la fachada que les permite conseguir lo que necesitan. Para mí, Page es una persona que no se conoce bien a sí misma, y se ve forzada a conocerse a causa de Jack. Y él descubre a la verdadera Page antes que ella, lo que resulta muy frustrante para Page. Y ella tiene que llegar a conocerse a sí misma, al tiempo que intenta ser una profesional, y demostrar a su madre que ya es bastante mayor para ir solita por ahí, cuando realmente no tiene ni idea”.

Una comisión del Senado americano interroga a uno de sus espías, implicado en el intento de invasión de Cuba en Bahía de Cochinos. El tipo es deudor de aquel representante de una empresa de aspiradoras, protagonista de la novela de Graham Greene Nuestro hombre en La Habana. Profesor de gramática inglesa con sueldo irrisorio, su mujer siempre le reprochó su mediocre vida. Hasta el punto de hacerse pasar por agente de la CIA, una ficción que se hace realidad.Lío en La Habana es una comedia que recuerda a títulos de Woody Allen como Toma el dinero y corre, Bananas o El dormilón. Douglas McGrath despuntó precisamente como guionista con Woody Allen en Balas sobre Broadway. Ahora, con Peter Askin, insiste en la comedia disparatada. Y, además de ejercer de guionista, se reserva el papel protagonista; parece como si siguiera los pasos de Allen, quien tiene un pequeño papel. Los gags, desternillantes, explotan un doble filón. Por una parte se basan en que el protagonista es un tipo inofensivo y torpe. La otra veta humorística viene del personaje de la esposa (graciosa Sigourney Weaver), marujona excitada ante la idea de escribir un best-seller.

A lo largo de su filmografía, Tim Burton ha plasmado en la pantalla personajes increíbles... Pee Wee, Eduardo Manostijeras, Jocker, Catwoman, Pingüino, Bitelchús, Ed Wood, Jack Skellington... son algunos de ellos. Una galería de tipos estrafalarios, marginales, que configuran su muy particular mundo fantástico. Sleepy Hollow cuenta también con un personaje, el del jinete sin cabeza, que encaja a la perfección en el universo burtoniano. Burton presenta poco a poco los elementos con que arranca la inquietante e intrigante película. Ichabod Crane es un investigador policial, que ha de resolver los crímenes que acontecen en Sleepy Hollow. Las fuerzas vivas de la villa no ayudan mucho en sus primeras indagaciones. Son pasajes tranquilos, hasta que se desata la tempestad. Uno de los conflictos más interesantes del film es el que se plantea el investigador Ichabod, entre el racionalismo a ultranza al que se apuntó tras un trauma infantil, y la fe necesaria para encarar el caso que le ocupa. El guión de Andrew Kevin Walker, quien trató este mismo tema en su libreto de Seven, sabe preparar la cuestión, sin sacar desde el principio los ases que guarda en su manga. Mención aparte merece el trepidante final de la historia, que funciona con la precisión de un mecanismo de relojería. Johnny Depp –que ya había trabajado con Burton en Eduardo Manostijeras y Ed Wood– da muestras otra vez de su buen hacer interpretativo, al dotar a su personaje de variados matices. Lo exagera cuando es necesario –véanse las autopsias con instrumentos de su invención–, muestra su determinación y, al tiempo, su fragilidad; su carácter frío en apariencia, y su ternura; su apego a la razón y su creciente espíritu romántico. Todo el reparto resulta muy ajustado pero Depp es, sin duda, la estrella.

Año 1847. El capitán John Boyd es un capitán de la caballería de los Estados Unidos, decepcionado después de su participación en la guerra con Méjico. Sus superiores no le ven con buenos ojos y le envían a un destino situado en la otra punta del mundo: un fuerte en Sierra Nevada, California. El destacamento lo forman tan sólo cinco personas, a cada cual más chiflado. Un día se presenta Colqhoun, superviviente de una expedición que fue sepultada por una avalancha de nieve. Los pocos que sobrevivieron se refugiaron en una cueva, y ante la falta de alimentos comenzaron a devorarse unos a otros. Ahora el ejército se dispone a comprobar la historia, y a rescatar a los que queden vivos. Antonia Bird juega con el terror y la locura en este film ambientado en el viejo Oeste. Se recomienda haber hecho bien la digestión antes de enfrentarse a esta historia de canibalismo, donde se puede ver a actores de talla, como Robert Carlyle, Guy Pearce y David Arquette.

¿Qué es mejor ser, cola de león o cabeza de ratón? El ratoncito Stuart Little lo tiene claro. Él es quien es. Y está muy orgulloso de su condición ratonil. De modo sencillo, sin didactismos empalagosos o demasiado obvios, el film defiende el derecho de todos a ser de determinada forma. A hacer valer aquello de que "cada uno es hijo de su padre y de su madre". Estamos ante un film encantador, pensado con rara inteligencia para el público familiar. La escena en que el matrimonio Stuart acude al orfanato para adoptar un niño es paradigmática a este respecto. Aportación del guionista M. Night Shyamalan (El sexto sentido), es un golpe sorpresa que engancha al espectador: marido y mujer observan a los niños variados que pululan por ahí, y cuando ven a un ratoncito solo y triste… no manifiestan extrañeza. Tampoco cuando se pone a hablar, y les explica que ningún humano quiere adoptarle por ser de otra especie. En cierto modo la historia es el reverso de Babe, el cerdito valiente: si ahí un cerdito no se resignaba a su destino seguro, el matadero, y decidía ser perro ovejero, aquí tenemos a un ratón que acepta su condición, sin que ésta le empequeñezca o acompleje. La otra línea vertebral del guión la constituye el derecho que todos tenemos, o más bien necesidad, de pertenecer a una familia: de querer y sentirnos queridos por los nuestros. Así el guión se enriquece con las dificultades de George para aceptar a su hermano adoptivo, la aparición de la auténtica familia de Stuart, o la difícil relación con un gato. Y todo servido con mucho sentido del humor. Historia entrañable –o sea, con entrañas–, comparable a las dos entregas de Toy Story, en el sentido de que, por muy maravillosa que sea la animación, esos films tienen entidad por sus personajes y lo que les ocurre. Rob Minkoff, que codirigió El rey león, lo ha entendido perfectamente, y envuelve la historia de una atractiva atmósfera, mágica e irreal, en la que parece que el tiempo se haya detenido. La concepción del film recuerda a títulos infantiles inteligentes: los dos Babe debidos a George Miller; y una pequeña delicia, El peque se va de marcha, con guión de John Hughes y dirección de Patrick Read Johnson. En el reparto puede verse a la ganadora del Oscar Geena Davis, al genial doctor House (Hugh Laurie) y al niño de Jerry Maguire Jonathan Lipnicki. En España fue Emilio Aragón el que puso la voz al ratoncito, mientras que en Estados Unidos fue Michael J. Fox.

El actor de comedia John Leguizamo encarna a Peste, un timador de poca monta, al que hacen una original proposición: participar en un cacería a cambio de un buen pellizco de pasta. Lo que no sabe el infeliz de Peste es que la presa es él. Deberá usar todo su ingenio para escapar de sus tozudos perseguidores.

Kevin (Keanu Reeves) es un joven abogado de prestigio que se acaba de mudar con su mujer Mary Ann (Charlize Theron) a Nueva York, pues ha aceptado trabajar en un bufete de abogados con muy buenas referencias. Pronto descubrirá que nada es lo que parece, pues el bufete está al frente de John Milton (Al Pacino), un misterioso y embaucador caballero que no es otro que el mismísimo diablo. Poco a poco los hechos ocurridos alrededor de Kevin y Mary Ann empiezan a poner en peligro su propia vida y la de sus almas. Brillante thriller con un reparto de campanillas. Al Pacino, siempre genial, hace alarde de su buen hacer como actor y regala unos monólogos para quitarse el sombrero. El joven Keanu Reeves acierta en su rol de ambicioso muchacho con deseos de triunfo que peligra caer en las redes del demonio; y la guapa Charlize Theron, como la abnegada esposa y parte importante de la historia, aporta también gran dramatismo. Dirige Taylor Hackford (Prueba de vida, Ray), basándose en una novela de Andrew Neiderman.

Adaptación de la obra teatral Las brujas de Salem, del reputado novelista y dramaturgo Arthur Miller, que escribió el guión para su adaptación al cine. En un principio la novela fue una gran metáfora de la llamada Caza de Brujas del senador McCarthy, consistente en la búsqueda de enemigos de Estados Unidos entre los escritores y cineastas del país. Basada en un hecho real acaecido en Massachusetts en el siglo XVII, describe una venganza amorosa que provoca un juicio por brujería. En un pequeño pueblo de Massachussetts falsas acusaciones de brujería recaen sobre inocentes víctimas, debido a que un grupo de chicas miente. La líder del grupo ha sido abandonada por su amante y pretende no parar ante nada ni ante nadie para recuperarlo. A pesar de algún exceso, la dirección y las interpretaciones poseen un fuerte vigor narrativo y su mayor mérito consiste en que enfrentan con hondura superstición y religiosidad. El dibujo de la época se tiñe de oscurantismo, y resulta sobrecogedor. El principal mérito recae en la pareja protagonista, formada por la joven Winona Ryder (Eduardo Manostijeras, La edad de la inocencia) y el camaleónico Daniel Day-Lewis, uno de los mejores actores de la década de los 90, como demostró en títulos como Una habitación con vistas, Mi pie izquierdo o En el nombre del padre.

El peor director de cine de la historia tiene un estusiasmo contagioso, tipo Orson Welles. Sus historias son espantosas, y rueda chapuceramente. Por no hablar de las limitaciones de presupuesto. Pero tiene un don: ama el cine, y ningún obstáculo le detiene. Lo que explica que Ed Wood lograra filmar un buen puñado de películas, involucrando en su aventura al mismísimo Bela Lugosi. Tim Burton aplica con acierto un filtro romántico al empeño de Ed Wood, y crea una relación conmovedora entre el director y Bela Lugosi. No tienen sólo un trato profesional, sino que llegan a ser auténticos amigos, que se ayudan el uno al otro dejándose el pellejo. Son magníficas las composiciones de Johnny Depp y Martin Landau (que se llevó el Oscar). El blanco y negro de Stefan Czapsky y la música inquietante de Howard Shore se revelan perfectas para un film ya mítico.

Roy, un televidente empedernido, recibe un día la visita de un tipo que le ofrece la instalación de un sistema con más de 600 canales. A través de él, Roy y su mujer se introducen en el interior de los programas televisivos. Allí deben sobrevivir 24 horas. Los hijos, que ven todo a través de la pantalla, tratará de ayudarles. El correcto artesano Peter Hyams (Capricornio Uno, 2010: Odisea dos, Testigo accidental) imprime un ritmo trepidante a la historia, y sus personajes igual se encuentran en un western que en una película de cine negro. La idea es ingeniosa, pero le falta un punto de gracia. La ironía de presentar la televisión como una iniciativa diabólica se mitiga al presentar a unos personajes que escapan de las situaciones comprometidas recurriendo, precisamente, a su memoria televisiva.

Cuando está a punto de finalizar una negociación de varios millones de dólares, el joven ejecutivo Bill Campbell (Matthew Broderick) recibe una llamada de su hermana en la que ésta le dice que su padrastro no es lo que parece. A su paso por donde vive, de camino hacía donde tendrá lugar la negociación, Buzzsaw es asaltado por Sally (Heidi Kling) a golpe de pistola. Ésta le dejará sin ropa, sin coche y sin la cartera donde lleva el contacto que significa la cifra escandalosa de 140 millones de dólares. Desde ese instante, Bill vivirá las experiencias más intensas de su vida, donde también habrá un espacio para el amor. Comedia entretenida en la que Matthew Broderick (Tiempos de gloria, Godzilla) muestra su talento de comediante. La película cuenta con un guión bien hilvanado, un puñado de gags eficaces y una fantástica fotografía.

Marko Ramius (Sean Connery) es un experimentado capitán de la Armada Soviética. Son los años de la Guerra Fría. Ramius está al mando del supersubmarino "Octubre Rojo", el submarino más poderoso que se ha construido jamás. Tiene múltiples cualidades, que le hacen casi invencible en alta mar. Es prácticamente indetectable, y puede atravesar los océanos con total autonomía. Además, posee un armamento temible. Desobedeciendo las estrictas órdenes de sus oficiales superiores, Ramius decide dirigir el "Octubre rojo" hacia Estados Unidos, con el peligro de desencadenar un conflicto mundial. Una emocionante película bélica, basada en el famoso best-seller de Tom Clancy. Sean Connery realiza una actuación notable, y Alec Baldwin le da una réplica aceptable. Recupera toda la tensión de algunas de las mejores películas de submarinos, que se desarrollan en su mayor parte en un espacio cerrado. El suspense está asegurado hasta el final.

Valmont es un libertino conde de la aristocracia francesa del siglo XVIII que tiene como amante a la marquesa de Merteuil. Ambos se dedican a un contínuo juego de seducción entre los salones de palacio y su ambición llegará más lejos cuando Valmont propone una apuesta a Merteuil, que es conseguir conquistar a una sencilla y respetable dama que acaba de quedarse viuda. Nueva versión de la novela de Choderlos de Laclos 'Las amistades peligrosas', que fue filmada por Milos Forman un año después de la famosa película de Stephen Frears. En esta cinta el protagonismo se lo llevan un cínico Colin Firth y una casquivana Annette Bening. Destaca también el trabajo de Meg Tilly y de una inocente Fairuza Balk.

Adam y Barbara han muerto, y convertidos en fantasmas vagan por su mansión de Nueva Inglaterra hasta que un día reciben la inoportuna visita de unos nuevos inquilinos que piensan instalarse en el hogar. La recién llegada familia está compuesta por dos excéntricos padres y su hija Lydia, una adolescente bastante rarita. Adam y Barbara deciden contratar los servicios de Bitelchus, un desagradable tipejo que se dedica a espantar a los mortales. Oscar al mejor maquillaje y un premio de la Sociedad Nacional de Críticos para Michael Keaton fue lo que recibió esta cinta fantástica de Tim Burton. El director empezaba a plasmar su estilo oscuro y estrafalario donde mezclaba el terror y el humor, y el éxito del film comenzó a reunir a miles de seguidores. Entre el reparto, además de Keaton, destaca la presencia de Geena Davis, Alec Baldwin, Jeffrey Jones y una joven Winona Ryder en su tercera aparición en el cine.

Una muesca más en la filmografía de Holmes y el Dr. Watson, personajes creados por Arthur Conan Doyle. Aquí se juega en tono de comedia con la rocambolesca idea de que el 'listo' es Watson (Ben Kingsley), novelista, mientras que Holmes (Michael Caine), que no existe, es representado por un pobre alcohólico.

Una nueva aventura de Brady Hawkes y Billy Montana. Esta vez tendrán que luchar contra el gobierno para ayudar a los Sioux a obtener los suministros que necesitan. Además denunciarán la corrupción de los poderosos, lo cual no les dejará en posición muy ventajosa. Tercera parte de las exitosas aventuras de Brady Hawkes y Billy Montana, tras El jugador y Trío de ases. Se trata de una serie de telefilmes de extensa duración protagonizados todos ellos por Kenny Rogers, autor de la canción en donde se inspira la serie.

Howard es un pato adulto que adora la cerveza y tocar la guitarra. Una noche, un accidente le transporta hasta nuestro planeta. Allí conoce a Beverly (Lea Thompson), una joven y guapa cantante de rock que se convierte en su amiga. Sin embargo, un maligno científico le persigue y amenaza con destruir su planeta. Fantasía que adapta a la gran pantalla un exitoso cómic de la editorial Marvel, se convirtió en el más colosal fracaso de George Lucas, productor del film. Los prodigiosos efectos especiales dotan de credibilidad al simpático protagonista, pero no salvan la papeleta. En este film hizo uno de sus primeros papeles el excelente Tim Robbins (El juego de Hollywood, Cadena perpetua).

Por una serie de circunstancias fortuitas, al joven Ferris Bueller (Matthew Broderick) se le presenta el día más feliz de su vida. Gracias a su audacia, ha conseguido un espléndido Ferrari descapotable, con el que pretende impresionar a todas las chicas que le salgan al paso. Además, goza de plena licencia para hacer lo que quiera. Pero claro, pasarse de listo le puede traer más de un problema. Pronto se verá metido en líos, de los que deberá salir airoso para que las cosas vuelvan a su cauce. Una divertida comedia de adolescentes, protagonizada por el entonces prometedor actor de El novato, Matthew Broderick. La tensión creada por la frenética actividad de Ferris Bueller contagia al espectador. Aunque no propone una historia interesante, está entretenida.

Dos reporteros son enviados a Transilvania con una sola misión: encontrar a Frankenstein; de lo contrario perderán sus trabajos. Para completar esta tarea deberán lidiar con científicos locos, momias, vampiresas y hasta hombres lobo en su búsqueda por hallar al hombre que dio vida a una criatura.   Comedia con ligero tono de terror que nos transporta a uno de los lugares más lúgubres y enigmáticos del planeta. Cuenta con un reparto apañado, en donde destacan los nominados al Oscar Jeff Goldblum, Joseph Bologna y Carol Kane.

Cuenta la vida del más famoso compositor de todos los tiempos, Wolfgang Amadeus Mozart. De pequeño, se convirtió en un prodigio musical, admirado en todas las cortes de la Europa de mediados del siglo XVIII. Antonio Salieri (F. Murray Abraham) es uno de los compositores más prestigioso de la corte del emperador José II de Austria (Jeffrey Jones). Admira y odia por igual a ese genio de la música, interpretado por Tom Hulce. Desde el sanatorio mental donde está recluido, Salieri narra ante un asombrado sacerdote, su agónica existencia desde que conoció a Mozart, muerto años antes. Conviene aclarar que esta gran película no es una biografía fidedigna de la vida de Mozart. Está basada en un espectáculo musical, y a su vez en una biografía novelada sobre el compositor. Todo surge de una leyenda nacida durante el romanticismo, según la cual, el odio de Salieri y la envidia del resto de los músicos de la corte, contribuyeron a acabar con la vida del ya de por sí destructivo Mozart. La dirección de Milos Forman es genial, y por ella se llevó un Oscar. Oscar también, entre otros, a la mejor película, al mejor actor (F. Murray Abraham), y al mejor guión adaptado de Peter Shaffer. El análisis de los personajes es brillante e incisivo. Está narrada con inteligencia. Combina la rigurosidad narrativa con el suspense. La sugerente recreación de la atmósfera de la época tiene mucho atractivo. Una obra maestra que consigue llegar a un público general. La belleza plástica y la perfección de una banda sonora basada en la obra de Mozart, son memorables.