Mark Margolis

Cuarta temporada de las andanzas del abogado Jimmy McGill en la serie spin-off precuela de Breaking Bad, a cuyos hechos se va acercando paulatinamente. Va cobrando tintes más oscuros en lo relativo a la personalidad de su protagonista tras la trágica muerte suicida de su hipocondríaco hermano Chuck, Jimmy se encuentra sumido en algo muy parecido al desencanto. Jimmy ha tenido que renunciar temporalmente a las leyes por su suspensión temporal, así que quiere emplear en cambio su proverbial labia para convertirse en vendedor, pero algo se ha roto en su interior, en su afición a una picaresca propia de boy-scout. Cuando trata de conseguir un puesto en una compañía de fotocopiadoras, estalla al darse cuenta de lo fácil que resulta embaucar a las personas, y la frecuencia con la que el ser humano parece incapaz de detectar y valorar la bondad del prójimo, sus cualidades más valiosas. Algo comparable le ocurre a Mike Ehrmantraut, al que Gustavo Frint asegura un puesto tapadera como asesor de seguridad para pagarle ciertos servicios prestados ilegalmente, cuando a él le gustaría en verdad sacar a la luz los muchos agujeros de esas empresas, que podrían ser víctimas de timos, estafas y robos con suma facilidad. En el negocio de narcotráfico que mueve bajo la tapadera de “Los Pollos Hermanos”, el coma de Héctor Salamanca puede suponer una oportunidad para ocupar una posición privilegiada. A Mike le tocará supervisar la construcción de unos laboratorios bajo tierra en el desierto de Nuevo México, de los que se encarga un ingeniero alemán con su equipo, a los que va a tocar vivir una temporada sin salir al exterior. De nuevo la serie creada por Vince Gilligan y Peter Gould presenta unos guiones y personajes de hierro, en que conviven el drama y el humor en el gran escenario de la tragicomedia humana en que consiste el mundo. Llama la atención la cantidad de matices y vida interior que pueden presentar Jimmy y compañía, donde el reparto sabe que tiene unos personajes que son una perita en dulce, y aprovechan para lucirse sin histrionismos, se adaptan a sus roles como el guante a la mano. Como le ocurrió a Bryan Cranston con Walter White, Bob Odenkirk sabe que con Jimmy/Saul tiene al personaje de su vida, y lo aprovecha con inmenso talento. La temporada va "in crescendo", con las dudas acerca de si la relación de Jimmy con Kim podrá resistir, pues en ella sigue latiendo una bondad que en él cada vez se va trocando más en cinismo. El clímax de la temporada en el último capítulo, con el intento de Jimmy de recuperar su título de abogado, y los esfuerzos de Mike por arreglar una "fisura" en la construcción del laboratorio, es sencillamente formidable.

En 2002, la entonces desconocida Nia Vardalos tuvo un éxito extraordinario cuando protagonizó Mi gran boda griega, comedia romántica interpretada y escrita por ella, que sacaba jugoso partido al modo de vida y a la mentalidad de una familia griega inmigrante en Estados Unidos. Tanto predicamento tuvo que fue nominada al Oscar al mejor guión. Catorce años después Vardalos intenta repetir éxito recuperando a la misma familia y entregando un film cortado por el mismo patrón. Toula Portokalos es ahora madre de una guapa jovencita de diecisiete años, Paris, (buen trabajo de Elena Kampouris), que está a punto de entrar en la universidad. Y fiel al modo de comportarse familiar atosiga a su hija, que sueña con estudiar lejos de casa y de unos familiares que confunden la compañía con la asfixia. Así, el abuelo Gus –que mantiene que es descendiente directo de Alejandro Magno– está empeñado en que la jovencita encuentre a un griego con quien casarse. Pero, cosas de la vida, quien va a pensar en matrimonio va a ser él cuando salga a la luz que no llegó a casarse con su adorada Maria. De modo, que si quiere recuperar su vida conyugal deberá pedir la mano de “su mujer” y llevarla hasta el altar. Ni que decir tiene que todos sus familiares estarán encantados con la propuesta. Ha pasado el tiempo pero no ha cambiado gran cosa en el tono disparatado y las rarezas de la peculiarísima familia Portokalos. Los gags de Mi gran boda griega 2 siguen teniendo mucho que ver con las obsesiones “helénicas”, las tradiciones y la estrechez entre los miembros de la familia. Los personajes son de lo más variopintos, con algunos especialmente extremos como el padre (Michael Constantine), machista empedernido pero calzonazos de corazón; la tía Voula (Andrea Martin), un terremoto siempre organizando la vida de los demás y tendente a dar su toque picantillo a la vida; los hermanos Nick (Louis Mandylor) y Angelo (Joey Fatone), simplones caraduras… Y por supuesto Toula (Nia Vardalos), una mujer que no puede escapar de su idiosincrasia griega aunque alucina continuamente del comportamiento de su propia familia. Además, ha dedicado tanto tiempo a ser madre que se ha olvidado de que es la esposa de Ian (John Corbett)... Todos ellos se hacen cercanos, entrañables, y los momentos divertidos son numerosos, mientras que el director Kirk Jones (La niñera mágica) logra imprimir el ritmo adecuado para que la cosa no se agoste. Sin embargo, es inevitable que el conjunto ya no suene a original y la frescura que generaba la historia de antaño funciona únicamente en ocasiones contadas. El resultado queda así como una comedia menor, aunque se vea con agrado.

Val acaba de salir de la cárcel tras un encierro que ha durado 28 años. Le aguarda su amigo Doc, que ha recibido el desagradable encargo de matarle, un capo gangsteril quiere venganza pues culpa a Val de la muerte de su hijo. Pero la noche es larga, Doc no tiene tan claro lo que debe hacer, y de momento se impone recuperar los días de juerga de antaño, y unir a la “fiesta” a Hirsch, otro colega con los achaques compartidos de la tercera edad. Reunir a tres grandes y veteranos actores con Oscar como Al Pacino, Christopher Walken y Alan Arkin no hace, necesariamente, una buena película. Tipos legales podía haber sido una entretenida cinta gangsteril con puntos de comedia negra surrealista a lo Quentin Tarantino, que reivindica la amistad y la ancianidad. Pero querer no es poder y se queda en una cinta pesadita y reiterativa, donde las gracias recurrentes sobre viagra y sexo, con prostitutas comprensivas, cansan. Siempre se puede destacar algún acierto parcial, ciertas ocurrencias como la agradable camarera que sirve a Doc cada día, o la escena del confesonario, pero dominan los lugares comunes, como la venganza de la mujer desnuda. Al final se nota demasiado la bisoñez del director Fisher Stevens y el guionista Noah Haidle, a los que les falta un hervor.

Cuenta la historia de Austen Kittredge, que es enviado por su padre a vivir al lejano y salvaje Vermont, donde sus abuelos tienen una granaja y donde el joven, para su sorpresa, vivirá numerosas aventuras y decubrirá secretos familaires. Se trata de un drama que, principalmente, narra la relación de un niño con sus abuelos con escenas muy emotivas y una fotografía muy meritoria en la que se aprovechan muy biene sos hermosos paisajes de Vermont. La película está protagonizada por el veterano Bruce Dern (Nebraska), lo mejor del film, la actriz Geneviève Bujold (Quédate congmigo) y el joven Seamus Davey-Fitzpatrick (Antes del anochecer).

John Reese, antiguo miembro de operaciones especiales en escenarios tan peligrosos como Irak y Afganistán, se asocia con el enigmático Finch, un millonario lisiado que hace frente a los criminales que asolan Nueva York. Finch, un genio del software, desarrolló para el gobierno tras el 11-S un sofisticado programa informático de vigilancia que, cruzando datos de cámaras, pinchazos telefónicos e interceptación de e-mails, permite anticiparse a ataques terroristas; también es capaz de reconocer patrones de conducta para identificar a personas a punto de participar en delitos violentos, pero estos casos, considerados no prioritarios, no los atiende el gobierno. Así que juntos, Reese y Finch tratan de evitar este tipo de crímenes, para lo que sólo cuentan con números de la seguridad social de personas que pueden ser las víctimas o los asesinos. Una policía, Jess Carter, tiene entre ceja y ceja a Reese, cuyas huellas siempre aparecen en escenarios criminales; mientras que otro policía, Lionel Fusco, que anduvo metido en asuntos ilegales, se convierte en topo para Reese, pues le advierte de los pasos de Fusco. Serie creada por Jonathan Nolan, coguionista con su hermano Christopher Nolan de títulos como El caballero oscuro, y producida por J.J. Abrams, que recupera a uno de los protagonistas de su serie Perdidos, Michael Emerson (el inquietante Ben Linus), que encabeza el reparto con Jim Caviezel (La pasión de Cristo) y Taraji P. Henson (El curioso caso de Benjamin Button). El punto de partida -las posibilidades crecientes del espionaje, cada vez más cercanas al Gran Hermano imaginado por George Orwell-, resulta original, y la idea es resolver un caso por episodio, mientras se ahonda en la relación entre Reese y Finch, y en la "caza" en la que anda metida la tozuda Carter.

Nina, una joven bailarina, aspira a ser escogida como protagonista de “El lago de los cisnes”, con el reto adicional de que se trata de un doble papel, no sólo debe representar al puro cisne blanco de Odette, sino también al cisne negro Odile que trata de arrebatarle su amor. Para ello trabaja muy duramente, impelida por su posesiva madre Erica y por Thomas, el exigente director de la producción. Intensa película sobre el mundo de la danza, aunque muchas de sus ideas pueden aplicarse a cualquiera de las bellas artes. El guión de Mark Heyman, John J. McLaughlin y Andres Heinz a partir de una idea de este último, incide en el cariz obsesivo que pueden cobrar unas legítimas aspiraciones profesionales de llegar a lo más alto. Obsesión que gana en intensidad con la sombra de una madre frustrada, que quiere realizarse en su “niña”, y con los métodos de trabajo de Thomas. En efecto, frente a la vieja idea de algunos actores que dicen no llevarse sus personajes a casa, aquí prevalece, por la presión de Thomas, el planteamiento de que para componer el cisne negro es necesario rebuscar en la parte más oscura de uno mismo, “explorando” en la propia sexualidad y “dejándose llevar”. Esta doble influencia, más su propia sensibilidad y ambición, que le hacen ver en la recién llegada Lily una rival, conforman en Nina un cóctel verdaderamente explosivo. En lo último, y en una diva venida a menos, se detecta la huella imborrable de un clásico sobre el teatro, Eva al desnudo, aunque la película que nos ocupa tiene su propia originalidad. El crudo film, a modo de arriesgada fábula, habla de la fragilidad del artista y los excesos enfermizos por alcanzar su sueño, tomando pie de la propia trama de “El lago de los cisnes”. Lo hace con dureza a veces desagradable, por la exigencia física –esos sarpullidos, el modo en que se trabajan los pies–, o por el camino de desenfreno que Nina emprende en una noche loca y alucinada, donde resulta difícil distinguir la realidad de lo que es una proyección de una mente que empieza a enloquecer, a no pisar suelo firme. Darren Aronofsky dirige con inusitado vigor, una energía que se palpa en las elaboradas escenas del propio ballet, así como en el dinámico montaje de imágenes y sonido, también musical, que muestra el descenso a los infiernos de Nina, su dolorosísima y fatal transformación en cisne negro. Natalie Portman entrega una interpretación valiosísima, verdaderamente muestra una gran variedad de registros en su atormentado personaje. En general hay un gran acierto con todo el reparto, buenos trabajos de Vincent Cassel, Barbara Hershey, Winona Ryder y Mila Kunis.

Walter y su ex alumno Jesse prosiguen con su negocio secreto de venta de metanfetaminas. Walter, que arrastra un severo cáncer de pulmón, sigue ocultando su dedicación a su mujer Skyler, y se la juega para mantener económicamente a su familia. Pero cada vez hay más problemas y más peligros que arrostrar en ese mundo, en donde los delincuentes, los narcotraficantes despiadados y los agentes de la DEA (como su propio cuñado Hank) pueden jugarte una mala pasada.

Cuarto trabajo del ‘marciano’ Darren Aronofsky, que aunque fue el impulsor del proyecto, decidió –por primera vez en su carrera– mantenerse totalmente fuera del guión, y encargárselo a Robert Siegel, que fue editor de The Onion, famosa revista satírica estadounidense. Aronofsky ha conseguido una hazaña inesperada, pues ha sido el primero en ganar el León de Oro en Venecia con una producción íntegramente estadounidense, o sea, sin contar coproducciones. Randy ‘The Ram’ Robinson es un luchador de wrestling que se hizo muy famoso en los 80, sobre todo por su combate contra un rival conocido como ‘el Ayatolah’. Veinte años después, se ha retirado. Vive en un humilde remolque cuyo alquiler apenas puede pagar con su trabajo en el almacén de un supermercado. Los fines de semana se saca un dinero extra reapareciendo como luchador, en combates de segunda fila para viejos admiradores. Tras uno de esos combates, sufre un ataque al corazón que obliga a los médicos a realizarle un bypass. Como consecuencia, le prohíben seguir inyectándose esteroides, y volver a pelear. Randy se replantea su vida, intenta sobrevivir como charcutero, recuperar el cariño de su hija que se distanció por completo de él, y conquistar a Cassidy, una madura bailarina de striptease, madre soltera. Acierta Aronofsky al describir en este drama el estrafalario mundo del wrestling, la lucha libre americana, un auténtico filón narrativo. Se trata de una mezcla de deporte y actuación, con gigantones que interpretan los papeles de exageradísimos héroes o villanos, pero que tienen que estar en plena forma, pues aunque amañan las peleas, ejecutan coreografías que tienen su complejidad. Y aunque siempre siguen un guión muy similar –el malo empieza ganando y provoca al público, hasta que el bueno se recupera milagrosamente y gana el combate–, cientos de miles de espectadores siguen los combates con pasión, como si fueran absolutamente reales, y aclaman a los luchadores como auténticos dioses. Resulta difícil imaginar qué hubiera sido de este film sin Mickey Rourke, pues interpreta a un personaje con el que tiene muchos puntos en común: una vieja gloria que ha perdido el estrellato. El actor se ha trabajado muchísimo su interpretación, hasta el punto de que entrenó con auténticos luchadores. Están a su altura la también madura Marisa Tomei y la joven Evan Rachel Wood. Consciente de que tenía entre manos un guión de primera fila, de gran valor humano, sobre la lucha por la dignidad de un auténtico perdedor –también lo es la bailarina–, Aronofsky ha sabido renunciar a sus excesos estilísticos habituales. La fotografía y la puesta en escena son realistas y muy brillantes, pero a diferencia de otras ocasiones, Aronofsky ha sabido contenerse. Por una vez, ha colocado su maestría al servicio de una historia que logra llegar al espectador, a pesar de varios momentos de gran sordidez. Se luce especialmente al describir el combate del protagonista contra su propia soledad, de la que sólo parece hacerse consciente cuando se da cuenta de que no ha podido contarle a nadie que ha estado a punto de morir, lo que provoca la decisión de acercarse a su hija y a la bailarina.

La verdadera historia de los cuatro hermanos Bielski, en los años de la Segunda Guerra Mundial, en la Bielorrusia que los nazis se esfuerzan por conquistar. Tras el asesinato de sus padres, con la despreciable ayuda de colaboracionistas locales, Tuvia Bielski se refugia en el bosque con sus tres hermanos, asumiendo el liderato de una pequeña comunidad judía, que irá creciendo con el paso del tiempo. La supervivencia es la meta, y el enemigo no sólo es el alemán invasor, también el gélido invierno y el hambre causan estragos. Se imponen estrictas reglas: todos deberán ocupar su tiempo y realizar tareas que redunden en beneficio del grupo, de acuerdo con su conocimiento; prohibido tener niños, en esas penosas condiciones, serían una carga insoportable; hay que atenerse a una férrea disciplina. Por supuesto, atenerse a todo ello no es fácil, y surgirán los desacuerdos. Así, Zus Bielski prefiere la lucha directa con los alemanes, y abandonará al grupo para unirse al ejército ruso como partisano, experto en actos de sabotaje.Edward Zwick director se ha convertido en un auténtico especialista en filmar películas bélicas, con el notable mérito de que las acciones de combate las pueda entender hasta el espectador menos avezado: allí están para demostrarlo Tiempos de gloria, En honor a la verdad y El último samurái. El film que nos ocupa también logra incluir vibrantes escenas guerreras, como la del bombardeo del bosque, o la del grupo de soldados atrapado entre dos fuegos; la del ataque nocturno de un puesto alemán, con planos breves y ralentizados de un modo muy original, sorprende positivamente. Sin duda que la pericia del director de fotografía Eduardo Serra y la partitura musical con mucho violín de James Newton Howard contribuyen, y mucho, al buen resultado de los pasajes de guerra.Pero no sólo de buenos momentos de acción bélica vive el género, y Zwick y su coguionista Clayton Frohman saben además construir una historia razonable y humana, evitando las concesiones que podrían rebajar la realidad de que la guerra es un completo horror, que embrutece y degrada. Es cierto que al principio la larga narración avanza con un tono algo frío, poco emotivo, y que los hermanos se introducen de modo algo brusco. Pero poco a poco se van perfilando los mimbres de una historia que, aunque algo cansina, es sólida. Así, se pinta a los personajes y los dilemas que deben arrostrar, sobre todo a los tres hermanos con mayor presencia, los mentados Tuvia y Zus -Daniel Craig y Liev Schreiber, que están bien, sabiamente contenidos-, más Asael -Jamie Bell-. Y con verismo, se incluyen situaciones en que puede la sed de venganza sobre otras actitudes tan necesarias como el perdón y la compasión; a la hora de ejercer el mando, se toman decisiones muy crueles, que incluyen la muerte, y también se producen momentos en que las fuerzas flaquean; lo referente a la no-procreación tiene el contrapunto de un impactante caso límite, que introduce la necesaria humanidad en una norma muy cuestionable; la fe del elegido pueblo judío convive con la desesperanza, reflejada en la triste oración del rabino. También, con unas pocas pinceladas, las justas, se apuntan las relaciones amorosas que protagonizan los hermanos.

La pequeña Amanda ha desaparecido. Nadie conoce su paradero. Se produce un gran revuelo entre la opinión pública, la ola mediática no para de crecer. La ciudad de Boston está conmocionada. Una tía de la niña pide ayuda a una pareja de detectives para que investiguen en el barrio, con idea de aprovechar que son vecinos del barrio, por lo que la gente será menos reacia a hablar con ellos que con la policía. Al principio Patrick y Angie son reacios a aceptar el caso; temen cómo les puede afectar el acabar encontrando el cadáver de la niña o, peor aún, no averiguar nunca qué ocurrió y cargar con ello en su conciencia. Ben Affleck ganó un Oscar con su amigo Matt Damon en 1998 gracias a su guión de El indomable Will Hunting. Desde entonces ambos han optado por cultivar más su faceta de actores. Pero una década después Ben Affleck vuelve a coescribir un guión –esta vez con Aaron Stockard, a partir de la novela de Dennis Lehane–, y además debuta en la dirección, con su hermano Cassey como protagonista. Como el lector avezado habrá notado, la trama tiene puntos comunes con un caso real de rabiosa actualidad, el de la desaparición de la niña Madeleine McCann. De hecho, se retrasó el estreno del film en Gran Bretaña por no herir susceptibilidades. Y algo que se preguntaban todos los expertos era si el flujo continuo de noticias sobre el caso McCannn ayudaría o perjudicaría cara a la taquilla. La impresión es que no fue un apoyo, la gente no quería un caso de ficción después de desayunarse todos los días con un caso de verdad. Pero independientemente de esto, Ben Affleck logra entregar una historia desasosegante, que procura huir de lo convencional, y que depara alguna que otra sorpresa. Una de las cuestiones planteadas son los dilemas morales a que se enfrenta el protagonista, de formación católica, algo que se introduce desde el principio con una cita evangélica, la de los enviados como ovejas en medio de lobos: en efecto, en el desenlace, Patrick debe optar por lo que le dicta su conciencia o por una solución acomodaticia y pragmática; y su decisión final le deja un regusto amargo.

Es ésta una de esas películas que se aman o se odian, resulta difícil mantener un término medio. Cierto es que el cine de Darren Aronofsky se caracteriza por su hermetismo (Pi, Réquiem por un sueño), pero es que en esta ocasión el cineasta neoyorquino da un triple salto mortal con tirabuzón en lo que a rarezas y extravagancias se refiere. El film arranca en la América de los conquistadores españoles, donde un grupo de exploradores cae en una emboscada de los nativos, y el líder de los hispanos trata de huir subiendo la larga escalinata de una pirámide maya. Esto convive con las escenas de un tipo calvo, el doctor Tom Creo (Hugh Jackman) flotando por el espacio como si de un buda feliz se tratara, y con este mismo doctor investigando un tratamiento contra los tumores de cáncer en un mono. Al fin averiguamos que la mujer del doctor, su muy amada y dulce Izzie (Rachel Weisz), está enferma, y que Tom está obsesionado con encontrar un remedio a su mal; mientras que Izzie se dedica en sus ratos libres a escribir un libro, “La fuente de la vida”, situado en la España de los conquistadores, a modo de parábola de los esfuerzos investigadores y románticos de su marido. Una vez entregadas todas las piezas del puzzle, y más o menos reconocidas por el espectador, según su capacidad de aguante, tenemos un cuento apasionadamente romántico, muy cuidado en el aspecto visual, pero que se hace eterno –el final remite a 2001: una odisea del espacio–, y que en ocasiones se mueve entre lo empalagoso y lo risible. Hugh Jackman y Rachel Weisz son dos grandes actores, y Darren Aronofsky sabe rodar, pero el conjunto resulta excesivo. Tampoco es muy afortunada la alegoría “española”, con escenas absurdas de un inquisidor flagelándose, y una reina Isabel servida por un caballero, interpretados éstos también por Weisz y Jackman; habría sido más inteligente inventarse un reino imaginario, en vez de mostrar España como un exótico país sobre el que Aronofsky exhibe una preocupante ignorancia.

Cuentecillo nostálgico y de aristas tragicómicas, escrito y dirigido por David Duchovny, Mulder en Expediente X, que tras firmar varios episodios de la serie, debuta en el cine grande tras la cámara. No acaba de dar con el tono, y hace bueno el dicho ‘Quien mucho abarca, poco aprieta’ al narrar la dura adolescencia de Tommy, su amistad con un retrasado, su primer amor, los consejos de una presidiaria, los disgustos de la madre, su intervención en una eutanasia… Pero el chico se esfuerza, y el reparto tiene su encanto.

Adaptación de la novela de John Le Carré, en cuyo guión él mismo ha participado. Narra la llegada al Panamá de la era “postrecuperación-del-canal” de Andy, espía que trabaja en su propio provecho y sólo, como posible efecto secundario no deseado, en el de su país, el Reino Unido. En el país centroamericano contacta con un sastre que puede ser una buena fuente de información. Y empieza a exprimirle sin que le importe demasiado si lo que le cuenta es verdad o no. Vuelta de tuerca a la idea imaginada por Graham Greene en Nuestro hombre en La Habana de espía que inventa una información increíble. Sólo que el film entregado por Le Carré y John Boorman tiene menos sentido del humor y una visión bastante más cínica del ser humano. Así, el personaje de Pierce Brosnan, Andy, cae antipático: su obsesión por el dinero y el placer (sexo que remacha lo animal que es Andy) no ayudan a hacerlo amable. Más cercano resulta el personaje del sastre, encarnado por Geoffrey Rush: las dudas acerca de la mentira sobre la que ha edificado su vida familiar tienen su interés.

La droga. Un infierno que no cesa. Madre e hijo. Ella está enganchada a la tele, y pronto también a unas “pildoritas” para estar en forma. Él, con su novia y con un amigo, quiere forrarse con el negocio de la droga. Darren Aronofsky, que demostró su capacidad de dibujar atmósferas de pesadilla en Pi, nos hace descender a un abismo de inmoralidad y desesperación donde las personas casi dejan de serlo. Con gran ritmo y originalidad visual (sobre todo al mostrar reiteradamente la ingestión de las dosis), Aronofsky "engancha" al espectador en esta huida al infierno. Magníficos los trabajos de la veterana Ellen Burstyn (nominada al Oscar) y de Jared Leto.

Bella es una camarera treintaañera de Nueva York, que mantiene una relación sin futuro con un hombre casado. Su madre le propone conocer a Bruno, un taxista que escribe novelas. Otros personajes van a tomar café al bar de Bella y conoceremos igualmente sus vidas. Sensible comedia del director y guionista israelí Amos Kollek, que dibuja personajes urbanos en crisis de identidad, atrapados por el sexo, a la búsqueda de la felicidad; aunque no sepan cómo dar con ella.

1944. Jakob sobrevive como puede en un ghetto judío en Polonia. Un día recibe casualmente noticias frescas del frente, y todo el mundo se cree que la información procede de una radio oculta. Como tal radio no existe, y la gente le apremia, Jakob empieza a inventar noticias: consignas, el avance de los soviéticos... Esta tarea la compatibiliza con el cuidado de una niña de 10 años, que escapó milagrosamente del tren que la conducía a Austchwitz. Estamos ante el remake de un film alemán de 1975 que fue candidato al Oscar a la mejor película extranjera. La meta es dar un tono dramático y realista a la historia; una meta menos arriesgada que la pirueta tragicómica y poética de La vida es bella, pero igualmente interesante. Peter Kassovitz dirige con pies de plomo para no meter la pata y ofender a alguien por un posible tratamiento frívolo del holocausto. Y además de contar las esperanzas que Jakob transmite (curiosa paradoja en el infierno del campo de concentración: para traer esperanza, hay que mentir), se muestra de modo muy sentido la amistad entre el protagonista y una niña. La idea de que en medio del horror puede surgir lo mejor del hombre es sin duda sugerente. Robin Williams compone uno de sus "papeles serios", aunque se reserva unos cuantos momentos de humor, en los que se encuentra muy a sus anchas. Quizá el mejor es aquel en que simula poner en marcha la radio, que empieza a emitir un discurso de Churchill.

Jericho Cane es un antiguo policía, amargado desde que su mujer e hija murieron a manos de unos delincuentes. Su encuentro con un mendigo chiflado le hace caer en la cuenta de que el fin del mundo puede estar cerca, si no impide que una mujer conciba al Anticristo. A mamporros con el diablo. Así cabe definir el regreso de Arnold Schwarzenegger al cine de acción. El guión trata de atinar con la fórmula capaz de combinar la pura acción, con elementos de thriller al estilo Seven o elementos diabólicos que remiten a El exorcista. Quizá la mejor secuencia sea aquella en que el diablo (Gabriel Byrne) tienta a Jericho, escalofriante sin necesidad de acudir al efectismo de turno. Aunque el film presenta algunos elementos casi cómicos –un grupo de cardenales en torno a un Papa en silla de ruedas en lo que parece, casi, una reunión de la 'Cosa nostra'; los sótanos de una parroquia ocupados por un montón de curas trabajando en sus ordenadores para impedir el nacimiento del Anticristo; los pintorescos miembros de la secta de "los caballeros Vaticanos"; el diablo acostándose con toda mujer que se pone a tiro…–, su director, el competente Peter Hyams (Capricornio Uno, Atmósfera cero, Timecop), procura darle la mejor consistencia posible. De modo que el entretenimiento está más que asegurado.

Thomas Crown es un caprichoso multimillonario, que lo tiene todo. Pero no le basta. Su hobby, por llamarlo de alguna forma, consiste en robar valiosas obras de arte. Hasta ahora sus golpes siempre han quedado impunes. Pero puede que haya encontrado un rival a su altura. Su nombre, Catherine Banning, una hermosa investigadora que debe recuperar uno de los cuadros robados por Crown. El caso es que en el juego del ratón y el gato que ambos se traen entre manos, en que no se sabe cuál es el papel de cada uno, surge el inevitable romance. John McTiernan, recién salido del rodaje de El guerrero nº 13, se embarcó en esta aventura de ladrones de guante blanco, donde uno de los grandes activos es la atractiva pareja protagonista que conforman Pierce Brosnan y Rene Russo. Una de las escenas más impactantes sucede al final del film, donde un robo y un montón de gente con sombrero bombín provocan un divertido caos.

El presidente de los Estados Unidos se ve envuelto en el asesinato de una de sus amantes, pues el tipo es muy aficionado a prácticas sexuales sadomasoquistas. Tratará de tapar el escándalo con todos los medios a su alcance, que son muchos. Con lo que no contaba es con un testigo de su crimen bastante inusual: un ladrón de guante blanco, que estaba "trabajando" en la casa de un millonario de Washington, donde se "entretenía" el magnatario. Adaptación del best-seller de David Baldacci, no es lo mejor que ha hecho Clint Eastwood en su vida, pero la película se sigue con interés, y siempre da gusto ver a Gene Hackman, aquí como impresentable presidente.

Siglo XVII. Un guerrero indio es capturado y llevado desde Estados Unidos, entonces colonia británica, hasta la hostil Inglaterra. Allí el indio estará desconcertado, asustado y se sentirá amenazado, pero por sí mismo emprenderá una heroica huida. Entretenido film de aventuras de la factoría Disney, que cuenta con un impresionante reparto de actores, con protagonismo para el entonces muy joven Adam Beach (Windtalkers). El guión es ameno y ágil, por lo que la historia se sigue con interés.

1927. En Kingdom County se va a construir una presa, los vecinos tendrán que desalojar las tierras que serán inundadas por las aguas. Pero el leñador Noel se resiste a abandonar una tierra que es su razón de vivir, a pesar de las presiones de la empresa constructora, lo que incluye una sustanciosa compensación económica. Una historia que atrapa, basada en la novela de Howard Frank Mosher, y que ofrece la oportunidad de ver hermosos parajes naturales. En el reparto destaca la pareja protagonista, Rip Torn y Tantoo Cardinal –la esposa india–, y es la oportunidad de ver a Michael J. Fox en un papel menos aniñado de los que le han dado fama.

Esplendida Superproducción que narra la expedición y descubrimiento de America por Cristobal Colón, así como los inicios de su conquista y posterior colonización. Ridley Scott está al frente de la dirección de este film en el que destaca el esfuerzo por la reconstrucción y ambientación histórica de la España de los Reyes católicos, así como la dura vida y los peligros a los que se exponían estos descubridores y navegantes. Scott da al film un tono épico que queda resaltado por la espectacular banda sonora de Vangelis. Espléndidos vestuarios y decorados resaltados por un brillante fotografía contribuyen a dar solidez al film. Por último resaltar también un gran reparto,encabezado por Gérard Depardieu que da vida al genial Almirante, al que acompañan Sigourney Weaver como Isabel la Católica, Fernando Rey, Ángela Molina... Resalta la escena en la que Cristobal Colón pisa por primera vez la tierra de las américas, en la que Scott quiere hacer ver un paralelismo con las aventuras de los descubrimientos espaciales (en particular la llegada del hombre a la luna) que han tenido lugar en nuestro siglo.

Thriller televisivo cuya trama sigue las investigaciones de una joven de origen rumano, llamada Irina, acerca de la historia de su padre, del cual sospecha que tuvo un pasado nazi. El argumento recuerda a La caja de música. Aunque acusa demasiado su factura televisiva, resulta interesante y el suspense está logrado. Destaca la poderosa presencia del veterano George C. Scott (Patton) y de la bella Diane Lane (Cotton Club).