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Biografía

Emily Mortimer

Emily Mortimer

48 años

Emily Mortimer

Nació el 01 de Diciembre de 1971 en Londres, Reino Unido

Premios: 0 Goya (más 1 nominaciones)

Dándose a conocer

29 Abril 2008

Emily Mortimer tiene una carrera muy peculiar. Su primer trabajo fue como protagonista, aunque poco a poco su filmografía se fue diluyendo entre personajes muy secundarios. Esta situación está cambiando en los últimos años con la llegada de papeles de mayor relevancia.

Emily nació el 1 de diciembre de 1971 en Londres. La vena artística le viene por parte de padre, pues es hija del guionista John Mortimer (Té con Mussolini). Ella debutó en su Inglaterra natal en la miniserie de televisión The Glass Virgin (1995), un drama de época cargado de intrigas, donde ella fue la protagonista. Un papel principal al principio de una carrera parece garantizar papeles similares en el futuro, aunque en el caso de Emily no fue así. Tras su debut, comenzó a figurar en papeles secundarios. Su primer trabajo hollywoodiense fue como secundaria en Los demonios de la noche (1996). En esta cinta trabajó junto a Val Kilmer, con quien repitió en la versión cinematográfica de El santo (1997), en un papel muy pequeño.

Y es que Emily ha sido secundaria en títulos bastante conocidos como Elizabeth (1998), donde formaba parte de la corte de la reina Cate Blanchett, Notting Hill (1999) o Scream 3 (2000). Su vida comenzó a cambiar con el nuevo milenio gracias a Trabajos de amor perdidos. Este peculiar musical shakespeareano que dirigió su compatriota Kenneth Branagh, tenía como protagonista a Alessandro Nivola, que en 2001 se convirtió en su marido. La pareja tiene un hijo, Sam, que tiene cuatro años. Pero en 2000 Emily no sólo trabajó junto al que iba a convertirse en su marido, sino que también secundó a Bruce Willis en The Kid (El chico). La actriz tuvo un papel relevante en esta comedia, donde se convirtió en la asistente del egoísta personaje de Willis.

Hasta la fecha, Emily había mostrado su lado más amable. Fue en la cinta de acción Negocios sucios (2001) cuando cambió de registro para convertirse en la peligrosa empleada de un traficante de drogas. A partir de este momento, la carrera de Emily empezó a desarrollarse entre personajes de una mayor entidad. En el biopic del escritor y político inglés Jeffrey Archer: The Truth (2002), fue la princesa Diana de Gales. Su compatriota Stephen Fry la eligió  para protagonizar su única película como director, Bright Young Things (2003), un drama enmarcado en el período de entreguerras. Protagonizó el también drama Mi querido Frankie (2004). En esta estupenda película fue la madre de un niño sordomudo y la supuesta esposa de un marino mercante que pasaba largas temporadas fuera de casa. Su carrera continuó por títulos de más nombre como Match Point (2005). En esta cinta de Woody Allen, Emily fue uno de los vértices del retorcido triángulo amoroso que completaban Scarlett Johansson y Jonathan Rhys Meyer. A pesar del evidente protagonismo de estos dos actores, Emily compuso a una interesante y compleja mujer de Rhys Meyer. En 2006 llegó el que hasta la fecha es el título más comercial en el que ha participado, La Pantera Rosa. En este remake de la película de Blake Edwards, el personaje de Emily resultaba ser de inestimable ayuda para el despistado inspector Clouseau, al que interpretó Steve Martin. La actriz ha repetido personaje en la segunda parte de la película, que se acaba de rodar.

Entre sus títulos más recientes destaca su participación en Paris, je t'aime (2006), en la que protagonizó el fragmento dirigido por Wes Craven, que ya la había dirigido en Scream 3. En España acaba de estrenar Lars y una chica de verdad (2007), donde ha sido la cuñada del peculiar protagonista interpretado por Ryan Gosling. Este año también se espera su presencia en las pantallas españolas de la mano de Transsiberian. Emily es una de las protagonistas de este thriller, donde ha sido la mujer del personaje interpretado por Woody Harrelson. Entre sus planes de futuro destaca Shutter Island, que se está rodando actualmente bajo la batuta de Martin Scorsese. La historia gira en torno a la desaparición de un paciente de un centro hospitalario para criminales. Leonardo DiCaprio protagoniza esta película en la que Emily es una de las pacientes del hospital.

Goya
2018

Nominado a 1 premio

Filmografía
Phil

2019 | Phil

La posesión de Mary

2019 | Mary

A Sarah Greer, madre de familia, le interroga la detective Clarkson, del FBI, a la que cuenta lo que ocurrió a bordo del Mary, el velero en el que viajaba con los suyos, que ha sufrido una explosión cerca de la costa de Florida. Ella ha salvado la vida de milagro en un bote, junto a sus dos hijas. Todo comenzó cuando su marido, David, experto marino que trabaja como guía para turistas deseosos de pescar, tuvo el impulso de comprar a precio de saldo la vieja embarcación Mary, con la que aspiraba a independizarse de su jefe, y ganarse la vida por su cuenta. Para estrenarlo, el clan familiar planea un viaje al Triángulo de las Bermudas, acompañados de Mike, ayudante de David, y Tommy, joven conflictivo a quien los Greer han acogido y que ha iniciado un romance con la hija mayor, Lindsey. Pronto empiezan a sufrir pesadillas y ocurren incidentes alarmantes. Segundo largometraje como realizador tras la poco conocida Megan is Missing de Michael Goi, nominado cuatro veces a los Emmy como director de fotografía por las series Mi nombre es Earl, Glee, y dos veces por American Horror Story. Parte de un guión que refleja poca voluntad de lograr algo de calado, así como de dar un mínimo de originalidad a los numerosos clichés del género fantaterrorífico que recoge. El film podría definirse como El resplandor en un barco en lugar de un hotel, con toques de Christine, con navío en vez de automóvil malvado. Para disimular que el libreto hace aguas, el timonel recurre a sustos facilones o 'jumpscares', que no logran que se pase por alto la sensación de que la historia no llega a buen puerto, y de que la corta travesía de 84 minutos de metraje se haga larga. Al parecer, estuvo a punto de encabezar el reparto Nicolas Cage, lo que hubiera derivado en un naufragio absoluto, a juzgar por sus últimos trabajos. El tal Goi ha tenido la inmensa suerte de contar al final con una tripulación mejor, encabezada por Gary Oldman, que eleva por sí mismo la calidad de la cinta, pese a que su personaje es una especie de versión caricaturesca del capitán Achab, obsesionado con seguir adelante en su viaje marítimo, ocurra lo que ocurra, en este caso porque lo identifica con un cambio radical en su vida. Tiene a su lado a otra excepcional actriz, Emily Mortimer, y a las jóvenes Stefanie Scott (Insidious. Capítulo 3) y Chloe Perrin (Jurassic World), que dan el pego.

5/10
Head Full of Honey

2018 | Head Full of Honey

El regreso de Mary Poppins

2018 | Mary Poppins Returns

Memorable continuación del musical disneyano de 1964 Mary Poppins, basado en los cuentos clásicos de P.L. Travers, y cuya gestación y permiso de su traslación al cine a Walt Disney narró el film Al encuentro de Mr. Banks. La trama se sitúa años después, en la época de la Depresión en Londres, con Jane y Michael Banks ya adultos. Ella sigue soltera y es activista de los derechos civiles, ayudando a los más desfavorecidos, mientras que él es viudo y padre de tres hijos, Anabel, John y Georgie, su esposa murió hace un año. La familia Banks corre peligro de quedarse sin su maravillosa casa en la Calle de los Cerezos, las deudas apremian, y el documento que podría salvarles, un certificado de acciones del banco donde Michael trabaja, está en paradero desconocido. Por suerte, sopla viento del este, y se presenta en el hogar de los Banks la entrañable niñera Mary Poppins, dispuesta a traer un poco de orden y fe en la afligida familia. Le ayuda en la tarea Jack, un farolero. Resultaba complicado salir airosos de la empresa de retomar las aventuras de Mary Poppins, pero Rob Marshall, que ya firmó el musical Chicago, lo logra de sobras, con un inspirado guión de David Magee, en el que han intervenido él mismo y el productor John DeLuca. Gran parte del acierto estriba en ceñirse a las claves maestras del original, con numerosos guiños y jugando la carta de la nostalgia, un poco al estilo de lo que hizo J.J. Abrams con La guerra de las galaxias, de modo que estamos como en casa, en un universo reconocible y cercano. Emily Blunt toma el relevo de Julie Andrews, y su Mary Poppins es fantástica, conservando su aire coqueto y vanidoso de quien se mira al espejo, a la vez que sus típicas respuestas tajantes, su aire travieso, y su sincera preocupación por ayudar a los Banks. La trama está bien vertebrada con la excusa argumental de procurar la salvación de la casa de los Banks, lo que sirve para abordar temas con enjundia, que propician inspiradas canciones, que de nuevo tratan de alinearse con las conocidas del film previo: la añoranza de la esposa y madre ausente, que sigue con ellos, una luz en la oscuridad, la imaginación y la fe capaces de sobreponerse a lógica racionalista, y que pueden lograr lo imposible, no hay que guiarse por las apariencias, los libros no son sólo su cubierta, hay que ver desde diversas perspectivas, tener la mente abierta, etc, etc. Tanto en su versión original, como dobladas al español, las canciones suenan estupendamente. Son magníficas la partitura musical y las canciones de Marc Shaiman y Scott Wittman, y destacan las imaginativas coreografías, por ejemplo con los faroleros tomando el relevo de los deshonilladores, y ya sea en el mar o en aire, la magia está ahí en todo momento, incluidos los trepidantes pasajes que combinan actores reales y animación. El conjunto del reparto está sensacional, incluido Lin-Manuel Miranda, que triunfó en el musical "Hamilton", y que puede decirse que ha llegado al cine para quedarse, o así debería ser. Resulta además una gozada descubrir a algún actor del original, y ver que todos los personajes están mimados, incluido el villano de Colin Firth.

8/10
La librería

2017 | The Bookshop

Una encantadora película, adaptación de la novela homónima de Penelope Fitzgerald, que habla de modo tremendamente original y desde una óptica femenina del amor por los libros. Resulta muy apropiado que también sea una mujer directora de cine, la española Isabel Coixet, la que haya hecho la correspondiente traslación a la pantalla. Contiene bastantes elementos autobiográficos de la propia autora, como su trabajo en una librería y su dedicación a los libros tras quedar viuda de un antiguo soldado de la Segunda Guerra Mundial. En efecto, la protagonista, Florence Green, acaba de recalar en Hardborough, un pueblecito británico costero, con un sorprendente plan: restaurar un histórico edificio local y convertirlo en librería, la primera del lugar. Viuda y sin hijos, sabe que los libros son lugares en los que es posible habitar, y que hacen formidable compañía, y querría compartir esa pasión con sus nuevos vecinos. No va a ser tarea fácil, pues aparte de los escasos hábitos de lectura allí existentes, Violet Garmet, una de las fuerzas vivas del lugar, tiene otros planes, como la apertura de un centro cultural, y ve en la recién llegada a una rival que debería cederle el local y plegarse a sus ideas. Esta mujer y otros lugareños, como Milo North, un insustancial periodista de la BBC, van a poner las cosas difíciles a Florence, que en cambio puede que encuentre un aliado en el taciturno señor Brandish, gran lector, pero que vive recluido en su caserón. Aunque el planteamiento puede ser un poco naif, y el final algo brusco, la película de Coixet funciona en líneas generales como fábula sobre las dificultades para integrarse en una comunidad cerrada que excluye a los que no se pliegan a ciertos modos de funcionar. Tiene momentos realmente encantadores, sobre todo gracias al audaz corazón de oro de Florence, una bondadosa mujer con gran fuerza de voluntad y fibra moral a prueba de bombas, estén a la altura o no de la confianza que deposita en sus vecinos, nunca les responderá con vileza; Emily Mortimer sabe encarnar con convicción estos valores, un auténtico coraje que no dejará indiferentes a Violet -Patricia Clarkson prueba lo gran actriz que es al no convertirla en personaje de cartón piedra-, Milo o el señor Brandish -magnífico Bill Nighy-, o a la niña que echa una mano en la tienda por las tardes. Se habría agradecido una mejor integración de la pasión los libros en la narración, aunque se citan algunos autores, sólo dos tienen auténtico peso específico, Ray Bradbury y sus famosas obras de anticipación, y Vladimir Nabokov con su escandola “Lolita”, y si el espectador no sabe de qué van no entenderá su inclusión en la trama. De todos modos sí tiene encanto esa selección y recomendación de libros, y la petición de consejo, que hace pensar en otra película basada en una novela sobre amor a los libros, La carta final, que adaptaba “84 Charing Cross Road”, la novela de otra escritora, Helene Hanff.

6/10
The Party

2017 | The Party

Inspirada tragicomedia minimalista de breve duración, rodada en un único espacio, con los medios justos y en blanco y negro, que con sólo siete actores podía ser perfectamente una obra de teatro. En su interior se encierran hábilmente muchos de los males propios de la postmodernidad, Sally Potter sabe sacar todo el jugo a su propuesta. Janet acaba de recibir el nombramiento de ministra, y ha organizado una fiesta en su casa con sus más íntimos. Lo que debería ser motivo de alegría, no parece serlo tanto para su marido Bill, que exhibe un aire taciturno y no para de beber. Entretanto Tom, banquero, se ha adelantado a su esposa y se muestra inquieto, además de que ha venido a la celebración pertrechado con una pistola. Martha y Jinny son una pareja lesbiana, aunque la primera es mayor que la segunda, quien sometida a fecundación in vitro, espera trillizos. Finalmente está la cínica April, que ha venido acompañado de su novio Gottfried, una especie de gurú partidario de la medicina alternativa. A lo largo de una trama que empieza con un misterioso plano, que sólo se entiende al final, seguimos a unos personajes talluditos, existencialmente insatisfechos, que buscan mejorar el mundo, pero que tal vez deberían empezar por mejorar ellos personalmente, y para ello creer que son capaces de hacerlo, más allá del postureo cínico al uso. De modo que temas como la amistad, el matrimonio, la fidelidad, el trabajo, el amor, la maternidad, las adicciones, la violencia, se plantean de modo vertiginoso, mostrando lo patéticas que pueden ser las personas, al ver la paja en el ojo ajeno y no ver la viga en el propio. El estupendo reparto -Kristin Scott Thomas, Timothy Spall, Patricia Clarkson, Cillian Murphy, Emily Mortimer, Cherry Jones y Bruno Ganz-, se hace enseguida con sus personajes, y disfrutan de una sencilla función que no aporta soluciones a los problemas, pero que hace pensar mostrando desnudo al emperador presuntamente vestido.

6/10
El sentido de un final

2017 | The Sense of an Ending

Tony Webster es un tipo jubilado y solitario, que regenta una tiendecita de cámaras fotográficas Leika de segunda humana. Divorciado, con una hija embarazada que quiere ser madre en solitario, acepta a regañadientes acompañarla a sesiones prenatales que suponen algo parecido a un incordio. Su organizada vida sufre una sacudida cuando recibe una carta que le obliga a repensar su pasado, el amor de su juventud Veronica, y la relación de camaradería juvenil con varios amigos, entre ellos el recién llegado Adrian Finn, que supone un desafío intelectual, también para su profesor, cuando plantea cuestiones como la posibilidad real de escribir historia, o que, siguiendo a Albert Camus, “la única cuestión filosófica seria es la del suicidio”. Adaptación de la novela homónima de Julian Barnes, galardonada con el Booker Prize en 2011, y que ha sido convertida en guión por el autor teatral Nick Payne, que prestó su talento dramático al apuntalamiento de los libretos de la celebrada serie televisiva The Crown. Frente a la estructura de la obra original, dos partes, la juventud y la senectud sacudida por la carta que revela la existencia de un misterioso diario, se ha optado con inteligencia por alternar el presente con adecuados flashbacks que permiten incidir en la juventud de Tony Webster. En tal sentido tiene fuerza el tono evocador de la época estudiantil, en que uno se hace las grandes preguntas y todo se vive con más intensidad, aunque quizá ese amor juvenil por Veronica y cierta atracción por la madre Sarah queda un tanto desdibujado, si bien es cierto que los simples trazos recogidos sirven para hacerse cargo de una mezcla de timidez, morbo y frustración. En cualquier caso el director indio Ritesh Batra, que mostró sensibilidad para atrapar el mundo interior de sus personajes en The Lunchbox, se las compone para manejar bien las idas y venidas en el tiempo, y bucear en el alma del protagonista, obligado a mirar a su propia historia y a no conformarse con un simple recuerdo más o menos enterrado, sino a afrontarlo, digerirlo, es necesario cicatrizar heridas, madurar, saber ver más allá de las propias narices, para vivir el aquí y ahora, encontrar sentido, aunque sea, como reza el título, al final. La película se beneficia de una gran interpretación de Jim Broadbent en el rol protagonista, que sabe dotar a su egocéntrico personaje de humanidad, crear empatía aunque sus defectos y miedos sean patentes. Todos los demás actores están muy bien, pero está claro que de algún modo giran alrededor de él, es a Tony a quien le toca crecer, hacer su particular viaje interior para luego poder mirar con paz al exterior, a las personas que le rodean.

6/10
Spectral

2016 | Spectral

Cinta de acción bélica y distópica bastante insípida, a pesar de la parafernalia de acción sin fin en que consiste. Transcurre en un futuro no muy lejano, en Europa, parece que en Moldavia, donde hay una cruenta guerra, se supone que entre las fuerzas gubernamentales y cierta insurgencia, y en la que el ejército de Estados Unidos también actúa sobre el terreno. En el combate una cámara registra que se están enfrentado a un enemigo que nadie diría que pueda existir: anomalías paranormales, nada menos. Así que se traen a un experto en armamento, Clyne, para que les diga si eso tiene alguna explicación científica-ingenieril para hacer frente a la amenaza. Acción aturullada con los espectros a que alude el título, personaje poco dibujados, algunos caprichosamente introducidos, como un par de niños. La película dirigida por el desconocido debutante Nic Mathieu no llega a la categoría que se le debe exigir, de una buena serie B. Pese a unos efectos y un reparto apañado, el trío compuesto por James Badge Dale, Emily Mortimer y Bruce Greenwood, la cosa no se sostiene, imposible suspender la incredulidad que despierta toda la trama. El hecho de que Universal terminara por no distribuirla en salas de cine, y fuera adquirida finalmente por Netflix termina de confirma la impresión de producto fallido.

4/10
Ten Thousand Saints

2015 | Ten Thousand Saints

Ladygrey

2015 | Ladygrey

The Newsroom (3ª temporada)

2014 | The Newsroom | Serie TV

Will McAvoy y MacKenzie McHale andan de preparativos para su boda, pero la actualidad informativa manda, y durante varios días apenas dormirán por la necesidad de cubrir informativamente el atentado en la maratón de Boston del 15 de abril de 2013, siendo muy cuidadosos en lo que emiten, tras el escándalo Genova, donde metieron la pata hasta el fondo. La ACN sigue con problemas de audiencia, y una empresa podría pensar en comprar la cadena. Quizá aumente el número de espectadores la filtración de un montón de dossieres secretos del gobierno, que llegan a manos de Neal Sampat, pero ante la posibilidad de un delito de espionaje, el FBI irrumpirá en las oficinas del canal televisivo. Tercera y última temporada de The Newsroom, donde se nota de nuevo la buena mano de Aaron Sorkin, que construye historias sólidas sobre el mundo de la información televisiva, cruzando la realidad noticiable reciente con la ficción de la cadena y los que trabajan en ella. Buenos diálogos, a los que corresponden buenas interpretaciones, más interesantes dilemas éticos y elementos como la pujante fuerza de las redes sociales, las nuevas tecnologías, y una trama inspirada en Snowden, configuran una serie sólida, que se ve con gusto.

6/10
The Newsroom (2ª temporada)

2013 | The Newsroom | Serie TV

Después de haber ofendido al Tea Party y a los republicanos -aunque él mismo se declara de ese partido- Will McAvoy y su televisión, la ACN, sufren un boicot, lo que se nota especialmente a la hora de acceder a información en la campaña para designar al candidato presidencial. Una dudosa operación militar con armas químicas, conocida en clave como Génova, obliga a los miembros del equipo de noticias a conseguir fuentes que la confirmen. La moralidad y legalidad de los drones, o el movimiento "ocupa Wall Street" ocupan la actualidad informativa. Y mientras cada uno sigue con sus problemas sentimentales, Will y Mackenzie con la especialista en chismorreos Nina de por medio, Maggie traumatizada por su estancia en África, y su ruptura con Jim, a la que se suma un vídeo viral en YouTube, etc, etc. Aaron Sorkin sigue demostrando una gran habilidad para la escritura de guiones basados en la actualidad, como demostrara en El ala oeste de la Casa Blanca, con diálogos bien perfilados. Aunque quizá en esta segunda temporada de The Newsroom introduce demasiados elementos próximos al culebrón, y carga las tintas contra todo aquello que huela a conservador, con menos sutileza que en otras ocasiones. En cualquier caso engancha, y saca el máximo partido al inspirado reparto, donde sobresalen Jeff Daniels y el veterano Sam Waterston.

6/10
Doll & Em

2013 | Doll & Em | Serie TV

The Newsroom

2012 | The Newsroom | Serie TV

El reputado guionista Aaron Sorkin (El Ala Oeste de la Casa Blanca, La red social), regresa a la televisión, a una de las grandes por cierto (HBO), para ofrecer un drama sobre el mundo del periodismo en la serie The Newsroom. Protagonizada por unos estupendos Jeff Daniels y Emily Mortimer, los dos sublimes, la serie narra el día a día en una redacción de informativos en la que todo son prisas y la audiencia junto a los intereses empresariales y políticos mandan por encima de la moral y la calidad de información. En este estado de la situación, MacKenzie McHale (Mortimer) llega a la redacción como nueva productora ejecutiva pretendiendo crear unos informativos diferentes donde las historias y la forma de contarlas sea lo que verdaderamente importe. Con un planteamiento tan idealista, especialmente con los tiempos que corren para el periodismo, chirría un poco la voluntad tanto de la productora como del resto del equipo que en seguida aceptan la proposición de hacer algo nuevo, diferente y arriesgado. Pero este inico susceptible de contemplarse con escepticismo, se deja de lado inmediatamente de la mano de unos protagonistas de arrebatodora fuerza, capaces de engatusarte con su decidida forma de actuar. El buque insignia de la cadena, Jeff Daniels que interpreta al presentador estrella Will McAvoy, es un tipo altivo, seguro de sí mismo y que mantuvo en el pasado una relación con su productora. Sorkin nos lo traza perfectamente, al mismo tiempo que abre una veta en su personalidad para acentuar ricos matices, donde es posible, como en todo buen personaje, descubrir vericuetos de su carácter, su lado más positivo y aquellos defectos propios de quien se ha curtido en mil batallas con no pocas heridas. En él llama la atención el cambio, la capacidad de reciclarse en pos de una buena causa relacionada con su pan de cada día. Aunque con ciertas dudas, McAvoy decide seguir la pauta de su compañera para impulsar un giro profesional complejo y que supone un desafío para todos. Y así se convierten en los abanderados de un periodismo diferente, de calidad, cercano a la gente y a los intereses de ésta, que lucha contra los poderes que dominan la sociedad y por supuesto a los medios de comunicación. Con un ritmo frenético, diálogos brillantes, estupendas interpretaciones y la narración de noticias que realmente han ocurrido, The Newsroom se convierte en una propuesta interesante, entretenida y distinta en cada capítulo, en la creación de expectativas y nuevos estímulos.

6/10
Our Idiot Brother

2011 | Our Idiot Brother

La invención de Hugo

2011 | Hugo Cabret

París, tras la Primera Guerra Mundial. El pequeño Hugo Cabret, que ha heredado de su padre el gusto por los inventos, se ha quedado huérfano. Y tras desaparecer su viejo tío borrachín, que se ocupaba del mantenimiento del reloj de la estación de tren, vive solo en la torre, junto a la complicada maquinaria que ayuda a marcar las horas, sin que nadie lo sepa. Toda su ilusión es poner en marcha un autómata que andaba reparando su padre, y que cree que le ayudará a dar un sentido a su vida. Le ayudará Isabelle, que siempre ha deseado vivir una ventura, y se encuentra bajo la tutela de sus padrinos Georges y Jeanne. El viejo Georges regenta una tienda de juguetes mecánicos, de la que de vez en cuando Hugo birla piezas, y está amargado por algún suceso indeterminado del pasado. Imaginativa adaptación de un libro infantil de Brian Selznick -pariente del mítico productor David O. Selznick-, con guión de John Logan, que ya había colaborado con Martin Scorsese en El aviador. Por fin el director italoamericano entrega una película infantil disfrutable por pequeños y grandes –no nos parece que el “ladrillo” Kundun entre en las categorías de “infantil” y “disfrutable”–, su historia de un huérfano al que intenta capturar el lisiado y cuadriculado inspector de la estación, que trata de resolver un enigma atravesando mil aventuras en compañía de una amiga, con la moraleja de encontrar el propio sitio en el mundo, arreglando lo que está roto, está perfectamente servida. Nunca es ñoña y desprende emociones genuinas, tiene magia y el encanto de un relato de Charles Dickens. Además Scorsese asume con La invención de Hugo el reto de rodar una película en 3D, y lo hace con brillantez, sacando todo el partido al formato, de modo que la deslumbrante imaginería –maravilloso diseño de producción de Dante Ferretti– luce en todo su esplendor, el apartado visual del que es responsable el director de fotografía Robert Richardson resulta deslumbrante, y la música de Howard Shore acompaña muy bien. El cineasta se suma al selecto grupo de colegas –James Cameron, Wim Wenders, Werner Herzog...– que sí saben utilizar la tridimensionalidad en sus historias, lo suyo no es la simple excusa de otros para que la productora haga más “caja”. Destaca el partido que se saca al tren que quiere salirse de la pantalla, guiño a los Lumière, pero también en los planos picados y contrapicados, e incluso en algunos primeros planos, y ello de un modo nada artificial, justificado por lo que se está contando. El ritmo es muy dinámico, no en balde colabora por enésima vez con Scorsese en el capítulo de montaje Thelma Schoonmaker Scorsese es un estudioso del cine, que ha publicado libros y hecho documentales para llamar la atención sobre los grandes maestros del Séptimo Arte, desconocidos con demasiada frecuencia por el gran público. Ahora suma a tal faceta este film que rescata a grandes genios del cine mudo del olvido, ahí está presente como personaje el gran mago y pionero del cine francés, Georges Méliès, a cuyos logros se rinde homenaje, pero también, aparte de los mentados hermanos Lumière, Harold Lloyd, Charles Chaplin, etc. Una magnífica pedagogía de los orígenes del cine, en forma de entrañable película familiar. Acierta el director en el reparto de La invención de Hugo. Los chavales protagonistas resultan encantadores, mientras que Ben Kingsley, que ya hizo a un eficaz Faggins en el Oliver Twist (2005) de Roman Polanski, encaja muy bien como el cascarrabias Georges. No es cuestión de hacer aquí el repaso completo de los actores secundarios, pero merece la pena destacar las composiciones de Sacha Baron Cohen y Emily Mortimer, su delicada historia de amor da pie a un par de escenas memorables. Puestos a poner un “pero” al film, podemos decir que el secreto del estado de decaimiento de Georges no encuentra una explicación plenamente satisfactoria, uno esperaba algo de más calado. Pero en fin, como decía Billy Wilder, “nadie es perfecto”.

8/10
La Pantera Rosa 2

2009 | The Pink Panther 2

El temible ladrón El Tornado ha vuelto a hacer de las suyas. Esta vez no se ha contentado con robar una sola obra de arte, sino que en pocos días se hace con algunos de los tesoros más valiosos de la humanidad, como la Sábana Santa. Como no puede ser de otra manera, El Tornado también roba la Pantera Rosa, la genial joya que trajo de cabeza al inspector Clouseau en la primera entrega de la saga. La indignación por los robos se extiende a nivel mundial, por lo que se forma un “dream team” de investigadores internacionales para detener a El Tornado. Dada la fama adquirida por Clouseau en el anterior capítulo, todos están de acuerdo en que él es el hombre indicado para comandar a lo mejor de lo mejor del mundo de la investigación. Secuela de La Pantera Rosa (2006), donde el inspector Clouseau vuelve a ser ese hombre torpe y ajeno a la realidad, que, sorprendentemente, tiene la virtud de dar siempre con la clave del caso. Esta película sigue la línea de la anterior en cuanto al tipo de humor, algo más picantón e irreverente que el de las cintas que en su día protagonizara Peter Sellers. Steve Martin repite como Clouseau, al igual que sus colegas de la jefatura de policía Jean Reno y Emily Mortimer. Reno vuelve a estar magistral como el buenazo de Ponton. Entre las caras nuevas cabe destacar a John Cleese, que toma el relevo de Kevin Kline como el sufrido inspector jefe Dreyfus. A pesar de su carácter secundario, Cleese consigue ser uno de los personajes más divertidos de la película. Con algo más de presencia nos encontramos a Andy García y Alfred Molina. Están fantásticos como dos de los miembros del “dream team”. Pero la creación de este equipo está relacionado con uno de los aspectos más pesados de la cinta. Si ya es cansino soportar a Clouseau con su peculiar acento francés, Andy García se pasa toda la película hablando con acento italiano. En ocasiones este tema verbal es divertido, pero en la mayoría de los casos resulta extraordinariamente cansino. Quienes disfrutaran con la primera película harán lo propio con ésta. No es para empezar a reír y no parar, pero hay que reconocer que sí que hay varios momentos en los que el espectador soltará una carcajada, como durante el interrogatorio del “dream team” al personaje de Jeremy Irons o en las sesiones de Clouseau con la señora Berenger.

4/10
Asuntos de familia

2009 | City Island

Shutter Island

2009 | Shutter Island

Verano de 1954. Teddy y Chuck, agentes del FBI, acuden a Shutter Island, una apartada isla de la bahía de Boston, donde tiene su sede Ashecliffe, un centro psiquiátrico para criminales peligrosos. La paciente-prisionera Rachel se ha fugado del modo más misterioso, y a pesar de que los guardias han rastreado hasta el último rincón de la isla, no han dado con ella. En realidad la presencia de Teddy en la isla no es casual: él mismo, veterano de la Segunda Guerra Mundial, solicitó que le asignaran el caso, pues sospecha que en ese particular manicomio se realizan experimentos comparables a los perpetrados por los criminales nazis. Inteligente adaptación de la novela de Dennis Lehane a cargo de Martin Scorsese, que maneja un buen guión de Laeta Kalogridis. El título de la filmografía de Marty que más se parece al que nos ocupa tal vez sea El cabo del miedo, pero por fortuna Shutter Island es muy superior. El director italoamericano sabe crear desde el primer momento un ambiente opresivo muy adecuado, a lo que ayudan mucho esos cielos encapotados que anuncian tormenta y los sonidos de la partitura musical. De modo que se desarrollan bien, dentro de una atmósfera gótica con elementos de terror y cine negro, las dudas de dónde radican los límites de locura y cordura que proporcionan nuestros traumas y construcciones mentales, del alcance que puede tener una conspiración de proporciones colosales, del tratamiento que necesita una mente enferma. Hay sorpresas narrativas que no es cuestión de desvelar, preparadas sin trampa ni cartón, y los personajes son sólidos, no hay villanos de opereta ni héroes sin fisuras. Aunque puedan venir a la cabeza enseguida títulos inolvidables de manicomios, como Alguien voló sobre el nido del cuco, el cinéfilo Scorsese menciona otras referencias clásicas que le han guiado en su notable film: El gabinete del doctor Caligari, Laura, Retorno al pasado, El proceso... Sin duda que son influencias que están ahí, aunque también se podrían mencionar títulos de Alfred Hitchcock como Recuerda y De entre los muertos (Vértigo). Se trata de la cuarta ocasión en que trabajan juntos Martin Scorsese y Leonardo DiCaprio. Este último sigue confirmando su estatura interpretativa, su personaje se mueve en un delgadísimo filo de navaja con enorme soltura, su composición está muy matizada. Le apoya un notable reparto, de esos que obligan a quitarse el sombrero.

8/10
Harry Brown

2009 | Harry Brown

Un ex militar viudo lleva una existencia solitaria en un barrio de los suburbios, azotado por el crimen y las drogas. Cuando su mejor amigo es asesinado, decide tomarse la justicia por su mano. Una joven policía tratará de pararle los pies. Interesante ópera prima de Daniel Barber, que sigue el esquema de películas de venganza, como El justiciero de la ciudad, protagonizada por Charles Bronson. Aquí el veterano Michael Caine está acompañado por Emily Mortimer, que se luce como investigadora.

6/10
Cinturón rojo

2008 | Redbelt

Mike, profesor de jiu-jitsu, regenta una academia donde enseña a sus alumnos la teoría y práctica de este arte marcial. Cien por cien comprometido con la filosofía del jiu-jitsu, Mike vive alejado de los combates y lleva una vida basada en el código de honor que aprendió de su maestro. Una serie de desafortunados acontecimientos pondrá patas abajo la vida de Mike. La acuciante falta de dinero le obligará a plantearse la necesidad de cambiar de estilo de vida. David Mamet plantea una interesante y muy atípica película de artes marciales. Tiene elementos básicos del género como el aprendizaje o la lucha hombre a hombre en un clásico combate final, pero quien espere ver una cinta como Karate Kid se llevará un chasco. Cinturón rojo es ante todo un drama. Una reflexión sobre el ser humano, la codicia y la ambición, temas recurrentes en la filmografía de Mamet. Sin embargo, esta cinta sí cumple con el típico “happy end” de las películas de artes marciales pues el mensaje que ofrece es totalmente optimista. El personaje de Mike defiende durante toda la cinta que no hay situación de la que no se pueda escapar y es precisamente esta visión positiva de la vida la que acaba triunfando frente a un mar de maldades. Algo también típico en el cine de Mamet, es que las cosas no sean lo que parecen. Esto también sucede en Cinturón rojo y el espectador deberá estar atento para no perder dato, pues se producen bastantes giros que complican la trama. En el oscuro mundo de los combates, de las estrellas de Hollywood –tema que ya trató en State And Main–, de los clubes nocturnos, etc., brilla de una manera especial Chiwetel Ejiofor, quien interpreta al heroico y quijotesco Mike. Ejiofor está secundado por Joe Mantegna y Rebecca Pidgeon, dos habituales del cine de Mamet. Como dato curioso, añadir que el propio cineasta es cinturón azul de jiu-jitsu.

6/10
Transsiberian

2008 | Transsiberian

El estadounidense Brad Anderson rodó al inicio de su carrera Próxima parada, Wonderland, una comedia dramática de tono amable, y desde entonces sólo rueda thrillers y cintas de terror de lo más desasosegante. Sigue en esa línea oscura su nuevo trabajo, coproducido entre España, Gran Bretaña, Alemania y Lituania. Roy y Jessie, una pareja que ha pasado una temporada en Pekín, decide viajar a Moscú en tren. Aunque sus compañeros de viaje parecen poco recomendables, finalmente conocen a Carlos y Abby, que recorren diversos países, impartiendo clases de inglés y revendiendo objetos. En el tren también viaja el inspector Grinko, un policía ruso que sigue la pista de los asesinos de un traficante de drogas. El español Eduardo Noriega realiza un gran esfuerzo para no desentonar y para que su inglés no resulte ridículo. Emily Mortimer, Kate Mara y Woody Harrelson realizan correctos trabajos, mientras que Ben Kingsley se toma tan en serio su composición de policía ruso que aumenta muchísimo el nivel. Resulta un thriller absorbente por sus giros inesperados, muy bien trazados, que ofrecen realmente la sensación de que nada es lo que parece. Como le ocurría en la citada El maquinista, Anderson sabe trazar una tensa atmósfera, aprovechando al milímetro el sugerente lugar donde transcurre la acción, un tren que atraviesa privilegiados parajes nevados. Pero al igual que en su anterior película, tampoco remata del todo la faena, porque al espectador le cuesta encontrar algún personaje con el que identificarse. Todos tienden hacia la amoralidad o no se sabe muy bien por donde van a salir, por lo que el tono del film es un tanto frío, mientras que el metraje se antoja excesivo.

5/10
Lars y una chica de verdad

2007 | Lars and the Real Girl

Un pueblecito norteamericano. Los hermanos Lars y Gus Lindstrom son vecinos en la casa que heredaron de su padre. Gus, casado con Karin, que está encinta, vive en la casa principal, mientras que Lars ocupa el garaje contiguo. Algo le pasa a Lars, decididamente no es un joven normal. Es extremadamente tímido, y su capacidad mental se diría fronteriza. De modo especial le cuesta el trato con la gente, y concretamente que le toquen. Un día anuncia a su hermano y su cuñada que tiene visita femenina. Se trata de Bianca, que viene de Brasil, quien resulta ser... ¡una muñeca hinchable! En efecto, es una muñeca de ésas que compran en internet pervertidos sexuales para combatir su soledad afectiva; aunque en Lars no hay nada retorcido al respecto, parece creer que se trata de una verdadera persona, o juega a fingirlo. Ante tal tesitura, Lars y Karin se las arreglan para que Lars acuda con Bianca a ver a una amiga doctora. El consejo de ésta es que le sigan la corriente, pues la construcción mental de que Bianca es una persona debe deshacerla el mismo que la creó, o sea, Lars. Como éste es muy querido en el pueblo, sus vecinos y compañeros de trabajo mantendrán la ficción de que Bianca es una mujer de verdad. Una insólita película, de guión ciertamente original, lo que explica la nominación al Oscar en este apartado. Aunque la premisa tenga algo de surrealista, en realidad se emparenta el film con la mejor tradición de la comedia, desde Frank Capra a los amables títulos de la Ealing. El libreto se debe a una guionista curtida hasta ahora en la serie televisiva A dos metros bajo tierra, Nancy Oliver, y su director, Craig Gillespie, es un completo desconocido. Se trata, obviamente, de un cuento a modo de parábola, donde la muñeca Bianca se va a convertir en despertador de los mejores sentimientos de los distintos personajes. El dúo Gillespie-Oliver sortea el serio peligro de caer en el ridículo, la ñoñería o el mal gusto; hay delicadeza y amor a la hora de contar su historia. Ryan Gosling se las arregla para componer a la perfección al ingenuo protagonista, mientras que el resto del reparto le arropa a la perfección, conjugando su bondad con el sufrimiento por no ver reconocidos sus esfuerzos. Hay momentos de intenso dramatismo, entendemos la soledad y el dolor de unos y otros, levemente apuntados; y se incluyen situaciones divertidas, pero apuntadas ligeramente, sin cruzar la frontera de lo grotesco.

6/10
Rockefeller Plaza (2ª temporada)

2007 | 30 Rock | Serie TV

Liz Lemon intenta superar la ruptura con Floyd, su novio. Mantiene un encuentro con Jack Donaghy, que le informa de su nuevo proyecto. Jack se plantea lanzar en antena SeinfeldVision, un programa protagonizado por el famoso Jerry Seinfeld, a través de imágenes de archivo. Pero Seinfeld se ha enterado de sus planes y acude a visitarle. Segunda entrega de una de las comedias más exitosas y premiadas. Tiene más protagonismo Kenneth Parcell, chico para todo y botones de la cadena, interpretado por Jack McBrayer (Arrested Development).

6/10
¡Vaya caos!

2007 | Chaos Theory

Frank es un tipo muy muy muy ordenado. Hace listas para todo, incluso hace listas para organizar esas listas iniciales. Su vida está completamente programada y él está encantado con ello. Pero un día, su puntualidad y organización fallan y llega 10 minutos al trabajo. Parece que su ordenada vida se acaba de derrumbar. Simpática comedia protagonizada por Ryan Reynolds, el cual en este título demostró sus dotes para este género, que repitió con posterioridad en películas como La proposición. El guión le saca mucho jugo a la idea de que un acto nimio puede tener una gran repercusión.

5/10
La Pantera Rosa (2006)

2006 | The Pink Panther

La Pantera Rosa es un anillo de diamantes de inestimable valor, propiedad de Yves Gluant, entrenador de la selección francesa de fútbol. En el transcurso de un partido contra China, Yves es alcanzado por un dardo venenoso que le causa la muerte. Durante la confusión que sigue al suceso, la Pantera Rosa desaparece de forma enigmática. Ante la enorme repercusión del caso, el inspector Dreyfuss teme que los medios de comunicación distraigan demasiado a los policías que ha enviado a investigar. Así que para desviar la atención de los periodistas, les hace creer que el encargado del caso es el inspector Clouseau, el peor agente del cuerpo. Éste ignora su papel de cortina de humo y tratará de resolver el caso. Aunque es bastante idiota, con ayuda del gendarme Ponton y la secretaria Nicole, y de bastante suerte, Clouseau se acerca al culpable. Adaptación libre del famoso film protagonizado por Peter Sellers, cuyo rostro permanecía inalterable aunque el mundo se derrumbara a su alrededor. Sustituirle era el reto más difícil. El elegido ha sido Steve Martin, cómico de estilo muy diferente, exagerado e histriónico, frente a la contención de Sellers, y que también es coautor del guión. La dirección ha recaído en Shawn Levy, que dirigiera a Martin en la comedia Doce en casa. El humor es más chabacano que el de la cinta original, en concordancia con los tiempos que corren. Lo mejor, los títulos de crédito, que muestran a la Pantera Rosa animada, el tema musical clásico de Henry Mancini, y algún que otro gag como cuando el protagonista pronuncia la palabra ‘hamburguesa’ con acento americano.

4/10
Paris, je t'aime

2006 | Paris, je t'aime

Mosaico formado por dieciocho historias cortas, rodadas por cineastas excepcionales, que giran en torno al amor. Cada una transcurre en un barrio de París diferente, que sirve como título a cada segmento. El principal escollo es que los cineastas tienen entre cinco y seis minutos por corto, lo que supone un reto para muchos de ellos, acostumbrados a desarrollar sus historias. Sintetizar un relato no es tarea fácil, menos en el cine moderno, en el que por ejemplo son necesarias tres horas de King Kong para contar lo mismo que la película clásica, de 100 minutos. Esta dificultad deriva en que pocos de los autores son capaces de desarrollar una historia de entidad, y los que salen mejor parados son en su mayor parte los que se decantan por narrar una anecdotilla. Es el caso de Joel y Ethan Coen, que mezclan suspense y comedia en ‘Tuileries’, aunque no muestran París, pues transcurre en su totalidad en la estación de metro. Steve Buscemi interpreta a un turista que descubre a una pareja magreándose en el andén de enfrente, lo que causará imprevistas reacciones de los observados. Tiene también su gracia ‘Tour Eiffel’, en la que Sylvain Chomet reivindica el derecho a la diversidad, a través de la historia de amor de dos mimos. Isabel Coixet realiza su primera incursión en el género cómico, pues en ‘Bastille’ parodia sus propios dramones lacrimógenos, a través de la historia de un hombre a punto de dejar a su mujer por una amante más joven. Resulta al menos curiosa ‘Père Lachaise’, en la que el especialista en terror Wes Craven  cuenta con simpatía la visita de una pareja a la tumba de Oscar Wilde. El propio Craven interviene brevemente como actor en ‘Quartier de la Madeleine’, donde Vincenzo Natali convierte a Elijah Wood en protagonista de una historia de vampiros. Esto no significa que no hayan tenido éxito algunos cineastas que han optado por la vía dramática. Destaca Gurinder Chadha, con ‘Quais de Seine’, que apunta con pocos trazos una historia de amor interracial. En ‘Loin du 16ème’, los brasileños Walter Salles y Daniela Thomas han elegido una entrañable historia de amor maternal, recordando que el amor puede ser de diferentes clases. Frédéric Auburtin se ha encargado de rodar imágenes de París, que sirven de transición entre los cortos, y de ‘Quartier Latin’, homenaje al cine de John Cassavetes, con dos de los actores habituales del neoyorquino, su esposa Gena Rowlands y Ben Gazzara. Como en todos los trabajos colectivos, es inevitable que el nivel sea desigual. Desentonan parcialmente algunos pasajes, como ‘Porte de Choisy’, relato surrealista en torno a unas peluquerías chinas. Lo mismo le ocurre a ‘Le Marais’, pues a pesar de la fuerza visual de Gus Van Sant, su narración de un encuentro que podría dar lugar a una relación homosexual no acaba de arrancar. 

5/10
Match Point

2005 | Match Point

Terrible y desesperanzada película de Woody Allen, y una muestra al tiempo de su enorme talento. Con aire ‘british’ –quién diría que éste es un film del neoyorquino, aun estando presentes sus temas de siempre– cuenta el ascenso social y caída moral de Chris, joven de extracción humilde que se codeó con la élite del tenis mundial, y que actualmente da clases de este deporte a gente pudiente. Esto le permite introducirse en el círculo de una familia inglesa de clase alta, e incluso integrarse en ella. El problema surge cuando se encapricha de la novia americana del hijo, aspirante a actriz sin futuro. El protagonista, rendido a su belleza, se deja llevar, pero manteniendo las apariencias. Estamos ante el mejor film de la nueva etapa ‘seria’ de Allen, aunque algún pasaje se estire sin necesidad. El reparto, como es norma, está sobresaliente. En su hábil narración, el director y guionista introduce un giro contundente, perfecta maniobra de un mago del cine, al convertir un drama sobre la infidelidad en planificación fría de un crimen: Chris pretende quitar de en medio a quien hasta entonces era objeto de goce, su amante, y que se ha convertido en estorbo para su ordenado mundo perfecto. Así llega el momento cerebral, a lo Raskolnikov de "Crimen y castigo", libro expresamente citado.

7/10
Mi querido Frankie

2004 | Dear Frankie

Pequeña gran película. De elaborada sencillez. Con pocos elementos, suministrados en las dosis precisas, se construye un arranque intrigante que engancha al espectador. ¿Por qué esa mujer joven, con su hijo sordomudo de 10 años Frankie y su madre, huye de pueblo en pueblo? ¿Para qué esas visitas a la oficina de correos? ¿Qué busca la abuela en los anuncios por palabras del periódico? Pero no, no es éste un film de suspense, sino más bien un drama doméstico con toques de comedia, en la línea de Billy Elliott o Los chicos del coro, que llega directo al corazón. Pronto sabemos de la ausencia del padre de familia, marino mercante, a quien Frankie escribe cartas con frecuencia. Y en torno a ese alejamiento, al que supuestamente obliga el trabajo, una madre sobreprotectora ha construido un escenario de falsedades que está a punto de venirse abajo. Pues Frankie ha sabido que el barco de su padre atracará dentro de pocos días justo en el pueblo al que acaban de mudarse. Con un esquema de simulación parecido al de Good Bye, Lenin!, la ‘bola de nieve’ del fingimiento engorda, y vemos que las buenas intenciones no compensan el alejamiento de la realidad. Ya se sabe, sólo la verdad nos hace libres. Con una puesta en escena sin complicaciones, la desconocida Shona Auerbach lleva a buen puerto la película. Las cartas de Frankie dan voz a su sordomudez, su presencia en off no cansa. Y sus silencios son más elocuentes que cualquier parrafada, nos recuerdan que hubo un tiempo en que el cine carecía de voz. Los personajes están mimados, la directora se toma su tiempo para que conozcamos sus inseguridades (la madre, la abuela), su buen corazón (la amiga del bar, el desconocido marino) e incluso su crueldad (el compañero de clase). Poner el acento en las notas disonantes (la figura del padre, el desenlace que multiplica por dos el juego de las simulaciones) sería injusto en un inspirado film, que rebosa humanidad por todos sus poros.

8/10
Young Adam

2003 | Young Adam

Uno de esos filmes que dejan mal cuerpo. Glasgow, años 50. El joven Joe trabaja para un matrimonio con un hijo, que transportan mercancía en una barcaza del río. El cadáver de una mujer aparece flotando en las aguas. Quizá tras el rostro amable de Joe, que tiene una aventura con la mujer del arisco jefe, se esconda una cabeza un tanto loca. Basándose en la novela de Alexander Trocchi, David Mackenzie hace una inquietante descripción de tipos humanos y aprovecha un buen reparto: el psicópata ‘simpático’, el marido machista y borrachín, la esposa insatisfecha.

3/10
Una mujer para dos hermanos

2003 | A Foreign Affair

Después de morir su madre, dos hermanos ya adultos, que siempre han vivido pegados a su falda, están como desamparados. Necesita una mujer que atienda sus necesidades doméstica, y no tienen mejor idea que viajar a San Petersburgo, con ayuda de una agencia internacional, para dar con esa mujer idea. El viaje cambiará de modo radical el carácter de los dos hermanos, mientras una documentalista se interesa por contar su caso. Como se ve, el film se inspira en la idea poco romántica, pero a veces efectiva, de buscar esposa a través de una agencia.

4/10
Escándalo con clase

2003 | Bright Young Things

Adam es un escritor que está pasando una racha económica muy mala. Esta situación le impide casarse con Nina. La joven está enamorada de él, pero también lo está del lujo y de las fiestas de postín, por lo que el matrimonio es inviable hasta que Adam tenga dinero. Pero el escritor está dispuesto a intentarlo todo para conseguir costear los carísimos gustos de su amada. Debut tras las cámaras del brillante actor inglés Stephen Fry, quien se reserva un pequeño papel en la historia.

5/10
El lenguaje de los sueños

2003 | The Sleeping Dictionary

A comienzos del siglo XX, un británico acude al Borneo malayo para educar a los nativos según la costumbre. Allí se queda prendado de una nativa de una importante tribu de cazadores. Aunque en un principio se separan al saber que se trata de un amor prohibido, con el tiempo no podrán evitar reunirse y reanudar su pasión amorosa. El amor pasional en lugares exóticos es un viejo tema cinematográfico, de gran tirón popular, aunque se corre el riesgo de caer en el tópico. Aquí la historia, un poquito exacerbada y subida de tono, funciona medianamente gracias al elenco de jóvenes actores, como Hugh Dancy (Disparando a perros) y Jessica Alba (Despierto), y de veteranos como Bob Hoskins y Brenda Blethyn. Dirige el inglés Guy Jenkin (Cambiar de bando).

4/10
Lovely & Amazing

2001 | Lovely & Amazing

Jane es una mujer madura madre de tres hijas. Cada una de ellas tiene su propia personalidad, son muy distintas e incluso la edad separa a dos de ellas con la benjamina. Todas parecen estar pasando por momentos algo difíciles y tienen en común la búsqueda de redención en la que será determinante la curiosidad y ganas de vivir de la pequeña. Típica comedia dramática con un toque existencialista de la gran dama del cine independiente Nicole Holofcener. Esta cineasta no suele ofrecer soluciones, sino que opta más bien por plantear las situaciones para que el espectador saque sus propias conclusiones, lo que en ocasiones hace que sus películas parezcan poco esperanzadoras.

5/10
Negocios sucios

2001 | The 51st State

Un químico muy colgado da con la fórmula de la nueva droga de diseño. Y espera sacar una buena tajada de su "invento". Comedia de acción servida por un especialista, el cineasta de Hong Kong: Ronny Yu. El resultado es entretenido, gracias también al conocido reparto.

5/10
Trabajos de amor perdidos

2000 | Love's Labour's Lost

Kenneth Branagh muestra audacia al adaptar esta obra de Shakespeare porque: 1) Es una comedia menor, poco conocida; 2) La ha convertido en un musical que transcurre en el siglo XX, con el peligro de que puristas e historiadores se tiren de los pelos; y 3) Ese musical bebe en los clásicos del género, por lo que puede sonar anticuado para el espectador joven. Pues bien, Branagh juega bien sus bazas: cree en lo que hace y ama el material que tiene entre manos. El film sigue la pista a un grupo formado por el rey de Navarra y tres consejeros, que han jurado solemnemente no tratar con mujeres durante tres años, para dedicarse a fondo al estudio de los asuntos de su país. Esta idea mínima, que conecta con la inmortal Bola de fuego de Howard Hawks, es suficiente para urdir un enredo repleto de frases brillantes, y en el que Branagh logra una especie de milagro: las canciones, todas existentes previamente y muy conocidas, encajan; no desentonan con el texto de la obra original. Tenemos un puñado de buenas interpretaciones en un film sin protagonistas absolutos. Quizá destaca en el conjunto Timothy Spall, en el papel de gracioso español. Los actores no son profesionales de la música y la danza. Pero se aplican a la tarea lo mejor que saben, y no salen mal parados. Quizá porque Branagh no pierde de vista que, lo que más le interesa, es el texto de Shakespeare. Con todas las audacias formales que se quieran, pero siempre al servicio de la historia original.

6/10
Scream 3

2000 | Scream 3

Estamos en Hollywood. Se está rodando Stab 3, una película basada en los terribles asesinatos del asesino de la máscara, de los cuales fue protagonista involuntaria Sidney Prescott; el sheriff Dewey trabaja como asesor técnico del film. Lo que parece una película más de las que la “fábrica de sueños” confecciona como churros se convierte en el escenario de nuevos crímenes. Allí acudirán viejos conocidos como la periodista televisiva Gale; o la mismísima Sidney, que aunque se había aislado en el campo, no puede rechazar el inevitable enfrentamiento con sus demonios interiores. Wes Craven (esta vez sin Kevin Williamson en el guión) riza el rizo con la entrega final de la trilogía Scream. La fórmula de sustos, aderezados con algún pasaje humorístico, sigue demostrando su buena forma. Craven no duda en asegurar que “se trata de una película bastante retorcida”; desde luego, el director sigue ese juego realidad-ficción que tan buenos resultados le dio en Scream 2 y Pesadilla en Elm Street.

4/10
The Kid (El chico)

2000 | The Kid

El éxito de Russ Duritz (Bruce Willis) muchos lo querrían tener. Triunfador en su profesión de asesor de imagen, tiene el crédito de sus clientes y un alto estatus social. Pero todo es simple apariencia. Su vida interior naufraga, aunque no quiera reconocerlo. La “burbuja” donde se recluye lo aísla del contacto amable con los demás. Todo en él es arisco, desagradable e incluso cruel con quienes muestran sus sentimientos. Pero esa “burbuja” estalla cuando un niño irrumpe en su cotidiana y “triste” existencia, para ponérsela patas arriba hasta hacerle cambiar. Lo increíble es que ese chico es él mismo con ocho años. La catarsis del protagonista adulto es construida en clave de comedia, con situaciones de enredo y estupendos diálogos. Y se ilustra con la presencia de un “Pepito Grillo” tan ingenuo como lo puede ser cualquier crío y, al mismo tiempo, tremendamente divertido y sensible. Spencer Breslin es Rusty, el alter ego infantil de Bruce Willis, el espejo limpio donde mirarse para deshacer su condición de “pringado” y recuperar la ilusión de lo que siempre quiso ser: piloto. Tras la cámara, Jon Turteltaub esboza adecuadamente la sonrisa dulce (que no dulzona) y amable en los espectadores, igual que hizo en Mientras dormías. También provoca la risa libre de compromisos y auténtica. Con sentido de la oportunidad introduce los puntos de inflexión románticos e interpela al corazón al más puro estilo Frank Capra. “Como cineasta tenía la necesidad de trabajar en una pelÌcula que fuera de lo más honesta y revelara mejor lo que yo soy “, dice Turteltaub. A la pregunta de qué pasaría si un adulto se encontrase consigo mismo de niño, da respuesta e imaginación la guionista Audrey Wells. Bruce Willis lo traduce en pantalla con una interpretación ajustada, gracias a una vis cómica de la mejor escuela y sin aspavientos. Hace creíble cómo el niño que lleva dentro sale a flote (“fue un incentivo para mí”), y también el amor, al cual había dado cerrojo y que Amy (Emily Mortimer) consigue finalmente abrir. Mención aparte es el talento del gordito protagonista de medio metro, Spencer Breslin: el niño perfecto para dar réplica al cínico cascarrabias de Willis.

6/10
El arca de Noé (1999)

1999 | Noah's Ark

John Irvin (Un mes en el lago) cuenta la historia del patriarca Noé, recogida en la Biblia, en el libro del Génesis. Debido a los pecados de la humanidad, Dios va a castigarla con el diluvio. Noé se embarca, son su familia y una pareja de cada especie animal, en un arca. Aceptable telefilm donde destaca en el reparto el veterano Jon Voight, que da vida a Noé.

5/10
Notting Hill

1999 | Notting Hill

William es el dueño de una tienda de libros de viajes en Londres, en el barrio de Notting Hill. Un día entra a la tienda Anna Scott, actriz hiperfamosa de Hollywood, pero a la que el poco cinéfilo William no reconoce. Lo que sí surge es el flechazo instantáneo. Pero cortejar a una persona tan famosa, que no puede dar dos pasos sin que le asalten los admiradores, resulta ser bastante complicado. Pese a todo Anna se siente atraída por el torpe y tímido William: disfruta visitando el piso que comparte con el inefable Spike, o tratando con gente normal, como son los familiares de William. ¿Será posible este amor entre un desconocido y una estrella, carne de cañón para columnas de cotilleo y paparazzi desaprensivos? Esta película es una verdadera delicia, en la tradición de las mejores comedias de Hollywood tipo Historias de Filadelfia. Hay lugar para el humor, servido con ingenio. Tenemos una historia de amor atractiva, en la que tienen fiel reflejo las distintas dificultades a superar. Y contamos con dos actorazos como la copa de un pino: Julia Roberts, a la que bien podríamos calificar como la Katharine Hepburn de nuestro tiempo, y Hugh Grant, que trata de seguir los pasos de un James Stewart o un Cary Grant. El guión es de Richard Curtis (que dio el golpe en su día con Cuatro bodas y un funeral) y la dirección la acomete Roger Michell (Titanic Town, Persuasión). A las muchas y divertidas situaciones del film se ha sumado el descubrimiento del actor Rhys Ifans, que da vida a Spike, el cutre y maloliente compañero de piso de Hugh Grant, quien pese a su aspecto externo tiene buen corazón.

7/10
Elizabeth

1998 | Elizabeth

El film del director indio Shekhar Kapur especula con la vida sentimental de Elizabeth, dándole un "toque oriental". Fue conocida como "la reina virgen" y, desde luego, nunca se casó. Pero antes de tomar tal decisión, para dedicarse a gobernar, ¿tuvo alguna aventura sentimental? Lapur y su guionista, Michael Hirst, piensan que sí; y además, bastante tórrida. La historia, en este punto, parece darles la razón. La reconstrucción ambiental de la película es de primera clase. Pero, en la precisión histórica, el film se toma algunas libertades. No sólo en la vida amorosa de la reina, sino en las diversas intrigas políticas, y en las diferencias entre anglicanos y católicos. Para imprimir un aire de conspiración al film, Kapur ha convertido a la cámara en el "principal conspirador": "se mueve como una serpiente, siempre lista para atacar". El éxito del film en Estados Unidos ha sorprendido a sus productores británicos. No sólo ha valido un Globo de Oro a su actriz principal, Cate Blanchett, sino que la película ha obtenido 7 candidaturas a los Oscar, incluida la de mejor película.

6/10
El santo (1997)

1997 | The Saint

Simon Templar (Val Kilmer) es El Santo. Se apoda así por la infinita cantidad de identidades, tantas como santos existen en el santoral, que puede adquirir. Es el maestro de la sofistificación y la efectividad en el mundo del espionaje y del contraespionaje. Tiene unos nervios de acero y sabe salir airoso de cualquier situación. En su nueva misión, acude a Rusia con una atractiva y misteriosa acompañante, la doctora Emma Russell. Ambos deben luchar contra la temible mafia rusa, y El Santo tendrá que utilizar todas sus tretas para salvar la vida de ambos. Película basada en la archiconocida serie televisiva norteamericana de los años 60. Se trata de una entretenida película de acción, qué duda cabe, ambientada en el oscuro mundo del espionaje y con un bien logrado sentido del humor. Por supuesto, el romance tiene su importante presencia, gracias a Elisabeth Shue. La famosa melodía de la serie es aquí tratada en versión moderna por el grupo Orbital.

4/10
Los demonios de la noche

1996 | The Ghost and the Darkness

1896, en el corazón de Africa. Remington (Michael Douglas) es un experimentado cazador que se une al ingeniero Patterson (Val Kilmer), para cumplir una arriesgada misión. Dos fieros leones tienen paralizada la construcción del ferrocarril, y están sembrando el pánico en la región. Remington y Patterson deben detenerlos con cualquier medio. Pero las fieras parecen tener una aguda inteligencia, y son capaces de esquivar las trampas y adivinar las emboscadas. Aunque son dos cazadores implacables, Remington y Patterson se han convertido esta vez en la presa. Aunque el planteamiento parece exagerado a primera vista, se supone que esta película está basada en unos hechos reales. Douglas y Kilmer forman una pareja efectiva para esta película de acción trepidante, con escenas espectaculares y un alto grado de suspense.

5/10
Doll & Em

2013 | Doll & Em | Serie TV

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