Karl Johnson

1953. La Unión Soviética es un hervidero de detenciones, torturas, delaciones y asesinatos arbitrarios por parte del partido comunista. Nadie está a salvo, ni siquiera los políticos más influyentes del sistema. Lo comprobarán los miembros del alto gabinete cuando Josef Stalin muere inesperadamente a causa de una hemorragia cerebral. Los miembros del politburó –Malenkov, Khrushchev, Beria, Molotov, Mikoyan, Bulganin, etc.– vivirán entonces días de gran agitación. Sátira política de afilada originalidad basada en el cómic homónimo de los franceses Fabien Nury y Thierry Robin, el primero autor también del guión. Asistimos a una historia delirante en donde una serie de personajes, altos cargos de la URSS, dan rienda suelta a su perplejidad ante la muerte del camarada Stalin, al que no se sabe si adoran o desprecian. En cualquier caso hay que salvar las apariencias y actuar conforme al camarada le hubiera parecido bien, siguiendo un estricto guión protocolario diseñado en caso de muerte del tirano. La esperpéntica visión del comunismo y el rastrero retrato que se ofrece de aquellos históricos prohombres ante los cuales temblaban casi doscientos millones de personas es ciertamente llamativo, una mofa constante de su inteligencia, donde quedan al descubiertos sus bajezas y mezquindades, su absoluta falta de equilibrio. La muerte de Stalin persigue ridiculizar el comunismo soviético, y eso lo logra con creces. El cine del director escocés Armando Iannucci gusta de referir temas políticos con sentido del humor, como demostró en In the Loop o en series de éxito como Veep. Aquí repite fórmula con un humor constante, paródico hasta el extremo, que alcanza algunos momentos cotas bastante altas, aunque no siempre inviten a la carcajada, mientras que el tono –más o menos elegante salvo en el uso de algunos vocablos procaces– resulta de lo más adecuado para describir el surrealista circo de payasos en que se convierte el gobierno soviético durante algunos días, lo cual no significa que la muerte pueda esconderse detrás de la esquina. Porque se describe bien la lucha entre Khrushchev y Beria por tomar el control del país, conspirando aquí y allá siempre con intereses personales en nombre del partido, del futuro soviético y bla, bla, bla. Del reparto coral destacan sin duda un maquillado Steve Buscemi en el papel de Khrushchev, el alelado Jeffrey Tambor como Malenkov y el más maquiavélico Simon Russell Beale en el de Beria.

Sir Michael Gifford, pasional, vehemente y caradura, en otros tiempos aclamado y venerado actor, lleva años recluido en su gran mansión, debido a una enfermedad degenerativa. Le acompañan sus más allegados colaboradores, su sirviente, su ex amante, su hija, su médico. Pero se sienten impotentes para cuidarle, pues Mr. Gifford hace alarde de un carácter indomable, arisco y desagradable. Cuando llega una nueva cuidadora, Dorottya –jovencita con aspiraciones a actriz–, todos piensan que durará sólo unas horas. Sin embargo, se equivocan. La conexión entre ella y su “paciente” será asombrosa. Deliciosa película británica en donde el veterano director húngaro János Edelényi ofrece un reconfortante homenaje al mundo de la interpretación y en especial al universo de William Shakespeare, un autor al que ya dedicó una película en 1974 que adaptaba “Ricardo II”. Como si de una composición dramatúrgica si tratara el guión firmado por Gilbert Adair, Tom Kinninmont y el propio Edelényi es un ejemplo de equilibrio y ritmo, con un soberbio retrato de la galería de personajes que se mueven en escena y unos diálogos divertidos, directos, que aúnan naturalidad y una perfecta pomposidad cuando se trata de citar literalmente al bardo de Stratford-upon-Avon, cuyas palabras enriquecen una y otra vez conversaciones que hilan con primor sentimientos, exaltaciones y reacciones cotidianas del protagonista y su cuidadora. Rodada con exquisitez, con el fin de contar el ocaso de quien fuera en otros tiempos una gran estrella, triunfador y afamado, para el que es preciso conservar su pretérita gloria, la película saca partido al imaginario bucólico inglés: castillo campestre, grandes prados verdes, anciano gruñón e insoportable, decoración nostálgica, ex amante desesperanzada, hija sin amor, sirvientes fieles, gentes sencillas del pueblo, etc. Todo este panorama lo despliega Edelényi con humor e indudable oficio, sin fastuosidad, con el realismo de lo cotidiano, sin estridencias, de modo sencillo y eficaz. Por otra parte, El último acto no es sólo un tributo al oficio del actor, sino en primer lugar un canto a la vida misma. Ésa es la mayor fuerza del film: el “show must go on” del espectáculo se traslada a la realidad. El peso de los años, la vejez, la enfermedad no son el fin, más bien son parte de la vida humana, algo de lo que no hay que avergonzarse, por mucho que la sociedad se empeñe en ocultarlo. La apariencia no lo es todo. Y para seguir adelante hay que aceptar las propias limitaciones. Si hubiera justicia el actor Brian Cox debería ser un serio candidato al Oscar. Su trabajo es de los mejores de su carrera y eso es mucho decir. Desde luego El último acto es un inestimable broche de oro, por mucho que a sus setenta años aún le quede mucho por hacer. Está en su salsa (quizá más de lo que él quisiera) y se nota que ha vibrado en la piel de Sir Michael Gifford. Es apoteósico verlo y escucharlo recitar a Shakespeare como si lo llevara en su alma, y emular sobre todo al Rey Lear rodeado de soledad, hombre amargado que recupera la vida gracias a la dulce e inteligente Dorottya, cual si ésta fuera un trasunto de su adorable Cordelia. Y qué encantadora resulta la joven actriz debutante Coco König, qué hondura sugiere su personaje, su historia, el porqué de su dedicación a los ancianos.

El director británico Mike Leigh abandona las películas de temática social, género que le ha deparado sus mayores éxitos –Secretos y mentiras, Todo o nada, Un cuento sobre la felicidad, Another Year– para ofrecer el biopic de uno de los mayores artistas ingleses de todos los tiempos: el pintor J.M.W. Turner (1775-1835), célebre exponente del romanticismo, cuyas pinturas, especialmente sus paisajes marinos, son puerta de entrada al mundo del impresionismo. Leigh no hace una biografía al uso, sino que se centra en los últimos años del pintor, cuando éste se ha convertido en una autoridad en materia pictórica y goza de un prestigio extraordinario en la Royal Academy of Art de Londres. Turner fue un tipo peculiar, huraño –y así lo hace notar Leigh en su largo film–, una personalidad extravagante que apenas tenía amigos y que prácticamente sólo se relacionaba con su padre, quien le ayudó en la exposición de sus obras hasta su muerte, hecho que causó una profunda depresión en el pintor. El film incide especialmente en retratar esa faceta excéntrica y menos atractiva de su existencia, la de un hombre solitario, cuyas motivaciones –vitales, artísticas, emocionales– permanecían ignotas para el resto de los mortales. Tampoco la película ilumina esa opacidad, de modo que el guión de Leigh parece sobre todo un intento por desentrañar el sentido de la vida del pintor, pero sólo puede hacerlo a partir de una colección de episodios cuya datación en el tiempo no importa demasiado pues sólo pretenden ofrecer retazos cotidianos del artista, pistas para conocerlo: las leves relaciones con otros pintores, con su penosa sirvienta, con su padre, con una esposa y unas hijas abandonadas, con algunas visitas ilustres, etc., y todo ello en medio de sus idas y venidas en busca de paisajes naturales que inmortalizar en sus lienzos. Especial interés hay en las secuencias relacionadas con la Academia, lugar donde Turner exponía sus obras y en donde se encontraba con otros pintores. Muy relevante es la rivalidad con John Constable –el otro gran pintor inglés de la época–, que Leigh recoge en una sutil pero clarividente escena. También se emplea el director en humanizar en lo que puede al artista –aunque sea levemente–, mostrando su relación amorosa al final de su vida, dando fe de gestos generosos y llamativos altruismos artísticos, e incluso con el casi humorístico pasaje de la fotografía, tan elocuente y profético. Son momentos que se agradecen dentro de un conjunto anímico poco vibrante y para nada complaciente, alejado de tópicos, con un personaje de escaso atractivo externo. Visualmente Mr. Turner ofrece imágenes que están a la altura de la genialidad pictórica de su protagonista. Desde luego Leigh ha puesto aquí toda la carne en el asador y el trabajo de su habitual director de fotografía, Dick Pope, es sencillamente espectacular, un derrocha belleza en el tratamiento de la luz, sempiternamente presente, en contrastes y colores, a lo largo de todo film. Y, por supuesto, el resultado final del film también debe mucho a otra constante de las obras de Leigh, el actor Timothy Spall. Probablemente despacha el mejor trabajo de su carrera, mimetizándose absolutamente en un personaje único, anómalo, que él adopta maravillosamente con esos modales toscos, esa voz de ultratumba, esos gruñidos. 

En el Londres de alrededor de 1950, Hester es una joven insatisfecha de su matrimonio con William, un venerable juez de más edad que ella, dominado por su madre. La vida conyugal le parece insulsa, y cree encontrar el amor en Freddie, que combatió como piloto en la pasada guerra, con quien se va a vivir, aunque es incapaz de sentar la cabeza, por lo que su futuro es más que incierto. Voces distantes (1988) y El largo día se acaba (1992) labraron el prestigio del británico Terence Davies, se trataba de títulos anclados en la nostalgia de la infancia y de fotografía bellísima, con guiones originales propios. Luego entregó películas más convencionales, basadas en textos literarios, La biblia de neón (1995) que adaptaba a John Kennedy Toole, y La casa de la alegría (2000), según la novela de Edith Wharton. Con The Deep Blue Sea reincide en la adaptación, en este caso una obra de teatro de Terence Rattigan, de quien existen versiones afortunadas en cine de Mesas separadas, La versión Browning y El caso Winslow. Siguiendo a Rattigan, Davies indaga en las dificultades del amor, palabra demasiado manoseada y tratada a menudo con enorme superficialidad. En cierto momento del film Hester, cuya vida vacía y desgarrada le lleva a intentar el suicidio, recibe una breve clase de amor verdadero, real, palpable, cuando la casera del lugar donde se aloja le explica que "amor es cambiar las sábanas a alguien que se ha orinado" en alusión a su esposo ya senil. El cineasta británico sabe montar bien el entramado dramático de la historia, entendemos las razones y frustraciones de Hester, su deseo de algo más; nos conmueven los esfuerzos de William por recuperar a su esposa; y hay algo de estremecedor en el suspicaz y frívolo Freddie, que no puede evitar ser como es. La fotografía quemada de Florian Hoffmeister va en la línea de los títulos más tempranos de Davies, juega con el claroscuro, con fuertes contrastes y tonos dorados. Se nos regalan hermosos planos secuencia, aunque en algún caso se trata de un preciosismo poco justificado argumentalmente. Gran reparto, donde destaca sobre todo Simon Russell Beale como el esposo cornudo, logra brillar con un personaje no dado al lucimiento.

Larry, un pianista estadounidense que reside en Mallorca, se siente un fracasado a nivel personal y profesional. Para conseguir sentirse útil, decide organizar un concierto en homenaje a un famoso compositor que vivió en su pequeña localidad. Sin embargo, se encuentra con numerosos obstáculos para lograr la colaboración de la amargada viuda del homenajeado -que no quiere dejarle interpretar la obra de su marido- y otros personajes relacionados con él.Coproducción hispano-británica escrita y dirigida por Francesca Joseph, que tiene una amplia trayectoria en el teatro y el documental y que fue la responsable de la desconocida cinta Tomorrow La Escala! Cuenta con un amplio elenco de grandes actores, que se esfuerzan por hacer creíbles sus personajes, como Stanley Tucci, protagonista de la función, tan convincente como es habitual, y que está acompañado por Marisa Paredes, Rhys Ifans, Jena Malone , Emmanuelle Seigner y la española María Esteve. El film  toca temas como la redención y la paternidad, y cuenta con una excelente fotografía del veterano Javier G. Salmones, que aprovecha las bellas localizaciones naturales en las que transcurre la acción.

El director y escritor Edgar Wright y el guionista y actor Simon Pegg fueron reclutados por Tarantino y Rodriguez para filmar un gracioso falso tráiler de Grindhouse, gracias a que lograron cierto éxito con Zombies Party, inspirado subproducto que parodiaba el cine de terror. La pareja, procedente de las telecomedias británicas, aplica en esta ocasión el mismo humor mordaz al género policíaco. El propio Simon Pegg interpreta al protagonista, Nicholas Angel, el mejor agente de la policía londinense. Es capaz de detener cada día a una cantidad cuatro veces mayor de delincuentes que cualquiera de sus compañeros. Éstos están hartos de que les haga quedar como inútiles, por lo que al final sus superiores deciden mandarle lejos, a Sandford, un pueblo tranquilo, donde nunca se cometen delitos. Cuando llega, le asignan un compañero con el que patrullar las calles, Danny Futterman, un forofo del cine de acción, obsesionado con Dos policías rebeldes II y Le llaman Bodhi. De repente, empiezan a ocurrir extraños accidentes mortales, pero Nicholas sospecha que se trata de una cadena de asesinatos más o menos disimulados. Como algunas comedias clásicas inglesas introduce elementos costumbristas y describe numerosos personajes secundarios, típicos del ámbito rural británico. Están interpretados por un inmejorable plantel de secundarios, en el que destacan Jim Broadbent, Timothy Dalton, Paddy Considine y Bill Nighy. Tras el primer giro de guión, el film deja un poco de lado el tono de comedia y se convierte en una cinta de intriga al estilo de las novelas de Agatha Christie. A pesar de lo difícil que es cambiar de género en medio del metraje para cualquier director que no sean los hermanos Coen, la cosa funciona, pues el guión dosifica muy bien la intriga, y las piezas encajan. Y tras el segundo punto de giro, otro cambio, en esta ocasión, hacia el cine de acción, con cierto tono gamberrete, cercano al gore, aunque más o menos se contienen. 

Viena, a principios del siglo XX. Eisenheim, un prestigioso ilusionista, cautiva al público con números tan deslumbrantes que llaman la atención de Leopold, el príncipe heredero. Un día, éste acude a una de las representaciones de Eisenheim, acompañado de Sophie von Teschen, su prometida, que resulta ser el amor de la infancia del mago. Tras descubrir que Eisenheim se ha encontrado alguna vez con Sophie, el príncipe le encarga a un perspicaz inspector de policía que demuestre que los trucos de Eisenheim son un fraude. Este thriller de época, cercano al cine fantástico y a la literatura gótica, es tan original, que resulta difícil encontrar similitudes con otras películas. Habrá que tener en cuenta a partir de ahora al desconocido Neil Burger, que hasta ahora sólo había dirigido Interview with the Assassin, inédita en España. Burger, también guionista, adapta un cuento de Steven Milhauser, escritor premiado con el Pulitzer. El cineasta hace suyo el relato, añadiéndole personajes y giros inesperados, compone una sugerente atmósfera, subraya los elementos románticos y aprovecha la inquietante ambientación de la época. Como siempre, Edward Norton realiza una excelente interpretación, aunque se luce más Giamatti, en un papel difícil. Sus esfuerzos y los del resto del reparto, hacen creíble un rompecabezas en el que todas las piezas encajan, hasta componer una sorprendente historia romántica, sobre la obsesión, los celos y la decadencia de la aristocracia.

Extraordinaria película de Agnieszka Holland, que nos acerca al exclusivo mundo de la creación artística. Películas mediocres como Reino de los cielos o Rey Arturo, nos han acostumbrado a un pretendido cine ‘histórico’, que en realidad deforma los hechos que narra al darles una perspectiva contemporánea completamente fuera de lugar. En este sentido es una bocanada de aire fresco el modo en que la directora polaca aborda la figura del genial compositor Ludwig van Beethoven, a partir de un guión de hierro escrito por Stephen J. Rivele y Christopher Wilkinson. Su cámara capta al músico en los días en que ultima su Novena Sinfonía, tras diez años sin estrenar obra. Acaban de mandarle una copista, Anna Holtz, para que le ayude a escribir la partitura. Aunque Holtz es un personaje inventado, poco importa, porque lo que se cuenta alrededor de la relación que se establece entre Beethoven y la joven rebosa autenticidad. El maestro –formidable Ed Harris, realmente transfigurado en el músico– posee un carácter fuerte, a veces tiene algunas salidas que hieren a las personas de alrededor, le cuesta comprender que su sobrino Karl quizá no deba seguir sus pasos musicales. Y Anna… Anna, también, a su modo, es todo un carácter: feminidad y dulzura al cien por cien, auténtica, sabe ser franca con Beethoven, decirle lo que éste necesita oír; lo cual no está reñido con un retraimiento y timidez que acrecientan su encanto… Es más feminista este gran personaje de Diane Kruger que muchas feministas de nuestro tiempo, sin necesidad de llamarse feminista. Su forma de ser encaja en la época en que transcurre el film, y ése es un acierto que no tiene precio. Los ‘listillos’ de siempre seguramente dirán que se trata de una película académica, sentimental, pensada para ganar el Oscar… Que digan lo que les venga en gana. Es una hermosa película sobre el alma del artista, y lo cerca que está de Dios a la hora de acometer su creación.

Año 52 A.C. Julio César regresa a Roma tras la Guerra de las Galias. Los viejos senadores, acomodados en el poder, consideran una potencial amenaza el regreso del victorioso general, considerado un dios por sus hombres. Para contrarrestar la influencia de Cesar, ponen en marcha una conspiración. La serie más lujosa de la televisión en su momento, pues sus 12 episodios costaron cien millones de dólares. Reconstruye fiel y en ocasiones muy crudamente las costumbres de la época en la que transcurre la acción; entre los años 52 y 44 a.C., cuando se forma el imperio.

Paul es un chaval de diez años muy espabilado, que vive con su madre Mel y su hermano pequeño Lee. La muerte del padre de un infarto hizo que Mel se viniera abajo, y desde entonces está enganchada a la heroína, que le proporciona periódicamente su camello Lenny. El despierto Paul creía que lo que su madre se inyectaba era una medicina, pero pronto debe enfrentarse a la cruda realidad. Y aunque hace todo lo que puede para que deje de ser una yonki, la cosa parece superior a sus fuerzas; por lo que Mel podría perder la custodia de sus hijos, que se irían a vivir con los abuelos paternos. Film modélico a la hora de abordar situaciones extremas sin complacencias, pero de un modo humano, y con mirada positiva, señalando el amor, la fuerza de voluntad y la ayuda de los seres queridos como medios para resolver problemas. El punto de vista de la narración es, indudablemente, el de Paul, obligado a crecer antes de tiempo. A su corta de edad debe afrontar un panorama que incluye la adicción de su madre; la muerte de la mejor amiga de ésta; el conocimiento de que la chica de la que está platónicamente enamorado, la menor de edad Louise, está embarazada y ya tuvo otro niño, que tuvo que dar en adopción; la actitud violenta de Lenny; y el resentimiento de la abuela hacia su madre. Lo que le conduce, en su esfuerzo por entender a su madre, a una decisión terrible, uno de los momentos más impactantes del film, que ofrece con cámara subjetiva los efectos de estar 'colocado'. Gillies Mackinnon (Un golpe del destino) aguanta el tipo dirigiendo -es notable el clímax en que se decide con quién van a estar los críos-, aunque abusa de la banda sonora, una bonita partitura de Nitin Sawhney que se hace notar demasiado. En el apartado actoral, señalar el estupendo trabajo de Molly Parker y Keira Knightley, madre y adolescente, y del niño protagonista Harry Eden.

Francis Bacon fue un pintor irlandés que a los 16 años descubrió su condición de homosexual, hecho por el cual su padre le echó de casa. En su juventud comenzó a pintar, siendo Picasso su primer referente, y poco a poco comenzó a obtener celebridad y éxito, incluso una obra suya fue vendida al Museo de Arte Moderno de Nueva York, en 1949. El tema principal de su pintura era la muerte y sus trabajos eran descarnados, oscuros y desgarradores. Mantuvo una relación con George Dyer desde mediados de los 60 hasta 1971, cuando éste se suicidó. En este oscuro biopic del pintor, el actor Derek Jacobi se pone en la piel del artista y Daniel Craig en la de su amante. La actriz Tilda Swinton es otro de los rostros conocidos.

Biografía del escritor francés Antoine de Saint-Exupéry, celebérrimo autor de 'El principito'. Sigue los pasos del escritor, desde su juventud, cuando despunta como aviador, y contrae matrimonio con la española Consuelo. El actor francés Bruno Ganz demuestra su valía para interpretar a un personaje real, como en El hundimiento. Dirige Anand Tucker, especializado en biografías de artistas, pues fue el responsable de Hilary y Jackie.

El detective Hércules Poirot sigue haciendo de las suyas ante diferentes casos. El personaje creado por Agatha Christie se enfrenta esta temporada a ocho nuevos retos que le harán pensar a él y al espectador, cada uno de ellos basado en una novela diferente. El detective se las verá con robos de joyas y asesinatos provocados por poseer tan valiosos objetos, con casos sin resolver en el pasado, con asesinatos de alta alcurnia, con repartos de herencias, con momias milenarias y con el fantástico mundo de la hipnosis.

Will Colton, que ha sido marine y mercenario, regresa a su pueblo natal, Plainview, para vengar la muerte de sus padres cuando él era niño. Allí el poder está tomado por el violento sheriff, líder de una banda de moteros. Mediocre película de acción de argumento architípico y simple a más no poder. En realidad el film es un vehículo para el lucimiento de David Hasselhoff, entonces célebre estrella gracias a series como El coche fantástico o Los vigilantes de la playa.

Martin Fallon (Mickey Rourke) es un hombre con un complejo interior, que acaba de abandonar la organización terrorista IRA, después de atentar por equivocación contra un autobús escolar. Decide empezar una nueva vida, alejado de la violencia y de los oscuros círculos donde acostumbraba a moverse. Pero esta decisión no va a resultar nada sencilla. Se traslada a Londres para huir de sus compañeros de la organización, que no dudan en seguirle, con intención de eliminarle si no pueden asegurar su regreso. La única salida que encuentra es aceptar la protección de un gángster, pero a cambio deberá eliminar al jefe de una banda rival. Cuando Fallon comete el crimen, un sacerdote católico interpretado por Bob Hoskins, es testigo de lo que sucede. A Fallon no le queda más remedio que aceptar la ayuda del sacerdote. Esta película nos introduce de manera eficaz en el turbio mundo de un terrorista, que sufre una crisis de conciencia. Mickey Rourke realiza una correcta interpretación, al igual que Bob Hoskins. La historia es atractiva y mantiene la tensión desde el principio hasta el final. Notable música de Bill Conti.

Matt Hunger, agente del servicio secreto retirado, decide volver con sus antiguos compañeros para investigar el asesinato de un amigo. Michael Dudikoff (El amigo americano) protagoniza esta cinta de acción.

Film del controvertido director Derek Jarman (1942-1994), que como es habitual en su cine entrega una película rara, casi experimental, con anacronismos temporales, excesos eróticos y momentos próximos al surrealismo e incluso buscando directamente el escándalo irreverente. A la vez, Jarman deja caer reflexiones interesantes acerca del arte, la búsqueda de la belleza y la falsedad de la vida moderna. La historia se centra en un grupo de jóvenes británicos, que llevan un modo de vida al margen de las convenciones sociales. Estamos en los años del punk-rock, de la rebeldía por definición, del malestar y la protesta juvenil, y eso conlleva, claro está, una puesta en escena estrafalaria, barata y cutre, que incluye escenas libertinas, desnudos gratuitos, mucha música, colorido estridente, etc.