Celia Imrie

Diez años después de la película Mamma mia! y veinte después del musical creado para los escenarios por Catherine Johnson, inspirada en las canciones del grupo sueco Abba, llega esta secuela-precuela –que ambas condiciones presenta la cinta–, a través de una trama sencilla, simple excusa para el divertimento, las canciones y las coreografías, y el empeño, conseguido, por hacer que el espectador se sienta bien, porque triunfa el amor. Tras la muerte de su madre Donna, Sophie ha planificado la reapertura de su hotel, situado en Kalokairi, una idílica y perdida isla griega. Pero su amado Sky, arquitecto, está en Nueva York, y seguramente no se presentará en la inauguración, además de que le ha salido trabajo en la Gran Manzana; tampoco es previsible que se presenten dos de su tres padres –nunca supo cuál de los tres hombres a los que amó Donna es su padre biológico–, ni su abuela americana, excéntrica, una bruja. Pese a todo no ceja en los preparativos, a los que ayudan las otras dos componentes de Dynamo y amigas de Donna, Tanya y Rosie, y que están coordinados por Fernando, un gerente que es una joyita. El relato de esa puesta a punto se entrelaza con la narración de cómo una jovencita Donna recién graduada que viaja por Europa conoció a Harry, Sam y Bill, y llegó a la preciosa isla helénica. Ambas líneas acaban confluyendo en el clímax, pensado con inteligencia, un canto, nunca mejor dicho, a la maternidad. En esta ocasión el guión corre a cargo del también director Ol Parker, conocido sobre todo por los libretos de El exótico hotel Marigold y su secuela, y por Ahora y siempre, cinta romántica con enferma terminal. Aunque también figura acreditada Johnson, la autora del musical, y Richard Curtis, especialista en tramas ligeras que tocan el “cuore”, como Love Actually. Y captan la idea ligera, que es celebrar la “joie de vivre”, la “alegría de vivir”, algo a lo que contribuye poderosamente la selección de las canciones y su inserción en la narración de modo que no aparezcan postizas; ahí la intervención de Benny Andersson y Björn Ulvaeus se muestra también de enorme importancia. Todos los temas funcionan muy bien, aunque brilla especialmente la escena correspondiente a “Waterloo”, que transcurre en París, con Lily James y Hugh Skinner, de fantástica coreografía. También destaca el arranque de “When I Kissed the Teacher”, que transforma una formal ceremonia de final de curso en la universidad, en una auténtica fiesta. Parker sabe además ser visualmente elegante en algunas transiciones entre presente y pasado, o salvar distancias entre personajes, como las que separan a Amanda Seyfried y Dominic Cooper cuando cantan “One of Us”. Otro de los pasajes que eleva el corazón, es el de la llegada de una muchedumbre en barco, que se dirige a la inauguración del hotel, mientras escuchamos “Dancing Queen”. Con reparto de lujo, donde repiten muchos de los actores del film original, unos tienen mayor presencia que otros, pero todos da la impresión de que se lo han pasado en grande con sus apariciones; hasta Meryl Streep se ha apuntado a la fiesta, mientras que la presencia novedosa de Cher casi a los postres, sirve para que escuchemos su potente chorro de voz. De todos modos, si alguien brilla con especial intensidad en el film, ésa es Lily James, la versión juvenil de personaje de Streep: la actriz tiene la pasta de una auténtica estrella, canta y baila muy bien, y encarna a la perfección el idealismo ingenuo que se deja llevar por los sentimientos y por su afán de disfrutar de lo que le ofrece la vida, una óptica algo superficial, pero coherente con la idea de entretenimiento en que consiste el film. También están bien Jeremy Irvine, Josh Dylan y Hugh Skinner, Jessica Keenan Wynn y Alexa Davies, que ofrecen las composiciones jóvenes de los personajes de Pierce Brosnan, Stellan Skarsgård y Colin Firth, Christine Baranski y Julie Walters. Y Andy García sabe conceder empaque a su latino personaje.

Con motivo de una fusión muy beneficiosa los socios de una gran compañía necesitan arreglar algunos inconvenientes financieros y por tal motivo necesitan la presencia del antiguo director comercial, que marchó a descansar a un balneario suizo y nunca regresó. Un joven ejecutivo comercial recibe el encargo de viajar hasta Europa y traerle de vuelta en el plazo de dos días. Gore Verbinski tiene una amplia trayectoria como director, con éxitos de inmensa talla, como la saga de Piratas del Caribe. Su oficio detrás de las cámaras está fuera de toda duda, posee imaginación y habilidad para convertir impecablemente ideas en imágenes. En La cura del bienestar estos aspectos están potenciados y la premisa inicial es atractiva, pero falla incomprensiblemente lo más importante: un guión medianamente consistente. La historia de Verbinski y Justin Haythe (Revolutionary Road) juega al despiste constantemente, llevándonos por vericuetos diversos sin concretar ninguno. Inevitablemente logra transmitir inquietud e intriga ante lo que vemos (hay imágenes poderosas), pero da demasiados palos de ciego y en el fondo no juega limpio con sus personajes ni con la inteligencia del espectador. Tramposilla en su planteamiento y narrativamente incongruente en varias fases de la trama, podríamos estar ante un drama existencial, un thriller convencional, una película macabra, una fantasía gótica y pesadillesca, un film de terror futurista, etc., etc. Y ahí queda la cosa. El resultado es que no hay manera de saber lo que estamos viendo, hasta que, claro, llega un desenlace poco satisfactorio. Así las cosas los únicos puntos fuertes de la película son su lograda atmósfera opresiva –apoyada en una magnífica y a ratos subyugante fotografía de Bojan Bazelli y en las imponentes localizaciones naturales de los Alpes–, algunos pasajes visualmente impactantes –las salas de baños, la cuestión de las anguilas– y el esforzado trabajo de Dane DeHaan, un actor que sabe transmitir angustia. Pero esas cualidades no bastan.

La vida pequeño burguesa de Sandra Abbott se hace añicos en su supuesto momento más dulce, cuando el marido recién jubilado acaba de recibir el título de lord, y ella va a ser, pues, lady. Porque descubre que el hombre con el que lleva casada cuarenta años, le engaña con su mejor amiga. Desconsolada, corre a instalarse en casa de su bohemia hermana Bif, que vive en una modesta barriada londinense, y de la que ha estado bastante desconectada. Una y otra no pueden ser más diferentes: Sandra ha llevado una vida ordenada e insulsa de ama de casa, renunciando a sus sueños, mientras que la otra sigue una filosofía que le lleva a disfrutar de la existencia con la compañía de un puñado de buenos amigos y echando de vez en cuando una canita al aire. La convivencia de ambas acabará resultando enriquecedora para ambas –aunque es obvio que el film nos sugiere que una tiene tiene una vida mucho más plena que la otra–, sobre todo cuando Bif convence a Sandra para que la acompañe a las clases de baile, donde conocerá a Charlie, un tipo muy especial. Típica comedia amable y bienintencionada en su canto a los buenos sentimientos, pero que mete en su particular “thermomix” todo tipo de cuestiones en torno al sentido de la existencia y a la relación entre las personas, algunas tratadas con demasiada ligereza y hasta de modo contradictorio, véase el adulterio, el cuidado de las personas con alzheimer, el revanchismo ante el daño recibido, las diferencias de clase, el snobismo, la promiscuidad sexual, las enfermedades terminales, los amores otoñales... Quien mucho abarca, poco aprieta, y no se acaba de dar con un tono dominante claro, hay demasiada dispersión en el relato. Se juega además la carta del baile como terapia, al estilo de la española La tribu, una película mucho más conseguida. Tiene detrás a un director competente, Richard Loncraine (Ricardo III, Ático sin ascensor), y a un puñado de muy buenos actores (Imelda Staunton, Celia Imrie, Timothy Spall), que ayudan a disimular estas carencias, e incluso a hacer entretenido el film, pero basta detenerse a pensar un poco para descubrir algunas trampas argumentales para excusar el comportamiento de los personajes. Llama especialmente la atención la simpleza con que se dibuja al esposo de Sandra, o el simple sentido decorativo que tienen su hija y su nieto (nada se nos dice sobre el padre de este chaval). Y no hay coraje para trazar un desenlace con chispa, el que se nos ofrece es puro cliché.

Han pasado quince años desde que El diario de Bridget Jones irrumpiera en las pantallas por primera vez. El impacto fue enorme, como era de prever tras el éxito comercial de la novela de Helen Fielding en que se basaba. Sólo tres años más tarde llegó la secuela, Bridget Jones: Sobreviviré, que mantuvo más o menos el nivel original. Ambas películas narraban las dificultades amorosas de la protagonista, una dulce muchacha que buscaba el amor romántico, aunque su vida emocional era infantil, sus ademanes adorablemente torpes y su actitud exterior desembocaba en cierto desenfado sexual, donde el compromiso era poco más que una palabra. Dos hombres se disputaban su corazón, una competencia con claras referencias a “Orgullo y prejuicio” de Jane Austen. Bridget Jones’ Baby retoma la historia años después de que Bridget y su adorado Darcy fracasaran en su relación, pues los compromisos laborales de él hicieron trizas la convivencia. Ahora, mientras que Darcy se ha casado, Bridget sigue viviendo sola, en un pisito cursi y femenino, y goza de prestigio en su trabajo en una televisión, en donde comparte risas con su amiga Miranda. Con ella precisamente irá a desfasar un poco en un concierto y Bridget pasará la noche con un apuesto desconocido, que resultará ser un tipo la mar de simpático además de multimillonario. Días después, con motivo del funeral de quien fuera su otro conquistador, Daniel Cleaver (Hugh Grant), Bridget se encontrará con Darcy, con quien la chispa volverá a surgir y acabarán en el dormitorio. Así las cosas, cuando al poco tiempo Bridget descubre que está embarazada, ignorará por completo quién es el padre, si Jack o Darcy. La directora Sharon Maguire ha conservado las constantes del primer film, dirigido también por ella: soltería de Bridget, infantilismo emocional, competición masculina, buenismo bobalicón de los padres, etc., al tiempo que moderniza aún más las actitudes de los personajes, que dan tumbos entre el romanticismo y la frivolidad más absoluta. En este sentido la superficialidad del guión supera con creces a la mostrada en las precedentes, tanto en el lenguaje y las conversaciones como en los planteamientos sociales de los que alardea. Aunque sigue manteniendo el humor tontorrón y eficaz de las otras películas, ciertamente se deja tan de lado el “estilo Austen” que llegan a resultan ridículos los acaramelados roles masculinos de Jack y Darcy. Por otras parte, aunque hay una trabajada labor actoral, faltan en el film escenas memorables y algunos golpes de humor parecen reciclados y ya no surten el efecto deseado (véase a la madre de Bridget por ejemplo). Además Colin Firth ha perdido llamativamente su frescura y las arrugas tampoco le hacen ningún favor, algo parecido a lo que le sucede a Renée Zellweger, aunque ésta siga conservando su dulzura innata y el atractivo de sus característicos mohínes. Sí funcionan en cambio dos nuevos personajes: la amiga gamberra de Bridget en la televisión, interpretada con mucho desparpajo por Sarah Solemani (quizá gracias a ella la primera parte de la película es la más llevadera); y el papel de sarcástica doctora interpretada por Emma Thompson, quien además es coguionista del film junto con Helen Fielding y Dan Mazer.

Con la inestimable ayuda de su huésped y socia Muriel Donnelly, Sonny Kapoor acaricia sueños de expansión del exótico Hotel Marigold, con la muy probable compra de un nuevo local e inversión extranjera de un importante grupo. Lo que supone un visitador anónimo que debe evaluar las posibilidades del proyecto, y que Sonny cree que es un nuevo cliente de su establecimiento, Guy Chambers, con quien se muestra en extremo obsequioso, lo que contrasta en el modo en que trata a la recién llegada Lavinia, que se aloja ahí pensando en traerse en algún momento a su anciana madre. Todo ocurre mientras Sonny hace los preparativos de su inminente boda, que conlleva un gran festejo, y los celos por un presumido primo, que se muestra demasiado amable con la novia. Por otra parte a Evelyn Greenslade le surge una oportunidad laboral vendiendo ropa, mientras Douglas Ainslie sigue mostrándose enamorado de ella, aunque hay una timidez mutua que impide la comunicación de sentimientos. Secuela de El exótico Hotel Marigold, orquestada por el mismo director, John Madden, y el mismo guionista, Ol Parker, y la mayor parte del reparto original, casi todos actores veteranos que hacen sus papeles casi con ojos cerrados. Confirma la impresión del original de que se podrían orquestar historias sin fin en torno al establecimiento y sus ocupantes y gestores, a modo de serie televisiva, y que puede ejercer un claro atractivo en el público adulto de cierta edad, que se repite con razón que la jubilación o ciertas limitaciones físicas no suponen el final de la vida, o que ésta empiece a carecer de sentido, si se ponen en funcionamiento los talentos personales y la preocupación por los demás. Cinta de relaciones y altibajos amorosos, que combina las sonrisas y lágrimas, tiene las mismas virtudes y defectos que el film que le precedió. La cinta se ve con agrado –aunque su metraje se hace largo–, pero la mirada al ser humano y sus intereses vitales resulta demasiado epidérmica, los buenos sentimientos que la atraviesan se antojan un tanto superficiales, les falta calado, aunque para eso está el buen hacer de actores como Maggie Smith, Judi Dench o Richard Gere. Acaba resultando algo cargante Dev Patel, con su sempiterna actitud atolondrada.

Abi y Doug, un matrimonio con tres hijos, planea divorciarse, pero antes deciden pasar las vacaciones con el abuelo, el padre de él, que vive con otro hijo y celebra el que podría su último cumpleaños, pues padece un cáncer. La idea es no explicarle nada sobre la ruptura, para no darle un disgusto más, pero las cosas no siempre salen como se planean. Sencilla pero eficaz película, urdida por el dúo Andy Hamilton-Guy Jenkin, codirectores y coguionistas. Está contada sobre todo desde el punto de vista de la hija mayor, la casi adolescente Lottie, que empieza a encontrarse algo desengañada con la vida real al descubrir las mentiras del mundo de los adultos. Logrará un especial acercamiento al abuelo, de modo que tras cierto incidente en la playa, pone por obra con sus hermanitos una inesperada idea, que en su ternura e inocencia infantiles provoca el desconcierto de los mayores. El film invita a pensar sobre lo importante y lo accesorio en la vida humana, cómo los hombres y mujeres se encierran en sus egoísmos personales, o sus deseos de medrar, orillando estúpidamente lo que de verdad merece la pena. Lo hace sin moralinas fáciles, con buen uso de las emociones y del sentido del humor, aunque a veces con un poco de complejo tipo “ojo, que no nos tachen de demasiado optimistas”, lo cual es un error en lo que no deja de ser una pequeña fábula. Los pequeños actores están muy bien, al igual que los adultos, los conocidos Rosamund Pike, David Tennant y Billy Connolly.

La comedia de robos ha dado mucho juego en el cine, con grandes títulos como El quinteto de la muerte, Rufufú o la española Atraco a las tres. El londinense Joel Hopkins trata de recuperar el espiritu de los clásicos del género, especialmente de los filmes de los 60 Cómo robar un millón y La pantera rosa (a la que alude uno de los diálogos) en Un golpe brillante, tercer largo que escribe y dirige tras Jump Tomorrow y Nunca es tarde para enamorarse. En Un golpe brillante, Richard, divorciado que mantiene una excelente relación con su ex, Kate, ha planeado una feliz jubilación. Pero las acciones de su empresa caen en picado por culpa del nuevo dueño, un tiburón de las finanzas, que la ha hundido para sacar tajada. Con ayuda de Kate, y de un matrimonio de amigos, planea robar un valioso collar de diamantes que el causante de su desgracia le ha regalado a su prometida. Se agradece que Un golpe brillante tenga un tono más o menos amable, y también que apueste por la unidad familiar y que denuncie las prácticas empresariales abusivas al margen de la ley. Incluso puede servir como entretenimiento ligero para un espectador que tenga un día de pocas exigencias, y se conforme con ver lo bien que se conservan en su madurez Pierce Brosnan y Emma Thompson y poco más. Pero acumula clichés, y el director parece haber dado a los actores carta blanca para que suplan las carencias del libreto intentando hacer reír infructuosamente a base de gestos exagerados. El caso más extremo es el del gran Timothy Spall, desperdiciado en un personaje fácilmente suprimible del guión.  

Unos cuantas personas infelices, en edad madura e incluso cerca de la ancianidad, deciden hacer un viaje desde Inglaterra hasta la India para intentar cambiar el rumbo de sus últimos años de vida. Aunque ninguno de ellos se pone de acuerdo, resulta que coinciden en el Hotel Marigold, que pese a publicitarse como un lugar idílico, resulta ser un cochambroso edificio milenario, casi en ruinas, situado en la ciudad de Jaipur. Allí cada personaje vivira su pequeña gran historia: un matrimonio mal avenido, un solitario picarón, un magistrado soltero, una anciana egoísta, una viuda desconcertada ante el futuro, una soltera que busca un novio... A las cuitas de esos huéspedes hay que sumarle las del dueño del hotel, un joven cuya relación sentimental con su novia no es aprobada por su madre. El exótico Hotel Marigold es una historia amable y llevadera, que acumula una gran cantidad de tópicos y cuyo atractivo no está precisamente en el guión, ligerito y previsible. Ahí están clichés como el de ir a buscar el cambio interior en un país exótico, el del recuerdo de un amor traumático (y prohibido) del pasado, el del personaje egoísta que de la noche a la mañana se transformará, el del joven enamorado y la madre intolerante que recibirá su propia medicina, etc. Asimismo, el planteamiento de fondo está imbuido de puro sentimentalismo, los diálogos adolecen de falta de intensidad y algunas situaciones son de una ingenuidad tremenda, como la charlita de la viuda con el jovencito indio. Aunque también hay escenas que funcionan, como la dura discusión entre el marido pusilánime y su mujer deprimida o la del fresco ligue entre el solterón y la mujer del bar. Igualmente, algunos gags humorísticos o instantes especialmente emotivos también se salvan. De cualquier forma, al margen del deficiente guión, lo más destacado de El exótico Hotel Marigold es sin duda el estupendo reparto coral. El británico John Madden ha sabido rodearse de la crême interpretativa de su país para encarnar a los personajes de la novela de Deborah Moggach, y les da a todos su momento de gloria, de protagonismo. En especial, repite con una de sus actrices fetiche, una inconmensurable Judi Dench (Su majestad Mrs. Brown), logra que Maggie Smith dé lo mejor de sí misma en su divertido y casquivano papel, y consigue que Bill Nighy borde su rol de marido débil. Pero todos los demás realizan también un meritorio trabajo.

A la muerte de su esposa, el señor Brown, gestor de una funeraria, debe encargarse de la educación de sus siete hijos. Éstos son un hatajo de diablillos, que han colmado la paciencia de todas las niñeras que han tenido hasta la fecha. La última huyó despavorida, después de que los pequeños salvajes consiguieran hacerle creer que se habían comido al más pequeño de todos. Para colmo de males, la tía del señor Brown, una anciana gruñona que pasa una pensión, le amenaza con echarle de su casa si no encuentra una nueva esposa en el plazo de un mes. De pronto aparece en la puerta de los Brown, como por arte de magia, Nanny McPhee, una mujer de aspecto desagradable. Aceptará el poco apetecible puesto de niñera, a condición de librar los domingos por la tarde; y enseñará a los chicos, con métodos inesperados, cinco lecciones: ir a la cama cuando se les manda, levantarse de forma responsable, vestirse a su hora, escuchar y obedecer órdenes. Emma Thompson ganó un Oscar como guionista, por su adaptación de Sentido y sensibilidad, que también protagonizaba. Ahora, repite esa doble función en esta versión de 'Nurse Matilda', serie de cuentos infantiles escritos en los 60 por Christianna Brand, novelista británica especializada en misterio. La propia Emma Thompson ha comentado que su labor ha sido algo complicada, porque el argumento no se basa en un libro concreto, sino que incorpora elementos de las tres obras sobre el personaje. Incluso tuvo que cambiarle el nombre, para evitar confusiones con Matilda, otro film para niños basado en un libro de Roald Dahl. El cineasta Kirk Jones, desaparecido desde que triunfó con Despertando a Ned, ha logrado mantener la esencia de las clásicas fábulas para niños, componiendo una especie de versión severa de Mary Poppins. El cineasta ha contado con secundarios bastante ilustres, como Derek Jacobi, Imelda Staunton y Angela Lansbury, cuya presencia no parece casual en una cinta que conecta con La bruja novata, uno de sus mayores éxitos. Combina elementos sacados de las comedias sofisticadas de los años 30, con partes que parodian los cuentos infantiles. Presenta una interesantísima visión de la educación infantil, centrada en estimular la propia responsabilidad de los chavales. En realidad, la niñera no les dice lo que deben hacer, sino que deja que lo aprendan ellos mismos colocándolos en situaciones extremas.

1959. Ralph Compton narra las vicisitudes familiares en la zona del este del sur de África, lo que luego sería Swazilandia, justo en una época convulsa en donde las tropas británicas están a punto de abandonar el lugar. La historia responde de algún modo a la autobiografía del director Richard E. Grant, actor en películas como La edad de la inocencia o El pequeño vampiro, que aquí debuta en los apartados de guión y dirección, narrando sus recuerdos de infancia. La película, agradable de ver, cuenta con un sólido reparto y con una excelente banda sonora del compositor Patrick Doyle.

Malcolm Harvey es un profesor de religión que lleva a sus alumnos de secundaria de excursión a la catedral de Salisbury. El viaje empieza de forma caótica, pero al final todos vivirán profundas experiencias que marcarán notablemente sus vidas. Notable drama producido para la televisión que hace hincapié en el tratamiento de conflictos propios de los adolescentes protagonistas. Todos ellos son jóvenes representativos de una sociedad carente de fe, a los que su profesor intenta mostrarle sus ventajas. El siempre asombroso Timothy Spall realiza una gran interpretación en el rol de Mr. Harvey.

Comedia tontuna sobre el lesbianismo y las convenciones sociales. Todo está contado con mucha ligereza, dentro de un guión muy pobre que pretende ser clásico y romántico. El día de su boda con Heck (Matthew Goode), Rachel (Piper Perabo) se cruza con Luce (Lena Headey), encargada floral de la ceremonia. Rachel no puede olvidar ese encuentro con Luce y días después decide invitarla a cenar a su casa, con la intención de emparejarla con Cooper, un amigo del matrimonio que fue padrino de su boda. Sin embargo, Luce confiesa que es lesbiana y Rachel empieza a sentirse fuertemente atraída por ella.

Por fin, Bridget ha conseguido comprometerse con el abogado Mark Darcy, el hombre de sus sueños. Aparentemente, es el hombre ideal: atractivo, inteligente, tolerante con las acciones de Bridget, etc. Pero esta insufrible mujer ve amenazas por todas partes, pues siente celos de cualquier fémina que se acerque a su amado. Sobre todo, de la nueva ayudante de Mark, una atractiva y alta mujer que parece querer alejarla de él. Para colmo de males, reaparece el mujeriego Daniel Cleaver, antiguo jefe de Bridget con el que mantuvo una horrible relación. Vuelve la treintañera más neurótica y exageradamente llena de complejos de la pantalla, interpretada por Renée Zellweger, en una secuela en que también reaparecen Colin Firth y Hugh Grant. La directora Sharon Maguire ha sido sustituida por el cineasta británico Beeban Kidron, correcto autor de cintas como Antonia y Jane o A Wong Foo, gracias por todo, Julie Newmar. Y bien, lo que podía haber sido un sainete actualizado, una especie de retrato de costumbres, que hubiera convertido a su protagonista en todo un icono generacional, en realidad se queda en una comedia ligera, y en ocasiones algo gamberra. Eso sí, la risa está asegurada con gags sencillos pero efectivos al estilo de las telecomedias. Además, Kidron le saca jugo a las múltiples y sonoras canciones de la banda sonora. Versiona muy libremente la segunda novela sobre el personaje, de la periodista Helen Fielding, en la que Bridget convivía con Darcy para constatar que el hombre de sus sueños era también un ser humano con algún defectillo. Lo único que ha quedado en su traslación a la pantalla ha sido el título y el viaje a Bangkok.

Dolly Bantry acude a su antigua amiga, la señorita Marple, para hacerle partícipe de un macabro y extraño hallazgo: el cuerpo sin vida de una mujer rubia, desconocida, en la biblioteca de su casa, Gossington Hall. Así comienza "Un cadáver en la biblioteca", el primer capítulo de la primera temporada de la serie "Miss Marple" basada en las novelas del célebre personaje de Agatha Christie, una especie de aguda detective que emula en femenino al belga Poirot, que también contó con una serie británica de éxito. De modo similar aquí se llevan a la pantalla las diferentes novelas de intriga de Miss Marple, normalmente una por capítulo, protagonizadas por Geraldine McEwan (12 capítulos) y Julia McKenzie (11 capítulos). Completan esta temporada "Muerte en la vicaría", en la que se narra el caso de la extraña muerte del coronel Protheroe, del cual se declaran culpables su viuda y su amante; "El tren de las 4:50 de Paddington", en donde Marple investiga a la familia Crackenthorpe, pues piensa que en su propiedad se esconde un cadáver; y "Un asesinato anunciado", que sigue el caso de un asesinto en la casa de Letitia Blacklock, a donde han acudido unos aldeanos por invitación de un periódico.

Simpática comedia de Damien O'Donnell, que ya probó su dominio del género en la muy recomendable Oriente es oriente. Aquí nos cuenta las andanzas en moto de Colin, quien tras ser abandonado por su mujer, decide seguirla a ella y su nuevo amante allá adonde vayan. En el camino, mientras intenta localizarla, irá conociendo a diversos personajes que le enriquecen y ayudan a entender mejor cómo perdió a su esposa, al quedar atrapado en la rutina. Al final, la solución al problema de Colin quizá no esté tan lejos como cree.

Aunque ya está casado, el doctor Yuri Zhivago se enamora de la bella enfermera Lara, en los duros años de la revolución rusa. Lujosa miniserie que adapta la novela del disidente soviético Boris Pasternak, galardonado con el Nobel de Literatura. La obra fue objeto de una magnífica versión de David Lean, protagonizada por el egipcio Omar Sharif. Por supuesto, no cuenta con el amplio presupuesto de aquella, por lo que no es tan espectacular, y se echa de menos el inolvidable "Tema de Lara", de Maurice Jarre. Pero narra más detalles de la historia, y por lo visto el final es sorprendente... El reparto es realmente fantástico.

El diario de Bridget Jones nació como una columna de la periodista Helen Fielding, donde con ácido humor describía lo que se suponía era el punto de vista de una mujer treintaañera que todavía no ha dado con su lugar en el mundo. El éxito condujo a una novela aún más exitosa; el salto a la pantalla era un paso cantado, que se ha saldado igualmente con una calurosa acogida. El diario es la excusa para articular los pensamientos de Bridget Jones, quien es joven, niña y avejentada al tiempo; joven por edad física, niña por su frecuente comportamiento pueril, y avejentada por la desilusión que a menudo le domina. Muchos espectadores de su edad pueden verse reflejados en el personaje, bordado por Renée Zellweger. Superados por los altibajos emocionales, las ilusiones (a veces pura imaginación, sin visos de realidad) apenas les duran unos instantes. Sin una visión trascendente en la que anclar su vida, andan a la deriva, movidos por los volubles vaivenes de sus sentimientos. Estamos ante un film hijo de su época. Frívolamente divertido, con buenos gags y un triángulo amoroso donde Bridget, finalmente, encontrará a su príncipe azul. La desconocida Sharon Maguire dirige con oficio, y, entre bromas y veras, deja caer, aunque sea en forma de leves apuntes, algunas ideas críticas acerca del tonteo erótico en la oficina o la incapacidad de expresar los propios sentimientos.

Inglaterra, años 50. Dos hermanas muy unidas: Hilary y Jackie. Ambas aman la música, y dedican parte de su tiempo a tocar un instrumento. Una de ellas, Jackie, tiene un don especial: con el tiempo llega a ser la legendaria violoncelista Jacqueline du Pré. Y se casa con el prestigioso pianista y director de orquesta Daniel Barenboim. Hilary, en cambio, está destinada a llevar una vida normal: se casa, forma una familia... El amor de las dos hermanas se mantiene, pese a ciertas diferencias: Hilary hubiera querido gozar del talento de Jackie, y ésta de la vida familiar normal de aquélla. Intenso drama basado en hechos reales. Anand Tucker refleja con acierto la relación de las dos hermanas protagonistas: las dos actrices que les dan vida, Emily Watson y Rachel Griffiths, fueron, con toda justicia, candidatas a los Oscar. Aunque Watson aprendió a tocar el celo cuando tenía catorce años, tuvo que dar clases de nuevo para hacer creíble a su personaje. Parte fundamental del film es la música: estupendos temas originales y buena selección de clásicos. En algún caso se han usado las grabaciones originales de Jacqueline du Pré.

Notable adaptación de los relatos de Mary Norton (autora de grandes éxitos de la literatura infantil como La bruja novata) sobre unos seres diminutos que sobreviven en una gran ciudad, en el subsuelo de una casa habitada por la familia Lender. Un día la intrépida Anita decide lanzarse a la aventura y es atrapada por el niño de la familia. En poco tiempo, ambos se hacen buenos amigos. Tanto el guión, la realización de Peter Hewitt (La princesa de Sherwood) y las interpretaciones son de estimable calidad, pero sobre todo destacan los espectaculares efectos especiales y una ambientación muy imaginativa.

Vera y Eden son dos hermanas manipuladoras y obsesivas que se mueven por los celos, las mentiras y una falsa moralidad que acabará por destruir a toda su familia. Vera está pendiente en todo momento por controlar a sus hijos, mientras que Eden se dedica a extender una calumnia por toda la comunidad. Tim Fywell se basó en la novela de Ruth Rendell, que a su vez se inspiró en una historia real, para llevar a la pantalla este thriller de misterio sobre una familia que arrastra secretos y un crimen. Celia Imrie destaca como la obsesiva Vera, y Sophie Ward no decepciona en su papel de hermana. Entre el reparto aparece también Helena Bonham Carter.

Ann-Marie Di Verney (Penny Irving), una joven modelo ligerita de cascos, conoce en una fiesta a un tipo atractivo, aunque algo siniestro. Se verán algunos días, hasta que él le propone ir a casa de su madre para que ella la conozca. Donde van en realidad es a un enorme caserón, antigua cárcel en medio del páramo inglés. Allí unas siniestras mujeres maltratan y asesinan como presas a las mujeres que ellas consideran de mala vida. Film de terror del británico Pete Walker, con mucha estética setentera, que aúna morbo sexual con escenas de tortura corporal y moral. La historia está bien llevada, con algunos giros interesantes, aunque se trate claramente de una película menor.