Lista de películas del género Biográfico

102 Boulevard Haussman es la dirección de la espléndida casa parisina de Marcel Proust. Son años de guerra, y la naturaleza enfermiza del escritor le obliga con frecuencia a estar postrado en la cama, y a seguir horarios poco habituales. En una de sus salidas a un concierto, queda cautivado por un cuarteto de cuerda, y de modo especial por el joven Massis, que toca la viola. De modo que les convoca a su casa a horas intempestivas para que toquen para él. Sensible acercamiento al mundo proustiano, con inteligente guión de Alan Bennett. El film recrea la atmósfera de la que surge la gran creación literaria de Proust, y pinta con delicadeza la relación entre el escritor y Celeste, su devota ama de llaves. También se apuntan con sutileza los sentimientos de Proust por Massis, y los celos que afectan a varios personajes. Resulta excelente la escena de la conversación de Proust y Celeste, donde él expresa lo que debería ser un libro para el autor y para el lector. Grandísimos trabajos interpretativos de Alan Bates, Janet McTeer y Paul Rhys.

Norte de los Estados Unidos. Solomon Northup es un hombre negro, casado y con dos hijos, que goza de una buena posición. Con la excusa de ofrecerle un atractivo trabajo, y aprovechando la ausencia de su familia, dos desalmados le secuestran y es vendido como esclavo. A lo largo de 12 años pasará por distintas plantaciones sureñas, sirviendo a distintos amos. No perderá la esperanza de recobrar la libertad, pero la supervivencia pasa por no mostrarse como alguien con educación, y por el dilema moral de cuál debe ser su reacción ante tremendas injusticias de las que es testigo. Formidable película, quizá el mejor drama que se ha filmado en cine sobre la esclavitud en Estados Unidos, destinado a tener el impacto que sobre el holocausto tuvo La lista de Schindler. Se basa en una historia real, que contó el propio Solomon Northup en un libro publicado en 1853. Steve McQueen (II) ha probado sobradamente sus capacidades como cineasta en Hunger –las huelgas de hambre de terroristas del IRA– y Shame –las adicciones sexuales–. Aquí se aplica con realismo en describir las penalidades de un hombre libre reducido al estado de esclavitud sin que pueda hacer nada por impedirlo, lo que supone una inmersión en el infierno de algo socialmente aceptado, disponer de las personas como si pudieran ser propiedad de alguien. Hay innegable crudeza en varios pasajes –las flagelaciones, el impuesto despojo de la intimidad...–, pero justificable y medianamente elegante. Lejos del director y de su guionista John Ridley caer en la sensiblería, o en el trazo caricaturesco del hombre blanco. Hay un esfuerzo claro por la objetividad, se procura penetrar en el punto de vista de la época sin condenas explícitas, ya sea el del propietario buena persona pero con problemas económicos, que no considera que sea labor suya cambiar las cosas; el capataz pendenciero de enorme ego; el depravado dueño de una plantación, y su no menos depravada esposa, por los celos que alimenta hacia una esclava de la que abusa el otro; los que usan del engaño para servir a sus propios fines; y los que tienen claro que no existen diferencias reales entre los blancos y los negros. Mientras que entre los esclavos las actitudes oscilan entre el extremo de la desesperación y el intento de la huida, y el de aceptación de lo que hay. McQueen demuestra maestría en la composición de muchos planos -repite colaboración con su operador habitual Sean Bobbitt-, verdaderos cuadros “pintados” con talento, podemos citar dos ejemplos sorprendentes, el de la carta que arde quedando reducida a unos rescoldos, y finalmente llevando a la oscuridad, algo en lo que casi coincide el estado anímico de su autor; o el del esclavo semiahorcado, sosteniéndose de puntillas para no ahogarse, mientras alrededor sus demás compañeros, despojados de la libertad, despliegan una inusitada actividad. El completo reparto hace un trabajo extraordinario. Incluido Brad Pitt, a quien hay que felicitar aún más por ser productor de la película, o sea, uno de los responsables de su existencia. Pero puestos a destacar a alguien, es obligado mencionar al protagonista, formidable Chiwetel Ejiofor, y Michael Fassbender, que compone a un sádico al que te puedes creer.

Original documental preparado por TCM España con ocasión de los 50 años del mítico film de Stanley Kubrick 2001: Una odisea del espacio. Recrea acudiendo en la mayor parte del metraje a técnicas de animación 2D y 3D, la entrevista que mantuvo con él el periodista Eric Norden para la revista Playboy. Ello se combina con imágenes reales de la aventura espacial, acontecimientos históricos relevantes de la época, o simples imágenes que recogen lo mejor del hombre, sobre todo su etapa infantil. Aunque no pretende recoger la entrevista en su integridad, su director Pedro González Bermúdez consigue dotar cierta cohesión al conjunto, incidiendo en el esfuerzo indagatorio del entrevistador, sobre lo que había en la cabeza de Kubrick al rodar el film, y en la honestidad exenta de frivolidades y petulancia con que responde el célebre cineasta. Por supuesto, no logra agotar, ni lo pretende, la riqueza del film, pero apunta los temas principales, y el hecho de que sea Keir Dullea, el protagonista del film, quien presta su voz a Stanley Kubrick, concede a la pieza un particular encanto. De modo que se recogen las ideas de Kubrick acerca de Dios y de potenciales civilizaciones extraterrestres más avanzadas que la nuestra. Dentro de su agnosticismo, se agradece la mirada antropológica del cineasta, que ni es pesimista a machamartillo, ni pretende conceder al hombre una omnipotencia que no tiene.

El primer trabajo de Jean-Pierre Melville, se trata de un expresivo corto documental sobre el payaso Beby, al que sigue tras el final de una de sus funciones, con el regreso al hogar junto a la esposa, y el despertar de los recuerdos de su vida mientras repasa algunas fotografías. Permite vislumbrar ya al gran director que llegó a ser Melville.

Recién terminada la Segunda Guerra Mundial, Jackie Robinson es un afroamericano que ha combatido con valor, y cuyas habilidades para el béisbol ha podido mostrar únicamente, y no sin dificultades, en la universidad, pues la liga profesional está dominada en exclusiva por los blancos. Hasta que Branch Rickey, en un audaz movimiento que despierta una encendida animadversión racista en determinados sectores de la opinión pública, requiere sus servicios para los Dodgers de Brooklyn. Robinson, que se hará famoso por llevar en su camiseta el número 42, hará historia como jugador, no sólo por sus asombrosas aptitudes, sino por ser el primero de muchos deportistas negros que van a descollar en el béisbol, y ello aguantando mil y una provocaciones. El guionista y director Brian Helgeland entrega una estupenda muestra del subgénero del drama deportivo, a partir de una historia real muy conocida en Estados Unidos, que aúna los aspectos del terreno de juego, servidos en emocionantes escena de los partidos, con la cuestión racial. En el valioso contenido antropológico de la trama, el film tiene más de un punto en común con The Blindside (Un sueño posible), que transcurre en el mundo del fútbol americano. Quien ha firmado libretos de corte heroico como los de Destino de caballero y Robin Hood, sabe insuflar aire épico a la gesta de Jackie Robinson, que también lo es del dueño de los Dodgers, Branch Rickey. A la hora de sobreponerse a las dificultades brilla la fe metodista compartida por ambos hombres, el apoyo de su esposa Rachel en el caso de Jackie, y la puesta en ejercicio de una serie de virtudes muy necesarias como son la paciencia y la no-respuesta a la provocación. En el aspecto actoral, a una pléyade de secundarios poco conocidos que funcionan a la perfección, y al protagonista Chadwick Boseman, hay que sumar el buen trabajo de Harrison Ford, en la mejor interpretación que ha brindado en años de penosa sequía, con papeles indignos de su carisma.

La veterana directora canadiense Kari Skogland, forjada en series y telefilmes, lleva al cine la historia real de Martin McGartland, un hombre que logró infiltrarse en el IRA, y que hoy en día vive oculto, con otra identidad, acogido al programa de protección de testigos. La propia Skogland se ha encargado de escribir el guión, a partir de un libro sobre el personaje, escrito por Nicholas Davies y Martin McGartland. La cinta causó cierta polémica durante su proyección en el Festival de Toronto, porque una de las actrices, Rose McGowan –cuyo padre es irlandés–, realizó unas dudosas declaraciones en las que aseguraba que podía entender que la gente se volviese violenta en Irlanda del Norte. La directora y los productores de la cinta se distanciaron de estas opiniones, y aseguraron que no reflejaba lo que quieren contar. Cualquiera que vea la película puede comprobar que tienen razón. 50 hombres muertos tiene lugar a finales de los 80, en los años duros de los enfrentamientos entre católicos y protestantes en Irlanda del Norte, ocupada por el ejército británico. Por aquel entonces, Martin McGartland era un muchacho desempleado, que sobrevivía en Belfast vendiendo prendas robadas. Mientras sigue viviendo en casa de su madre, una mujer de carácter, McGartland tiene un romance con una joven a la que deja embarazada. Tras un encontronazo con la policía, Fergus, un agente especial de la policía, le propone aprovechar su potencial para contactar con el IRA, para que le pase información... A Skogland le falta la brillantez para la puesta en escena de Jim Sheridan y otros grandes directores que han tratado el tema del terrorismo irlandés. Además, no puede disimular los inevitables tópicos del género de infiltrados, que remiten a películas de Martin Scorsese y otros directores. Pero es una cinta honesta cuyo punto fuerte son las interpretaciones, sobre todo por parte de Jim Sturgess, que confirma el talento que demostró como protagonista de 21: Black Jack. Le secundan el siempre brillante Ben Kingsley –el agente que le recluta– y  la citada Rose McGowan, muy convincente –lo cortés no quita lo valiente– en su interpretación de una glamourosa pero implacable líder del IRA. Aún más interesante que la historia policíaca es la subtrama relativa a que el protagonista tenga que sacrificar el poder llevar una vida normal con su familia, para poder cumplir su cometido.

Documental dedicado a la enigmática figura del Papa Luna, Pedro Martínez de Luna y Pérez de Gotor, Benedicto XIII (1328-1423), en el que confluyen principalmente tres grandes líneas argumentales: el inesperado robo de su cráneo en el año 2000, el peritaje para autentificar los restos una vez recuperados, y el acercamiento biográfico e histórico a tan singular personaje. Hace pensar en otro reciente film del mismo corte, Cervantes, la búsqueda. Sin duda que se trata de un relato apasionante, realizado con corrección por Germán Roda, y que atrapará al espectador interesado en cuestiones históricas. Así, somos testigos del abandono en que se encontraba el palacio donde estaba el cráneo, la investigación de la guardia civil, y la inoperancia de unos ladrones aficionados de escasas luces, lo que hace que nos movamos entre el thriller y el sainete. Y vemos cómo la moderna medicina forense permite estudiar la calavera del antipapa, e incluso aventurar cuál podría ser su aspecto físico en el último plano del film. Y aunque abunda el entusiasmo laudatorio de los historiadores de los lugares ligados a Luna –Illueca y Aragón en general, Peñíscola, Escocia con su universidad de Saint Andrews–, nos hacemos una idea bastante completa de las convulsiones del siglo XIV en la Iglesia y el papado, que desembocaron en el cisma de Occidente, y en el escándalo para la cristiandad de llegar a mantenerse simultáneamente hasta 3 personas que aseguraban ser el Papa legítimo (el papa Luna hasta su muerte, dando lugar a la expresión de "mantenerse en sus trece"). El destino del cráneo cuando se estrena el documental –un sótano del Museo Provincial de Zaragoza, a la espera de una resolución judicial sobre dónde debe depositarse–, da un toque peliculero al film, imposible no pensar en Indiana Jones y En busca del arca perdida.

Último trabajo como director del mexicano Miguel Zacarías, autor de títulos como Una carta de amor, con Jorge Negrete. Se trata de un homenaje al cantante mexicano Guty Cárdenas, nacido en 1922, que fue asesinado a los 26 años en Ciudad de México, tras crear populares canciones. El cantante está interpretado por la estrella mexicana Antonio Henaine.

El mismo año en que Dieterle y Edward G. Robinson rodaron la biografía de Paul Ehrlich en la más que notable Dr. Ehrlich's Magic Bullet, ambos volvieron a unirse en otra biografía atípica: la del Barón Julius Von Reuter (1816-1899), un alemán pionero de la comunicación y creador de la célebre agencia de noticias Reuters. En la película, bien documentada y que constituye un alegato a favor de la libertad de expresión en una época convulsa donde había comenzado la guerra en Europa, se narran los años de empresario de Reuter en Inglaterra, donde diseñó un sistema para transmitir a los periódicos noticias por cable. También se cuentan los problemas que tuvo cuando se intentó amordazar a su agencia cuando ésta poseía el anuncio del asesinato de Lincoln nueve horas antes que sus competidores, gracias a un sistema marino por el que se interceptaba el correo postal que iba de Irlanda a Inglaterra.

Acercamiento a la figura de Lyndon Baines Johnson, que ambicionaba llegar a la presidencia de Estados Unidos, aunque nunca pudo imaginar que su sueño se cumpliría tras la pesadilla del asesinato de su predecesor, John Fitzgerald Kennedy, a quien servía como vicepresidente. Mueve la cámara Rob Reiner, un director apagado en los últimos tiempos, tras sus incontestables éxitos de los 80 y 90 con Cuenta conmigo, La princesa prometida y Misery. El film compone un retrato positivo del personaje, ofreciendo trazos de su estatura política a partir de una estructura narrativa que pivota sobre el desplazamiento de la comitiva presidencial que llegó a Dallas el 22 de noviembre de 1963. Así, se alternan imágenes del viaje en coches descubiertos –JFK iba en el primero con Jackie, LBJ en el tercero con su esposa Bird– con diversos momentos de la carrera política del protagonista: sus luchas políticas cuando es el líder de la mayoría demócrata del Senado, su postulación como candidato presidencial, la aceptación de la vicepresidencia con John Kennedy, sus esfuerzos por templar gaitas con el senador sureño Richard Russell a la hora de avanzar en la implantación de los derechos civiles, las desavenencias profundas con Bobby Kennedy... La narración es clásica y funciona, sirve para proponer temas como el liderazgo político, la habilidad en el toma y daca, sacar una cosa, ceder en otra, la importancia de no dejarse llevar por las manías y fobias, la necesaria unidad nacional en tiempos de crisis. Se beneficia de un buen reparto donde nadie desentona, y en que brilla un actor que no deja de mejorar, Woody Harrelson, que en su composición de Johnson recuerda a ratos al gran Spencer Tracy. También está bien Michael Stahl-David en el antipático papel de Boby, o Richard Jenkins como el senador que se siente en parte traicionado. Aunque su presencia sea secundaria, también destacan Jennifer Jason Leigh como la esposa de LBJ, y Jeffrey Donovan en el siempre difícil papel de JFK.

Lírico film biográfico del poeta ruso premiado con el Nobel Joseph Brodsky. Andrey Khrzhanovskiy, formado en el cine experimental y animado, mezcla con talento recreación dramática, material documental y animación para evocar la figura del artista y la relación con sus padres. La estructura la conforma el viaje desde el exilio de Brodsky a su ciudad natal, San Petersburgo, tras la muerte de sus padres, a los que no ha vuelto a verde desde que se fue. Se trata de un emocionante viaje no sólo físico, sino también de la memoria, donde se agolpan los recuerdos de infancia y juventud, sus deseos de libertad y el crecimiento de su alma de artista. Según el director, lo suyo no es un biopic convencional, sino un ambicioso intento de introducirse en las vivencias interiores de un personaje, empleando para ello su obra artística, poesías y dibujos. Khrzhanovskly usa a la perfección la banda sonora con muchos temas de música clásica, e imágenes de gran belleza, como la de los instrumentos musicales desplazándose por el cielo de Leningrado, antaño San Petersburgo. Lo que el cineasta ruso hace es muy difícil, dar unidad a una evocación poética que también quiere dejar constancia de una época donde faltaban las libertades pero no el amor. Y sorprendentemente, lo logra.

Sentido documental de Marcin Latallo acerca de su padre, Stanislaw Latallo, prometedor cineasta y actor principal del film de Krzysztof Zanussi Iluminación, muerto trágicamente en accidente de montaña cuando tenía sólo 29 años. Marcin, que apareció siendo un niño en Iluminación, como hijo del personaje de su padre, recoge 22 años después testimonios de su madre -que habla de la dolorosa ruptura del matrimonio-, de cineastas como Zanussi y Agnieszka Holland, o del experto alpinista que le acompañaba en el Himalaya. Así vemos a Stanislaw como un hombre vitalista en extremo, de personalidad compleja, ávido de experiencias y de filmaciones, pero también con un anhelo de trascendencia en su proyecto cinematográfico sobre la Sagrada Familia, donde Marcin era el niño Jesús.

Historia de los hermanos alemanes Max y Emil Skladanovsky, anteriores a los archiconocidos hermanos Lumière, y cómo idearon el bioscopio, primera versión del proyector de películas. Su invento proyectaba 8 imágenes por segundo. Wim Wenders (París, Texas, El final de la violencia) dirigió este título y especial documento cinematográfico en 1995, y el propio realizador hace un cameo en el film interpretando a un lechero. Curiosamente, Wenders trabajó poco después en el experimento Lumiere y compañía.

Original documental dedicado a la poetisa polaca, ganadora del Nobel de Literatura en 1996, Wislawa Szymborska. Realizado dos años antes de su muerte, rebosa sentido del humor, tan característico de su protagonista y de sus poemas, caracterizados por sus juguetones juegos de palabras. El film aporta abundantes datos sobre la biografía de Szymborska, y está armado alrededor de tres personajes por los que ella confiesa sentir admiración: el cineasta Woody Allen, la estudiosa de los primates Jane Goodall y el dramaturgo y presidente de Chequia Vlácav Havel, de los que se presentan algunas jugosas declaraciones. Montado con agilidad, incluso el desconocedor del polaco disfrutará con la chispa de la ancianita protagonista, sus viajes por el mundo, incluido Corleone, el pueblecito de donde surge la saga de El Padrino, y el gran trabajo de Al Pacino, o el homenaje del mundo universitario en Italia, bien representado por Umberto Eco. Imprescindible para conocer a Szymborska y adentrarse en su obra. Y aunque hecho desde la admiración, el documental no escamotea momentos espinosos en la vida de la artista, como su poema juvenil dedicado a Stalin.