Lista de películas de la distribuidora European Dreams Factory

Contundente film antibélico, nominado al Oscar, con el que el estonio Elmo Nüganen acerca a los espectadores un episodio diferente de la II Guerra Mundial: el drama que vivió Estonia, pequeño país que estuvo tanto a merced de los nazis como del ejército rojo. Efectivamente, la bota rusa dominaba a los estonios antes de la guerra y muchos habían sido reclutados por el ejército de Stalin; cuando las tropas de la Wehrmacht ocuparon Estonia, muchos estonios vieron entonces a los alemanes como los liberadores y se unieron a sus filas pensando en la futura independencia de su país. De este modo miles de estonios, vecinos de los mismos pueblos y ciudades combatieron en bandos distintos, matándose entre ellos sin ser enemigos. 1944 habla de la tragedia bélica con sumo realismo, sobre todo al tratar la vida en las trincheras, donde la vida pende de un hilo y el sacrificio está a flor de piel, donde la muerte puede sobrevenir inesperadamente, la propia, la del compañero de al lado, la del hermano. La trama nos lleva desde las trincheras a campo abierto, y para contar su historia con el enfoque adecuado, Nüganen divide el film en dos partes esenciales: en la primera recoge al lucha de los estonios reclutados por los nazis, mientras que en la segunda su mirada se dirige a los estonios de las tropas soviéticas. Pronto multitud de detalles hacen ver la sinrazón de su situación. Ellos son estonios y no comulgan con ninguna de las doctrinas de ambos genocidas, aunque es cierto que Hitler es el que sale peor parado (gran escena la de las fotografías). En cualquier caso, en ambos bandos comprenden que son esclavos, pero no pueden hacer nada. Para el espectador puede resultar algo desconcertante anímicamente que el foco de atención cambie de un ejército a otro, pero Nüganen quiere dar las dos versiones y mostrar que el interior de los estonios era idéntico, lucharan con quien lucharan. Esto aporta un toque de objetividad a los hechos y sin duda ayuda a tener una visión de conjunto. Aún así, aunque hay varios detalles cuidados en el somero y coral dibujo de los soldados, con sabiduría el guión de Leo Kunnas se centra especialmente en un hombre de cada bando, soldados de gran personalidad, lacónicos, muy parecidos físicamente (no por casualidad): primero Karl Tammik (Kaspar Velberg) y luego Jüri Jögi (Kristjan Üksküla). El destino de ambos se encargará de gritar más fuerte aún sobre el horripilante absurdo bélico.

Las vitalistas e inseparables Caroline y Kelley afrontan con ilusión la nueva temporada, en la que con el equipo de vóley del instituto pueden repetir el triunfo del año anterior. La primera quiere dedicarle cada victoria a su madre, enferma de cáncer, que lucha para seguir viva de cara a ver a su hija en la universidad. Por desgracia, Caroline sufre un accidente mortal de moto, para consternación de su familia, pero también de sus compañeras, especialmente de Kelley, a la que la entrenadora, Kathy Brez, pone al frente del equipo en sustitución de la fallecida. El realizador Sean McNamara sobresale en el terreno de las películas de jóvenes deportistas femeninas, como ha demostrado en Pasión por el triunfo: medalla olímpica (sobre una patinadora) y sobre todo en Soul Surfer (protagonizada por una surfista). Como esta última, reconstruye una historia real sobre la capacidad humana de superar grandes tragedias y para usarlas como motor para lograr grandes gestas en el deporte. El tal McNamara –que empezó con secuelas para vídeo de Casper– ejemplifica el poder de la fuerza de voluntad, pues a priori le han colocado de nuevo una producción de bajo presupuesto, con voluntad de que sea lo más convencional posible, una historia en la que resulta inevitable ceñirse a los tópicos del género (equipo desastroso al principio que tiene que ponerse las pilas) y hasta algún miembro del reparto mejorable (especialmente el nuevo vecino ‘guaperas’ o el ayudante de la entrenadora). Sin embargo, sabe aprovechar sus fichas, sobre todo que se ha podido reclutar a dos actores en horas bajas pero sobresalientes, William Hurt (un progenitor que debió tener a su hija a una edad tardía, por la avanzada edad del actor) y Helen Hunt (una entrenadora brillante pero un poco antisocial), rodeados de jóvenes más o menos expresivas. Sabe alternar secuencias de intensidad dramática con momentos deportivos, que logran poner en tensión incluso a quienes desconozcan las reglas del vóley. Con todo esto, le saca tajada a un guión hábil, que avisa de que la obsesión por ganar acabe deshumanizando al individuo y termine con la pasión que le llevó a practicar el juego, y que traza a personajes de carne y hueso, especialmente al padre, que en su interesante subtrama sufre una crisis de fe por el dolor acumulado.

Alexia González-Barros fue una chica que falleció a los 14 años por un tumor en la columna vertebral, en 1985. Actualmente en proceso de beatificación, la joven, una chica muy normal, demostró una gran fortaleza y presencia de ánimo durante su enfermedad: mantuvo la sonrisa e, impulsada por su honda piedad cristiana, ofrecía sus dolores por la Iglesia. Su figura inspiró Camino, de Javier Fesser, cinta que desfiguraba la historia real, no sólo por la modificación de los nombres de sus protagonistas, sino por una mirada desfavorable del realizador a la religión y al supuesto entorno asfixiante de la adolescente protagonista, que vería en el sufrimiento de Camino, de modo casi sádico, una bendición del cielo. La cinta de Fesser intrigó al realizador procedente del campo de la animación Pedro Delgado (Puerta del tiempo), que se lanzó a reconstruir la historia auténtica en este documental. Él mismo se ha encargado de escribir el guión, junto a Jerónimo José Martín, crítico de cine de prestigio, que debuta en estas lides. Ambos han recurrido a una jugada que les ha salido bien: toda la cinta está narrada en primera persona por la voz supuesta de la propia protagonista, junto con Hugo, nombre que Alexia dio a su ángel de la guarda. Delgado y Martín recorren los aspectos biográficos más interesantes de la vida de su protagonista, desde su nacimiento, ayudados por un abundante material audiovisual inédito, que muestra a Alexia riendo, con sus perros, etc., rodado por su propia familia en Super 8, con un tomavistas de la época. La película incide de modo especial en que Alexia es una chica corriente, divertida e inteligente, y muestran sus dibujos infantiles, sus juegos y su afición al baile, o su Primera Comunión, que se celebró en Roma durante un viaje con fu familia con motivo de las bodas de plata del matrimonio, y que le permitió un feliz encuentro con Juan Pablo II. Padres y hermanos están muy unidos, y la enfermedad, lógicamente, es un “palo”, al que tratan de poner remedio humano confiando en los médicos, mientras rezan con fe a Dios pidiendo ayuda para sobrellevarla y la deseada curación. A pesar de que el relato de la muerte prematura de una niña debe ser por fuerza triste, los autores del documental mantienen un tono positivo y esperanzador, e incluso arrancan sonrisas, gracias a los simpáticos diálogos de la niña con su ángel, y a los dibujos del realizador Pedro Delgado, algunos impagables, como el que muestra el plan de Alexia para acercarse al Papa. Se recogen también jugosos testimonios, que tienen a veces un valor de desagravio, al mostrar la realidad de personajes que tan mal parados quedaban en Camino. Destaca el caso de Miguel Ángel Monge, capellán de la Clínica Universitaria de Navarra, concebido en la cinta de Fesser como un personaje siniestro, y que en la realidad resulta ser un sacerdote normal; o el de María José, la hermana de Alexia, que allí quedaba como una pánfila manipulada por el Opus Dei y que es sin embargo una mujer culta, inteligente y que derrocha simpatía. También resultan más que interesantes los testimonios del confesor de la niña, Manuel Martín de Nicolás, un tipo entrañable, o de la periodista Ninfa Watts, religiosa teresiana que fue compañera de colegio de la hermana de Alexia. Interesante para el público que desconozca la historia real, por su fidelidad a los hechos, e incluso para los no católicos, el film también resulta recomendable para aquellos que ya estén familiarizados con el drama de esta niña.

Singular película turca, basada en hechos reales, que documenta una realidad poco conocida, la contribución militar de este país a la Guerra de Corea. En los años 50, Süleyman es un hombre feliz, enamorado de una mujer estupenda, al que se le presenta un futuro prometedor. Pero debe partir a Corea con el ejército, para contribuir en la lucha que ahí se libra contra el adversario comunista. Ahí pronto va a ser testigo de los horrores bélicos. Sin embargo, salvar a una niña, la pequeña Ayla, que ha perdido a toda su familia, le devuelve toda su humanidad. Se ocupará de ella, despertando la ternura también en todos sus compañeros. La duda es qué pasará una vez termine la guerra. Can Ulkay dirige con buen pulso una historia que llega directa al corazón, y que sabe combinar las secuencias bélicas con los momentos dramáticos. De larga duración, la película abarca un amplio arco temporal, quizá en tal sentido queda algún agujero, la vida de Süleyman de vuelta a casa no queda todo lo explicada que sería de desear, de modo que los recuerdos de lo vivido allí, y el desenlace al que ayuda el hecho de que el mundo se haya convertido en una “aldea global”, aunque de interés, les falta un punto de emoción. Ismail Hacioglu hace un buen trabajo componiendo al Süleyman, mientras que Kim Seol es un encanto de niña componiendo a Ayla, su inocencia, que no extraña que emocione a la mismísima Marilyn Monroe, cuando llega a Corea a dar ánimos a las tropas combatientes.

Leo es un chico de dieciséis años, buena gente, pero un poco caradura, acostumbrado a ser el graciosillo de la clase y a no pegar ni palo. Sus dos grandes amigos son Niko y Silvia, testigos de el loco enamoramiento que Leo siente por una chica pelirroja del instituto, Beatrice, a quien Leo ni siquiera se atreve a presentarse. Finalmente, tras un leve primer encuentro, Leo se entera de que su amada ha contraído una gravísima enfermedad y su mundo se derrumbará... Adaptación de la novela homónima del italiano Alessandro D’Avenia, cuyo éxito es equiparable –aunque a menor escala– al de las obras de Federico Moccia, como las que dieron lugar a 3 metros sobre el cielo o Perdona si te llamo amor. De modo similar, la historia de D’Avenia –profesor de instituto– sublima el amor adolescente, lleno de vaivenes y extremismos, en donde no caben las medias tintas porque todo se vive o se sufre exageradamente. Aquí el autor aprovecha para situar las emociones en su contexto y también para establecer la diferencia entre pasión y amor, aunque a veces sea tan difícil separarlas, al mismo tiempo que habla de la realidad del dolor y también de la trascendencia. Narrada desde el punto de vista de Leo, la película ofrece un guión en ocasiones muy poco sutil, con diálogos y situaciones a menudo relamidas. En general todas las relaciones que se dibujan entre los personajes resultan un poquito forzadas, literarias y superficiales, aunque la falta de pretensiones consiga que en el conjunto, amable y romántico, no tenga demasiada importancia esa ligereza. Por lo demás, el director Giacomo Campiotti (Prefiero el paraíso) aporta su granito de arena a la hora de ofrecer una planificación y un montaje modernos, con ocurrencias eficaces (como la de los pies pegados al suelo, en una divertida escena), para trascender un poco los límites de una producción demasiado televisiva. Hay que destacar además el buen trabajo del joven protagonista, Filippo Scicchitano, sin duda la mejor interpretación de la película.

Blanka, una niña de once años, sobrevive como puede sola en las calles de Manila, donde pide limosnas y también roba dinero a los turistas. Después de que unos niños sin escrúpulos destruya su casa, conoce a Peter, prodigioso músico ciego, con el que descubrirá sus habilidades para la música. Tras ver a una actriz en televisión que habla sobre la adopción, la pequeña decide ahorrar el dinero suficiente... ¡para comprarse una madre! Conmovedora cinta que supone el debut en el largometraje de ficción del filipino Kohki Hasei, que deja claro que procede del documental, pues su estilo realista parece heredero del Neorrealismo Italiano. No oculta la miseria de los más desfavorecidos de su país, pero se muestra más esperanzado que su compatriota, el tremendista Brillante Mendoza (Cautiva), la figura más reconocida del cine filipino, e incluye notas de humor. Centrada en temas como la mezquindad entre marginales, también muestra que con dinero no se puede comprar lo más necesario de la vida: las relaciones con otras personas, y la familia. Aunque los protagonistas, la niña Cydel Gabutero, y Peter Millari, logran una enorme naturalidad, no todos los secundarios están a la altura. Además, se nota el carácter debutante del realizador en algún fragmento reiterativo.

Interesante documental pro vida sobre la realidad del aborto en Estados Unidos. Narrado por Alveda King, sobrina del mítico Martin Luther King, aúna argumentos sobre los intereses que mueven la realidad industrial del aborto en su país, y la dudosa constitucionalidad de un supuesto derecho al aborto, posible por la doctrina del Tribunal Supremo en el famoso caso Roe vs. Wade. Narrado con formato clásico que no trata de innovar en el género, su valor radica sobre todo en el esfuerzo por la objetividad, una innegable mesura al aportar para el debate argumentos de peso, científicos, legales y de discriminación racial, que cuestionan con fundamento el aborto. Son impactantes los testimonios de mujeres que han abortado mal aconsejadas y que han quedado marcadas de por vida, o el de una ex profesional en una clínica abortista, que describe los engaños urdidos por los empresarios de los abortorios para ganar dinero a cualquier precio. Muy mal parada queda Planned Parenthood, la más potente empresa abortista de Estados Unidos, que gana muchos millones de dólares con sus prácticas, en el peor ejemplo de capitalismo que imaginarse pueda. En efecto, se habla del pasado racista de su creadora, Margaret Sanger, y de que cómo a veces se llega a engañar a adolescentes que quizá no están en estado, pero a las que se les obliga a someterse a control "médico" por si acaso, con la consiguiente factura. La versión española del documental incluye una especie de apéndice sobre la modificación legislativa de 2010 en España en relación con el aborto. Aunque su intención es concienciar sobre la situación local, este añadido queda demasiado postizo -encajaría mejor como 'extra' en un DVD-, y en el fondo reclama que alguien aborde un buen documental sobre el caso español.

Chala es un chaval de once años que vive en La Habana, muy espabilado y con dotes de liderazgo, desprende simpatía por todos sus poros, pero tiene la dificultad de un hogar desestructurado, lo que propicia que se meta en líos. Desconoce quién es su padre –podría ser tal vez un vecino– y su madre está enganchada a las drogas, de modo que lo poco que gana lo gasta en eso. Hasta el punto de que Chala es el que aporta más plata al hogar, cuidando perros que luego se usan en peleas que mueven mucho dinero en las apuestas. Su maestra, la veterana Carmela, con mucho años en la enseñanza, sabe distinguir a sus alumnos más valiosos, y sabe que Chala es uno de ellos, por lo que ha sabido lidiar con su indisciplina de modo inteligente; pero un infarto que la retira temporalmente de las aulas propicia la llegada de otra profesora más joven y menos paciente, que piensa que Chala debería ir a una de las llamadas escuelas de conducta, para ponerle en vereda. Emotivo drama social del cubano Ernesto Daranas, director y guionista, que sabe pintar con unas pocas pinceladas lo que es la buena educación, aquella que se guía por el sentido común, viendo personas en los alumnos, que se hace cargo de las dificultades del entorno familiar, que conoce y acata las normas pero sabe aplicarlas con la necesaria flexibilidad, incluso ignorándolas si resulta necesario. Alina Rodríguez compone a una maestra memorable, de las que crean escuela y a la que todos los alumnos adoran. La cinta describe además la realidad sociológica del país caribeño, con sus situaciones de pobreza y marginalidad, o la sencilla religiosidad y las dificultades que pone el régimen castrista a expresarla en determinados contextos, hasta extremos ridículos e inhumanos, pensamos en esa estampita de la Virgen de la Caridad y los debates que ocasiona. Daranas sabe acudir a una simbología sencilla –criar palomas para volar frente al cuidado de los perros que se destrozan unos a otros, son muestra de dos actitudes vitales muy distintas–, e introduce subtramas entrañables como la de la niña palestina, que da pie a un amor platónico lleno de encanto y emotivo. El niño protagonista, Armando Valdés Freire, resulta muy natural, transmite inocencia, madurez y capacidad de aguante.

Docudrama de índole religiosa a cargo del especialista Andrés Garrigó, que ya recurrió a la fórmula de combinar documental y partes dramatizadas en la celebrada Fátima, el último misterio. Con la colaboración de Antonio Cuadri en los tramos que exigen trabajo actoral, su armazón de ficción lo ofrece el personaje de la novelista mexicana Lupe Valdés, que atraviesa una etapa de sequía creativa, no sabe sobre qué escribir. Su editor le sugiere que se ponga en contacto con María, que dirige un popular programa televisivo sobre enigmas y misterios. Y le hace una propuesta inesperada: que investigue la historia de la devoción al Sagrado Corazón de Jesús entre los católicos, desde su arranque con las apariciones a Santa Margarita María de Alacoque en el siglo XVII en Paray-le-Monial, en Francia. Lo que acomete al principio con cierto escepticismo se convierte en una búsqueda cada vez más fascinante, donde descubre hitos como la consagración de naciones enteras al Sagrado Corazón –el rey Alfonso XIII hizo la de España hace ahora cien años–, o el proyecto que parecía una locura de poner en marcha la basílica del Sacré-Coeur en París. El film está muy bien documentado, y los datos se van dosificando con inteligencia para captar la atención del espectador. En tal sentido quizá la parte de ficción es más convencional, e incluye una clásica historia de reconciliación padre-hija, que se habían distanciado. La idea es señalar cómo el amor ardiente del corazón de Jesús puede inspirar a las personas y ayudarles a cerrar heridas que no habían cicatrizado. En la parte ficcionada interviene la escritora María Vallejo-Nagera, que experimentó una sonada conversión tras una estancia en Medjugorje. Aunque su papel no es el de la escritora, como podría pensarse, sino el de responsable del programa televisivo.

El sentido de la vida es el gran interrogante al que se enfrenta el ser humano. Desde los filósofos griegos, que se quedaban pasmados ante las estrellas, hasta la actualidad, se ha buscado una respuesta satisfactoria sin encontrarla del todo. De qué va la vida plantea las grandes cuestiones: ¿Dios existe?, ¿hay milagros?, ¿qué sentido tiene el dolor?, ¿qué es la vida?, ¿por qué existe el mal?, etc. Primera película de Ángel González y Hugo Burgos exhibida en cine, tras varios trabajos documentales en Argentina para televisión. Arranca con un personaje que pasea y se hace a sí mismo estas preguntas, para luego plantearlas a gente de la calle. Ello se entremezcla con argumentos de especialistas en diversas materias desde el ámbito de la razón y la fe. Como último ingrediente se cuenta con testimonios de personajes como Irene Villa, víctima del terrorismo que habla de esperanza y perdón, o Claudia Koll, ex actriz de cine erótico que se convirtió al cristianismo. También cuentan su historia Diego Valeri, jugador de fútbol argentino y Pilar Domínguez, modelo y Miss Sevilla 2005. El documental no responde a la difícil pregunta “de qué va la vida”, más bien presenta un enfoque para que cada uno busque sus respuestas, desde una óptica cristiana, con un tono sugerente, sin pretender imponer. Los expertos que dan su opinión, varios de ellos sacerdotes, coinciden con el punto de partida de los autores de la película, “Dios existe y da sentido a nuestra vida”. De qué va la vida tiene buen ritmo gracias a las intervenciones espontáneas de la gente de la calle, distendido contraste a declaraciones más elaboradas. Tanto el comienzo como el cierre del film adolecen de un estilo algo doméstico, que contrasta con las entrevistas, cuyos primeros planos y cambios de punto de vista tienen más fuerza. Los directores se sirven de la música y de paisajes para mover a la reflexión, y en algunos pasajes los testimonios conmueven.

El pastor Dave regenta la capilla de St. James, situada en el campus de la universidad estatal de Hadleigh. Desde hace algún tiempo viene siendo objeto de controversia, la junta rectora considera que en una sociedad laica no cabe la presencia de ese lugar de culto, aunque lleve ahí desde tiempo inmemorial, antes siquiera de que existiera la universidad. Un incendio provocado, del que es víctima mortal el principal ayudante de Dave, azota aún más el fuego de la discordia. El pastor decide no rendirse a las presiones de las autoridades académicas para que venda el terreno donde está la capilla, y su hermano abogado Pierce decide ayudarle en las cuestiones legales, aunque él mismo lleve tiempo apartado de Dios. Entretanto el estudiante causante de la tragedia está reconcomido por la culpa, sólo puede desahogarse ante la chica que le gusta, aunque no sabe muy bien qué hacer. Tercera película de la saga Dios no ha muerto, películas producidas por una compañía de inspiración cristiana, Pure Flix, que con el telón de fondo del mundo educativo y las aulas, invitan al espectador a preguntarse acerca de la presencia de Dios en la existencia humana, frente a la tentación de enrocarse en las propias ideas, en vez de emprender una personal búsqueda de la verdad que en tantas ocasiones puede ser desafiante, o de tratar de entender la posición de la parte contraria. Y en estos terrenos, el film dirigido con eficacia por el debutante Michael Mason funciona a la perfección, Porque trata de incluir todos los puntos de vista en lo relativo a los derechos a la libertad religiosa y de culto, y lo importante del diálogo, además de mostrar el atractivo y la obligación de hacerse las grandes preguntas, de saber moverse por el amor, de poner en práctica el perdón, de buscar sentido al dolor. Y no evitan cuestiones incómodas, como las razones del alejamiento de muchos jóvenes de la práctica religiosa. Los personajes son seres humanos, y todos distan de ser perfectos. Y justamente ese reconocimiento de las propias flaquezas, bien imbricado en la trama, da al conjunto una gran solidez, y da pie a momentos muy emotivos. Está muy bien construidas la relaciones entre los personajes, el chaval culpable y su novia, el pastor y la mujer que le atrae, el pastor y el rector, pero entre todas destaca la de los dos hermanos, bien encarnados por David A.R. White y John Corbett, su toma y daca es una razón importante del encanto de la cinta.

Juan Duns Scoto (1266-1308) fue el fraile franciscano de origen escocés que ofreció la explicación teológica de la Inmaculada Concepción de María a comienzos del siglo XIV (500 años antes de que fuese proclamado como un Dogma de Fe de la Iglesia Católica). Duns Scoto narra la vida y enseñanzas del beato, en los años transcurridos entre 1303 y 1305, años duros y conflictivos en los que Duns Scoto rechazó firmar un decreto del Rey de Francia contra el Papa y disputó teológicamente con los Dominicos sobre la concepción de María, Madre de Jesús, aún a riesgo de ser excomulgado. Entre sus oponentes se encontraba nada más y nada menos que Santo Tomás de Aquino. El film, dirigido con correción por el italiano Fernando Muraca, también recrea la historia de Scoto cuando era niño y deseaba unirse a los frailes franciscanos.

Cuando una película tiene problemas para ser estrenada, puede que trate un tema de candente actualidad de forma directa. Es el caso de El apóstol de Cheyenne Carron, que aborda la conversión de un musulmán al cristianismo, y que no pudo ver la luz en Francia a causa del miedo generado por los atentados de Charlie Hebdo. Esto ya nos dice mucho de la cinta. La directora tiene las cosas claras. No se anda con medias tintas y dice lo que quiere decir. Akim es un joven musulmán afincado en Francia, el tercero de tres hermanos en una familia muy unida, que está destinado a ser el próximo imán de su comunidad. Un día, debido a un accidente, conoce a un joven cristiano con el que pronto entabla una gran amistad. Este lo invita al bautizo de su bebé y ahí su vida cambia por completo. Así inicia un proceso de conversión al cristianismo lleno de inconvenientes... La película no cae en maniqueísmos fáciles ni es superficial. La conversión de Akim se produce de forma paulatina y natural, con sufrimiento y drama familiar, un desgarro bien perfilado en los padres, el hermano al que se le viene parte de su mundo abajo, la hermana con la que mantiene una perfecta sintonía. La comunidad musulmana la conforman personajes diversos, más y menos tolerantes, un abanico amplio que se agradece. La sutileza de los cambios y la honestidad de la cinta son sus mejores virtudes. Esta es una historia hecha desde el corazón y de forma sincera, que muestra un gran conocimiento de los problemas que trata: la directora no pudo bautizarse hasta los 18 años porque su tutela pertenecía al Estado francés, por lo que el sufrimiento del protagonista le resulta muy cercano. A pesar de la escasez de recursos cinematográficos –es una obra más literaria que visual donde se echan en falta elipsis y metáforas–, la cinta consigue interpelar al espectador con una trama intensa, que toca un tema preponderante en muchos países: la intolerancia y el precio de la fe. A aquellos que tengan una preocupación religiosa este drama les tocará en lo más profundo de su ser. La pregunta que cabe hacerse es si esta historia podrá superar los límites de la comunidad cristiana y llegar a un público más amplio. ¿Estará dispuesto el espectador medio a ver una película de desarrollo lento, que exige un esfuerzo considerable, aunque el tema no le toque directamente? Tal vez no, pero aquellos que lo hagan disfrutarán del poso que deja el film.

Lee Strobel, periodista de la crónica criminal y de juzgados del Chicago Tribune está felizmente casado con Leslie, es padre de una niña y hay otro hijo en camino. Un suceso que podía haber sido trágico acerca inesperadamente a Leslie al cristianismo, situación que descompone a Lee, pues ambos hasta la fecha se habían declarado firmemente ateos. Sus diferencias acerca de la fe podría poner en peligro la estabilidad familiar, pues se crea cierta distancia. De modo que Lee decide compatibilizar una investigación sobre un policía tiroteado por un maleante, con otra de calado diferente: quiere reunir pruebas de que la fe cristiana es una superchería, de modo que buscando hechos y pruebas con expertos, trata de demostrar que la resurrección de Jesús nunca tuvo lugar. La indagación va a suponer una fuerte conmoción en su vida. Película basada en hechos reales, documentados por el propio Lee Strobel en un libro que se convirtió en superventas. Resulta original el planteamiento de cómo las convicciones cristianas pueden convertirse en punto de fricción en un matrimonio, y el intento de resolver él la cuestión con una investigación periodística, donde hacen falta pruebas, testigos, opiniones de expertos, como en cualquier reportaje hecho con honestidad. De este modo se realiza un acercamiento respetuoso con cualquier punto de vista, también el del no creyente, pero haciendo una exposición atractiva y bien fundamentada acerca de los motivos de credibilidad del cristianismo. El guión de Brian Bird sigue con acierto el clásico y sólido esquema de las películas de chicos de la prensa, aquí con una doble indagación, la que el periódico ha encargado al protagonista, y una muy personal, y que puede cambiar toda su cosmovisión, el modo en que encara la existencia. E imbrica bien las cuestiones personales, el drama familiar y los motivos de fondo en el obcecamiento de Lee, que más que buscar la verdad, quiere probar que tiene razón, posición intelectual poco rigurosa que no sabe reconocer, ni siquiera ante sí mismo. Jon Gunn, que ya antes había dirigido películas sobre la presencia de la fe en la vida cotidiana, entrega aquí su mejor trabajo, el director ha ganado en oficio, y sabe describir los conflictos de los personajes, de Lee, bien encarnado por Mike Vogel, y de la esposa, una convincente Erika Christensen. Hay acierto en el resto del reparto, donde junto a dos ilustres secundarios cuya presencia sabe a poco, Faye Dunaway y Robert Foster, se suman otros desconocidos, como la amiga enfermera del matrimonio, L. Scott Caldwell, que desencadena la crisis.

Iván Drago es un chaval que no está hecho para la acción. Aunque su padre le empuja a salir de su cuarto, a hacer deporte al aire libre, a él le gustan más los juegos de mesa, la tranquilidad de su habitación. Porque su imaginación es desbordante. Y gracias a ella resultará ganador de un concurso de invención de juegos entre más de 10.000 participantes. Recibirá por ello el sello de la Compañía de los Juegos Profundos y a partir de ese momento su vida será una continua aventura. Cuarta película como director del argentino Juan Pablo Buscarini (Pérez, el ratoncito de los sueños), especialista en cine para todos los públicos. En este film ofrece un derroche de imaginación y no cabe de duda de que el planteamiento de la historia –adaptación de una novela de Pablo De Santis– es a priori muy atractivo; sin embargo, a medida que se van sucediendo los minutos también la reiterada acumulación de elementos, de enigmática información, de personajes, de palabras y explicaciones, deviene en atolondramiento, de modo que al espectador se le hace difícil dilucidar el objetivo de esa montaña rusa de sucesos en que se convierte El inventor de juegos. Quizá ha faltado mesura en el guión. El film puede disfrutarse, por supuesto, como un rocambolesco conjunto de aventuras fantásticas según donde tenga lugar cada episodio –en el sórdido colegio, en la enigmática ciudad de Zyl, en los dominios feriales de Morodian–, pero esa limitada lectura iría claramente destinada a los más pequeños, mientras que para los adultos la abigarrada narración es fácil que derive en algo confuso y esquemático. Por eso, lo mejor del film es seguramente la cuidada ambientación de los escenarios, con unos decorados a la altura de una narración fantástica que traslada el mundo de los juegos infantiles a los objetos reales. La iluminación y los colores tienen así mucho protagonismo. En cuanto a las interpretaciones, el chaval debutante David Mazouz hace un brillante trabajo y se le puede augurar un buen futuro, pero también destacan las composiciones del manipulador Joseph Fiennes y del veterano Edward Asner.

Alberto Manzi (Claudio Santamaria) recuerda sus inicios en la enseñanza, cuando en 1946, acabada la guerra en Italia, encuentra un empleo de maestro en un férreo reformatorio de jóvenes en Roma. Allí será recibido sin apenas interés, pues nadie confía en que los alumnos –rateros, ladrones, asesinos– puedan aprender algo de provecho. Pero Manzi luchará con denuedo para que aprendan a leer y a escribir. Les dará confianza, creerá en ellos y poco a poco los chicos empezarán a sentirse queridos e iniciarán el camino de la transformación. El director italiano Giacomo Campiotti, especialista en filmes televisivos producidos por la Rai (Moscati, Blanca como la nieve, roja como la sangre) vuelve a entregar una sentida película llena de humanidad y que supone todo un homenaje al arte de enseñar. Es verdaderamente encomiable la tozudez con la que el protagonista Alberto Manzi (magnífico personaje creado por los guionistas Claudio Fava y Monica Zapelli) lucha una y otra vez ante los elementos para lograr aportar un futuro de esperanza a unos alumnos prácticamente desahuciados por la sociedad. Precisamente, ese no tirar la toalla es de lo que habla el título original: “nunca es demasiado tarde” para dar a los jóvenes una guía, un norte para su futuro, para sentirse queridos y creer así en ellos mismos, de modo que la sociedad cuente con la esperanza de un mundo mejor. Inspirado en hechos reales, el film bebe mucho de la tradición neorrealista italiana, tanto por su puesta en escena (estupenda la recreación de la época) como por el material de fondo con el que trabaja. Hay en los años cuarenta del siglo XX en Italia unas tremendas dificultades para salir adelante, la Segunda Guerra Mundial ha hecho estragos no sólo en lo material sino en el optimismo del corazón humano. Pero, siguiendo la tradición de Roberto Rossellini y demás, Campiotti ofrece un retrato de personajes entrañables, seres sufrientes pero de corazón grande y de admirable fortaleza. En este sentido cobran mucha importancia la mujer del protagonista (Nicole Grimaudo), así como el director del reformatorio (Giorgio Colangeli), un hombre sufridor, cuyo duro caparazón no podrá impedir que su nobleza enterrada por el pesimismo gane finalmente la partida. El maestro contiene momentos de gran emoción, relacionados tanto con la vida del Manzi (esas cartas en el árbol) como con su relación con los chicos, con un memorable final. Es cierto que quizá hay demasiada dulzura en la historia, exceso de buenismo, que la evolución de los alumnos podría haberse mostrado mejor y que salta a la vista la dificultad de elegir a unos pocos, dos, tres, como las puntas de lanza del aprendizaje (no se escapa que esto pueda deberse también al recorte de la mitad del metraje de cara a la exhibición de la película en las salas). De cualquier forma se logra transmitir una enseñanza universal, centro argumental de la película: si tratamos a las personas como seres humanos, sea cual sea su situación, su historia y sus tragedias, daremos el primer paso para que su dignidad tome las riendas y su libertad encuentre responsablemente el camino para que lleguen a encontrarse a sí mismos y convertirse en buenas personas.

Daniel visita un orfanato para donar algunos objetos. Allí conoce a varios niños con problemas de convivencia y para entretenerles les contará un cuento: el del medallón perdido, un objeto de mucho valor capaz de realizar todos los sueños. Ese objeto será buscado por el joven Billy, hijo de un famoso arqueólogo, a quien ayudará su buena amiga Allie. Cuando lo encuentran se verán transportados a una época legendaria y tendrán que luchar por salvar a un antiguo pueblo del asesino del rey, un tirano llamado Cobra que pretende dominar con terror a sus semejantes. A ellos se unirá el joven Huko, el legítimo heredero del reino. Entretenido film de aventuras infantiles, que sigue la estela de Los Goonies con claros elementos tomados del universo de Indiana Jones. Supone el debut en la dirección de Bill Muir quien logra insuflar vida a los niños protagonistas, muy diferentes en sus caracteres y cuyas reacciones adultas se entremezclan a la perfección con la imaginación y la ingenuidad de los corazones infantiles, capaces de jugarse el todo por el todo por los más altos ideales. Hay logrado golpes de humor y buenas dosis de acción, con secuencias muy bien rodadas a pesar de la presumible economía de medios, como la escena de la persecución con motocicleta o la huida en canoa. La trama atrapará sin duda a los más jóvenes, mientras que el tono de fondo de El medallón perdido: Las aventuras de Billy Stone entronca con la visión trascendente de la vida de filmes para adultos como Gigantes hacia la victoria o Prueba de fuego. De hecho, no es casualidad que el director de estos filmes, Alex Kendrick, interprete a uno de los personajes principales, el autor del cuento que se narra. Hay por tanto valiosas enseñanzas acerca del bien y el mal, de las virtudes que ha de tener un verdadero rey, y de la importancia de la amistad, la bondad y la grandeza del corazón. El resultado adquiere también cierta entidad gracias a la presencia de actores conocidos, como Mark Dacascos (El pacto de los lobos), en el papel del malvado Cobra o del veterano James Hong, en el del sabio Faleaka. 

“Haré más ruido muerto que vivo” declaró el capuchino estigmatizado Francesco Forgione, más conocido como el padre Pío, fallecido en 1968, y canonizado en 2002. Fue una frase profética, ya que sobre todo en Italia despierta incluso mayor devoción que otras figuras emblemáticas de la Iglesia Católica recientes, como la Madre Teresa o Juan Pablo II, pontífice que le elevó a los altares, y se habla de él más que de Cristiano Ronaldo, pues allí resulta habitual encontrar algún camionero que lleve su estampa en el parabrisas, o alguna imagen suya en la panadería, por poner ejemplos. En otros países, como España, resulta por norma general más desconocido, por lo que viene al pelo este documental que como adelanta su título descifra las dudas y enigmas que pueda generar el personaje, que ya dio lugar a Padre Pío, producción para la televisión italiana donde estaba interpretado por Sergio Castellitto. Supone el debut en cine, como director y guionista de José María Zavala, reconocido periodista de diversos medios, al que se recuerda sobre todo como jefe de información del suplemento económico de El Mundo, autor de numerosos libros sobre política e historia de España, y de “Padre Pío. Los milagros desconocidos del santo de los estigmas”, posiblemente su mayor éxito, y de “El santo. La revolución del Padre Pío”, por lo que se ha convertido en un gran experto sobre esta figura. Dividido en pequeños bloques temáticos, el film parece en el primer tramo compuesto a ratos por el abogado del diablo, o sea el promotor de la justicia que en los procesos de canonización pone en solfa los méritos del candidato a santo. Eso significa que no sólo no oculta datos que a priori puedan generar rechazo, sino que pone su acento precisamente en las polémicas que desató en vida, la persecución por parte de la jerarquía de la Iglesia, y sus diversos opositores, entre ellos el célebre doctor y franciscano Agostino Gemelli –que da nombre al policlínico famoso porque allí fue internado Juan Pablo II tras el atentado–, que proclamó la falsedad de sus estigmas y le calificó como neurótico, aunque con el paso de los años se retractó, como la mayoría de quienes le criticaron. La cinta adopta en ocasiones un tono similar al de thriller, por ejemplo cuando desvela que se le colocaron micrófonos para espiarle, o que fue acusado de mantener relaciones sexuales con algunas de sus hijas espirituales. De montaje impecable, destaca la exhaustiva labor de documentación. Incluye entrevistas valiosas con personas muy cercanas, como su sobrina, Pía Forgione, la centenaria Sor Consolata di Santo, primera religiosa del hospital fundado por el padre Pío en su localidad, San Giovanni Rotondo, discípulos como Pío Iadanza, y hasta Marciano Morra, que fue compañero suyo en el convento. Esta hagiografía no sólo deja claro por qué cambió las vidas de muchas personas, sino que brilla a la hora de presentar su lado más humano, como cuando explora la relación con su madre o su particular sentido del humor, o narra su propensión a echar del confesionario a aquellos pecadores que había detectado que no estaban arrepentidos.

En el cielo, los ángeles viven maravillosamente, hay una armonía perfecta, el aire es puro, la naturaleza resplandece y todo está limpio. En la academia de ángeles, los más jóvenes aprenden las prácticas angelicales para poder hacer su trabajo en la Tierra cuando estén preparados: cantan en el coro, dan clases de vuelo, crean nubes, etc. Pero el Pequeño Ángel no tiene suerte y se le dan muy mal esas cosas, es torpe y un poquito rebelde, y su instructor, el maestro Alban, está desesprado con él. Además el Pequeño Ángel echa de menos un cofre que contiene algunas cosas que tenía cuando estaba en la Tierra, su tesoro más preciado. Su compañero canino, el perro Halo, le ayudará a recuperarlo. Bonita película dirigida a los más pequeños y con un bello mensaje de fondo, el de ofrecer a Dios lo más valioso de nuestra vida, lo cual no tiene por qué coincidir con las preferencias de los demás. Dave Kim , que ha trabajado en el departamento de efectos visuales en filmes como In Time o Iron Man 3, adapta el exitoso libro infantil homónimo escrito por Charles Tazewell, ya llevado al cine en 1972 por Joe Layton. El relato de El pequeño ángel, algo deslavazado en su estructura, recuerda sin duda el cine ángélico de Frank Capra, sobre todo en la referencia al hecho clave de conseguir las alas. Se ha optado por dibujos muy sencillos, de líneas claras, con movimientos y acabados visuales poco llamativos. Los adultos seguramente se aburrirán, pero los niños tienen el entretenimiento asegurado.