Dennis Quaid

Nuevas aventuras perrunas kármikas, en la secuela de Tu mejor amigo, que siguen explotando la idea original de la novela de W. Bruce Cameron. En esta ocasión dirige Gail Mancuso, con experiencia en series televisivas como Roseanne y Modern Family. En esta ocasión Bailey vive con Ethan y su esposa Hannah ya abuelos en su granja, tienen con ellos a su nieta CJ, y a la madre de ella, Gloria, que parece incapaz de superar la muerte en accidente de su marido. De modo que se refugia en el alcohol, alimenta sueños quiméricos de llegar un día a ser una estrella, y desfoga su frustración con sus suegros, pues tiene la sensación de que silenciosamente le reprochan ser una mala madre. Hasta el punto de que un día se lleva a CJ y corta la relación con los abuelos de la pequeña. Pero Ethan ha pedido a su perro Bailey, antes de sacrificarlo, que en sus sucesivas vidas en otros canes, cuide de su pequeña CJ. Y así ocurre, milagrosamente, siempre hay perros cerca de CJ mientras crece, en los que aletea su espíritu perruno. Como se ve, el film insiste en la mágica idea del original, que ya entonces resultaba algo forzada, y aquí desde luego la continua voz en off del perro acaba siendo cansina. Pero en fin, la película es lo que es, debes aceptar la premisa de partida si quieres disfrutarla mínimamente, y luego dejarte llevar en una trama que viene a ser círcular, CJ se separa de sus abuelos, y al final volverá a encontrarlos. En el camino está la trayectoria de la chica, desde niña, con su vecino asiático siempre enamorado de ella, aunque ésta no quiere o no puede verlo. Y situaciones diversas, ninguna demasiado bien desarrollada, como la de un acosador de CJ, el pelma de Shane, o la madre que no sabe querer a su niña. Pero todo es muy simple, al final la gracia está en los diversos perros, bien amaestrados para actuar. Los actores hacen lo que pueden, con Kathryn Prescott como protagonista, e ilustres secundarios como Dennis Quaid.

Roland Emmerich es un cineasta alemán que ya desde el inicio de su carrera mostró su fascinación por el cine estadounidense, siguiendo los parámetros de un Spielberg en títulos como El secreto de Joey. Luego, ya en Hollywood, demostró una sorprendente atracción hacia títulos que rendían pleitesía al amor de los yanquis por su país, con Independence Day  y El patriota, a la vez que manejaba enormes presupuestos, sin duda que se movía como pez en el agua a la hora de armar superproducciones. Por ello no resulta extraña que ahora dirija Midway, sobre la Guerra del Pacífico en los años de la Segunda Guerra Mundial, concediendo el espacio principal a la batalla del título, aunque ampliando el marco con los prolegómenos que conducen a ese punto culminante de la contienda. Por supuesto, no es la primera vez que el cine la aborda, en 1976 tuvimos La batalla de Midway de Jack Smight, con un reparto plagado de estrellas, Charlton Heston, Henry Fonda, James Coburn, Glenn Ford y Toshiro Mifune, entre otros. En realidad podríamos decir que el film de Emmerich combina lo contado ahí con lo que mostraba la película de 1970 Tora, Tora, Tora. De modo que la trama arranca con el oficial de inteligencia Edwin Layton detectando que Japón podría sentirse fuerte para intentar imponer su dominio en el Pacífico, pero sin que sus advertencias sean escuchadas, lo que conduce al desastre de Pearl Harbor, el ataque japonés inesperado y que destruye gran parte de la flota. Con el nombramiento del almirante Chester Nimitz, Estados Unidos se prepara para dar una respuesta contundente, el audaz bombardeo de Tokio, coordinado por el teniente coronel Jimmy Doolittle. Para llevar a cabo la operación es necesario que inteligencia, con Layton detrás sea escuchada, en sus intentos de descodificar los mensajes nipones. Y pilotos como Dick Best se jugarán la vida, pues las operaciones tan lejos de un lugar para repostar, y sin apenas portaviones, son de altísimo riesgo. Todo conducirá a la batalla de Midway, que podría convertirse en una trampa mortal para unos y otros, decidiéndose el destino de la guerra. El film de Emmerich, coproducción con China que cuenta con un guion del más bien desconocido Wes Tooke, es riguroso a la hora de ceñirse a los hechos históricos, y se sigue con interés. Los efectos visuales digitales siguen perfeccionándose, de modo que todas las escenas de acción bélica resultan impactantes. Como es de rigor en una cinta de guerra que sigue las pautas de la vieja escuela, resulta importante el reparto, casi exclusivamente masculino, donde destaca Woody Harrelson, un actor igual se enfrenta a los zombies con guasa en Zombieland. Mata y remata, que se lanza a interpretar con enorme dignidad y clase al almirante Nimitz. Hay muchos rostros reconocibles, como el de Nick Jonas, uno de los hermanos Jonas, el valiente piloto Bruno, o los de Dennis Quaid, Aaron Eckhart y Luke Evans, correctos aunque no tienen la fuerza de los clásicos. El bando japonés es retratado con respeto, se evita caer en el trazo típico de la caricatura.

Eli Solinksi tiene catorce años y es un hijo adoptado. Vive con su padre Hal, un hombre bueno pero estricto, que no ha superado la decepción por su hijo biológico, Jimmy, que acaba de salir de la cárcel. Por casualidad Eli encontrará un extraño artefacto en un edificio en ruinas, un utensilio que parece ser un arma fabricada con una tecnología desconocida. Acabará conociendo sus efectos cuando él y Jimmy se ven obligados a huir, si no quieren morir a manos del psicópata criminal Taylor Balik, con quien Jimmy tenía una deuda pendiente. Uno de los problemas de Kin es que desconcierta el entramado de las aventuras: mezcla demasiadas elementos y no se detiene suficientemente en ninguno. No se sabe si estamos viendo un drama familiar, un thriller de acción, una huida adolescente, una película futurista, una road movie o una película de ciencia ficción. La cosa va saltando de uno a otro lado. Y tras un comienzo prometedor, donde el conflicto familiar interesa, se empiezan a abrir varios hilos en la trama (los hermanos, el arma, la nueva amiga, los mafiosos, los hombres de negro, la policía) para luego irles relegando a lugares secundarios según la historia avanza, lo que da un aspecto episódico al conjunto. Y es que hay muy poquito que contar entre el primero y el tercer acto, con algún aspecto especialmente gratuito, como toda la subtrama que implica a Milly, el personaje interpretado por Zöe Kravitz. Si no existiera, la película ni lo notaría. Visto lo visto el desenlace en la comisaría podría haber sido peor, pues ante la planicie previa sorprende de algún modo y también deja la puerta abierta a una futura secuela, de la cual Kin sería algo así como una introducción. El guión de Daniel Casey procede de un corto dirigido anteriormente por Jonathan y Josh Baker, que debutan aquí en el largometraje. En general consiguen insuflar dinamismo a la aventura, aunque hay fases donde el ritmo decae. Han tenido la suerte de contar con algún actor de renombre, como es el caso de James Franco, cuyo personaje malvado y pasado de vueltas tiene mucha fuerza. Más desde luego de la que transmiten los protagonistas, un Jack Reynor (Sing Street) con reacciones demasiado ligeras y despreocupadas para ser creíbles, y el jovencito debutante Myles Truitt que hace un trabajo esforzado pero que resulta demasiado soso y cojea por falta de definición del personaje.

Cuando era un niño Bart Millard buscaba en la música un consuelo para los maltratos que sufría por parte de su progenitor; éste también golpeaba a la madre, que acabó abandonándoles. Ya adolescente trata de triunfar en el fútbol americano, único terreno que su padre –antiguo jugador– respeta. Cuando una lesión le impide seguir practicando este deporte, se apunta al coro del instituto, donde descubre que tiene una excelente voz, que puede mejorar con esfuerzo. El mercado de entretenimiento para creyentes está en auge en Estados Unidos, por ejemplo en el terreno de la música la canción “I Can Only Imagine”, lanzada en 2001 por la banda cristiana MercyMe, vendió la friolera de tres millones de copias, logrando el triple disco de platino, lo que la convierte en el mayor éxito en este terreno. La llegaron a presentar en el Desayuno Nacional de la Oración de 2017, frente al presidente recién elegido, Donald Trump. Los hermanos Andrew y Jon Erwin, directores de October Baby, han reconstruido la historia de este inspiradísimo tema musical, que el líder del conjunto, Millard, compuso inspirándose en la compleja relación con su padre. Los realizadores quizás pecan de academicistas, pero consiguen narrar los puntos más turbios con enorme elegancia y mantienen el interés de una historia en torno a la redención y al perdón, que también reflexiona sobre la creación artística, argumentando que cuando una obra toca la fibra del público, suele haber detrás alguna verdad o experiencia personal de su autor que le confiere autenticidad, lo que provoca que los receptores empaticen con ella. Curiosamente, el film tiene la capacidad (a diferencia de otros similares) de absorber también al público ateo, al que podría rechinarle mínimamente su sincero enaltecimiento del poder de la fe, sobre todo en el tramo final. Esto no quita que queden convencidos los interesados en el mundillo de la música. Aciertan plenamente los Erwin Bros. en el reparto, dándole la oportunidad de debutar en el cine a J. Michael Finley, estrella de Broadway, que ha triunfado como protagonista de “Los miserables” y “El libro del mormón”. No sólo tiene la capacidad de cantar él mismo las canciones de su personaje, sino que se muestra muy natural en su papel. En cualquier caso, deslumbra especialmente el veterano Dennis Quaid, de nuevo en un biopic musical tras su éxito Gran bola de fuego, que hace creíble con aparente sencillez el enorme arco de evolución de su personaje, más extremo que el del progenitor de Billy Elliot.

Ethan y su madre salvan al perro Bailey, a punto de morir deshidratado en el coche en el que le han dejado encerrado. Lo trasladan a su casa, donde se lleva muy bien con el niño, pero traerá problemas al padre, un hombre que cae en el alcoholismo, al no conseguir que en su empresa deje de ser viajante para asumir un puesto de oficina. Al sueco Lasse Hallström le fascina el mejor amigo del hombre, pues contó el amargo drama de un niño que perdía a su perra al mismo tiempo que a su madre, en Mi vida como un perro, y la historia de un animal muy unido a su dueño en Siempre a tu lado. Hachiko, revisión de un film japonés. Ahora completa la trilogía perruna con Tu mejor amigo, adaptación de un best-seller de W. Bruce Cameron que ha arrasado, sobre todo en Estados Unidos. Resuelta con bastante simpleza, funciona porque los actores, sin resultar memorables dan la talla, sobre todo el veterano Dennis Quaid, y porque se han usado para el rodaje animales bastante expresivos. Capta muy bien la conexión entre el amo y su mascota, por lo que caerá bien en el sector del público que haya tenido alguna. Pero incluye una reflexión ‘new age’ sobre el karma de los animales que a pesar de su tono positivo, resulta demasiado pueril. Así, el can protagonista se reencarna cada vez que muere, conociendo a amos diferentes, hasta que encuentre su propósito en la vida.

Película basada en hechos reales, dramatiza el revuelo causado por un reportaje de "60 minutes", el popular programa de la CBS, emitido dos meses antes de la elecciones presidenciales de 2004, cuando George W. Bush buscaba la reelección. Producido por Mary Mapes –cuyo prestigio se cimentaba en haber destapado el horror de las torturas de Abu Ghraib en Irak– y presentado por el conocidísimo Dan Rather, se denunciaba el trato de favor recibido por el presidente, e incluso el incumplimiento de sus deberes, en la etapa de su servicio militar como piloto en la Guardia Nacional, que coincidió con la Guerra de Vietnam. Gran parte de la información se fundamentaba en los documentos proporcionados por una fuente, el coronel Bill Burkett, cuya veracidad fue puesta en duda al poco de emitirse el programa. El cine del hasta ahora guionista James Vanderbilt bascula entre la realidad (Zodiac) y la fantasía (The Amazing Spider-Man); en la película con que debuta como director se decanta por la primera, con una trama que se abona a la abundante filmografía sobre el mundo del periodismo. El hecho de que Robert Redford haya sido escogido para encarnar a Dan Rather hace pensar que Vanderbilt quiere que el espectador piense en Todos los hombres del presidente, también por la idea de búsqueda de la verdad a toda costa, procurando que ésta salga a la luz, caiga quien caiga. La diferencia, por supuesto, estriba en que Nixon cayó por el Watergate, mientras que a Bush se le encomendó otro mandato. La película está bien rodada, y engancha. Pero tiene un problema, y es que toma partido, algo seguramente inevitable al manejar como fuente principal el libro sobre los hechos escrito por Mary Mapes. De modo que ella y Rather son los héroes incorruptibles, al servicio ante todo de la opinión pública, mientras que los que manejan el poder, los políticos e incluso los jefazos de la CBS, serían los manipuladores que ponen trabas. En tal sentido la idea que viene a defender el film, al ponerse del lado de Mapes y Rather, es que lo importante es el cuestionable servicio militar de Bush que ellos denuncian, mientras se excusa la debilidad de las pruebas aportadas, el rigor periodístico en suma. El film, ideal para el debate, ha generado cierta polémica en Estados Unidos –la CBS no ha aceptado publicidad del film, y critica su "teoría de la conspiración"–, aunque en su favor hay que señalar cierto espíritu crítico ante alguna actitud de los protagonistas, sobre todo en la entrevista con su fuente, un hombre enfermo, donde le presionan con escasa humanidad para que confiese ante las cámaras una mentira. De todos modos, este intento de nadar y guardar la ropa perjudica un tanto la interpretación de Cate Blanchett, menos inspirada que en otras ocasiones.

Dos amigos adolescentes creen estar arrasando en YouTube con su nuevo vídeo. Pero todo es la broma del hermano pequeño de uno de ellos, geniecillo de la informática. Como venganza, quieren cargarse su ordenador, pero necesitan distraerle e inventan una historia de que están buscando en internet la mítica película “Movie 43”, con contenidos archiprohibidos, y el chaval, picado, se pone a buscarla en los servidores más recónditos. Y en efecto, esto sirve de hilo conductor para ir mostrando metraje de las situaciones más desopilantes, una sucesión de sketches varios en competición para ganar en grosería y zafiedad. Película gamberra para adolescentes –y adultos– descerebrados, que tiene detrás a uno de los hermanos Farrelly, Peter, no sabemos qué pasa con Bobby, esperemos que no se hayan enfadado, a lo mejor pensó que la propuesta no era suficientemente guarra y transgresora. La idea de Movie 43, que cuenta con 12 directores no superbrillantes, entre ellos la actriz Elizabeth Bank, es provocar una mezcla de asco, repulsa y risas, lo que funciona parcialmente. Tiene gracia la ocurrencia de presentar a Hugh Jackman con una “disfuncionalidad” en el cuello que provoca unos divertidos caretos de Kate Winslet en una cita a ciegas, lo más divertido de la cinta, aunque lo bueno, si breve, dos veces bueno, divisa que olvida Peter Farrelly, responsable de ese segmento. Otros actores célebres se han sumado a la función, con mayor o menor fortuna, y se supone que parte de la gracia del film es ir reconociéndolos. El modo de “pegar” las historias o cortos en Movie 43 es ingenioso, incluida la ocurrencia homenaje a Terminator. Pero tanta caca (sí, literalmente), genitales, pechos, reglas y compresas, y hasta incesto, a ver quién es más salvaje, acaba agotando; incluso otras ideas paródicas sobre Apple, enanos y superhéroes no evitan la tentación escatológica y procaz. El film es mejor que otras propuestas de los hermanos Farrelly, últimamente cuesta abajo, pero es que no han hecho nada mejor que Algo pasa con Mary, allá por 1998, y cuyos barros han traído un auténtico lodazal de películas perfectamente prescindibles.

En su necesidad desesperada de ideas, Hollywood recurre a los libros de autoayuda. Mientras se prepara la adaptación al cine del célebre libro sobre relaciones sentimentales "Los hombres son de Marte, las mujeres de Venus", se estrena Qué esperar cuando estás esperando, basada en la obra homónima de Heidi Murkoff, que viene a ser un manual para futuros padres. Publicado en 1985, se sigue reeditando con enorme éxito. Puesto que el best-seller no tenía argumento, sino que consistía en una sucesión de consejos para el embarazo, las guionistas Shauna Cross (Roller Girls), y Heather Hach (Ponte en mi lugar) han inventado diversas historias de bebés en camino que se entrecruzan. Por ejemplo, Jules y Evan, estrellas televisivas, se dan cuenta de que su vida actual va a cambiar por completo cuando ella dé a luz, Wendy, una autora de libros sobre bebés descubre que la práctica no tiene nada que ver con sus teorías, mientras que Gary, su marido, mantiene una especie de competición con su padre, que va a tener gemelos con una mujer mucho más joven que él... Dirige Qué esperar cuando estás esperando el británico Kirk Jones (Despertando a Ned, La niñera mágica), que tiene a sus órdenes a un reparto repleto de estrellas, donde destacan los nombres de Cameron Díaz, Jennifer López, Elizabeth Banks, Chris Rock, Brooklyn Decker y Dennis Quaid, todos ellos en registros exagerados, pero más o menos eficaces. El realizador consigue darle dinamismo al film y pasar de unos personajes a otros sin que nadie se pierda. Subyace un mensaje en torno a las bondades de la maternidad, no muy novedoso pero al menos positivo. Por desgracia, todo es previsible en Qué esperar cuando estás esperando. Recurre en todo momento al humor facilón, a veces un tanto escatológico, pero a niveles moderados. Carece de secuencias realmente memorables, y sus personajes, si bien pueden ser representativos de la sociedad moderna, no tienen demasiada tridimensionalidad, sino que más bien se quedan en arquetipos.

George Dryer triunfó como profesional del fútbol europeo, pero fracasó estrepitosamente como marido y padre, por su carácter un tanto caótico. Aunque tras el divorcio sólo ha visto esporádicamente a su hijo, Lewis, George se muda al extrarradio de Washington, cerca de él, para recuperar la relación, al tiempo que intenta sobrellevar la ruptura matrimonial y conseguir un empleo. Acaba entrenando al equipo infantil de fútbol, lo que propicia que más de una de las madres de otros niños pierda la cabeza por George. A pesar de todo, éste sólo parece interesado de verdad por su ex, a punto de casarse con otro. Tercer trabajo en Hollywood del italiano Gabriele Muccino, que parece enlazar con la temática de su película En busca de la felicidad, también sobre la paternidad, aunque esta vez el realizador establece un tono premeditadamente más ligero. El principal problema de Un buen partido reside en que el guión de Robbie Fox (Una novia sin igual) resulta excesivamente previsible, no acaba de describir bien a los secundarios, y a los diálogos les falta brillantez. Por culpa de este libreto, en Un buen partido no acaban de funcionar los trabajos de la mayoría de actores secundarios, entre los que se encuentran los sobradamente conocidos Uma Thurman, Judy Greer, Catherine Zeta-Jones y un exagerado Dennis Quaid. Quizás porque tienen alguna secuencia un tanto más intensa que los demás, se salvan en cierta medida los protagonistas, Gerard Butler, Jessica Biel y el convincente niño Noah Lomax, que ya había hecho algún papel pequeño en series como The Walking Dead. A pesar de sus evidentes defectos, Un buen partido tiene a su favor cierta cercanía (marca de fábrica de Muccino), así como su optimismo y evidente falta de pretensiones. Además, aborda de forma positiva las relaciones familiares, y apuesta por la capacidad de superación personal en el seno del matrimonio.

El escritor Clay Hammond comienza haciendo una lectura de su más reciente novela en un gran auditorio lleno de oyentes. El protagonista de su narración es un joven que desea triunfar como escritor, pero que no logra publicar su primera novela, ante la impaciencia de su mujer y la falta de ingresos. Por casualidad encontrará un antiguo manuscrito de cincuenta años atrás y decidirá plagiarlo y publicarlo con su nombre. Brian Klugman y Lee Sternthal, actores ocasionales y corresponsables de la historia de Tron Legacy, aúnan esfuerzos conjuntos en el guión y la dirección de El ladrón de palabras para sacar adelante un relato en torno a la creación literaria. El tema no es sencillo de llevar a puerto pues se corre el peligro de resultar muy tópico. No evitan del todo los autores ese obstáculo, de modo que no se les ocurre otra cosa que hacer encontrar al protagonista un manuscrito en una tienda de antigüedades de París... Pero además se dejan arrastrar por otras situaciones excesivamente fáciles, muy próximas al cliché, como la de la escritura compulsiva de la novela, el encuentro casual en New Jersey, la atormentada búsqueda de redención del plagiador e incluso el juego equívoco entre realidad y ficción. No hay duda de que en El ladrón de palabras hay un esfuerzo de guión y de montaje, con la intención de no resultar superficial a la hora de ofrecer reflexiones acerca de la creación y la autenticidad literaria, y de esa importante cuestión de saber aceptar las propias limitaciones camino de la madurez. Sin embargo, es innegable que a la postre la trama acaba pareciéndose desgraciadamente a una especie de melodramático culebrón metaliterario, con tres planos de profundidad (que no de hondura) de escasa originalidad y cuyo resultado no acaba dando con las claves para impactar o provocar algún tipo de emoción. Por lo que si El ladrón de palabras es un film correcto y más o menos llevadero es gracias al formidable elenco de actores, desde el protagonista Bradley Cooper (que intenta huir cada vez más de sus roles de payaso), hasta el maduro Jeremy Irons, pasando por la estupenda Zoe Saldana, el siempre competente Dennis Quaid o los jóvenes y menos conocidos Ben Barnes (Las crónicas de Narnia: El príncipe Caspian) y Nora Arnezeder (El invitado), que también hacen también unos trabajos meritorios.

Tras la muerte de su madre, sin padre que le acoja, el joven Ren MacCormack llega al pueblo del sur llamado Bomont para vivir con sus tíos. Pronto se da cuenta de que en ese pueblo las cosas no funcionan de modo normal: hay toque de queda para los adolescentes, no pueden organizar bailes, escuchar música a alto volumen está prohibido... La explicación tiene que ver con un accidente trágico acaecido tres años atrás por el que perdieron la vida varios jóvenes, entre ellos el hijo del pastor de la localidad, el Sr. Moore. Desde entonces se tomaron el pueblo normas estrictas respecto al ocio de la juventud. Pero el pastor comprueba que es muy difícil dominar a su propia hija, una joven que le ha echado el ojo al recién llegado. Remake prácticamente calcado de Footloose, la versión protagonizada por Kevin Bacon y Lori Singer en 1984 y convertida en producto de culto juvenil a la manera de otros productos musicales de la época, como Grease. La presente versión está modernizada mínimamente (en los bailes, donde domina el ritmo 'breakdance', en la sexualización femenina de los movimientos, etc.), pero ni siquiera se han cambiado los nombres de los personajes, ni el del pueblo, ni prácticamente la puesta en escena... Lo mejor son los bailes, pero desgraciadamente tan sólo podemos disfrutar de apenas tres o cuatro momentos para ellos, entre los que destaca el del tema musical que da título al film. El resultado es discreto, entretiene más o menos, se mueve por derroteros amables, nostálgicos e hiper-idílicos (¡ese beso con puesta de sol!), aunque también previsibles y a veces poco creíbles (la conversación en la iglesia). Los actores, todos, están correctos, desde el desconocido y joven protagonista, Kenny Wormald, que baila como los ángeles, hasta la chica Julianne Hough (Burlesque), pasando por el veterano Dennis Quaid. Pero es una lástima que la presencia de Andie MacDowell sea completamente testimonial.

Soul Surfer es una reconstrucción de la admirable historia real de la hawaiana Bethany Hamilton, toda una celebridad en el mundillo del surf, sobre todo en Estados Unidos. Hija de surfistas que la enseñaron pronto a navegar sobre las olas, desde muy pequeña pasaba horas y horas practicando, y comenzó a participar en competiciones nacionales. Su figura ya había dado lugar al documental Heart of a Soul Surfer, de 2007. La versión dramatizada parte del libro coescrito por la propia Hamilton con otros dos autores. Aborda su periplo cuando es una atractiva adolescente de 13 años con una buena relación con su familia, de firmes convicciones cristianas, pasa horas y horas con Alana, su mejor amiga, y mantiene una intensa rivalidad en los campeonatos con la competitiva Malia Birch. Por desgracia, mientras está en el agua con su pandilla una mañana de Halloween, Bethany sufre el ataque de un tiburón que le arranca el brazo izquierdo, lo que ocasiona una gran pérdida de sangre. Aunque se salva de milagro porque sus amigos consiguen trasladarla rápido a la costa, y a pesar del intenso trauma sufrido, Bethany desea seguir adelante con su sueño de convertirse en surfista profesional... El prolífico realizador y productor ejecutivo –sobre todo televisivo– Sean McNamara (Bratz), también coguionista, tenía todas las papeletas para rodar un film convencional y plano, pues como es de rigor recoge todos los clichés del género de superación personal y triunfo ante la adversidad. Sin embargo, con Soul Surfer ha logrado una de esas películas con cierto encanto, por diversos detalles como por ejemplo que describe una sana relación entre la familia Hamilton, quizás un tanto utópica, pero bastante creíble. Se trata también el valor de la fe de la protagonista como apoyo fundamental a la hora de enfrentarse a la desgracia y seguir adelante. Precisamente su consejera espiritual en la iglesia a la que pertenece, es la que aporta la clave del film: la necesidad de abordar los problemas desde otra perspectiva más amplia para salir adelante, y la de no focalizarse en el propio yo, abriéndose a los otros, ayudando o dando ejemplo. Acierta McNamara al narrar con elegancia y contención la parte más escabrosa (el ataque del tiburón), lo que abre enormemente el espectro de espectadores potenciales, a los que podría haber echado atrás unas imágenes especialmente duras en ese sentido. Y también son dignas de mención sus elaboradas y dinámicas secuencias de surf, que contagian de la afición del personaje incluso al público que desconozca la disciplina por completo. Al parecer, la propia Hamilton ha hecho la mayoría del trabajo de doble en los momentos en los que su personaje está sobre las tablas. Funciona bien el reparto, encabezado por una correcta AnnaSophia Robb, que llamó la atención con Un puente hacia Terabithia. Sobresalen los padres, un Dennis Quaid que parece efectivamente un surfista, y una felizmente recuperada Helen Hunt, actriz con Oscar a la que no se había visto (al menos en las carteleras españolas) desde Cuando ella me encontró, también dirigida por la actriz, de 2007. Del resto del elenco de Soul Surfer se puede decir que cumple, como en el caso de la cantante country Carrie Underwood, celebérrima en Norteamérica, que si bien no deslumbra en su debut como actriz cinematográfica como la consejera religiosa, tampoco desentona. Resultan especialmente emotivos los créditos finales, que muestran imágenes reales de la auténtica Bethany Hamilton, en diversas competiciones, o ayudando a las víctimas del tsunami. Sorprende gratamente que a pesar de lo ocurrido no ha perdido la sonrisa...

El arcángel Miguel se arranca las alas, y baja al mundo dispuesto a apostar por el hombre, pues la paciencia de Dios se ha agotado y se acerca el apocalipsis. La única esperanza para la humanidad reside en Charlie, una joven embarazada de ocho meses, cuyo hijo podría salvar al mundo. Ella trabaja de camarera en una cafetería de carretera de mala muerte, donde concluyen varios personajes, que se verán cercados por fuerzas sobrenaturales que lidera el arcángel Gabriel. Ejercicio de "teología ficción", donde abunda más la ficción que la teología. O sea, no cabe tomarse demasiado en serio este "tebeo" que se inspira en la tradición judeocristiana para ofrecer un espectáculo fantaterrorífico y mamporrero bastante irregular. Que sepamos, los ángeles que van contra Dios son ángeles caídos o demonios, pero en esta delirante propuesta de Scott Stewart y Peter Schink los seres angélicos pueden ser más sabios que su creador. En fin, si dejamos la lógica argumental aparte -¿qué tiene de especial el bebé que ha de salvar al hombre?, ¿quién ha decidido que sea especial?-, hay algunos pasajes bien rodados, entre los que destacan el de la viejecita del tacataca, o el de la pelea de los dos arcángeles, bastante espectacular.

Película de ciencia ficción paranoica, que no acaba de encontrar su punto. La idea es un futuro en que la Tierra está superpoblada, de modo que se ha enviado una nave espacial al planeta Tanis –de características semejantes a nuestro planeta– con un montón de gente hibernada en su interior, colonos en busca de un mundo mejor. Los tripulantes de la nave hacen turnos, despertando de la hibernación, para afrontar el largo viaje. Cuando despiertan Bower y Payton, del equipo 5, se topan con un montón de problemas. Parece que la nave está invadida por una especie de zombies, y además pululan muchos chiflados afectados por el pandorum –un malestar esquizofrénico que se produce a veces en algunos viajeros al despertar de la hibernación, que acompaña a la habitual amnesia temporal–, y supervivientes que se han convertido en gente bastante primitiva. Casi a la vez el alemán Christian Alvart rodó este film y el de terror Expediente 39, lo que parece indicativo de que le gusta el cine de género. Aquí acumula mucha acción confusa, ruido, oscuridad, sangre y sustos; lo que llega a cansar. Se diría que mezcla filmes como Alien, el octavo pasajero y Resident Evil, pero sin excesivo talento. El elemento de la locura no está suficientemente aprovechado, y lo mismo ocurre con el tema de la razón del viaje, justificado sólo en el desenlace, visualmente impactante y más o menos sorpresivo.

Un detective que acaba de enviudar descubre que la muerte de su esposa podría estar relacionada con un asesino en serie, que actúa de acuerdo con los rasgos de los cuatro jinetes del apocalipsis, y sus plagas de hambre, guerra, peste y muerte. Como se ve, el planteamiento recuerda un poquillo a Seven, que abrió la brecha en esto de los asesinos con ínfulas religiosas. Protagoniza la cinta Dennis Quaid, y no falta cierta violencia morbosa en la sanguinolenta puesta en escena de los crímenes. Los aspectos científicos de la investigación siguen las pautas popularizadas por la serie televisiva forense CSI.

Después de Transformers, Hasbro prosigue la aventura cinematográfica de llevar sus juguetes a la pantalla con G.I. Joe, basada en unos célebres muñecos de acción creados en 1964, y que eran como la versión masculina de la Barbie para las niñas. El trío compuesto por Stuart Beattie, David Elliot y Paul Lovett, dirigidos por Stephen Sommers, el responsable de La momia, han imaginado una trama situada en un futuro no muy lejano, donde las fuerzas de élite internacionales -aunque lideradas por Estados Unidos, faltaría más- de los G.I. Joe se enfrentan a los villanos complicados con todo tipo de armas sofisticadas. Y justamente McCullen es un supervillano, descendiente de un escocés que vendía armas en el siglo XVII a franceses y escoceses que luchaban entre sí; ha pasado el tiempo, y, 'de casta le viene al galgo', McCullen se dedica a la fabricación de armas. Y acaba de desarrollar para la OTAN un arma vírica que corroe el metal de modo alucinante. Pero tiene trazado un plan maquiavélico para que esta peligrosa arma provoque el caos mundial, de modo que nazca un nuevo orden político internacional que pueda controlar personalmente. Por supuesto los intrépidos G.I. Joe, unos marines de lujo total dirigidos por el general Hawk, van a tener que impedirlo. Sus mejores soldados -entre ellos Snake Eyes y Scarlett- pelearán de firme, respaldados por dos nuevos fichajes del grupo, Duke y Ripcord. Además, deben vérselas con dos secuaces de McCullen: Storm, el viejo enemigo de Snake Eyes, experto como él en artes marciales; y la Baronesa, una antigua novia de Duke. Stephen Sommers entrega lo que se le pide: acción a raudales, explosiones, persecuciones, peleas, armas sofisticadas, adrenalina pura y dura. Casi no hay un sólo plano que carezca de algún tipo de efecto especial. Práctica en este terreno tiene el chico, pues su currículum peliculero va en la línea del cine de acción y aventuras, y aunque se le agradecería un poquito más de fuerza visual, hay que reconocer que trepidación no falta al film, aunque a veces puede llegar a ser cansino. Cierto tipo de escenas las hemos visto mil veces, y aquí se entrega más de lo mismo; pero justo es señalar también que todo el tramo de la película que transcurre en París es tremendamente original, la imposible acción transcurre en pleno centro de la capital francesa, y junto a lugares emblemáticos, lo que da pie planos muy impactantes. En cuanto a la trama, hay cierto esfuerzo en componer algo coherente, con múltiples personajes, que hasta arrastran pequeños traumas del pasado; quizá sean algo estereotipados -nadie debe esperar actuaciones de Oscar-, pero al menos presentan algún elemental rasgo definitorio. Y cuestiones como la venganza y la rivalidad, justifican al menos ciertas acciones. El arranque, que se sitúa en el siglo XVII, se diría marca de fábrica de Sommers, piénsese en sus entregas de la La momia. Y se apuntan críticas a la industria armamentista -¿inspiración de Iron Man?- y a los peligros de la biotecnología, a lo que se suma una malévola broma final a cuento del presidente estadounidense.

Lawrence (Dennis Quaid) es viudo, profesor de literatura en la universidad. Inteligente, desastrado, pedante y ególatra, no ha superado la muerte de su esposa. Tiene una hija, Vanessa (Ellen Page), perfeccionista e insegura, que le imita y le apoya en todo, mientras se prepara para ir a la universidad; y también un hijo, James (Ashton Holmes), que vive en las dependencias universitarias. Debido a un accidente de poca monta, Lawrence conocerá a la doctora Janet (Sarah Jessica Parker) y se establecerá una conexión entre ellos. De vuelta a casa, se unirá a la familia Chuck, hermano adoptivo de Lawrence... Simpática y amable película, que viene a decir que la inteligencia no tiene demasiado que ver con el coeficiente intelectual. El guión presenta a una familia de frikis, con un protagonista incapaz de comunicarse con los demás, que ha marcado la vida de su hija por el mismo camino. Se trata de personas con ausencia absoluta de la llamada inteligencia emocional, la que permite ser felices y vivir en armonía con el prójimo. De lo mejor es el personaje del hermanastro (estupendo Thomas Haden Church), quien pese a sus defectos es quien pone algo de cordura en la familia y es capaz de cambiar el universo mental de los que tiene alrededor. Aunque la trama se estanque y repita por momentos, y el ritmo en ciertos puntos se ralentice demasiado, el debutante Noam Murro consigue un resultado final satisfactorio, también debido al trabajo del espléndido reparto.

Ashton, presidente de Estados Unidos, acude a España para asistir a una cumbre contra el terrorismo y pronunciar un discurso en la Plaza Mayor de Salamanca. Al acontecimiento acuden por causas diversas turistas y curiosos, como Howard Lewis, un turista afroamericano que filma el evento para enseñárselo a sus hijos. Otros pasan por allí por motivos profesionales, como Rex Brooks, productora televisiva que cubre el evento para CNN. El agente del servicio secreto Thomas Barnes es uno de los hombres que deben proteger al presidente, pero tras resultar herido en un atentado tiempo atrás se ha convertido en un paranoico que ve amenazas con todas partes. El compañero de Barnes, Kent Taylor, está muy estrechamente unido a él, como si fuera prácticamente un hijo. Cuando el presidente está a punto de empezar a hablar, es abatido por un disparo... En Omagh, el británico Pete Travis reconstruyó las consecuencias del trágico atentado ocurrido en Irlanda del Norte, en 1998. Ahora, el cineasta filma otro acto terrorista, que por suerte es totalmente ficticio. La historia está narrada varias veces, desde la perspectiva de varios de los protagonistas del suceso, al estilo de Rashomon, el clásico de Akira Kurosawa. Salvo que en esta ocasión el punto de vista subjetivo desaparece en el último tramo, contado a la manera de un narrador omnisciente, que lo sabe todo y nos informa de todo, de forma más convencional. Este abandono de la visión subjetiva ofrece la sensación de experimento fallido, al menos en parte. Además, acumula demasiados giros a veces un tanto increíbles, y desentona algún que otro elemento sentimentaloide, como la subtrama en que el personaje de Whitaker se encariña con una niña que vuelve a encontrarse más veces por casualidad. A pesar de todo, el director cuenta con trabajos convincentes de veteranos como Dennis Quaid, Sigourney Weaver y Forest Whitaker, mientras que algunos actores con menos periplo, como Matthew Fox, también inducen a pensar que se han tomado muy en serio sus papeles. Mantiene el suspense y cuenta con alguna persecución más o menos espectacular. Denuncia por un lado adónde puede llevar el fanatismo. Pero también recoge con sutilidad y elegancia la desinformación, e incluye testimonios de quienes piensan que Estados Unidos ha ejercido una política discutible en relación con este asunto. Entrevista a Matthew Fox Entrevista a Forest Whitaker Entrevista a Eduardo Noriega Entrevista a Pete Travis

Biopic del carismático jugador de fútbol americano Ernie Davis, quien jugó en la Universidad de Syracusa entre los años 1958-1962, tras los cuales le fue diagnosticada leucemía, enfermedad por la que moriría en 1963. Ernie Davis fue una gran estrella, hasta el punto de ser el primer jugador negro en ganar el prestigioso Trofeo Heisman, otorgado al mejor jugador universitario. Pero tuvo que lidiar con numerosos problemas dentro y fuera del deporte, el más importante de ellos el racismo. Eran años turbulentos y las humillaciones y la violencia segregacionista estaba a la orden del día. La película se centra  sobre todo en la relación entre Ernie Davis (emotivo Rob Brown) y su entrenador, Ben Schwartzwalder (bien Dennis Quaid), que no siempre fue fácil. Por lo demás la historia contiene los temas clásicos de este tipo de películas: la superación tras el fracaso, la aceptación de los límites, la enemistad y la amistad verdaderas, etc.

Martin Tweed, frívolo presentador televisivo, está la cima, debido a la popularidad de su programa American Dreamz, un concurso de aspirantes a estrella de la canción, similar a Operación Triunfo. El fenómeno tiene tal repercusión que Joe Staton, presidente de los Estados Unidos, decide colaborar con el programa como jurado, pues su jefe de gabinete le ha asegurado que así aumentará su popularidad. Entre los concursantes, tiene gran aceptación Sally Kelkoo, una chica aparentemente dulce, pero que en realidad es una manipuladora, capaz de lo que sea con tal de ganar. También se presenta al certamen Omer Obeidi, patoso terrorista iraquí, enviado para poner una bomba que acabe con el presentador, el presidente y los concursantes. En realidad, sus ‘colegas’ no le creen capaz de causar muchos daños, pero le han enviado para librarse de él. Paul Weitz se quitó el sambenito de ser recordado como el director de American Pie, gracias a trabajos tan interesantes como In Good Company y Un niño grande. Ahora reúne a los protagonistas de estas dos películas, Dennis Quaid y Hugh Grant, en una sátira de los reality shows televisivos. Los guionistas parodian sobre todo American Idol, que hace furor en Estados Unidos. De paso, también recibe lo suyo el mundo de la política, dominado por gente capaz de cualquier cosa para aferrarse al poder. Hugh Grant aprovecha el papel de presentador cínico y mujeriego que en el fondo cae simpático, cortado a su medida. Dennis Quaid también se luce, como presidente ingenuo, pero en el fondo bonachón. Y Willem Dafoe sorprende, como astuto y taimado asesor presidencial, que en Estados Unidos recordaba muchísimo a Dick Cheney.

Frank es almirante de la Marina estadounidense. Viudo y padre de ocho hijos, está acostumbrado a llevarlos más derechos que una vela. Helen comparte con Frank dos cualidades: es viuda, y cómo él es madre de familia numerosa, diez retoños nada menos. Pero ahí acaba el parecido, pues ella es diseñadora de moda, y su mente creativa le lleva a ser más indulgente con el desorden de sus hijos. No obstante, va a suceder lo inesperado: Frank y Helen se enamoran, de modo que tras casarse su hogar sumará dieciocho hijos. Y precisamente éstos no están nada contentos con el arreglo, pues la llegada del nuevo 'padre' supone la introducción de costumbres con las que no se encuentran muy a gusto. Así que los forzosos 'hermanos' se ponen de acuerdo en sabotear el matrimonio. Remake de un film familiar de 1968 –el nuevo título español desordena las palabras del original, Tuyos, míos, nuestros, en un dudosa muestra de creatividad– donde Dennis Quaid y Rene Russo reemplazan a los padres del original, Henry Fonda y Lucille Ball. En la línea de Doce en casa, le falta un poquillo de chispa, pero está repleta de buenos sentimientos.

A sus 51 años, Dan Foreman parece estar en su mejor momento. Gracias a sus habilidades como negociador y jefe de equipo, ha cerrado su mejor año como responsable de publicidad de Sports America, la revista para la que trabaja. La mayor de sus dos hijas, Alex, su ojito derecho, está a punto de marcharse a la Universidad de Nueva York, y además, ha recibido una inesperada y fantástica noticia: va a ser padre una vez más. Eso sí, habrá que apretarse el cinturón. Pero en éstas hace su entrada en el tablero de juego un nuevo personaje, Carter Duryea, ejecutivo de 26 años que Globecom, la multinacional que acaba de adquirir la revista, ha designado como jefe de Dan. Por su parte, Carter no es el ‘triunfador’ que parece. Acaba de romper con su novia, y carece de una familia tan unida como los Foreman. Por ello se autoinvita a cenar a la casa de éstos, y acaba iniciando una relación con Alex. Cabría esperar que el responsable de American Pie, Paul Weitz, director de este film que también ha coescrito con su hermano Chris, compusiera otra comedia en la misma línea, alocada y sin contenido. Nada más lejos de la realidad. Weitz supera incluso la calidad de la interesante Un niño grande (también sobre relaciones paterno-filiales) en una comedia que habla de los modernos conglomerados empresariales que absorben a las compañías pequeñas, el peligro de la deshumanización en las grandes corporaciones, la conciliación entre la vida laboral y la familia, la competitividad, y sobre todo, el choque generacional entre los veteranos y los jóvenes cracks que revolucionan el mundo empresarial sin atender a la experiencia de los que le preceden. Y lo hace con un estilo elegante, que entronca con comedias laborales tipo El apartamento, de Billy Wilder, o Luna nueva, de Howard Hawks. Aunque las comparaciones son odiosas, Weitz hereda de esos maestros la habilidad para lograr un tempo muy ágil, y una modélica dirección de actores. Encadenando un éxito tras otro, Dennis Quaid viene demostrando últimamente su capacidad para los papeles maduros de padre modélico. El desconocido Topher Grace está a la altura de la ocasión, y la siempre insuperable Scarlett Johansson eclipsa al resto del reparto en sus escasas escenas.

Tras los desgraciados sucesos del 11-S, recibió luz verde en Disney este proyecto, la realización de una gran película épica repleta de heroísmo, que se suponía ayudaría a sostener los sentimientos patrióticos de una nación unida por la dolorosa tragedia. Curiosamente, y a pesar de lo bien hecha que está, la acogida estuvo un poco por debajo de las expectativas. Quizá pesó la existencia de otro título legendario, dirigido 44 años antes por un John Wayne a quien asesoró el maestro John Ford, que contaba estos mismos hechos. La trama se centra en los hechos acontecidos en la primavera de 1836, cuando apenas doscientos hombres soportaron durante dos semanas el terrible asedio del ejército mexicano, mandado por el general Antonio López de Santa Ana. La desproporción numérica era innegable (había miles de soldados mexicanos), pero los ocupantes del fuerte de El Álamo en San Antonio de Bexar, que creían en su causa, aguantaron el tirón, y su heroica hazaña daría bríos para la formación del estado de Texas. El film está contado con detallado realismo, mostrando los puntos de vista de uno y otro bando, y los preparativos de Sam Houston para acudir al lugar en el momento adecuado. Frente a las opciones recientes de presentar numerosos ejércitos a golpe de efecto digital, se apuesta por un retrato de la guerra más tradicional, con actores, especialistas y explosiones controladas. El film tiene un adecuado tono épico: entre los actores, correctos, destacan Patrick Wilson, que da vida con convicción al idealista con un punto de ingenuidad William Travis, y Billy Bob Thornton, sin duda el rey de la función, un estupendo David Crockett que nada tiene que ver con John Wayne, pero que es maravilloso.

Prosigue en Hollywood la falta de ideas y el recurso a filmar nuevas versiones de las películas de antaño. Le toca el turno ahora a El vuelo del Fénix (1965), un título de aventuras dirigido con oficio por Robert Aldrich en 1966. Los cinéfilos recordarán la historia de un avión accidentado en un punto ignoto del desierto, y el esfuerzo común de los supervivientes por construir un nuevo aeroplano, que les saque del apuro. Algunas de las modificaciones del film de John Moore resultan previsibles: un grupo multirracial, que incluye una mujer; mejores efectos especiales, sobre todo en la secuencia en que el aparato se estrella; más protagonismo de los nómadas, que aciertan a pasar por ahí cerca; presencia de utensilios modernos, como el teléfono móvil o una agenda electrónica. Pero curiosamente, y dentro de un film que se mueve con total fidelidad a los parámetros del modelo original, incluida la ‘sorpresa’ argumental, la gran novedad con respecto a la película de Aldrich reside en un elemento que se diría pasado de moda, nada habitual en el cine contemporáneo. Acostumbrados, sí, a filmes sembrados de insultos, maldiciones y palabras malsonantes, con tramas de venganza donde el protagonista patea el culo de sus enemigos con saña, si es que no ha descargado antes sobre ellos la munición de su arma automática, sorprende una historia donde los personajes dan las gracias por las buenas acciones acometidas por otros, se humillan y piden perdón por sus errores, y anhelan que su ayuda sea no sólo valorada sino también solicitada con un sencillo ‘por favor’. No es una mera cuestión de urbanidad o buenos modales. Se trata de humanidad, algo que se ha perdido, por desgracia, en gran parte del cine actual. Y reconforta verlo recuperado, aunque sea fugazmente y en una trama reciclada.

Film catastrofista que aprovecha una cuestión de rabiosa actualidad: el cambio climático. Una perturbarción en la corriente del Atlántico produce una cataclismo de proporciones planetarias. Deshielo, tormentas, huracanes, que traen consigo una nueva era glacial. Nueva York es una de las ciudades afectadas, donde Sam Hall queda atrapado con unos amigos en la Biblioteca Pública. Pero papá Hall, experto climatólogo, acudirá al rescate. Estupendos efectos especiales, con la Gran Manzana inundada y cubierta de nieve, y acierto en la elección de Jake Gyllenhaal como adolescente desastrado, un poco a lo Tobey Maguire en Spider-Man, pueden anotarse en el haber de la película entregada por Roland Emmerich (Independence Day, El patriota), que círcula por los cánones clásicos del género, el esquema de mostrar a diversos personajes en peligro. Algún elemento original (los todopoderosos EE.UU. pidiendo ayuda al Tercer Mundo, la quema de libros para obtener calor) no ocultan los puntos débiles: la obcecación del padre por ir a buscar a su retoño, poco verosímil, y el modo en que se resuelve el film, donde las cosas ocurren porque sí. También resulta llamativa la ausencia de lo trascendente en una historia que nos presenta poco menos que la inminencia del fin del mundo.

La familia Tilson, un matrimonio con dos hijos, está más que harta del frenético estilo de vida urbano: contaminación, atascos, prisas, poco tiempo para el hogar… Así que deciden comprar una supermansión en medio del campo, que ha sido embargada y que les sale a precio de ganga. El plan parece genial, así que hacen las maletas y se van para allá. Pero lo que no saben es que Dale, el antiguo propietario, acaba de salir de la cárcel, y nada le gustaría más que recuperar su vieja casa. Cuando se presenta, algo amenazador hay en él: aunque se presta a ayudarles, el tipo parece esconder aviesas intenciones. Por si Dale no anduviera un poco mosca, a papá Tilson, que es escritor, no se le ocurre mejor tema de inspiración para su nuevo libro que indagar en el misterioso pasado familiar de Dale. El británico Mike Figgis es un director dado a la experimentación (recuérdense sus filmes Asuntos sucios o Leaving Las Vegas). Aquí, sin embargo, su apuesta es hacer un film comercial de género, de psicópata que acosa a la familia más o menos feliz. Cuenta con un reparto apañado, que confirma que a Sharon Stone cada vez le encomiendan más papeles de mamá.

Jim Morris. El entrenador del equipo de béisbol de un instituto en Texas. Tiempo atrás, soñó con ser jugador profesional de este deporte. Pero una inoportuna lesión en el hombro le dejó fuera del camino. Ahora, cuarentón, casado y con dos hijos, su viejo sueño podría convertirse en realidad. Para incentivar a los chicos de su equipo, que son un poco paquetes, se ha comprometido a presentarse a una pruebas de selección de la primera división, si ellos logran ganar el campeonato regional. Contra todo pronóstico, los chicos cumplen su parte del trato. Así que Jim acude a la convocatoria… y sorprende a todos con su potente brazo, que hace de él un lanzador excepcional. Puede ser el inicio de una gran carrera… aunque a la vez debe seguir atendediendo a su familia. Película del agradecido subgénero deportivo, basada en hechos reales, que muestra con orgullo el cumplimiento del sueño americano. Con tenacidad, fe y un poquito de buena voluntad, las metas más arduas pueden verse realizadas. Con tono épico (y hasta un toque de cuento mágico al inicio de la historia), subrayado por la luminosa fotografía de John Schwartzman y la música vibrante de Carter Burwell, el film produce emociones de buena ley. Dennis Quaid da vida al vetereno jugador, mientras que Rachel Griffiths es la entregada ama de casa, en un papel en el que resulta difícil reconocer a la problemática y malsana mujer a la que da vida en la serie A dos metros bajo tierra.

Una vida feliz, puede que no lo sea. Sobre todo cuando se construye sobre la falta de confianza, cuando no se conoce al otro. Es lo que ocurre en los años 50 en el hogar de los Whitaker. El matrimonio, con dos hijos, vive en una hermosa casa en una zona residencial. Todo es pulcro y aseado, sonrisas y pasteles de manzana. Pero lo cierto es que el padre no se ocupa de sus hijos, y mantiene una aventura homosexual, que le tiene acogotado. Mientras que ella va a descubrir que su cultura es bien escasa, y que no ha sabido ver a su alrededor problemas como el del racismo. El gran mérito de Todd Haynes es filmar un melodrama intenso, con personajes apasionantes, y dotarle del aire inconfundible de los grandes filmes del maestro Douglas Sirk. Y a la vez, conectar con la sensibilidad actual de una sociedad hastiada y aburrida de casi todo, que quiere encontrar un sentido a su vida (Julianne Moore encarna dicha sensibilidad de modo notable, en un papel semejante, pero más largo, al que hizo recientemente en Las horas) sin saber cómo.

Gabe y Karen son un matrimonio que se dedican a la crítica culinaria y acaban de regresar de Italia. Ahora desean disfrutar de una suntuosa cena junto a sus mejores amigos, el también matrimonio formado por Tom y Beth. Pero Beth aparece sola y les confiesa que su matrimonio se ha roto tras doce años. Reparto de lujo para un sincero y agridulce drama que explora las alegrías y dificultades de la vida marital. La película está basada en la obra homónima de Donald Margulies, Premio Pulitzer 2000.

John es policía. Su padre, bombero, murió años atrás en un incendio. Una noche, John saca del baúl de los recuerdos un viejo equipo de radioaficionado que perteneció a su progenitor. Y por un misterioso fenómeno metereológico... ¡consigue contactar con su padre en 1969, la víspera del fatal accidente! John quiere entonces, a toda costa, que su padre sobreviva, dándole instrucciones al respecto. Curiosa mezcla de drama, thriller y ciencia ficción. Al director, Gregory Hoblit, le fascinaron los interrogantes que planteaba: “¿Qué pasaría si yo hubiese dispuesto de una segunda oportunidad para conocer mejor a mi padre? ¿Qué pasaría si pudiese hablar nuevamente con él? ¿Qué le diría?” A esto se añade una trama con giros sorprendentes, y dos actores no superestrellas pero sí muy competentes, que es lo que importa: Dennis Quaid y Jim Caviezel.

Proponerse “atrapar la realidad” de algo tan sinuoso y resbaladizo como el mundo de las drogas no es moco de pavo. Traffic lo consigue desde una visión global del problema, concentrándose hasta en el más mínimo detalle de un pequeño aspecto de todo el cuadro. Pero ahí no queda toda la gracia. Además logra una película entretenida y dinámica en la que el espectador tiene la última palabra, ya que éste recibe una narración desprovista de valoraciones: sólo hay hechos y consecuencias. Esa es su mayor virtud, la confianza en una estructura argumental sólida, sin resquicios, sustentada en tres historias diferentes unidas por un "leitmotiv" común: la droga y su infiltración en los ámbitos de la vida cotidiana.  Por un lado tenemos al zar antidrogas (Michael Douglas) que descubre en casa el devastador efecto del mal contra el que lucha: su hija está “enganchada” a la heroína. Por otro, dos agentes de la DEA vigilan los pasos de Helena Ayala (Catherine Zeta-Jones), inquieta por sacar a su marido de la cárcel y decidida a hacerse cargo de su criminal negocio de drogas. Por último, está la historia de Javier Rodríguez (Benicio del Toro, Oscar por este papel), un policía mexicano de la frontera que se mueve según su propio código de conducta, entre la corrupción y el mantenimiento de la ley. El conjunto fluye paralelo hasta ir coincidiendo puntos y desenmarañando los nudos de una red lanzada sabiamente para atrapar desde el primer minuto la atención. Para que no haya ningún cabo suelto al azar, la fotografía juega un papel fundamental para ubicar en todo momento a personajes y lugares, gracias a combinaciones de color y contrastes. En definitiva un puzzle excitante y desapasionado, un thriller dramático que retrata las complejas situaciones a las que conduce el letal “polvo blanco”.

Liga profesional de fútbol americano. Quedan lejos las dos temporadas consecutivas en que el entrenador Tony D’Amato logró el campeonato para el equipo Miami Sharks. Las derrotas se acumulan y la joven presidenta del club, heredera del cargo de su difunto padre, trata de que el equipo recupere su antiguo pulso. La oportunidad surge cuando el legendario quaterback Jack ‘Cap’ Rooney sufre una lesión. Le sustituye Willie Beamen, un quaterback de segunda fila que, ante la sorpresa general, hace un partido extraordinario. Oliver Stone se zambulle en el mundo del deporte profesional, cada vez más mercantilizado, donde sólo cuenta la victoria a cualquier precio, para obtener ingresos millonarios en publicidad, derechos de retransmisión, merchandising, etc. Las frases con que D’Amato arenga a su equipo –"En un domingo cualquiera vas a ganar o perder. La cuestión es, ¿puedes ganar o perder como un hombre?"– pierden su sentido ante unos hombres que desean brillar individualmente, y no como equipo. Ésta es la novedad de una película encuadrable en el subgénero deportivo. No faltan emocionantes partidos de resultado incierto y jugadas espectaculares, con imágenes impecables, que parecen sacadas de un campo de batalla. O momentos de la vida amorosa de los personajes. Pero lo que distingue este film de otros es que mete el dedo en una dolorosa llaga: el deporte profesional ha perdido gran parte de su romanticismo, los jugadores, el entrenador, los directivos, ya no sienten tanto los colores de su equipo como antaño.

Josh pierde a su mujer e hijo en un atentado dirigido por islamistas, y rabioso de odio hace lo mismo en una mezquita francesa. Se le condena, pero Josh renuncia a su identidad y se une al ejército con el corazón lleno de ira, donde acudirá a lugares de conflicto como un auténtico soldado. Sus vivencias en la guerra de Bosnia le hará enfrentarse directamente con el horror y le hará cambiar su modo de ver y sentir su agonía personal. El yugoslavo Predrag Antonijevic, de escasa trayectoria, dirige a Dennis Quaid en una dura película donde plantea la desesperación de un hombre deshumanizado que, cegado por el odio, solo encuentra consuelo en la venganza y la violencia como placebo de su alma. Enfrentarse en persona con el auténtico drama cambiará su percepción de las cosas. Nastassja Kinski (París, Texas) y Stellan Skarsgård (Dogville) aparecen entre el reparto.

Divertida película para toda la familia. Cuenta las vicisitudes de dos niñas, Hallie y Annie, de aspecto físico idéntico. No podía ser de otra manera, pues son gemelas. El caso es que ninguna de las dos sabía de la existencia de la otra, pues sus padres se separaron cuando eran muy pequeñas. Annie se educó con su madre en Londres, y Hallie con su padre en un rancho de California. Cuando se conocen casualmente en un campamento de verano, deciden poner todos los medios para volver a unir a sus padres. Uno de ellos, intercambiarse e ir a vivir cada una con el padre o la madre que nunca conocieron. La directora Nancy Meyers parece especializarse en la recuperación para nuevas generaciones de clásicos deliciosos. Al igual que hiciera con El padre de la novia, ahora se aplica en la tarea de este apetitoso "remake". Meyers sabe jugar con las situaciones de enredo que provoca el cambio de personalidad de las gemelas: pues una tiene un estilo yanqui muy desenfadado, mientras la otra es una señorita muy británica. Lo cual provoca divertidos equívocos. Los veteranos Dennis Quaid y Natasha Richardson están muy bien como los padres, pero la reina de la función es Lindsay Lohan, que da vida a las dos gemelas. A sus tempranos doce años la pelirroja de Nueva York ya apuntaba que iba a llegar alto.

Paul (Sean Connery) y Hannah (Gena Rowlands) forman un matrimonio maduro, que discuten de vez en cuando. Hugh (Dennis Quaid) parece un mentiroso compulsivo, que necesita que alguien le escuche. Joan (Angelina Jolie) es una acelerada jovencita, que se enamora a primera vista de Keenan (Ryan Phillippe), un chico de pocas palabras. Gracie (Madeleine Stowe), una mujer casada, tiene una aventura. Meredith (Gillian Anderson), una solterona, tiene miedo a iniciar una relación, después de varios fracasos sentimentales. Mildred (Ellen Burstyn) acompaña a su hijo gay y enfermo de sida en un hospital. Son historias. Historias del corazón, aparentemente inconexas, aunque finalmente se comprobará que no. Y no sólo porque todas tengan en común el armazón de la búsqueda del amor. El director y guionista Willard Carroll firma una estupenda película, que se adentra en los complicados entresijos del alma humana, siempre anhelante de cariño y felicidad. Para ello se apunta la comunicación, el diálogo, como elemento esencial en las relaciones hombre-mujer y familiares. Carroll lo tiene claro: "El amor exige comunicación. No sólo en un contexto romántico o sexual, sino también en el ambiente familiar. La comunicación lo es todo, y sin embargo, no es fácil". Si hay un terreno en el que cuesta comunicar, es en el los sentimientos amorosos. La frase 'leitmotiv' de la película "Hablar sobre el amor es como bailar con un edificio" explica esa dificultad, resuelta con optimismo: "Sí", asegura el personaje de Angelina Jolie, 'pero da igual. Yo voy a intentarlo'. El reparto de estrellas que presenta el film es como para deslumbrar a cualquiera.

Un terrible accidente marca para siempre la vida de la familia Clay cuando su hijo de catorce años queda atrapado en una silla de ruedas. Desde entonces, padre e hijo mantienen una relación fria y distante. Tras la subida de impuestos, el primogénito decide apuntarse a un concurso de rodeo y así ayudar económicamente a sus padres. Se trata de una película para televisión que cuenta una dura y emotiva historia en la que se habla sobre la necesaria comunicación que debe predominar entre los miembros de una familia. El actor Dennis Quaid (El día de mañana) protagoniza y dirige el film.

Un agente del FBI persigue a un asesino en serie. Poco a poco se demuestra que su interés es personal: el psicópata tiene secuestrado a su hijo pequeño, y mantiene con él una especie de macabro juego. Suspense a raudales en este cinta protagonizada por Dennis Quaid y Danny Glover. El director consigue trenzar bien los distintos hilos de su historia.

Film de aventuras medievales pensado para todos los públicos. Narra las andanzas de Bowen, un caballero que, desengañado tras ejercer de tutor del malvado rey Einon, quiere acabar con todos los dragones del mundo. El motivo es la convicción de que uno de ellos envenenó el corazón del rey. Pero, contra todo pronóstico, se hace amigo de un dragón y ambos se dedican a recorrer los pueblos cercanos para estafar a sus habitantes, hasta que deciden volver al reino natal del caballero, que pretende recuperar su honor. Entretenida historia llena de humor y fantasía, al estilo de los cuentos infantiles, donde se hallan presentes casi todas las claves del género: sempiterna lucha entre el bien y el mal, leyes de caballería, romance, humor, espíritu de sacrificio y... la original amistad entre un hombre y un dragón. Unos magistrales efectos especiales consiguen hacer que el protagonista del film, Draco, el dragón, parezca real y sin duda se trata del mejor dragón cinematográfico cuando se rodó el film. Además, en la versión original, el mítico Sean Connery prestó su voz al dragón, mientras que en la versión española hizo lo propio el extraordinario Francisco Rabal, por lo que el personaje se convierte en entrañable.

El sueco Lasse Hallström parece que se encuentra a gusto haciendo películas en Estados Unidos. Así lo demuestran sus filmes Querido intruso y ¿A quién ama Gilbert Grape?. Sus temas típicos —descripción de familias algo excéntricas y con problemas— están presentes en el guión escrito por Callie Khouri, ganadora de un Oscar por su trabajo en Thelma y Louise. Problemas domésticos, cotidianos, de la vida misma, son abordados por Hallström, aunque quizá con mayor realismo que en otras ocasiones. La infidelidad conyugal, presentada como algo que no sucede de repente, y las consecuencias de la falta de diálogo entre padres e hijos, son los desencandenantes de algunos de los momentos más intensos del film. Grace (Julia Roberts) es una mujer joven, a lo que parece felizmente casada, que tiene una niña pequeña. Su vida discurre plácida en una pequeña población del Sur de los Estados Unidos, donde compatibiliza su trabajo en un negocio familiar de cría de caballos con sus obligaciones domésticas. Hasta que descubre que su marido le engaña. Este hecho desata una crisis que afecta a toda la familia de Grace. Hay una historia bien trabada, y humor y ternura en el tratamiento, aunque se eche en falta algo más de profundidad, de honestidad. Resulta una consideración algo estrecha, por ejemplo, reducir el funcionamiento de un matrimonio al de sus relaciones íntimas. También le pesa algo al guión su vena feminista, pues trata de presentar, dentro de las tres mujeres adultas del relato —la madre y dos hijas— a Emma Rae, la hermana de Grace, como la más madura y realizada; cuando lo cierto es que se trata de la menos dibujada, y la única que no ha llegado a comprometerse en nada concreto en la vida. Resulta curioso ver un relato típicamente sureño firmado por un sueco. Pero el hecho es que Hallström bucea con seguridad en la vida provinciana que retrata. Así lo hace en las reuniones de una asociación de mujeres para obras de caridad. La excelente fotografía de Sven Nykvist, con muchos tonos azules y grises, ayuda al espectador a introducirse en la vida corriente, vulgar si se quiere, de los personajes. Un estupendo reparto, encabezado por una Julia Roberts en alza, y apoyado por secundarios de lujo como Robert Duvall, Gena Rowlands y Dennis Quaid, hacen a la película, si no apasionante, sí bastante grata de ver.

Lawrence Kasdan ya dio muestras de su interés por el western al dirigir Silverado en 1984, momento en que el género parecía muerto. Kasdan revisitó luego al legendario personaje de Wyatt Earp, casi al mismo tiempo que George P. Cosmatos en Tombstone. La leyenda de Wyatt Earp. El film se inicia de modo inteligente, con el anuncio del inminente enfrentamiento de los Earp y Doc Holliday con los Clanton en el O.K. Corral. A partir de ahí se retrocede en el tiempo para trazar un amplio arco que comprende la mayor parte de la vida de Wyatt Earp. Esta es una de las novedades de la película. El deseo de abarcar, de dar un pasado a su personaje, que explique su comportamiento como duro sheriff en Dodge City y Tombstone. Ello se hace a veces de un modo fragmentado, aunque las piezas terminan finalmente encajando con bastante coherencia. Kasdan y Kevin Costner ‑éste productor, además de protagonista‑ consiguen una película paradójica. Mitificadora y desmitificadora, realista y legendaria, y ello no de forma inconsciente. Kasdan parece tener como referencia a Clint Eastwood y Sin perdón, pero a la vez se siente demasiado cautivado por la leyenda de Earp. El epílogo del film apuesta por ella, aunque antes se haya contribuido a demolerla un poco. Pues trata de ofrecerse un relato complejo de Wyatt Earp. Los pilares de su vida se los enseñó su padre: la familia y la ley. Pero fuerzas exteriores e incontrolables echan sus planes abajo. Muere la mujer a la que amaba, y se desespera. Trata de ser refugio para otra mujer de la que no está enamorado, y cuando aparezca otra en su vida, su corazón se desgarra. Lucha por mantener unida a la familia, pero a un precio demasiado caro. Y la ley que representa no siempre ayuda a hacer justicia. La misión del sheriff que defiende a los ciudadanos está bastante oscurecida. Los motivos se diluyen en la violencia y el resentimiento que existe entre los Earp y los Clanton. La venganza será motivo suficiente para matar a un hombre. En este mundo desencantado sólo brilla el cariño entre los hermanos Earp, el amor de los esposos, y la sólida amistad entre Wyatt y el tuberculoso Doc Holliday. En los momentos en que Wyatt está a punto de derrumbarse, Doc le sostiene. Y al revés sucede cuando el tuberculoso, al que la vida se le escapa, discute con Big Nose Kate. La película está magníficamente ambientada. Algunas secuencias son de gran intensidad, especialmente las que comparten Wyatt y Doc, éste muy bien interpretado por Dennis Quaid. Pero algo le pasa a este pulcro e irreprochable film. Le falta un poco de alma. O tal vez lo que pesa es que, a pesar de las novedades, la historia de Wyatt Earp se ha contado muchas veces.

Kay Davis (Meg Ryan) es una mujer marcada por su pasado, que escapa de un matrimonio fracasado. Sin un destino fino, su única idea es escapar hacia cualquier lugar. En alguna parte de una carretera perdida conoce a Alis Sweeny (Dennis Quaid), un vaquero seductor al que su trabajo le obliga a viajar de pueblo en pueblo. La atracción surge entre ambos enseguida, pero todo se complica con la aparición del padre de Arlis, interpretado por James Caan. Sus vidas entonces se ven envueltas en unos turbulentos sucesos, en los que se mezclan los oscuros recuerdos con la malicia del padre de Arlis. Un thriller que lleva hasta el extremo más malvado la confusión de sus personajes. Cuenta con unos buenos actores algo desaprovechados por una trama demasiado enrevesada. Busca como puede la lágrima del espectador.

Quien avisa no es traidor. El título español del film recomienda precaución con las peripecias de la familia Blues. Y no es para menos, pues no estamos ante la película divertida que podía esperarse. El tema de un matrimonio de espías que goza de un año sabático para criar a su hijo recién nacido, pero que no puede tener la fiesta en paz, parece que podría provocar un buen puñado de situaciones divertidas. No es el caso. A pesar de un cierto aire añejo, del deseo de recuperar el humor, Cuidado con la familia Blues es un ejemplo clarividente de la preocupante sequía de ideas que aqueja a la comedia en el cine reciente. Hay intentos de componer algún gag, se ríe uno algo ‑tampoco mucho‑ con el desgraciado macarra que siempre que se presenta ante alguien suelta aquello de "Mi nombre es muerte", y poco más. No se confía en la inteligencia del espectador para así proponerle una trama ingeniosa. De modo que sólo el indulgente puede pasar el rato con este film, siempre que aguante las sonrisas de oreja a oreja que lucen, durante casi toda la película, Kathleen Turner y Dennis Quaid.

Wallace y Wilder son dos hermanos muy distintos con un talento en común; pueden producir fuego por sí mismos, solo con su pensamiento. Mientras Wallace presume de su poder para ganar popularidad, Wilder está casado con Linda y trabaja como bombero voluntario (paradójica profesión); pero ambos no se llevan demasiado bien. Para más inri, también Wallace está enamorado de Linda.  Dennis Quaid y Debra Winger protagonizan esta singular película que puede hacer perder el interés del espectador por su curioso argumento. Sin embargo, compensa las buenas interpretaciones de sus protagonistas y la puesta en escena de Glenn Gordon Caron (Novio de alquiler).

Un joven sindicalista norteamericano, Jack, contrae matrimonio con una joven japonesa, Lily, a la que ha conocido en Estados Unidos. Tras el ataque japonés a Pearl Harbour, se produce la entrada de su país en la Segunda Guerra Mundial, por lo que comienza a sentirse cierto rechazo social hacia los nipones, que algunas veces deviene incluso en violencia callejera. El gobierno decide internar a los japoneses en campos de concentración. Lily acompaña a sus padres, por lo que se ve obligada a abandonar temporalmente a Jack. Él, por su parte, tiene que enfrentarse a sus propios amigos para poder continuar con su matrimonio. Esta será una dura prueba para los dos, pero intentarán salvar su unión por encima de las circunstancias históricas. Alan Parker, director británico de éxito, con títulos como El expreso de medianoche, Birdy, Fama o The Commitments, suele trabajar en Estados Unidos, salvo algunos filmes de bajo presupuesto que rueda en su país natal. Bienvenido al paraíso fue una gran superproducción de Hollywood basada en hechos reales, con la que el realizador lanza un sólido alegato contra el racismo. Dennis Quaid se hallaba en el mejor momento de su carrera tras el triunfo de títulos como Gran bola de fuego, si bien este papel le permitió dar un giro en su carrera hacia papeles más comprometidos. Realiza una excelente actuación como un marido en parte decepcionado por sus compatriotas.

Meryl Streep interpreta a una mujer algo desequilibrada y, para colmo, adicta a la cocaína. Debido a su inconsecuente comportamiento, ha echado a perder la costosa producción de la película de un prestigioso director, interpretado por Gene Hackman. Esto provoca que, aunque ha pasado por una difícil cura de desintoxicación, se crea una mala fama por la que nadie quiere contar con ella para sus proyectos cinematográficos. Dennis Quaid, interpreta a su íntimo amigo, que también ha dejado de confiar en ella. Se da cuenta de que sólo le queda su madre, interpretada por Shirley MacLaine, que da la casualidad de que también fue una estrella del cine venida a menos por culpa de su afición al alcohol. Aunque están muy distanciadas, esta situación límite les obliga a acercarse. Ambas tratan de llevar una vida normal juntas. Se trata de una adaptación de la novela de Carrie Fisher, que también firma el guión. El duelo interpretativo entre Streep y MacLaine se salda con un excelente resultado para ambas partes. Una historia emotiva que engancha desde el principio. Narrada con realismo e ironía, cuenta con unos diálogos llenos de audacia y la mar de ingeniosos. Recomendable.

Dennis Quaid se convirtió en el rockero Jerry Lee Lewis, biografía del escandaloso músico que quemaba el piano sobre el escenario. Se narran sus comienzos como cantante, sus éxitos y como cayó en desgracia al casarse con una adolescente de 13 años.

Al modo de Ghost, esta película es un desesperado intento de conocer la verdad de una muerte: la del protagonista. Sólo que en este caso, aún no ha muerto. Dexter Cornell ha sido envenenado y sólo tiene veinticuatro horas para descubrir quién lo ha hecho, cómo y por qué. En medio de su angustioso intento de descubrir el enigma, Dexter se da cuenta de que todo el mundo que le rodea parece guardar un secreto y todos sus conocidos acaban por resultarle culpables del delito, incluso la mujer que ama (Meg Ryan). La inolvidable pareja protagonista de El chip prodigioso, casados en la vida real, vuelve a reunirse para protagonizar este thriller lleno de emoción y angustia. Con unas magníficas interpretaciones y un suspense llevado con pulso firme por los realizadores, el film no decae en ningún momento y depara formidables momentos de alta intensidad.

La historia gira en torno a la vida del matrimonio formado por un ex jugador de fútbol americano y una antigua animadora que, tras conocer la gloria y la popularidad en una época pasada, viven el otro lado de la fama. Melodrama romántico que cuenta con un gran reparto encabezado por los siempres eficaces Jessica Lange (Tootsie) y Dennis Quaid (El día de mañana). La película refleja muy bien los problemas matrimoniales que pueden llegar a surgir en la pareja aunque no termina de ser redonda.

Romance y corrupción son los ingredientes de esta película policial de Jim McBride. La ayudante del fiscal de Nueva Orleáns (Ellen Barkin) se traslada a un pueblo del Estado para poder investigar in situ un problema de supuestas corrupciones del cuerpo de policía. Mientras está realizando sus investigaciones, aparece en su vida Remy, un detective apuesto y cautivador (Dennis Quaid), al que la vocación profesional le viene de una familia que actúa siempre como una piña. Remy, con un planteamiento laxo, asegura a la ayudante del fiscal que la policía está limpia; pues no da importancia a ciertos privilegios y sobornos. Acabarán acostándose. Y claro, mezclar trabajo y placer no va a ayudar, sobre todo cuando a él le tienden una trampa. Y es que el caso de corrupción, como ocurre normalmente, es mucho más amplio de lo que parecía. Lo que se ve es solamente la punta del iceberg. Dos buenas interpretaciones y un poquito de enredo avalan la calidad de esta película sobre los peligros del abuso de poder, en el que se suele caer poco a poco en cosas pequeñas. Escrita por Daniel Petrie Jr., la intriga planteada no deja cabos sueltos y engancha al espectador, hasta el sorprendente desenlace.

Versión moderna de Viaje alucinante. Un piloto de pruebas es reducido de tamaño para realizar un viaje por la sangre de otro hombre. Acción y comedia de la mano de Joe Dante (Gremlins).

Un juez se suicida, su secretaria es asesinada. Un vagabundo sordomudo es sospechoso del crimen. Cher da vida a su abogada, que trata de descubrir la verdad en un círculo de corrupción y mentiras.

Dos guerreros de planetas diferentes, enemigos mortales, se ven obligados a convivir y ayudarse mutuamente cuando se estrellan en un planeta hostil. Solvente película de aventuras fantásticas, cuyo aspecto más flojo es la estética visual y los efectos especiales, que han quedado demasiado desfasados. Protagoniza Dennis Quaid y dirige el competente director alemán Wolfgang Petersen.

Art Long es un cantante de country de medio pelo que un día discute y se pelea con un espectador. Esto llama la atención de un representante que le convence para presentarse a un concurso de aficionados de boxeo. Cuando resulta vencedor y se clasifica, comenzará a plantearse entrar en ese mundo. Dennis Quaid interpreta a un desengañado cantante que de repente encauza su carrera en otra dirección. Le acompañan Warren Oates (Quiero la cabeza de Alfredo García), Pam Grier (Jackie Brown, Bones, Mars Attacks!). Quaid realiza un trabajo aceptable antes de alcanzar mayor popularidad.

Adaptación del libro de Tom Wolfe acerca de cómo se gestó la conquista del espacio en Estados Unidos. El film sigue la pista, en tono épico, de los siete primeros astronautas americanos. Un reparto masculino impresionante y cuatro Oscar avalan la calidad de la película.

Secuela de Bill, de nuevo protagonizada por un talludito Mickey Rooney. Se trata de un retrasado mental, que regenta un kiosko en la Universidad de Iowa, cuyo mejor amigo y mentor se muda a Los Ángeles. Por suerte su bondad y la ayuda de una trabajadora social le ayudan a salir adelante. El telefilm se basa en la historia real de Bill Sackter, que murió cuatro meses antes de que se emitiera la cinta.

El doctor Paul Novotniy desarrolla una técnica para que su joven ayudante, Alex Gardner, pueda infiltrarse en los sueños de otras personas. Pero unos individuos tratan de robarle el sistema para utilizarlo para sus siniestros fines. Max von Sydow y Dennis Quaid protagonizan esta cinta que parte de un planteamiento que podría haber dado más juego, pero acaba estancándose por completo.

Otra secuela más de aquel gran clásico de Steven Spielberg. En esta ocasión, la película gira en torno a la apertura de un gigantesco parque acuático con algunas atracciones instaladas bajo un lago artificial que se comunica con el mar. La tragedia está asegurada. Uno de los seres marinos más peligrosos del reino animal ha vuelto, pero, como era de esperar, no se le ha recibido con los brazos abiertos. Sin embargo, el film parece casi una broma cinematográfica: efectos especiales muy pobres y un horrible guion. Sorprende ver a un actor como Dennis Quaid (El día de mañana) a la cabeza del reparto.

Belinda es una chica sorda que proviene de un humilde nivel social. Recibirá la ayuda de William Richmond, que le enseñará el lenguaje de signos. El padre de Belinda entra en cólera cuando descubre que su hija está embarazada y todo parece indicar que el culpable es un joven del pueblo que ha abusado de ella. Se trata de una revisión de la película original de Jane Wyman. Fue emitida en televisión y está protagonizada por Rosanna Arquette (Pulp Fiction), Dennis Quaid (El día de mañana) y Richard Thomas (Sin novedad en el frente).

Atouk es un hombre de las cavernas que vive atormentado por el jefe de su clan, Tonda, y sus colegas. Él no es un hombre de acción sino de ideas y vive secretamente enamorado de la compañera de su jefe, la bella Lana. Pero el clan sufrirá el ataque de un dinosaurio y todo cambiará radicalmente cuando Atouk sea desterrado... El guionista de Tiburón, Carl Gottlieb, se desmarca dirigiendo está comedia ambientada en la época prehistórica, que abusa del tono paródico y de multitud de situaciones rocambolescas, con unos efectos especiales cutrecillos que no han aguantado el paso del tiempo. Protagoniza el "beatle" Ringo Starr y entre el reparto se encuentra un jovencito Dennis Quaid.

Un chico decide marchar de su pueblo con el fin de hacer realidad su único sueño: convertirse en una gran estrella de la música country. En el viaje le acompañará su ambiciosa hermana como su manager. Sim embargo, el sueño de ambos peligra cuando conocen a un misterioso sherrif. Drama que se ha convertido en una película de culto para los amantes del country. El film cuenta con muchas escenas donde la música es la gran protagonista. Aunque el resultado es fallido, cabe destacar la presencia en su reparto de dos grandes promesas, Dennis Quaid (El día de mañana) y Mark Hamill (La guerra de las galaxias).

George Dupler es un ejecutivo que se ve obligado a trabajar en una tienda las 24 horas. Después de aconseja a su hijo que corte la relación que mantiene con Cheryl Gibbons, su prima y humilde ama de casa, ésta intentará seducir a George. Comedia romántica que, a pesar de contar con la estrella Barbra Streisand (¿Qué me pasa doctor?) como protagonista, no triunfó mucho en su momento. Completan el reparto los actores Gene Hackman y Dennis Quaid.  

La película narra las diversas y alocadas aventuras que viven un grupo de excéntricos camareros  en un campamento de verano. Trepidante comedia con un resultado menos gracioso de lo que en un principio promete. Está protagonizada por un extravagante grupo de trabajadores que se verán envueltos en diferentes situaciones relacionados con la droga. Destacan en el reparto los actores como Dennis Quaid o Michael Lembeck.

Al término de la Guerra Civil, algunos combatientes del sur, como los hermanos James, se convierten en forajidos. Tres sagas de auténticos hermanos actores interpretan a familias de forajidos en este entretenido western firmado por el eficiente Walter Hill.

En una ciudad de Indiana, Dave, Moocher, Mika y Ciryl son cuatro jóvenes que se encuentran en plena adolescencia y en un momento de sus vidas lleno de dudas e incertidumbre. Uno de ellos, Dave, tiene una profunda afición por el ciclismo y es seguidor del equipo italiano Cinzano. Una carrera de bicis será su objetivo primordial hasta el punto de cambiar su identidad para poder participar. La competición cambiará su vida y la de sus amigos. Peter Yates dirige este drama deportivo con un jovencísimo Dennis Quaid (Elegidos para la gloria, El chip prodigioso, Dragonheart). Steve Tesich recibió un Oscar por el guión, y película y director fueron nominados al premio.

Alocada comedia que narra la experiencia de cuatro jóvenes que abren una falsa clínica de investigación sexual y emocional. Los estudiantes se sorprenden cuando descubren que han inventado un negocio con mucho éxito. Película que no dio muy buen resultado en su momento. Está protagonizada por un jovensísimo Dennis Quaid (El día de mañana) y por la guapa actriz Priscilla Barnes (Cruzando la oscuridad).

Una chica adolescente es presa del pánico después de recibir el acoso telefónico de un misterio número desconocido. Todo empeora cuando se encuentra trabajando de niñera para sus vecinos. Película estrenada directamente en televisión que consigue aterrorizar al espectador. En su reparto podemos encontrar a un jóven Dennis Quaid (El día de mañana).

La historia sigue a tres adolescentes a través de su último año de secundaria en la década de 1960. Película que narra el proceso de maduración de tres jóvenes, centrándose en el protagonista, una estrella del atletismo juvenil. Amores, amistad, familia, estudios, deporte, triunfos y pérdidas: todo tiene su hueco en los años de la temida adolescencia. El drama está protagonizado por Scott Jacoby (La muchacha del sendero), Dennis Quaid (El día de mañana) y Deborah Benson (Esos locos fantasmas).

Deborah Blake es una joven que siempre ha intentando evadirse de la realidad. Para ello se ha inventado su propio mundo mágico en el que reina la perfección. El problema surge cuando ella misma no diferencia la ficción de la realidad, por lo que se ve obligada a ingresar en un hospital psiquiátrico.  Profundo e interesante film que cuenta la historia de superación de la joven Blake, interpretada por la eficaz Kathleen Quinlan. El guión es intenso y consigue desarollar la historia de una forma más que aceptable. En su día la compararon como la versión femenina de "Alguien voló sobre el nido del cuco".

James Dean es el ídolo de Jimmy. Admira su obra y su forma de vivir de una manera incondicional. Cuando el famoso actor muere en un accidente el 30 de septiembre de 1955, al jóven Jimmy se le cae el mundo encima. Él y sus amigos deciden celebrar una vigilia, pero las cosas empeoran cuando empiezan a beber y emborracharse. La tragedia será inminente. Intenso drama que cuenta la trágica situación por la que vive un estudiante que sufre de una forma especial la muerte de su artista favorito. La película cuenta con un buen reparto que consigue emocionar al espectador.