Nicola Piovani

Meticulosa reconstrucción de la trayectoria de Tommaso Buscetta, auténtico miembro de la mafia siciliana, que decide en los 80 abandonar su carrera criminal y establecerse con su familia en Brasil. El asesinato de varios miembros de su familia a manos de “la cosa nostra”, que no aceptan que Tommaso haya roto con la organización y se encuentre en paradero desconocido, van a resultar determinantes para que resuelva colaborar con la justicia italiana, tras ser detenido en Brasil y extraditado. La ruptura por primera vez de la no escrita “ley del silencio” mafiosa, le lleva a estrechar lazos con el juez instructor, Giovanni Falcone, aunque siempre asegurará que él no es un “arrepentido”, sino que considera que son sus antiguos socios los que se han corrompido, dejando atrás el código de honor que imperaba en los inicios, por ejemplo traficando con heroína. El octogenario Marco Bellocchio, especializado en historias inspirados por hechos reales de la historia reciente con componente político –Vincere, Buenos días, noche– logra imprimir a la narración un ritmo dinámico, en que la fascinación por el personaje protagonista no le ciega, hay un esfuerzo por entregar un dibujo objetivo del “traidor”, un “Judas” para sus antiguos compinches, de lo que es ilustrativo uno de los planos finales, en que se recuerda una de sus acciones criminales, ejecutada a sangre fría. También hay contención a la hora de recrear la comparecencia en sede judicial de quien fuera primer ministro, Giulio Andreotti, a quien Buscetta incrimina en la actividad de la mafia, aunque será siempre de modo indirecto. Pierfrancesco Favino encarna bien al protagonista, tiene mérito ese rostro que a veces parece inexpresivo, pero que en realidad está expresando muchas cosas, desde el miedo a que le maten en cualquier momento, al dolor, manifestado cuando escucha el modo en que se produjo el asesinato de sus hijos. Los años y escenarios narrativos avanzan y cambian suavemente, con acierto. Y se da con el tono justo para escenificar los juicios, en que los mafiosos tras mamparas de cristal montan un grotesco circo, hasta dar al conjunto un aire surrealista, que muestra adónde conduce la inmoralidad y el abandono de los principios básicos. Hay momentos visualmente potentes –el atentado a Falcone–, otros en cambio podían haberse omitido, la escena de la prostituta en prisión, que nada aporta.

Una cumbre del G8 tiene lugar en un gran palacete de la costa alemana. Hay pendiente la toma de una importante decisión que puede determinar el curso económico de los próximos años. En estricta reclusión pasarán ahí unos días los ministros de economía de los países más ricos del mundo, presididos por Daniel Rochè, director de Fondo Monetario Internacional. Pero, para asistir al evento, éste también ha invitado a otras dos personas completamente ajenas al mundo económico: la escritora Claire Seth y el monje Roberto Salus. Más que sugerente película dirigida por Roberto Andò, quien vuelve a contar con el protagonista –el gran Toni Servillo– de su anterior film, Viva la libertà. Andò entrega un film inusual, cuyo insólito planteamiento tiene algo de surrealista y anacrónico: un monje cartujo, con su hábito medieval, paseándose por entre las pulcras paredes de un amplio palacete en donde se reúnen los hombres más poderosos del mundo. No es muy corriente en los tiempos que corren que las conciencias de ministros y políticos reclamen arrepentimiento y el guión deja claro que esos prohombres del mundo toman sus decisiones siendo perfectamente conscientes de los males que provocarán con ellas. Unos sufren más y otros menos, pero nadie queda al margen. Andò refleja así la seria responsabilidad que pesa sobre los gobiernos que toman decisiones macroeconómicas para servir a sus propios intereses, líderes capitalistas que supeditan muchas veces sus políticas a ecuaciones y números abstractos olvidando la justicia y la vida real de las personas. Pero no vaya a creerse que Las confesiones es una película religiosa. El guión de Angelo Pasquini y del propio Andò toca lógicamente esa dimensión, pero se acerca a ella muy de puntillas, de modo difuso, poco ortodoxo, lo cual no impide formular la idea de fondo de que detrás de la historia hay fuerzas misteriosas que mueven los asuntos humanos. Visualmente el cineasta italiano impregna la película de una atmósfera verdaderamente hipnótica (al estilo de su compatriota Paolo Sorrentino), con un elegantes encuadres de pasillos y habitaciones de hotel, lugares a menudo silenciosos, claroscuros, que invitan a los secretos, las escapadas furtivas. A ese primoroso aspecto formal –ayuda la música de Nicola Piovani– se suma una trama que invita levemente a la intriga, quizá con crimen de por medio, y ese ambiente subyugante se incrementa con la presencia del enigmático protagonista, un monje lacónico, inteligente, a quien Andò hace partícipe de las confidencias de los personajes. De todas formas, el espectador no las tiene todas consigo con Salus, mientras que Andò juega también a la ambigüedad con escenas brillantes como la del perro en la mesa de la reunión –el “tamquam leo rugiens circuit” de la Escritura– o la del discurso final. El plantel de actores es un lujazo, con el excepcional Toni Servillo a la cabeza, pero seguido muy de cerca por Daniel Auteuil o las actrices Connie Nielsen o Marie-Josée Croze. Película singular, un poco desconcertante, que quizá no aprovecha todo su potencial, pero que da que pensar.

La gastronomía ha dado mucho juego en el cine, con títulos como El festín de Babette, Comer, beber, amar, Deliciosa Martha o Ratatouille. Se suma El chef, comedia francesa de pocas pretensiones escrita y dirigida por el poco conocido Daniel Cohen, autor de dos largometrajes. A punto de ser padre, Jacky no consigue permanecer contratado como cocinero en ningún sitio por su desmedida afición a la alta cocina. Fiel seguidor del chef estrella Alexandre Vauclair, insiste en preparar platos sofisticados para clientes que buscan platos 'de batalla' y que no se toman demasiado bien sus exquisiteces. Acaba trabajando como pintor en una residencia de ancianos donde finalmente ayuda a preparar las comidas y se gana la admiración de los internos. Allí le descubre el propio Vauclair, que le ofrecerá hacer una prueba, necesitado urgentemente de un ayudante en un momento en el que se juega su negocio. El chef combina ingredientes de primera calidad, como una eficaz partitura de Nicola Piovani que suele sacar buenos resultados cuando compone para películas de encuentros culinarios (Cena de amigos), alimentos varios (Huevos de oro, Jamón, jamón) o donde tiene importancia algún restaurante (La vida es bella). El plato principal consiste en una correcta interpretación de Jean Reno, muy desaprovechado últimamente, que lleva como guarnición un esforzado trabajo de Michaël Youn, superior a su trabajo como protagonista en Iznogoud el infame. El conjunto está aderezado por una aparición del español Santiago Segura, como experto en cocina molecular, que tiene gracia. Totalmente predecible, algún fragmento disparado no acaba de funcionar, como aquél en el que los protagonistas se disfrazan de japoneses para espiar a la competencia. Sin embargo, El chef se gana al público por su tono amable, numerosos hallazgos hilarantes, y porque habla de la necesidad de afecto y de la importancia de cuidar las relaciones familiares como apoyo para triunfar profesionalmente y mantener la inspiración.

Francia se suma al carro de películas como las británicas La reina y El discurso del rey y la italiana Il Divo, en torno a mandatarios de la historia reciente. Esta producción gala tiene como protagonista a Nicolas Sarkozy, presidente de la República Francesa. Seguidores y detractores de este carismático político estarán de acuerdo en que se trata de una figura muy cinematográfica. De Nicolas a Sarkozy recrea su ascensión al Palacio del Elíseo, desde que su antecesor, Jacques Chirac, le nombró ministro del Interior, después fue el titular de Economía y Finanzas, líder de su partido –el UPM–, al tiempo que trataba de desbancar a Dominique de Villepin, su gran rival por el máximo cargo de representación del estado. El film se centra especialmente en su deteriorada relación con su esposa, Cecilia Ciganer, de la que acabó divorciándose. El especialista en producciones televisivas Xavier Durringer, autor de algún largometraje poco conocido, como J'irai au paradis car l'enfer est ici, logra sortear la caricatura fácil del personaje, y lo presenta como un hombre muy activo, pero también ambicioso, hasta el punto de que se preocupa por su esposa únicamente por la repercusión pública que pueda tener que le acompañe o no a votar. También ofrece la impresión de que anda bastante interesado en todo momento por llegar a lo más alto, pero no tanto por los problemas de los ciudadanos. Quizás se echa de menos que De Nicolas a Sarkozy profundice en algún asunto, como su papel en Interior cuando se produjeron importantes disturbios en Francia durante 2005, y que se explique mejor su meteórica subida de popularidad entre el electorado. En cualquier caso, es un film digno, con trabajadas interpretaciones. Denis Podalydès, como el protagonista, no pasa de correcto, y le superan con creces los trabajos de Bernard Le Coq (Caché), como Chirac, Florence Pernel (Azul), en el rol de Cecilia Sarkozy, y Samuel Labarthe (Cena de Navidad), que tiene un gran parecido físico con Dominique de Villepin.

Romilda gana un concurso de belleza en su pueblo y recibe ofertas para irse a Estados Unidos; sin embargo, a su padre no le gusta la idea y no la dejará marchar. Extensa adaptación televisiva del relato autobiográfico de Maria Scicolone, hermana real de Sophia Loren, que en este film interpreta a la madre de ambas. Se trata de un drama humano con buenas interpretaciones.

Varios amigos en torno a la cuarentena se reúnen para cenar: Marie y su marido Piotr, anfitriones de la velada; Juliette, hermana de Marie, que no se habla con su padre y que está enamorada de un hombre mucho mayor, Erwann; Lucas, compañero de trabajo de Marie, casado con Sarah, que sueña con escribir un libro; Alain, oncólogo, casado con Mélanie, ginecóloga, que engaña a su marido; Manuela, profesora de flamenco de Marie y paciente secreta de Alain... Entre conversaciones y risas somos testigos de la verdad y la mentira de sus vidas y de sus relaciones amorosas. El planteamiento podría haber dado para pergeñar una divertida película francesa, llena de enredos y de situaciones divertidas, con desenlaces alegres y tristes, rupturas y uniones. Lo que se dice una comedia sobre el mundo de la pareja. Algo de eso hay, pero muy poco. Es una verdadera pena el resultado conseguido por Danièle Thompson. Una pena por lo soso y lo poco atractivo de lo que se cuenta. No es una película mala, pero queda un regusto de gran decepción. Porque... ¡qué punto de partida tan interesante y qué guión tan ramplón! Con tanto personaje había que prestar especial atención a la definición de caracteres, cosa que brilla por su ausencia, y en el batiburrillo coral de las aventuras y múltiples diálogos de cada personaje falta chispa, complicidad, frescura. Al espectador le es muy fácil perderse o simplemente desconectar. Mala cosa. El conjunto es en definitiva una colección de estampas muy, muy frugales sobre las vidas y relaciones entre los diferentes personajes y tan sólo hay breves momentos en que la situación funciona, como el baile entre el padre de Juliette y el novio de ésta o la escena en que visionan la boda en el vídeo. El film, por tanto, acaba aburriendo por su poca originalidad, se olvida rápido e incomprensiblemente nada puede hacer para evitarlo el gran reparto, encabezado por la siempre cómica Karin Viard (Nada que declarar), el cara de bueno Dany Boon (Bienvenidos al norte) y la polanskiana Emmanuelle Seigner (Frenético), entre muchos otros.

Bilal es un joven kurdo procedente de Irak, que ha recorrido miles de kilómetros para reunirse con su amada Mina en Londres. Pero habiendo llegado hasta Calais, en Francia, se diría que el último paso de cruzar el Canal de la Mancha para llegar a Inglaterra resulta poco menos que imposible, los controles fronterizos son muy exhaustivos. Abandonada la idea de ir oculto en un camión, alimenta el plan de cruzar el Canal a nado; para ello acude a una piscina municipal, donde toma clases de natación con Simon, un profesor amargado por la separación de su esposa Marion.Philippe Lioret, con la ayuda en el guión de Emmanuel Courcol y Olivier Adam, urde una sensible historia acerca del drama terrible de la inmigración, los riesgos sin cuento que toman los que se proponen llegar al 'paraíso occidental'. Resulta especialmente emotiva la relación que surge entre Bilal y Simon, donde éste al principio sólo ayuda al otro para impresionar a su ex mujer -ella ayuda como voluntaria a los ilegales que arriban a Calais, proporcionando ropa y alimento-, en un intento desesperado de recuperarla. Trabajada, con matices, sin tremendismos, logra el cineasta francés no caer nunca en blanda sensiblería al describir la evolución de los acontecimientos, el modo en que se estrechan los lazos. Y a la hora de vertebrar la trama, funciona muy bien el paralelismo-contraste en las dos historias de amor, la de los enamorados iraquíes, y la de los separados Simon y Marion: la fuerza de voluntad y los sacrificios de Bilal espolean al conformista profesor de natación. Nadie es perfecto, pero todos se esfuerzan más o menos por ser mejores personas, y dejarse guiar por el amor, la única tabla de salvación en este mundo. Con tal idea flotando, bien punteada por la sencilla y efectiva partitura musical, y por la metáfora visualmente fuerte de la natación, Loiret entrega una solidísima película, que da mucho que pensar. El reparto es fantástico, desde el joven no profesional Firat Ayverdi, al estupendísimo Vincent Lindon, pasando por presencias más secundarias pero tremendamente efectivas como las de Derya Ayverdi y Audrey Dana -la novia y la ex mujer-, Olivier Rabourdin -el teniente de policía- o Murat Subasi -un inmigrante-.

Odette Toulemonde es una encantadora viuda de cuarentaitantos. Tiene dos hijos: Rudy, un gay extrovertido de alegre corazón; y Sue Ellen, habitualmente más enfurruñada y menos amistosa. Odette trabaja como dependienta de cosméticos en unos grandes almacenes y vive en un barrio tristón de clase media. Sin embargo, pese a su vida más o menos gris, Odette es divertidamente risueña, tiene un corazón de oro y una gran debilidad por las novelas de Baltazhar Balsan, un autor a quien adora. Según ella, sus novelas son el refugio donde encontró la felicidad tras la muerte de su marido diez años atrás. Un buen día, Odette decide demostrarle su admiración y expresarle su agradecimiento por medio de una carta. Debut en la dirección del escritor Eric-Emmanuel Schmitt, reputado autor teatral y novelista. Uno de sus relatos, El señor Ibrahim y las flores del Corán, ya fue llevado con éxito al cine en 2003 por François Dupeyron, con guión del autor. Ahora traslada a la pantalla su novela “Odette Toulemonde et autres histories” y el resultado es sobradamente estimable. El film tiene un aire de cuento jovial, romántico y enternecedor, que logra transmitir un meritorio equilibrio entre el drama y la comedia. Pero, aunque cobren fuerza algunos elementos dramáticos, Schmitt acaba por decantarse pronto por la diversión y la mirada optimista hacia las cuitas de los protagonistas. En este sentido, ofrece memorables imágenes de "realismo mágico" al más puro estilo Mary Poppins, que ilustran a la perfección el vitalismo y el carácter soñador de Odette. Asimismo resultan originales, aunque también algo desconcertantes, esas reiteradas visiones de Jesús, cuyas acciones quieren ser un trasunto de las diversas aventuras de la protagonista y su vida dedicada a los demás. Ese aire encantador e irreal –a veces próximo al musical cuando la protagonista canta y baila las canciones de Josephine Baker– es introducido en una puesta en escena convencional y realista, donde el peso absoluto lo llevan los personajes. Y como todo cuento que se precie, éste también tiene su moraleja. Schmitt da una visión acertada y nada superficial de lo que ha de ser el amor verdadero, y de que, en general, muchas veces los hombres no somos felices porque buscamos el bienestar en el lugar equivocado. Como bien enseña Odette, procurar la felicidad de los demás es lo que hace dichosas a las personas. Odette es claramente un personaje deudor de la Amelie de Jean-Pierre Jeunet, aunque es verdad que no llega al nivel del inolvidable personaje interpretado por Audrey Tautou. De cualquier forma, hay que destacar la extraordinaria actuación de Catherine Frot (Caos, Las hermanas enfadadas), sin lugar a dudas el alma de la película y la clave de su éxito. La Frot es una actriz enorme, con un talento excepcional y nada ostentoso para la comedia grata, con clase, y posee un rostro y unas maneras llenas de desparpajo y complicidad, bajo ese perpetuo gesto de pajarillo indefenso y bondadoso.

Una de esas agradables película francesas de tipo coral, que combinan a la perfección drama y comedia, con las perfectas dosis de lágrimas y sonrisas. Al estilo de títulos como Para todos los gustos. Firman el guión Danièle Thompson y su hijo Christopher (éste, también, actor), y dirige la primera. El hilo conductor de las distintas historias que se despliegan alrededor del Teatro de la Comedia parisino es Jessica, una joven que, impulsada por su abuela, se lanza a superar un desengaño amoroso comenzando a trabajar en una cafetería cercana. Allí conocerá al virtuoso del piano Lefort, que piensa en abandonar su carrera en busca de un público menos sofisticado, pero tal vez más genuino y auténtico; a un tipo adinerado que va a subastar toda su colección de arte, para desolación de su hijo; y a una popular actriz de un culebrón televisivo, que también hace teatro y aspira a deslumbrar a un conocido cineasta para conseguir el papel de su vida, el de Simone de Beauvoir, en un biopic sobre su vida y relación con Jean-Paul Sartre. La directora logra el preciso tono encantador y ligero para que el espectador vea el film con un agradable cosquilleo. Juega para ello con la idea de la vida como espectáculo, llevado al extremo, en el clímax, de lo que se diría un circo de tres pistas, el concierto, la obra de teatro y la subasta. Se produce el deseado despliegue de buenos sentimientos y adecuadas vibraciones, apoyado en una muy adecuada partitura de Nicola Piovani, que encaja bien con las piezas de música clásica y de canciones populares francesas. También hay acierto en el reparto, con rostros e interpretaciones muy gratos, entre ellos de un inesperado, en un film francés, del director-actor Sydney Pollack.

Roberto Benigni intenta repetir la fórmula que tan buenos resultados le dio en La vida es bella, que le hacía bascular entre el drama y la comedia, bien atravesados ambos de lirismo. La tragedia bélica que le sirve de telón de fondo es en esta ocasión la guerra de Irak. Por lo demás tenemos un protagonista, Benigni, con alma y oficio de poeta, despistado y ocurrente, generoso y con gran sentido del humor; y un interés amoroso, interpretado nuevamente por su esposa en la vida real, Nicoletta Braschi; y si no hay niño al que convencer de que el campo de concentración es un campamento de recreo, hay un amigo iraquí, también poeta afamado, que no es demasiado optimista ante la situación que atraviesa su país. Pero, si el cineasta italiano dio con la combinación justa de ingredientes para lograr que La vida es bella sea una joyita, no puede decirse lo mismo de su nuevo film. La omnipresencia de Benigni llega a hacerse cargante, hay pasajes que pretenden tener gracia y carecen de ella. Pero aunque falta equilibrio, hay un buen puñado de pasajes divertidos, y otros conmovedores, siempre con un toque surrealista, y sostenidos por ese amor entregado, sin reservas, que todos desearíamos mostrar más menudo de lo que lo hacemos.

Camille viaja a la remota isla bretona de Ouessant para arreglar la casa familiar antes de venderla. Sin embargo, una vez allí encuentra un libro que narra acontecimientos del pasado totalmente desconocidos para ella, cuando en 1963 un hombre extranjero, Antoine Cassendi, lisiado tras la guerra en Argelia, llegó hasta allí para trabajar junto a su padre en el solitario faro de La Jument, situado en medio del mar. El desconocido fue bien recibido por los padres de ella, Mabé e Yvon, pero le costó granjearse la amistad de los lugareños, muy reacios a abrirse a la gente del interior. Hermosa película francesa, rodada en bellas localizaciones y con el aire romántico y sutil de las pequeñas grandes historias, esas que hacen más referencia a lo que acontece en los corazones de los protagonistas que a los hechos que realmente vemos en pantalla. El director Philippe Lioret logra situaciones muy creíbles y naturales y sabe hacer progresar la narración con pequeñas pinceladas –el acordeón, el reloj, los trayectos en bici–, especialmente gráficas en la relación con Yvon (excelente Philippe Torreton) en el faro marino. Igualmente, salvo en algún momento más explícito, el amor se expresa por miradas y gestos, llenos de sentido gracias al soberbio y natural trabajo de Grégori Derangère y sobre todo de la luminosa Sandrine Bonnaire (La vida, Confidencias muy íntimas), una actriz de expresividad extraordinaria. La historia, delicada y pequeña, tiene también la fuerza de las grandes pasiones secretas, provincianas y universales, con un tono bucólico y lleno de nostalgia, realzado por la preciosa partitura musical de Nicola Piovani.

El actor Sergio Castellitto (Deliciosa Martha) se mete en la piel del comisario Maigret, la más genial creación del escritor Georges Simenon. Entre el reparto hay actores españoles, entre los que destaca Carlos Bardem. En este caso Maigret tendrá que descubrir a un asesino de mujeres, la mayoría prostitutas. Por los indicios, el comisario sospecha que puede tratarse de un cirujano.

El escritor chileno afincado en Gijón Luis Sepúlveda (autor de El viejo que leía novelas de amor) se pone por primera vez tras las cámaras. La acción nos sitúa en un imaginario país latinoamericano, parecido a Chile y dominado por un dictador, cuyos servicios secretos secuestran a un grupo de opositores. Del reparto destacan Leonardo Sbaraglia (En la ciudad sin límites) y la pequeña aparición del gran Harvey Keitel.

Una familia feliz. El padre, la madre, los dos hijos adolescentes, chico y chica. Se llevan bien. Apenas hay conflictos. Hasta que un día… el padre, que es psicoanalista, debe acudir a ver a un paciente. No podrá salir con su hijo Andrea, que aprovechar para ir a bucear con sus amigos. Será su última inmersión. El chaval muere, y todos se derrumban. ¿Hay un sentido en esa muerte? ¿Es posible superarla? ¿Por qué tanto dolor? Surgen mil y una dudas: “si no hubiera ido a ver a ese tipo, que encima no quería nada”, “debería haber estado más tiempo con él”, “hablar más”… El italiano Nanni Moretti ganó la Palma de Oro en Cannes con este drama que habla del vacío que puede dejar la muerte. Sentimientos de culpa, dificultad para reanudar la vida ordinaria, e incluso el silencio de Dios, forman parte de una película que llega a todo espectador, y que provoca un nudo en la garganta. Hasta el desenlace, un prodigio en su simplicidad, que nos permite tomar aire tras pasar casi cien minutos con la respiración contenida.

Gérard, un hombre que se siente fracasado, acude al Café central, un pequeño local ubicado en una estación de trenes. Aunque los clientes suelen ser viajeros a punto de tomar el tren, al lugar también acuden personas solitarias en busca de calor humano. Sencilla y humana producción holandesa, que entrecruza las historias de varios de los clientes del bar, a lo largo de veinticuatro horas. El director y guionista holandés Jos Stelling, con varios títulos en su haber, pero muy desconocido en nuestro país, pretende retratar el individualismo que aqueja a la sociedad actual, a través de variopintos personajes representativos de la Holanda actual.

En Namibia, la “joya de África”, viven grupos de caballos salvajes. Uno de esos hermosos potros es Lucky, que tras diversas peripecias es adoptado por Richard, un chaval huérfano, mozo de cuadra, con el que entabla una hermosa amistad. El animal corre muchas aventuras: se enamora de la yegua Beauty, y se enfrenta a un autoritario semental que tiene el significativo nombre de César. En la producción de este film rodado en plena naturaleza, con increíbles paisajes, está el nombre de Jean-Jacques Annaud, que ya en tiempos emprendió un rodaje parecido acerca de la vida de los osos. Annaud, que acudió a pedir ayuda a Jeanne Rosenberg, guionista de El corcel negro, explica: “Como director, quise identificarme con un animal. Así que decidí buscar ideas similares a las de El oso.” En la película, el papel de Lucky lo interpretan hasta 10 caballos diferentes, para representar las distintas edades del animal. Para lograr los resultados deseados, Sergei Bodrov cuenta que procuró ponerles “en una situación en la que reaccionarían de manera parecida a la que se da en la película”. Eso se llama trabajar con “método”.

Película inspirada en Luigi Pirandello, consta de dos segmentos bien diferencias. En el primero, "Felice", seguimos la trayectoria de un barítono con este nombre, que por motivos de salud debe dejar de cantar y pasa a trabajar en tareas administrativas en la ópera. A tan seria contrariedad se suma el suicidio de su mejor amigo y la actitud desamorada de su esposa. En el segundo, "Dos secuestros", se describen precisamente de modo paralelo dos secuestros acontecidos en Sicilia y separados temporalmente por un siglo. Los hermanos Taviani captan a la perfección el tono del autor de referencia, e imprimen a la triste narración un adecuado lirismo. Ambos fueron premiados como mejores directores en el Festival de Mar del Plata.

Año 1939. La Toscana, Italia. Guido es un hombre inocente y feliz, con alma de poeta. Le gustaría abrir una tienda de libros, pero ha de ganarse la vida como camarero. Un día conoce a Dora, la guapa maestra de un pueblo. Se enamora sin remedio de la "princesa", y comienza a cortejarla; su principal rival es un dirigente del partido fascista. Unos años más tarde, ya casados, tienen un niño. Pero un día se presentan unos soldados, y se llevan a Guido y a su hijo a un campo de concentración. Dora les sigue por amor. Una vez allí, Guido hace todos los esfuerzos que puede imaginar para que su chaval crea que se encuentran en un "campamento de verano", y que están participando en un divertido juego; el motivo, preservar la inocencia del crío de cinco años, y evitarle los previsibles traumas del horror nazi. Deliciosa. Encantadora. Todos los adjetivos resultan pobres para definir esta tierna fábula de Roberto Benigni. El director y actor italiano, que hasta la fecha presentaba en su haber comedias más o menos discretas como Johnny Palillo, El monstruo o El hijo de la Pantera Rosa, logra lo que parecía increíble: un delicado equilibrio para mostrar el horror y la tragedia del holocausto nazi, unido a un fino sentido del humor y a la ternura. A nadie se le escapa que hacer bromas sobre los campos de exterminio no es una tarea sencilla: enseguida se pueden herir sensibilidades o caer en lo grotesco. Benigni, en cambio, consigue tocar los corazones de los espectadores de todo el planeta con esta bella fábula. El film nos recuerda que, aun en las situaciones más terribles, es posible encontrar la belleza, a través del amor por los que tenemos al lado. La tradición del cine de Charles Chaplin se respira en La vida es bella; no hay que olvidar que el genial Chaplin también se tomó a chacota a Hitler en El gran dictador, y que mostró a un chaval encantador en El chico.

Palmira Gadea (Concha Velasco) es una cincuentona insatisfecha que, teniéndolo todo desde el punto de vista material, se siente vacía por dentro. Su aparentemente feliz matrimonio con Willy (Fernando Guillén), un exitoso ganadero, celebra las bodas de plata. Tiene unos hijos guapos y educados, y su casa es envidiable. Pero ella busca su propia identidad. De repente, se entera de que su marido le es infiel, uno de sus hijos no asume su ambigüedad sexual, y su hija le hace abuela. Palmira decide mirar más allá del jardín, dejarlo todo atrás, y marcharse con una organización humanitaria a un país africano. Es una nueva adaptación al cine, después de La pasión turca, de una novela del poeta y dramaturgo Antonio Gala. Una comedia dramática, en la más pura línea del melodrama. Aparte de la madura interpretación de Concha Velasco, destacan Fernando Guillén e Ingrid Rubio.

Miss Bentley, una madura solterona, se enamora durante la época de vacaciones del mayor Wilshaw, quien presta más atención a una hermosa joven. John Irvin cuenta con un gran reparto en un film de trazos muy 'british'.

Sencilla y personalísima cinta del intelectual italiano Nanni Moretti, director de La habitación del hijo. Narra, con su particular sentido del humor, historias basadas en su propia experiencia, como los relajantes paseos en Vespa por la ciudad de Roma.

Tete es un niño con una imaginación desbordante, al que no le sienta bien la llegada al mundo de su nuevo hermano. Tete se queda fascinado viendo cómo el bebé se alimenta de los pechos de su madre. A Tete se le ocurre que quizá planteando su problema a la luna, ésta acceda a enviarle una teta de la que pueda mamar cuando le venga en gana. Mientras está sumido en estos pensamientos, un espectáculo ambulante llegan a su pueblo. Lo forman Estrellita, alias Queen of Stuttgart y su marido Maurice Le petoman. A Tete le gustan un montón las tetas de Estrellita y las quiere para él solo. Pero pronto se da cuenta de que lo mismo le ocurre a Miquel, un electricista que trabaja en el camping donde Estrellita y su marido se han instalado. De esta manera, Tete y Miquel buscan la atención de Estrellita. Pero ésta está muy enamorada de su marido y no quiere saber nada acerca de las peticiones de Tete y de Miquel. Una curiosa película del controvertido Bigas Luna, ayudado en la escritura del guión por Cuca Canals. Supone un derroche de imaginación, tratando de derribar los límites entre la realidad y los deseos humanos, a lo Fellini.

Leonor, una acaudalada viuda, está muy orgullosa de Charlotte, su única hija, de 13 años. Sólo hay un problema: la cría es enana. Leonor, toda una autoridad, ha logrado que la gente no hable del problema de su hija. Y, curiosamente, un soltero rico, por el que suspiran todas las damas (Marcello Mastroianni), se enamora de la muchacha. Una delicia de comedia, con un actor gigante.

Aburrida, lenta y poco imaginativa recreación de la vida de San José y la Virgen María, a partir del momento anterior a su boda. El guión –que adapta libremente la novela de Pasquale Festa Campanile– acumula despropósitos, sobre todo en su descripción de San José, que aparece como un alcohólico y mujeriego. Se trata de un film irreverente, lento y prescindible muy inferior a la posterior Natividad, mucho más interesante en todos los aspectos. Además, el reparto realiza un trabajo mediocre, especialmente Penélope Cruz, que no termina de resultar convincente como la Virgen María.

Al acabar el servicio militar, Benito González, pretende casarse con su novia, pero ésta le ha engañado con su mejor amigo. Bigas Luna describe al típico ‘chulito’ español, apoyándose en una magnífica interpretación de Javier Bardem.

Dos niños que viajan con sus padres para conocer a su abuelo en Florencia, asisten al relato de una vieja historia familiar. Según la leyenda, existe una maldición que afecta a su familia, que proviene de la época napoleónica. Una humilde campesina se enamoró de un oficial francés de las tropas que habían invadido Italia. La historia se prolongará hasta la Segunda Guerra Mundial... Interesante film de los hermanos Taviani, autores de títulos como Good Morning, Babilonia y Padre padrone. Como es habitual, ambos son co-autores del guión, en esta ocasión junto con Sandro Petraglia.

Dramón rural ubicado en una zona innombrada del campo español. Silvia, hija de la propietaria de una "bar" de carretera, se queda embarazada de su novio, un niño pijo que es incapaz de escapar de las faldas de su madre, a la sazón dueña de una empresa de ropa interior masculina. Ésta ve con malos ojos la relación de su hijo con Silvia e intenta persuadirle para que la deje. Pero al comprobar la férrea oposición de su hijo, decide contratar los servicios de un joven que ha posado como modelo de calzoncillos en su empresa, para que seduzca a la joven y la aleje de su familia. El film, bien rodado y con una esforzada definición de sus desesperados personajes, tiene un aire melodramático y un ahondamiento en ambientes marginales e inmorales que le acerca al mundo almodovariano. Y por si esto fuera poco, conforme avanza el guión se va mascando más y más la tragedia. Como es habitual en la filmografía de Bigas Luna, el director catalán explicita una y otra vez su exacerbada historia de amor con un continuo y muy grosero recurso al sexo desenfrenado. Javier Bardem y Penélope Cruz interpretaron unos de sus primeros papeles protagonistas.

Ivo y Gonella son dos italianos que caminan por la ciudad viviendo aventuras en una Italia de fantasía e irrealidad. Último film de Fellini que, para algunos, fue una obra final absurda y prescindible. Lo protagoniza Roberto Benigni, aclamado actor años después por La vida es bella.

Un escritor algo neurótico (Giancarlo Giannini) que mantiene una relación con una viuda, decide abandonar a su amante e iniciar un idilio con una muchacha más joven. Poco después, deja embarazada a la chica y comienza a agobiarse con una situación que él mismo va convirtiendo en insostenible. Confuso y aterrado, empieza a sufrir enfermedades imaginarias. El film se hizo con tres galardones: Premio David de Donatello a la mejor dirección, y sendos premios al guión y la banda sonora del Sindicato Nacional Italiano de Periodistas Cinematográficos.

Adaptación de un relato de Leo Tolstoy, sobre un joven que desengañado de la vida en la corte del rey de Nápoles y la fragilidad del amor humano, se retira a un convento con deseo de ser monje. Pero se extiende su fama de milagrero, al tiempo que más de una mujer acude al lugar buscando seducirle. Los hermanos Paolo Taviani y Vittorio Taviani, con la inestimable ayuda de Tonino Guerra, entregan una película con empaque, de tempo deliberadamente lento, y algo ambigua en relación a los encantos del mundo y los de la vida ascética.

Original y fresca película de Nanni Moretti. Arranca con un pequeño accidente de tráfico de Michele, que le produce una amnesia parcial. De modo que tiene vagos recuerdos de su condición de miembro del partido comunista, y de jugador de waterpolo. Sólo a través de algunos sueños recuerda su etapa infantil, en la que tenía un miedo mortal al agua, su juventud de activista político, o su intervención en un programa de televisión. Moretti entrega una película inclasificable, muy bella formalmente, con un uso excelente de la partitura musical de Nicola Piovani, e imágenes para el recuerdo como la surrealista piscina con flotantes anuncios publicitarios. Hay elementos del subgénero deportivo en la emoción por el resultado de un partido, muy bien controlados y manejados con inteligencia, lo que incluye el hábil recurso de utilizar la película Doctor Zhivago, que están dando por televisión. Esto sirve para insistir en el tema de las ideas políticas -tratado de modo amable, al igual que los personajes católicos que tratan de persuadir a Michele de que no les separa tanta distancia-, y para entregar un pasaje netamente costumbrista, muy italiano, el de la reacción de la gente a la trágica escena del tranvía de Doctor Zhivago.

Un inmigrante belga que se ha convertido en comerciante de lana en Australia regresa a su país natal. Atrás ha dejado a su joven hija, pero en Bélgica va a conocer a otra mujer. Un drama en toda regla, protagonizado por Jeremy Irons.

Lenin ve la oportunidad de regresar a Rusia clandestinamente acabada la Segunda Guerra Mundial. En el tren conoce a David, un joven e idealista bolchevique con el que comparte distintos punto de vista de lo que está aconteciendo a su alrededor. Basada en una novela de Michael Pearson, de la cinta destaca la presencia de Ben Kingsley, Leslie Caron (Lili) y Jason Connery, hijo de Sean.

Debut en el largo del francés François Dupeyron. Se nota su formación en el documental a la hora de narrar una historia muy minimalista, el encuentro en el área de descanso de una autopista de una mujer, que acaba de tener una violenta discusión con su marido, y un tipo cuyo automóvil ha sufrido una avería. La pareja protagonista es de lujo: Catherine Deneuve y Gérard Depardieu.

Penúltima película de Federico Fellini y digno final para un director de su estilo. Su cine, lleno de excesos e historias fuera de lo común, lo vuelve a reproducir en esta película, donde lo real y lo ficticio se mezclan a su antojo llegando a confundir al espectador. En su trama, un periodista japonés desea hacer un reportaje sobre Federico Fellini. Con esta 'disculpa', el director italiano da rienda suelta a su imaginación, y todo lo que es su cine lo expone aquí con ánimo de poner punto y final a su carrera. Entre el reparto destacan Marcello Mastroianni o Anita Ekberg.

Los Taviani se miran como en un espejo en dos hermanos, restauradores de catedrales, que marchan a hacer las Américas, y acaban participando en el rodaje de Intolerancia de Griffith.

Sentido homenaje del maestro Federico Fellini a la pareja de bailarines por antonomasia, a través de Amelia y Pippo, dos cómicos que se reúnen tras décadas de separación. La pareja protagonista, Mastrioanni y Masina, está sensacional.

Uno de los grandes directores del cine italiano, Mario Monicelli (Rufufú) realiza esta comedia crítica sobre el intrascendente papel del hombre respecto de la mujer en la moderna sociedad italiana. La historia habla de unas cuantas mujeres, como Elena, quien ve cómo su inútil marido Leonardo, está más preocupado de su amante que de ella y de sus hijas Franca y Malvina. También están por ahí la hermana de Elena, Claudia, y la ama de llaves Fosca. Destaca el impagable plantel de actores y actrices.

Historia inspirada en hechos reales, sigue la trayectoria de un capo de la Camorra, que a pesar de ir a parar a prisión, controla desde ahí un imperio criminal, hasta el punto de que se postula como jefe de capos de la Camorra. Su hermana le ayudará a evadirse, y huirá a Estados Unidos, donde se relaciona con la Cosa Nostra. Debut en la dirección del italiano Giuseppe Tornatore, que adapta una novela de Giuseppe Marrazzo. El tono es muy diferente al de su posterior filmografía, presidida por la nostalgia. Aquí ofrece una mirada dura al mundo gangsteril de Nápoles, contando para ello con el protagonismo de Ben Gazzara.

Singular película de Nanni Moretti, protagonizada por él mismo, que sigue la andadura de un joven y pánfilo sacerdote, don Giulio. Le toca salir de la comodidad de un destino en una isla tranquila para volver a la gran urbe, donde reside su familia. Allí vive su ministerio con una piedad razonable, ocupándose de su 'pequeño rebaño', pero a la vez se ve confrontado con situaciones que ponen a prueba su fe, y que suponen un verdadero 'baño de realidad'. No es que tenga dudas, pero se descubre no escuchando a las almas que le cuentan sus problemas, sino dando vueltas a las situaciones que le desconciertan: el vecino de enfrente, antiguo párroco de su iglesia, ahora secularizado, casado y con un niño; la infidelidad de su padre, que se ha ido a vivir con una mujer más joven; la hermana embarazada que se plantea abortar; la injusticia en forma de brutal agresión contra su persona. El cineasta pinta esta situación de crisis con tono agridulce, de modo respetuoso, transmitiendo al espectador cierta desazón. No se cuestiona que el protagonista se mueve por ciertos ideales, y que en medio de la dificultad y el desconcierto, manifestados a veces vehementemente, mantiene la alegría. De algún modo Moretti viene a decir que don Giulio está metido en un callejón sin salida, la misa podrá terminar, pero sus problemas persisten.

Monicelli adapta correctamente la obra de Pirandello "El difunto Matías Pascal", donde Marcello Mastroianni hace el papel de un mujeriego que, para eludir responsabilidades con una joven a la que ha dejado embarazada, decide simular su muerte y huir. Años después, arruinado, no tiene más remedio que volver a su pueblo, donde se topa con esa mujer, casada con su mejor amigo. El realizador obtuvo, con este film, su quinta nominación a la Palma de Oro en Cannes.

Los hermanos Taviani adaptan cuatro relatos cortos de Pirandello y un epílogo. Entre ellas, "El jarrón" cuenta la historia de un hombre que se queda atrapado en el jarrón que está arreglando. "Hechizo de luna" reinventa el hechizo del hombre lobo.

Relato picaresco, en la línea de El Marqués de Grillo, aunque algo menor, donde Monicelli construye una peculiar pandilla, formada por Ugo Tognazzi, Alberto Sordi y Maurizio Nichetti. El director recrea, además, la Italia rural del medievo. En la Verona del siglo XII, un campesino, su hijo y un fraile, se dedican a provocar constantemente a un rey tirano (Lello Arena), con la intención de que abdique.

Durante la noche del 10 de agosto, festividad de San Lorenzo, una mujer le narra a su hijo, para que se duerma, una terrible historia. Muchos años atrás, en la misma fecha del verano de 1944, los vecinos del pueblo, una pequeña localidad italiana, deciden salir al encuentro de las tropas aliadas, tras conocer el avance de las tropas fascistas. Estos últimos deciden destruir las casas del pueblo y asesinar a todos los que se han quedado. Dura visión de la Segunda Guerra Mundial en Italia, a cargo de dos de los mejores realizadores de aquel país, los hermanos Taviani (Paolo y Vittorio) que juntos habían dirigido grandes obras maestras como Good Morning Babilonia o Padre Padrone. Precisamente el actor de esta última, Omero Antonutti, realiza en esta ocasión una gran interpretación.

En la Roma de principios del XIX, el noble Onofrio del Grillo -inspirado en el personaje real-, encarnado por un histriónico Sordi, dedica su vida a los placeres mundanos ignorando sus obligaciones con el Papa Pío VII (Paolo Stoppa). Un día decide intercambiar su papel con un revolucionario francés con quien guarda un extraordinario parecido. Monicelli retrata con ironía la vida de este popular aristócrata italiano, a través del siempre acertado Alberto Sordi, con una comedia teatral y satírica que se hizo con el Oso de Plata en Berlín.

Marco Bellocchio y su familia acuden de veraneo a su terruño natal en Bobbio, en el valle Trebbia. Asistimos a fiestas locales y eventos de descanso, como el baño en el río. Y también somos testigos de sus curiosas ensoñaciones de tipo surrealista, como una especie de crucificado, Jesús, mientras unos tipos juegan a las cartas a sus pies. De hecho, hay más imágenes de este tipo, a lo Fellini, como la de un grupo de seminaristas que pasea junto al río mientras un joven se baña desnudo.

Mauro, honorable juez, vive con su hermana, con la que está muy unido. Cuando ella empieza a verse con otro muchacho, Mauro no puede evitar sentir grandes celos. Interesante aunque duro film sobre la locura. El italiano Marco Bellocchio mantiene la elegancia en los puntos más escabrosos del relato y dirige con gran eficacia a los actores, pero en esta ocasión el ritmo es demasiado lento.

Paolo Passeri, un joven recluta, se traslada al cuartel, donde será víctima de abusos y vejaciones. Aún así se esfuerza para llegar a ser un buen soldado. El realizador italiano Marco Bellocchio critica duramente la vida militar en este drama, que trata temas como la envidia, la violencia y la injusticia. Sin llegar a la altura de los mejores trabajos del realizador, tiene puntos de interés.

La acción transcurre en 1972 en Milán. El periodista novato Roveda se une al veterano Lauri para seguir la noticia del asesinato y violación de Maria Grazia, la hija quinceañera de un profesor, a pocos días para las elecciones generales. Bizanti, redactor jefe, también realiza investigaciones por su cuenta. Uno de los grandes títulos de Marco Bellocchio, que rueda un film en tono de thriller con grandes dosis de denuncia política de la situación del momento. Gran trabajo de Gian Maria Volonté como periodista.

Film transgresor típico de la contracultura de la época, que transcurre en un internado para chicos bien con problemas en casa, donde la llegada de Transeunti provoca una rebelión de esa clase burguesa contra los curas que regentan el lugar. Un trabajo poderoso del italiano Marco Bellocchio, pero también con momentos grotescos y una mirada irreverente y poco amable hacia la religión, que puede emparentarse con facilidad con algunas películas de Luis Buñuel y Federico Fellini.