Christopher Lennertz

La muñeca de peluche Moxy sueña con que algún día acabará haciendo muy feliz a algún niño. Sin embargo, vive en Feolandia, ciudad en la que se congregan los juguetes rechazados por algún defecto de fabricación, a los que normalmente les falta un ojo o algún otro elemento. Aunque está condenada a no abandonar nunca ese lugar, Moxy decide salir al exterior, con ayuda de varios amigos, para intentar pasar las pruebas que les permitirían ser adoptados por un humano. Por desgracia, su presencia molesta a los muñecos óptimos, liderados por el atractivo y teóricamente perfecto Lou. Como indica su nombre, los Uglydolls son unos muñecos feos (aunque en el fondo adorables) creados en 2002 por el matrimonio formado por David Horvath y Sun-Min Kim. El realizador Kelly Asbury (Shrek 2, Gnomeo y Julieta) adapta sus aventuras a la pantalla, siguiendo la estela de películas animadas que se basan en famosos juguetes, como La Lego Película y Trolls. Supone el primer trabajo de la división animada de STX Entertainment, que tiene casi listo el segundo, Playmobil: La película, que lleva a la pantalla otro producto bien conocido por la chavalería. Se ha tratado de que no tenga ninguna tara en su elaboración, como los protagonistas, lo que quiere decir que cuenta con una animación que cumple su propósito, y que los protagonistas tienen cierto atractivo. De la misma forma, se incluye de fondo algún mensaje educativo, que reivindica el valor de quienes son diferentes, haciendo hincapié en la importancia de aceptarlos sin discriminaciones de ningún tipo. También se habla de seguir adelante sin renunciar a lograr los sueños propios pese a sufrir algún tipo de rechazo. Consigue hacer reír en algunos momentos y deriva en un final emotivo. Pese a todo, le falta algo de frescura, está tan saturado el mercado del cine de animación digital que resulta difícil sobresalir, y estamos ante un relato tipo Toy Story, sin puntos realmente novedosos. Lo mismo sucede con las numerosas canciones, que no suenan mal, pero recuerdan a muchísimas piezas musicales ya conocidas.

En los 70 se popularizó entre la población afroamericana el subgénero del blaxploitation, que dio pie entre otras películas a una trilogía de cintas detectivescas menores, protagonizadas por Richard Roundtree, que daba vida a un detective negro que ejercía en el neoyorquino barrio de Harlem. Casi tres décadas después de estrenarse Las noches rojas de Harlem, Shaft vuelve a Harlem y Shaft en África, se recuperaba la saga con gran presupuesto y un actor de caché, Samuel L. Jackson, quedando reducida la presencia de Roundtree a la de secundario; la cinta no llamó demasiado la atención. Pero, rizando el rizo, la saga se retoma dos décadas después, con los actores mayorcitos, Roundtree cuenta 76 años, y Jackson 60. Eso sí no hay problema para el recambio generacional, porque ahí está Junior, o JJ, hijo de John Shaft –interpretado por Jessie T. Usher–, al que su padre dejó en manos de su madre cuando era un bebé, tras un tiroteo en que bien pudo haberle alcanzado alguna bala mortal. Ahora el chico trabaja en ciberseguridad para el FBI, que investiga la posible conexión con terroristas del imán de una mezquita. Y queda impactado por la muerte de su amigo de la infancia Karim, que frecuentaba ese lugar de culto, teóricamente de sobredosis, aunque él y la chica que le gusta, Sasha, sabían de sobra que había superado su adicción. Para averiguar lo ocurrido, Junior decide pedir ayuda a su padre, que ejerce de detective privado, y con quien nunca ha mantenido contacto, su madre lo ha evitado con todas sus fuerzas. La trama ideada por Kenya Barris y Alex Barnow, que convierte en película Tim Story, homenajea a las cintas originales, con los temas musicales, la estética y el modo de rodar las escenas de acción. Y juega al contraste con las personalidades de padre e hijo, en principio muy diferentes, aunque por supuesto los polos diferentes se atraen, y el primero no puede dejar de admirar al mocetón inteligente en que se ha convertido su retoño, y al otro le ocurre otro tanto con los métodos directos y algo toscos pero eficaces, con que resuelve las situaciones peligrosas. Asumiendo que es pura serie B, sin grandes pretensiones se puede disfrutar sin más. Es una lástima que sus responsables no sean más ambiciosos en su propuesta, y se plieguen a lo que cabe esperar, perezosamente.

Serie creada por el trío compuesto por Eric Kripke, Evan Goldberg y el actor de comedia Seth Rogen, a partir del cómic homónimo de Garth Ennis y Darick Robertson, que observa el universo de los superhéroes, supuestos salvadores desinteresados del mundo, con mirada cínica y gamberra. Porque la todopoderosa corporación Vought tiene en plantilla a los mejores tipos con superpoderes del planeta, bajo su ala se encuentra la élite de “Los 7” liderados por Patriota, además de otros superhéroes con menos caché, cuyos servicios se venden a ciudades o a la policía a precio de oro. Una auténtica máquina de ganar dinero, donde no es parte pequeña el merchandising, las películas que Hollywood hace inspirado en sus hazañas, y en general, todo lo que tiene que ver con los derechos de imagen. La desilusión de Annie January, o sea, Starlight, superheroína rubita e ingenua, va a ser mayúscula cuando recién fichada, uno de sus compañeros del que estuvo enamorada siendo niña, prácticamente la fuerza a mantener relaciones sexuales. Además Huguie queda consternado cuando su novia muere accidentalmente, el rapidísimo A-Train la atropella en una loca carrera, y no muestra ningún arrepentimiento por tal desgracia. De modo que acabará asociándose con Billy Butcher, un ex agente del FBI que tiene tirria a estos superhéroes de pacotilla que van a su bola, ambos acabarán teniendo en su poder a Translúcido, un hombre invisible obseso sexual. La idea de hacer parodia o sátira a partir de los superhéroes, no es nueva, en España tenemos Superlópez, y Pixar hizo la maravilla de Los increíbles. Ya en un tono más vulgar, está Kick-Ass, con la que The Boys está claramente emparentada, al menos en lo relativo a chistes soeces y bromas escatológicas. La serie presenta un tono oscuro y brutal, con el que puede resultar difícil empatizar; habrá una minoría que sí, reirá las gracias, pero muchos de los seguidores de Los Vengadores pueden sentirse molestos de verse reflejados en la idiotez de los fans que piden hacerse un selfie con Patriota, y que alimentan una gallina de los huevos de oro yendo a ver cualquier película con personajes con superpoderes y mallas, más si son de los universos DC o Marvel. En el reparto tenemos muchos actores veintañeros no superconocidos, como Jack Quaid, el pobre diablo que trabaja en una tienda de informática, cuya novia muere por culpa de A-Train, o Erin Moriarty, vista en Captain Fantastic, De la India a París en un armario de Ikea e incluso en una serie Marvel, Jessica Jones. En el apartado veterano destacan Elisabeth Shue, que estuvo en la fallida y algo subida de tono versión de Paul Verhoeven de “El hombre invisible” en El hombre sin sombra , y Karl Urban, que se paseó en Thor: Ragnarok, además de ser Eomer en El Señor de los Anillos.

Fantástica segunda temporada de Lost in the Space, se mantiene el nivel logrado por el arranque de esta nueva versión de la serie original de Irwin Allen. Ésta a su vez adaptaba a un entorno de ciencia ficción la novela “La familia Robinson suiza” de Johann David Wyss, en que los componentes de un clan debían luchar por la supervivencia tras el naufragio de su embarcación, que les llevaba a recalar en una isla desierta. En esta ocasión, los Robinson comienzan sus andanzas más perdidos que nunca, se nave Jupiter ha ido a parar a un planeta cubierto de océanos muy agitados, y donde son frecuentes las tormentas eléctricas. A los papás, Maureen y Toby, y a sus hijos Penny, Judy y Will, les acompañan la doctora Smith, prisionera tras quedar claro que es una villana con muchas caras, y el intrépido Don West, que también tiene algún hecho de su vida pasada poco nítido. Separados de la Resolute, con la que viajaban rumbo al sistema solar Alfa Centuri para montar una nueva colonia por los problemas que atraviesa la Tierra, dudan entre seguir en el complicado planeta donde se encuentran, o intentar aprovechar la energía de las tormentas para despegar y retomar el contacto con los suyos. Will echa de menos al Robot tanto les ayudó, y aún espera volver a tener noticias de quien podía llamar en verdad su amigo. Mientras Penny, con la ayuda de Will, ha compuesto una suerte de relato escrito de las aventuras familiares, “Perdidos en el espacio” se titula, aunque le apena el escaso aprecio del mismo que hace su madre, piensa que le muestra mucho menos cariño que a sus hermanos. La serie desarrollada por Matt Sazama y Burk Sharpless depara estupendas sorpresas, con un ritmo endiablado, hay mucha acción servida con cuidados efectos visuales y un magnífico diseño de entornos planetarios, oceánicos, espaciales, y del interior de las naves. Pero sobre todo está muy logrado el carácter familiar de toda la trama, aventuras a tutiplén, que nunca resultan ñoñas. La idea de que la familia unida es capaz de afrontar mil y un obstáculos atraviesa hábilmente toda la narración, con personajes y sus relaciones muy bien desarrollados, los Robinson parecen de verdad una familia. Además, hay que reconocer la complejidad de la “mala” de la función, Parker Posey compone a la perfección a una persona inteligente, de carácter luciferino, que sabe decir a cada uno lo que necesita oír, aunque duela, su capacidad de introspección psicológica da siempre en la diana de lo que resulta estimulante, y lo que apena porque supone poner el foco sobre un defecto o carencia. Algunos flash-backs sirven para entender cómo se convirtió en la mujer egocéntrica que es, evitando maniqueísmos o simplezas facilonas, por ejemplo no deja de afectarle el descubrimiento de algunas de sus acciones, como el de cómo la niña Samantha perdió a su padre.

Un futuro cercano. Tras una catástrofe, los gobiernos de la Tierra seleccionan a varias familias para viajar a bordo de la astronave Resolute, con el objetivo de colonizar el sistema solar Alfa Centauri. Pero antes de llegar, se produce una situación de emergencia, por lo que los cinco miembros de la familia Robinson son lanzados en una cápsula a un planeta congelado, donde su vehículo se hunde en el hielo y la madre resulta herida. Netflix apuesta fuerte por las series futuristas, como Star Trek: Discovery, y The Expanse. Ahora, la plataforma de contenidos revisa la serie homónima del maestro del cine catastrófico Irwin Allen (productor de El coloso en llamas y director de Más allá del Poseidón), emitida entre 1965 y 1968, sin demasiado éxito, aunque se fue convirtiendo en objeto de culto con los años tras las sucesivas repeticiones. Considerada una de las más influyentes de la historia catódica, se inspiraba en la novela “La familia Robinson suiza”, escrita en 1812 por Johann David Wyss, aunque el texto se traslada al terreno de la ciencia ficción. Dio lugar a una versión cinematográfica de 1998, que no acabó de triunfar. En principio no pintaba bien que los máximos responsables fueran Matt Sazama y Burk Sharpless, guionistas de títulos tan prescindibles como El último cazador de brujas o Dioses de Egipto. Por suerte han encontrado su camino, con un tono familiar que recuerda al de las entrañables películas “toleradas para todos los públicos”. Además, logran un ritmo muy ágil, y cuenta con un guión que dosifica a base de flash-backs los datos que el espectador debe saber, y con unos efectos visuales que no tienen que envidiar a los de las grandes superproducciones, por ejemplo en lo relativo al robot que se hace amigo de Will, el menor de los hijos, desde el primer episodio. Se describe con enorme tridimensionalidad y humanidad a los personajes, sobre todo a los protagonistas, una familia normal con sus conflictos, pues los padres estaban separados antes de embarcarse en el viaje conjunto, y se produce alguna situación de tensión que con buena voluntad se puede superar. Pero también la villana, la doctora Smith, que está interpretada por Parker Posey (vista en títulos como Scream 3 o Blade: Trinity), actriz que roba la función. Para adaptarse a los gustos del siglo XXI, añade al original que los protagonistas están rodeados de personajes de numerosas etnias, y que los personajes femeninos –sobre todo el de Posey– tienen mayor importancia. Aunque sólo pretenda ser una producción de aventuras, tiene cierto fondo, en torno a la importancia de la unidad familiar, el sacrificio y el valor del perdón.

En Los Ángeles los humanos cohabitan con los moñecos, marionetas con vida propia. Uno de estos últimos, Phil Philips, ex policía expulsado tras un trágico incidente, se gana la vida como detective privado. Mientras busca pistas sobre el chantaje que sufre una de sus clientas en un sex shop, presencia el asesinato de un antiguo conocido, Mr. Bumblypants, miembro del elenco de "The Happytime Gang", primera serie televisiva de éxito protagonizada por moñecos. Puesto que el asesino persigue al resto del reparto, Philips tratará de detenerle, formando equipo con la detective humana Connie Edwards, su antigua compañera, con la que no se lleva demasiado bien. Títeres similares a Los teleñecos que sueltan tacos, se drogan o practican sexo. La idea no es nueva, pues la han explotado Peter Jackson, en su segundo trabajo, Meet the Feebles, y el musical de éxito "Avenue Q". Ahora se apunta al carro Brian Henson, hijo del creador original de los célebres personajes televisivos, Jim Henson, y aunque la 'gamberrada' quizás atraerá a quienes desconozcan sus precedentes, e incluso les hará reír en el arranque, pronto se hace evidente que la fórmula no da por sí misma para sostener un largometraje en su totalidad. El guión recuerda bastante a ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, sobre todo por su mezcla con el género negro, pero tiene menos chispa, apenas consigue arrancar carcajadas, y a diferencia de aquélla, no resulta ni mucho menos apta para el público infantil.  Melissa McCarthy, protagonista y productora del film junto a su marido, Ben Falcone, no está tan inspirada como en otras ocasiones, no parece muy suelta trabajando con compañeros de felpa. Tiene algo de vis cómica Elizabeth Banks, pese a la poca presencia de su personaje tiene. Ciertos homenajes a Raymond Chandler y algún momento aislado logran cierta gracia, pero en general el guión parece más interesado en explotar que sus protagonistas hagan en pantalla todo tipo de burradas, por lo que el exceso de sal gruesa resulta agotador.

El joven fanfarrón Matt Brody fue descalificado como nadador de los Juegos Olímpicos después de intentar liberar un oso panda en un zoológico bajo los efectos del alcohol. Para enderezar su vida, se incorpora al equipo de socorristas de las playas de California, a las órdenes del veterano Mitch Buchanan, al que no parece caerle demasiado bien. Con el resto de compañeros, se enfrentarán a un narcotraficante que opera en la zona. Emitida entre 1991 y 2001, la serie televisiva Los vigilantes de la playa tenía unos guiones tan endebles como bochornosos, pero triunfó por sus refrescantes secuencias marítimas, y aunque sea triste recordarlo, sobre todo porque el público masculino disfrutaba con los cuerpos en traje de baño de actrices como Pamela Anderson (que aquí realiza una breve aparición), correteando por la playa… ¡a cámara lenta! El término “machista” se quedaría corto para definirla. Resultaba complicado tomársela en serio a la hora de afrontar la versión para la gran pantalla, por lo que se ha optado por un tono cercano a la parodia del original, combinado con algo de acción. Pero ni las bromas ni la trama criminal funcionan, por lo que el film hace aguas. Las primeras porque con algunas excepciones que evidencian cierto talento de Dwayne Johnson para el género, se quedan en chistecillos gamberros poco inspirados, con algún detalle escatológico horrible. La trama “seria”, porque apenas tiene entidad, habría sido rechazada seguramente incluso en la serie original. Los protagonistas masculinos, sobre todo “La Roca” y Zac Efron, exageran sus interpretaciones, y las femeninas, como Alexandra Daddario (que trabajó con Johnson en San Andrés) o Priyanka Chopra (de la serie Quantico), apenas tienen presencia, salvo como meros “floreros”.

Presuntamente la última entrega de las andanzas de las Bellas, las chicas que cantan a capella, y que ya son unas profesionales, adiós a la universidad. Pero las chicas, empezando por Beca, que ahora trabaja como asesora de una discográfica, echan de menos la época en que eran como una familia y disfrutaban de lo lindo con sus gorgoritos y meneando el esqueleto. Surge una oportunidad para reunirse gracias al papá de una de las chicas, militar de alta graduación, que las incluye entre las bandas que participarán en un tour para actuar ante las tropas desplegadas por distintas bases. La primera etapa las llevará a la base de Rota, en España. Allí la gordita Amy se reencuentra con su padre, un granuja de tomo y lomo que dice haberse redimido. Puede parecer que es mucho decir, pero quizá sea la más floja de las tres películas de Dando la nota. Más allá de chicas guapas, tenemos canciones y coreografías no supersinspiradas, historias de papás ausentes, y una desopilante trama de un malo malote que quiere acceder a una cuenta bancaria en Suiza, para lo que necesita la cooperación de Amy, más unas subtramas amorosas sin demasiado interés. Da un poco de pena ver acreditado como coguionista a Mike White, que acaba de dirigir una película formidable, Qué fue de Brad. Y también hace un efecto un poquito penoso John Lithgow componiendo a uno de los papás. De todos modos, los incondicionales disfrutarán medianamente con las sensiblerías de rigor y la música, y con un reparto de chicas que van creciendo, al menos en edad, con Anna Kendrick a la cabeza. Se suma a la función la modelo Ruby Rose, como chica mala –su banda se llama "Las húmedas", una de las bromitas sexuales del film– que compite con las Bellas para llamar la atención de un famoso DJ –DJ Khaled, que se interpreta a sí mismo– durante la gira.

Pese a que daba pie al chiste facilón de “Malas madres, pero peor película”, la comedia que se reía de los clichés sobre esposas avispadas y modernas y maridos sosainas, arrasó sobre todo en Estados Unidos, donde este tipo de humor soez causa furor. No extraña que poco más de un año después de su estreno llegue una segunda parte de ambientación navideña, al tiempo que se prepara un spin-off dedicado a los personajes masculinos que se titulará Malos padres. Esta vez Amy, Kiki y Carla reciben la visita de sus respectivas progenitoras, lo que complica todavía más la llegada de ‘la Super Bowl de las amas de casa’, el 25 de diciembre, cuando toca comprar regalos, organizar comilonas, adornar la casa… Deciden rebelarse ante esta situación, recuperando la idea de que estas fiestas tienen que ser divertidas… sobre todo para ellas mismas. Resulta fácil identificarse con la explosión de las protagonistas; posiblemente casi todas las madres habrán pensado en alguna ocasión ‘mandarlo todo a la porra’, en los momentos de hartazgo, pese a que por norma general prevalece el cariño que les tienen a los suyos, por lo que toca sacrificarse. Así que resulta inevitable echarse unas risas con algunos gags, sobre todo los que protagoniza Kathryn Hahn, la madre más alocada, pues se trata de una eficaz cómica. También se lucen las recién llegadas abuelas, encarnadas por tres grandes actrices, Susan Sarandon, madura rebelde-roquera, cuyo personaje se llama Isis (según explica como el grupo terrorista), Cheryl Hines, esposa en Larry David, como una mujer obsesionada en estar junto a su hija, y Christine Baranski, aunque ésta repite al milímetro el papel de madre estirada y dominante de Leonard en The Big Bang Theory. Subyace esa visión tan cínica pero tan moderna de la familia a la que nunca admitirás en público adorar, pero sin la que no puedes vivir. Por desgracia, todo deriva hacia la sal gruesa, una pena porque había material de sobra para un film mejor.

James Payton, inspector de policía de Atlanta, ha de viajar a Miami para investigar un asunto criminal relacionado con un hacker. Tras algunas dudas decidirá llevarse con él a su futuro cuñado, que está a apunto de casarse con su hermana Angela. El problema es que Ben Barber, policía en pruebas, es un pazguato absoluto, con una insaciable verborrea; aunque él está seguro de querer convertirse en inspector. Y lo que parecía un asunto de poca monta es en realidad mucho más gordo y peligroso. Secuela de ¡Vaya patrulla!, comedia de policías al más estilo ligero americano, es decir lleno de chistes tontos, situaciones rocambolescas y ridículas, e interpretaciones histriónicas. La película es muy de su país, pues presumiblemente este tipo de humor calará poco en otro tipo de espectadores menos dados a las alocadas ocurrencias de los personajes. La película contiene muchos momentos de acción, algunos rodados con una sorprendente riqueza de medios, como la larga secuencia final en el puerto, o la persecución automovilística, éste probablemente el mejor momento del film, con ese divertido look de videojuego (una de las señas de identidad de la saga). Entre los actores resulta un tanto cargante la incontinencia verbal de Kevin Hart, mientras que Ice Cube no es precisamente un actor expresivo; mejor lo hacen una guapa Olivia Munn (Líbranos del mal) y el payasete Ken Jeong (Resacón en Las Vegas).

En 2002, la entonces desconocida Nia Vardalos tuvo un éxito extraordinario cuando protagonizó Mi gran boda griega, comedia romántica interpretada y escrita por ella, que sacaba jugoso partido al modo de vida y a la mentalidad de una familia griega inmigrante en Estados Unidos. Tanto predicamento tuvo que fue nominada al Oscar al mejor guión. Catorce años después Vardalos intenta repetir éxito recuperando a la misma familia y entregando un film cortado por el mismo patrón. Toula Portokalos es ahora madre de una guapa jovencita de diecisiete años, Paris, (buen trabajo de Elena Kampouris), que está a punto de entrar en la universidad. Y fiel al modo de comportarse familiar atosiga a su hija, que sueña con estudiar lejos de casa y de unos familiares que confunden la compañía con la asfixia. Así, el abuelo Gus –que mantiene que es descendiente directo de Alejandro Magno– está empeñado en que la jovencita encuentre a un griego con quien casarse. Pero, cosas de la vida, quien va a pensar en matrimonio va a ser él cuando salga a la luz que no llegó a casarse con su adorada Maria. De modo, que si quiere recuperar su vida conyugal deberá pedir la mano de “su mujer” y llevarla hasta el altar. Ni que decir tiene que todos sus familiares estarán encantados con la propuesta. Ha pasado el tiempo pero no ha cambiado gran cosa en el tono disparatado y las rarezas de la peculiarísima familia Portokalos. Los gags de Mi gran boda griega 2 siguen teniendo mucho que ver con las obsesiones “helénicas”, las tradiciones y la estrechez entre los miembros de la familia. Los personajes son de lo más variopintos, con algunos especialmente extremos como el padre (Michael Constantine), machista empedernido pero calzonazos de corazón; la tía Voula (Andrea Martin), un terremoto siempre organizando la vida de los demás y tendente a dar su toque picantillo a la vida; los hermanos Nick (Louis Mandylor) y Angelo (Joey Fatone), simplones caraduras… Y por supuesto Toula (Nia Vardalos), una mujer que no puede escapar de su idiosincrasia griega aunque alucina continuamente del comportamiento de su propia familia. Además, ha dedicado tanto tiempo a ser madre que se ha olvidado de que es la esposa de Ian (John Corbett)... Todos ellos se hacen cercanos, entrañables, y los momentos divertidos son numerosos, mientras que el director Kirk Jones (La niñera mágica) logra imprimir el ritmo adecuado para que la cosa no se agoste. Sin embargo, es inevitable que el conjunto ya no suene a original y la frescura que generaba la historia de antaño funciona únicamente en ocasiones contadas. El resultado queda así como una comedia menor, aunque se vea con agrado.

En un centro comercial los alimentos (salchichas, frutas, galletas, salsas, etc.) y otros productos de consumo esperan a ser elegidos por los clientes. Se acerca la gran fiesta del 4 de julio y las expectativas de cruzar las puertas del supermercado y marchar al Gran Más Allá, como ellos lo llaman, se acerca. Entre ellos están una salchicha llamada Frank y su enamorada Brenda, un bollito de pan. Ambos sueñan en convertir su amor en un perrito caliente... Sin embargo, cuando se enteran de que fuera del centro comercial lo que les espera es la destrucción pondrán en marcha un plan para impedirlo. Conviene avisar: película para adultos. No se dejen engañar los espectadores por los dibujos animados y su aire de comedia familiar, porque La fiesta de las salchichas es una película no apta para todos los públicos, totalmente gamberra, muy grosera en lo sexual y con un explícito mensaje antirreligioso. Detrás de tal proyecto figuran como productores y guionistas los cómicos Jonah Hill y Seth Rogen, y el director Evan Goldberg (The Interview), todos ellos alumnos aventajados de la factoría de Judd Apatow, mientras que en la dirección están Greg Tiernan y Conrad Vernon, especialistas en dibujos animados. El resultado de tal mejunje sorprende verdaderamente por su atrevido y cargante planteamiento, su humor descacharrante y su lenguaje desvergonzado. Los mimbres de la historia tienen su originalidad, qué duda cabe. Eso de que los alimentos creen que la elección de los humanos supone por fin acceder a la felicidad que siempre han anhelado, funciona, así como su razonable rebelión al saber que en realidad su fin es ser devorados. Pero los guionistas convierten tal planteamiento en una metáfora de la vida humana, increíblemente desacertada. Resulta que los humanos son los dioses para los alimentos, de modo que, al saber éstos la verdad sobre su destino, sus creencias y su fe desaparecen: los humanos representarían entonces la mentira de las religiones, de la moralidad, que durante generaciones han obligado a vivir esperando en la recompensa del más allá. Pero después de esta vida sólo espera la muerte, así que los dioses y la religión serían sinónimos de la esclavitud que nos impide dar rienda suelta a los bajos instintos, al desmadre absoluto, al todo vale. Si quieres algo, si sientes algo (la ideología de género otra vez), hazlo ahora, porque no hay otra vida. La fiesta de las salchichas se harta de repetir una y otra vez que el más allá prometido es una mentira, un cuento con el que nos han engañado durante generaciones. Increíble que una comedia de dibujos animados hable de esto, pero es tal cual. Y este iconoclasta e irreverente mensaje es entregado con una fuerte carga sexual, en diálogos de gran procacidad y con imágenes muy obscenas que los ilustradores se apañan de diseñar (aunque los protagonistas sean simples alimentos dibujados). Es cierto que el ritmo de la película es bueno y la mera acción, sobre todo en su último tramo, tiene su gracia, así como ciertas referencias cinéfilas, como la que emula el bombardeo de la playa de Omaha de Salvar al soldado Ryan o la que hace referencia a Terminator. Pero esas virtudes saben a poco, porque La fiesta de las salchichas no deja de ser lo que es ni por un momento: una película altamente malsana e irresponsable.

Amy Mitchell trata de conciliar su trabajo con el cuidado de sus hijos, sin demasiada ayuda por parte de su marido, al que para más inri sorprende manteniendo una relación online con otra mujer, a través de internet. Entabla amistad con Carla y Kiki, otras dos madres agobiadas. El trío decide liberarse y dejar de lado sus responsabilidades, lo que las enfrentará a Gwendolyn, que en el colegio local ejerce como presidenta de la Asociación de Padres de Alumnos. Segunda comedia escrita y dirigida a cuatro manos por Jon Lucas y Scott Moore, pareja de guionistas de Resacón en Las Vegas y sus secuelas, que ya fueron máximos responsables de Noche de marcha.  Se diría que sigue la línea disparatada de la famosa cinta que encumbró a Bradley Cooper, cambiando el género del trío protagonista. Pero le faltan los ingeniosos golpes de humor de aquélla, con los que se disculpaban de alguna forma sus excesos gamberros. Queda así una comedia fallida, a la que le sobra sal gruesa, pero en la que se aprecia el esfuerzo de Mila Kunis, Kathryn Hahn y Kristen Bell por hacer reír al respetable. Tienen cierto interés sus críticas a la sociedad actual, tan competitiva que obliga a las mujeres modernas a fingir una perfección imposible de alcanzar. En cualquier caso, lo único realmente valioso es el testimonio de los títulos de crédito, donde las madres de las actrices protagonistas desvelan algunos de sus pequeños fracasos criando a sus hijas.

Una de las múltiples series que surgen del universo Marvel y sus cómics. Sigue las andanzas de Peggy Carter tras el final de la Segunda Guerra Mundial, cuando debe superar la pérdida de su amado, el capitán América, a quien cree muerto. Mientras trabaja en una agencia gubernamental, la Reserva de Ciencia Estratégica, donde sus compañeros masculinos la relegan a trabajos de segunda, empieza a trabajar de modo encubierto para tratar de recuperar varios artefactos de guerra fabricados por Howard Stark, quien es perseguido por alta traición; para ello cuenta con la ayuda del mayordomo de Stark, Edwin Jarvis. Aunque pasablemente entretenida, y atravesada de un aire retro a la hora de contar las aventuras de esta inesperada espía, resulta el conjunto un tanto anodino, con demasiadas escenas de acción poco imaginativas, y un desarrollo de personajes bastante elemental, incluido del Jarvis, que pretende ser un contrapunto cómico, pero que no tiene excesiva gracia.

Hastiados de depender de un jefe, Nick, Dale y Kurt han montado su propia empresa y diseñado y patentado su propio producto. Se trata de la ducha-colega, un aparato que suelta agua y champú y que una gran empresa de exportación quiere comercializar. El dueño, Bert Hanson, les ofrece un contrato suculento pero, tras una fuerte inversión para fabricar 100.000 unidades, les dejará tirados. Desesperados y sin blanca, Nick, Dale y Kurt deciden secuestrar al hijo de Hanson y pedir un rescate. Descomunal bobada que sigue los mismos derroteros que su predecesora Cómo acabar con tu jefe, sólo que esta vez con muchas menos sorpresas y con sonadas reiteraciones, lo cual va todavía más en detrimento de su ya de por sí limitado guión. Los personajes vuelven a ser tan mastuerzos que, salvo en algún gag mínimamente eficaz, resultan cansinos y desagradables. Todo es tan penoso, tan a ras de suelo y tan tremendamente tonto que el espectador tendrá en ocasiones mucha sensación de ridículo y de pérdida de tiempo. La cosa sería de pegarse un tiro si no fuera por el esfuerzo del reparto, que intenta hacer lo que puede con proyecto tan calamitoso. Al margen del trío protagonista, destacan en Cómo acabar sin tu jefe 2 las leves apariciones de Christoph Waltz y de nuevo de Kevin Spacey, ambos quizá lo mejor de la película junto a las graciosillas imágenes de los créditos finales. Repite asimismo una hiperoperada Jennifer Aniston (que incomprensiblemente ha dado al traste con su simpática expresión facial), cuyo personaje de adicta al sexo ya no da para más. En cuanto al recién llegado Chris Pine, sobreactúa y cae gordo desde el comienzo.

Doug Harris es un buen tipo, pero su físico y su dificultad para relacionarse, han sido siempre un hándicap en su vida. Por eso cuando su guapa novia acepta su propuesta matrimonial no sale de su asombro. La dificultad vendrá a la hora de invitar a sus amigos, pues la verdad es que no tiene ninguno. Por casualidad, contactará con Jimmy Callahan, un tipo autodenominado “Gurú de las bodas”, experto en hacer de padrino de bodas para gente desconocida con el mismo problemilla que Doug. Por una suculenta suma de dinero, Jimmy aceptará ser “el mejor amigo” del novio y reunir a una pandilla que les acompañe en su enlace matrimonial. Debut en la dirección de Jeremy Garelick, quien también se ha encargado de escribir el guión junto a Jay Lavender. El resultado es una de esas comedias locas estadounidenses, que mezclan el humor zafio y gamberro, con un tono de fondo de buen rollo y camaradería entre amigos, con cierta moraleja de fondo. Podría haber sido peor, pues aunque se recrea en chistes soeces, la cosa no llega a los extremos desagradables y groseros de parte del cine de Judd Apatow o de la saga American Pie, aunque sin duda bebe de esa tradición. El planteamiento inicial es ocurrente y funciona. Algunas escenas tienen especial gracia, como el particular vocabulario de la empresa o la comida con los familiares, y hay momentos ridículos en que la risotada no podrá evitarse. Los actores Josh Gad (Jobs), en su rol típico de buen tipo, patoso y sin atractivo, y el cómico Kevin Hart (En qué piensan los hombres), con su estilo estridente, componen correctamente a unos personajes que no hacen más que lograr medianamente su objetivo: hacer reír.

Adam (Mark Ruffalo) es un adicto al sexo. Su vida puede cambiar cuando conoce a la bella Phoebe (Gwyneth Paltrow). Lleva cinco años “limpio” gracias a su esfuerzo y al apoyo del grupo de terapia al que acude. Su mentor es Mike (Tim Robbins), padre de familia con problemas en el pasado. A su vez, Adam ejerce de tutor de Neil (Josh Gad), un joven médico con serios problemas para controlar su impulso sexual. Los tres personajes tendrán que lidiar con sus adicciones y los problemas derivados. Debut en la dirección de Stuart Blumberg, guionista de filmes como Más que amigos y Los chicos están bien. Blumberg pone el dedo en el centro de una de las llagas de la sociedad actual, cuya hipersexualización deriva no pocas veces en patologías adictivas que se convierten en un verdadero calvario para sus víctimas. La historia –que aúna tres hilos narrativos diferentes y conectados– está abordada en clave de comedia, pero es muy clara a este respecto y avisa del peligro de dejarse llevar por los bajos instintos que continuamente despiertan todo tipo de agentes externos: la moda, la publicidad, la televisión, Internet, etc. La adicción al sexo –dice el film– destruye a la personas y las convierte en guiñapos cuya autoestima cae por los suelos, seres incapaces de amar, siempre al filo de la navaja, y cuyas acciones pueden causar graves trastornos familiares. Aunque no obvie algunas escenas sexualmente explícitas, Blumberg se muestra realista pero comedido y afortunadamente este panorama lo plantea desde un punto de vista netamente optimista: quizá las cosas pueden cambiar con esfuerzo personal, ayuda externa y ese tipo de virtudes que son las bases de una vida verdadera: la humildad y la sinceridad. El reparto de Amor sin control –¿no hubiera sido mejor traducir directamente el título original por “Gracias por compartir”?– es estupendo y está sobresaliente, y seguramente tiene mucho que ver con el resultado, que si no es notable, sí funciona. Destacar a alguno de los intérpretes sería una injusticia con los demás.

Sandy Patterson tiene una vida genial: un buen trabajo, dos hijas preciosas y una esposa que le quiere y que está esperando otro hijo. Pero debido a sus necesidades económicas decide abandonar su empleo para ocupar la vicepresidencia en una nueva empresa de reciente creación. Sin embargo, de un día para otro ve cómo todas sus expectativas se van al garete. La causa es una delincuente que ha usurpado su identidad y falsificado sus tarjetas, de modo que ha dilapidado todos sus ahorros. Para mayores problemas la policía de su ciudad, Denver, le explica que no puede hacer nada contra alguien que opera en Florida, así que la única solución de Sandy es encontrar a esa mujer y llevarla a Denver en el plazo de una semana. Sólo de esa manera podrá recuperar su vida. Banal entretenimiento cuya mejor baza es su fondo de buenos sentimientos bajo una cáscara gamberra y malhablada en la línea de las desinhibidas comedias estadounidenses del tercer milenio. La historia, elaborada por Craig Mazin (responsable de los guiones de Resacón 2, ¡ahora en Tailandia! y de varias secuelas de Scary Movie), sigue las pautas de este tipo de filmes en donde se deja de lado la verosimilitud para dar lugar a una descacharrante trama a razón de un gag por minuto. La novedad de Por la cara es que se trata de una “road movie” con bastantes elementos de acción, aunque sea tontorrona. Detrás de las cámaras se sitúa el director de Cómo acabar con tu jefe, Seth Gordon, quien ha contado con el mismo actor como protagonista, Jason Bateman, y que se muestra capaz mantener un ritmo más o menos llevadero a lo largo del metraje. Pese a que acumula situaciones escabrosas y conversaciones de camionero, en general el director evita pasarse de la raya en la escala de la grosería, y ofrece momentos más o menos divertidos, siempre apoyados en la actriz Melissa McCarthy, que ha alcanzado una enorme popularidad desde su papel de Megan en La boda de mi mejor amiga, por la que fue nominada al Oscar. Lo malo es que la actriz se ha encasillado así en un perpetuo papel de bruta alocada y grosera, sin muchas luces pero con buen corazón. Entre el reparto, donde se descuidan bastante los personajes secundarios, es de señalar la presencia de Amanda Peet, aunque lamentablemente no cuente con demasiados minutos en pantalla.

Un magnate del hip hop está decidido a lograr que el equipo de Estados Unidos de esta disciplina se proclame campeona mundial en la llamada “Batalla del año”, competición que tiene lugar en Francia y en donde se darán cita todos los grandes equipos. Para hacer su sueño posible decide contratar a su viejo colega Jason Blake, quien hace años triunfó como entrenador de baloncesto pero que una tragedia familiar le ha llevado al hundimiento vital y profesional. El director Benson Lee lleva a cabo su particular historia de ficción basada en su propio documental Planet B-Boy, en donde narraba las andanzas de cinco bailarines que buscaban competir en La batalla del año. En este caso recrea la misma idea pero bajo el marco de una historia que responde a las constantes de este tipo de filmes, en donde las relaciones entre compañeros, las dudas y forcejeos con el entrenador, los altibajos anímicos o las luchas por dejar de lado los “egos” y darlo todo por el equipo forman parte de cualquier argumento. La batalla del año sigue así con la tradición de una serie de películas de baile moderno, callejero, cuyo mayor exponente es quizá Step Up. Pero aquí hay poco trabajo de guión, todo discurre por lugares comunes y los caracteres están apenas esbozados (algunos, como el de la coreógrafa son alucinantemente superficiales), mientras que los diálogos y charlas de superación suenan a mil veces vistas y oídas. Se salva, es cierto, el trabajo del “perdido” Josh Holloway, que hace un uso correcto de su carisma. Y, por supuesto, para los amantes del ritmo y las piruetas imposibles se tratará de un ejercicio visual muy entretenido.

Una inteligente adolescente intenta crecer de forma normal en un pequeño pueblo pese a sus egocéntricos padres, que la tuvieron cuando tenían su edad y se han resistido a aceptar que les ha llegado la madurez. Visión ligera de un típico argumento televisivo en el que una joven es más responsable que sus padres. Claire Danes y James Marsden dan vida a los protagonistas y aumentan la expectativas de este film, cuyo contenido no está finalmente al nivel de lo esperado.

Molly, camarera solitaria, conoce casualmente a Gus, empleado de una joyería. Cree firmemente que ha conocido a su hombre ideal, pero desconoce que él tiene pérdidas de memoria a corto plazo desde que sufrió un aneurisma cerebral. Lacrimógeno dramón, que al menos cuenta con intérpretes competentes.

Telefilm de Disney Channel que persigue otros éxitos de la cadena, como High School Musical o Camp Rock. La trama mezcla amistades y música marchosa en ambiente estudiantil. La premisa es la siguiente: cinco estudiantes: Olivia, Mo, Charlie, Stella y Wen, están castigados a permanecer encerrados en un aula, mientras les supervisa la profesora de música. En un momento en que ella está fuera del aula de castigo ellos empiezan a improvisar con los instrumentos musicales y cuando llega la profesora, les comentará que forman una estupenda banda musical.

Tim Hill fue el responsable de Alvin y las ardillas, mezcla de imagen real con personajes animados relacionados con la música. También quiere triunfar en este campo el aspirante a batería que protagoniza esta cinta, para la que ha contado como productor con Christopher Meledandri, que hizo lo propio con Gru. Mi villano favorito, y cuya huella queda patente en la aparición de unos pollos amarillos que recuerdan a los secuaces del protagonista de aquella cinta. Fred es un joven que se resiste a abandonar la casa paterna. Aunque acude regularmente a entrevistas de trabajo, siempre encuentra excusas para no quedarse con ninguno. Después de que sus padres le lancen un ultimátum, está a punto de acudir a una entrevista de trabajo en una empresa de videojuegos, pero antes atropella accidentalmente al hijo del Conejo de Pascua, un joven que ha dejado su hogar, porque aspira a ser percusionista en un conjunto musical en vez de seguir los pasos de su padre y relevarle en el cargo, como éste espera. Técnicamente impecable, la integración de los múltiples personajes animados con los humanos es asombrosa. Además, los personajes son atractivos y el protagonista es bastante expresivo. Desentonan un poco los humanos, pues sus interpretaciones son excesivamente histriónicas, sobre todo la del protagonista, James Marsden, conocido por su papel de Cíclope en X-Men. Por suerte, el guión tiene hallazgos divertidos, por lo que se sigue con interés. Aunque su tratamiento de las relaciones paternofiliales no pasa de la mera caricatura, critica a los jóvenes con complejo de Peter Pan que se resisten a asumir sus responsabilidades, lanza una pequeña reflexión sobre la necesidad de madurar y abrirse camino en la vida abandonando el nido, y su visión de las relaciones familiares es positiva.

Los protagonistas son los jóvenes alevines de la firma, cinco jóvenes licenciados que van a debutar en su primer trabajo como abogados en Sterling, Huddle, Oppenhiem, & Craft, una de las firmas de mayor prestigio en la ciudad. De cómo lo hagan durante los siguientes meses va a depender su futuro profesional, por lo que las tensiones entre ellos estarán a la orden del día.

Secuela tardía de Como perros y gatos, comedia dirigida por Lawrence Guterman en 2001. Continúa la guerra entre perros y gatos, que tratan de hacerse con el control de la Tierra cuando los humanos no les miran. Diggs es un perro policía que ayuda al agente Shane, en un caso de un dependiente de coches que ha enloquecido. El can provoca una explosión, y es ‘suspendido’ del cuerpo. Pero es reclutado por la organización de perros que trata de parar los pies a Kitty Galore, una gata con malas pulgas y planes maléficos. Como el original, se trata de una parodia de las películas de James Bond, en versión perruna, con perros y gatos que hablan. Ha pasado casi una década desde la anterior entrega, y los efectos especiales han mejorado sustancialmente. Combinando animatronics, animales reales y efectos digitales, los resultados son realmente impresionantes, y algunas imágenes de perros pilotando una moto, por ejemplo, resultan convincentes. Por lo demás se trata de un film con muchos gags que recuerdan a los cartoons clásicos. Absolutamente insustancial, al menos no da gato por liebre, mantiene el tono familiar y gustará sobre todo al público infantil. En cines, le acompaña un corto memorable que recupera a uno de los personajes más conocidos de Warner: El correcaminos.

Marmaduke es un perro enorme. No es un gran danés de pura raza, pero en sus genes se hace notar la presencia de su descomunal herencia. El caso es que el animal siente que no encaja en el entorno donde vive debido a su tamaño. Por ello, cuando sus dueños se mudan a California, piensa que ha llegado una nueva oportunidad para rehacer su vida. El comienzo de la película hace referencia a la simbología de la misma, al mostrar a un adolescente exageradamente alto y marginado, mientras se escucha la voz en off de Marmaduke. Sin embargo, el paralelismo real no es con este chaval –nunca más vuelve a salir– sino con el padre de la familia protagonista. Un paralelismo que le viene inmenso a la película. Y es que se llega a poner a ambos a un nivel tan similar que el perro alcanza un grado de “importancia” familiar desmesurado, lo que lleva al cabeza de familia a tomar una decisión al final de la película totalmente absurda, que da un mensaje deformado y ridículo de la realidad. A parte de esta nota original tan mal desarrollada, se trata de una historia típica donde las haya. Nada nuevo bajo el sol. Mensajes como la importancia de la amistad, el amor y la aceptación, en contrapartida a las posturas tajantes de aquellos que sólo se mueven por el interés y las apariencias. Pero, sin duda, el principal mensaje de la película es la importancia de la comunicación en la familia. El casi imposible entendimiento entre el padre y el perro –que, por otro lado, tiene una actitud bastante insoportable en casa- es reflejo de la falta de comunicación entre los miembros de la familia. Los personajes de carne y hueso son tan planos que hacen parecer al perro el más listo de la casa. Es una pena ver al gran William H. Macy como el jefe del padre. Otro personaje que deja todo que desear. Por mucho que sea cine familiar, los pequeños se merecen más.

La temporada comienza un año después de los acontecimientod e la 5ª temporada. Sam ha conseguido escapar misteriosamente del infierno y Dean tiene una vida normal con su novia y el hijo de ésta pero, no puede evitar sentirse tentando por las tentativas de su recién llegado hermano de volver a la caza. se enfrentará a todo tipo de criaturas, hasta con Drácula... Más de lo mismo en estos nuevos 22 capítulos de esta exitosa serie fantástica, creada por Eric Kripke, y que mezcla thriller, acción y el mundo de la religión. En este caso, el peligro apunta a ciertos rumores de que Lucifer va a salir del Infierno.

Jason Friedberg y Aaron Seltzer son dos especialistas en las parodias alocadas, ya que además de ejercer como guionistas en Scary Movie, han dirigido juntos títulos en la misma línea como Casi 300, que a pesar de su bajísima calidad, fue curiosamente un producto rentable. Ahora el dúo le hinca el diente a Crepúsculo, la saga de moda entre los adolescentes. El argumento sería un refrito de todas las entregas. La adolescente Becca Crane, harta de los constantes viajes por todo el país de su madre, decide irse a vivir con su padre, sheriff de Sporks, una pequeña localidad de Washington. Allí, Becca se reencuentra con Jacob White, un amigo de la infancia que se comporta como un animal, y que se siente atraído por ella. Pero Becca queda prendada en su nuevo instituto de Edward Sullen, un chico pálido, melancólico y atormentado peinado a la última moda, que resulta ser miembro de un clan de vampiros. La única diferencia con respecto a otros productos similares, es que se renuncia casi por completo a las imitaciones de destacadas secuencias de películas famosas para centrarse prácticamente en su totalidad en las más conocidas de Crepúsculo, como aquella en la que la chica acude a la mansión de su amado a ver a su familia y se corta accidentalmente en un dedo. El resto son referencias a productos de consumo adolescente como Gossip Girl, Los magos de Waverly Place, iCarly, The Secret Life of the American Teenager o aparecen brevemente la Alicia de Tim Burton y Buffy la cazavampiros. Se alude también a las redes sociales de internet Facebook y Twitter, y a muchos fenómenos musicales, como Black Eyed Peas, Lady Gaga, Vampire Weekend, etc. Todo es bastante insulso, y tiene poca gracia, incluso para el público que vaya dispuesto a pasarlo bien. Conviene advertir que una de las gracias del film es un ‘spoiler’, o sea que se revienta lo sustancial de la trama del último libro de Stephenie Meyer, por lo que quienes no quieran enterarse de demasiados datos, tendrían que pensárselo dos veces antes de ver esta cinta.

Carlton Garrett (Justin Timberlake) se dedica al béisbol, pero no está ahora en un buen momento, tanto que su entrenador está pensando en acabar con su futuro. Justo en ese momento la madre del muchacho, Katherine, cae gravemente enferma y le dice a su hijo que si quiere que se someta a una operación de corazón deberá ir en busca de su padre y traerlo hasta el hospital. De este modo, Carlton llevará a cabo su difícil misión, porque su padre, también una ex estrella del béisbol, se encuentra de gira por diversas ciudades. Finalmente acompañará a Carlton su bella novia Lucy (Kate Mara). Sólida historia dramática, sencilla pero muy bien resuelta, contada a la manera de una ‘road movie’ y que por supuesto es mucho más que una búsqueda externa del padre pérdido. El protagonista habrá de encontrar múltiples respuestas en su periplo vital. Escribe y dirige la función el poco conocido director Michael Meredith, que fue autor del guión de Tierra de abundancia, dirigida por Wim Wenders. Sin ser la octava maravilla del mundo, el resultado final es grato de ver.

Veintidós nuevos episodios de esta serie creada por Eric Kripke, que aúna temática terrorífica y fantástica, mientras juega con elementos sobrenaturales con suficiente gancho, y con una estética que funciona a la perfección. Esta temporada comienza donde se quedó la anterior, es decir, con el suelo abierto , dando pie a la entrada de Lucifer en el mundo. Los ángeles tendrán que luchar para que no se imponga el mal en la tierra.

Norte de París. Cuatro policías corruptos asaltan un edificio en ruinas que sirve de escondite a una banda de criminales despiadados. Su intención es vengar la muerte de un compañero a manos de los delincuentes pero pronto las cosas se tuercen para los agentes. Atrapados y a punto de ser ejecutados, ocurre lo inimaginable: una horda de criaturas sanguinarias y caníbales invade el edificio atacando salvajemente a todos. Una amenaza de tal calibre los obliga a dejar sus diferencias a un lado en una alianza inesperada por la supervivencia.

Adam es un joven brillante y solitario, que padece el síndrome de Aspergen, una especie de autismo en alto grado, que se manifiesta en una gran inteligencia -es ingeniero electrónico, y sabe de todo un poco-, un comportamiento metódico, una sinceridad brutal y poco delicada, y una cierta incapacidad para detectar lo que siente el que tiene al lado. Su padre acaba de morir y vive solo. La llegada de una nueva vecina, Beth, escritora de libros infantiles y profesora, le empuja a salir de sí mismo pues siente una inmediata atracción. ¿Pero es posible el amor entre ellos? Esta película escrita y dirigida por el desconocido Max Mayer resulta una agradable sorpresa. Ya el punto de partida, descrito con voz en off por Beth al inicio, es sugestivo: compara su relación con Adam con la del principito con el piloto en la conocida obra literaria de Antoine de Saint-Exupery; sólo que ella creía ser el principito hasta que se dio cuenta de que su rol, realmente, era el del piloto. El guión y su plasmación en imágenes construyen bien la evolución en la relación de los dos protagonistas, un amor creciente que da pie a situaciones humorísticas, pero también momentos cargados de tensión, por ser ambos tan diferentes. Además la historia romántica está bien imbricada con la subtrama que atañe al padre de Beth, acusado de fraude contable, y que se enfrenta a un difícil proceso judicial que podría llevarle incluso a la cárcel. Y se asumen riesgos en la forma de resolver el film. La narración introduce un jugoso subtexto aprovechando con acierto la dedicaciones profesionales y conocimientos de Beth y Adam, con momentos mágicos como el de cierta noche en Central Park, las referencias al cuento del emperador desnudo -idea subrayada con el nombre del propio protagonista, Adam, que en el paraíso terrena descubre su desnudez, y que incide en la idea del autoconocimiento-, o los momentos de contemplación de las estrellas. Con inteligencia se plantean temas como el de ir con la verdad por delante en el trato con los otros. Hay acierto en el reparto, con unos Hugh Dancy (Confesiones de una compradora compulsiva) y Rose Byrne (la serie televisiva Daños y perjuicios) en alza.

Absoluta patochada rodada por los responsables de Date Movie y Epic Movie. El aire tontaina y el humor increíblemente facilón se repite y también la presencia de la que se está convirtiendo en su actriz fetiche, Carmen Electra, pero esta vez se sigue (es un decir) el hilo narrativo de la película 300. Ni que decir tiene que el diseño de producción es pobrísimo y que todo ha sido grabado en estudio. Salvando algunas pocas bobadas en las que es difícil reprimir la sonrisa –como cuando van a la guerra cantando "I Will Survive", por ejemplo–, el conjunto tiene en general muy poca gracia. El tono zafio y guarro, tanto verde como marrón, reina por doquier, y en toda la película se repite como "leitmotiv" el amaneramiento de los espartanos, caricaturizados repetidamente como gays. Como viene siendo habitual en este par de cineastas (?), el guión parodia continuamente escenas y motivos de otras películas, como Shrek, Spider-Man, Happy Feet. Rompiendo el hielo, Transformers, Rocky, etc., e incluso hay una reiterada emulación del programa televisivo "American Idol". Pero también se ensaña la película con personajes reales de la farándula, a los que se les da más de un coscorrón, entre ellos a Angelina Jolie y Brad Pitt, Paris Hilton (caracterizada como jorobada deforme), Britney Spears y Lindsay Lohan, por nombrar a unos pocos.

Lo mínimo que puedes pedir a una película de este tipo, que encadena gags parodiando distintos megaéxitos hollywoodienses, es que te haga reír, que contenga al menos 4 ó 5 chistes bien construidos y con perfecto sentido del 'timing', que te hagan salir del cine con la sonrisa en la boca. Desde luego, no es éste el caso de Disaster Movie, una película que se conforma con incorporar un montón de chistes verdes y marrones, a cada cual peor, más el ejercicio no demasiado estimulante, de reconocer las películas que son tomadas a broma. Es una pena que la cosa no posea una mínima gracia, porque cualquier grupo de amiguetes podría haber sacado mucho más punta a escenas célebres de Juno, No es país para viejos, High School Musical, Noche en el museo, Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal, Kung Fu Panda, Encantada. La historia de Giselle, 10.000 y un largo etcétera de filmes reconocibles.

Dean logra escapar del infierno. Le ayuda Castiel, un ángel enviado por Dios. Durante los meses que ha estado encerrado, su hermano Dean ha recibido la ayuda de Ruby, un demonio femenino.  Tras una crisis de audiencia y que se llegara a reducir el presupuesto de la serie, el creador, Eric Kripke, logró recuperar al público perdido, con cuidadas tramas y nuevos personajes.

Los hermanos Sam y Dean Winchester se ven forzados a iniciar la cacería de los demonios que han escapado del infierno. En esta temporada, los hermanos Winchester tendrán dos nuevas ayudantes. La joven actriz Katie Cassidy (Cuando llama un extraño) interpreta a Ruby, una cazavampiros. Por su parte, Lauren Cohan (Casanova) es Bela, una mercenaria que se dedica a acabar con seres sobrenaturales. “Ruby y Bela son peligrosas rudas y más malas que buenas, y causarán muchos problemas a los protagonistas”, ha declarado Eric Kripke, creador de la serie.

Alvin y las ardillas fueron creadas por el compositor musical Ross Bagdasarain, que intentaba labrarse una carrera como cantante utilizando el seudónimo David Seville. Como fue rechazado por las discográficas, inventó unos personajes ficticios, las ardillas, que supuestamente cantaban el tema musical ‘The Chipmunk Song (Christmas Don’t Be Late)’. Tuvieron tanto éxito que en 1961 los personajes fueron los protagonistas de la serie animada The Alvin Show, y posteriormente, en 1983, de Alvin & the Chipmunks, con mayor calidad de animación, y que es la más conocida en España. Era cuestión de tiempo que llegaran al cine, de la mano del director Tim Hill, que como en su film Garfield 2 combina animaciones digitales de las ardillas, con personajes de carne y hueso. El argumento es similar al de las series de dibujos, y se basa libremente en la historia del creador de las ardillas. Sigue los pasos de un aspirante a compositor, Dave Seville, que consigue que le reciba con los brazos abiertos Ian Hawke, un poderoso productor musical. Pero a éste no le gusta su trabajo, por lo que le echa casi de malas maneras. De la oficina de Hawke, Seville se lleva una cesta con unos bollos que le habían ofrecido a la entrada, pero que a la salida se niegan a dejarle probar. Sin que él se de cuenta, en la cesta se han ocultado unas ardillas, totalmente perdidas en la gran ciudad cuando el árbol en el que descansaban fue talado para reconvertirlo en árbol de navidad. En casa, las ardillas, Alvin, Simon y Theodore, demuestran a Dave que tienen talento como cantantes. Interpretando una canción de Dave (la citada ‘Christmas Don’t Be Late’), las ardillas logran ser fichadas por Hawke, y ser número uno en las listas de éxitos. La animación CGI tiene tanta calidad, que los protagonistas parecen tener vida propia. Además, el especialista en comedia Jason Lee (Me llamo Earl) les da la réplica con cierta simpatía. El film es un entretenimiento familiar sin muchas pretensiones, claramente dirigido a los más pequeños, a los que arrancará carcajadas. El argumento se centra en la relación paternofilial que se establece entre Seville y sus ‘hijos adoptivos’. Cuando estos se niegan a obedecer las sencillas reglas básicas para la convivencia familiar, surgirá el desastre, por lo que se puede decir que tiene su moraleja para el público infantil sobre la importancia de la disciplina.

Nueva entrega de la saga basada en los relatos de Hugh Lofting. Como es bien sabido, Eddie Murphy interpretaba a un doctor que podía hablar con los animales. Esta vez, el cómico cede el protagonismo a la joven y desconocida actriz Kyla Pratt, que como en los dos filmes anteriores, interpreta a Maya Dolittle, la pequeña hija del doctor, que ha heredado el don de su progenitor. Durante unas vacaciones veraniegas en un rancho de aprendices de vaqueros, Maya procura que nadie se entere de su curiosa habilidad, para parecer una chica normal. Hasta que sus compañeros se meten en líos, y Maya se ve obligada a reclutar a los animales del lugar para ir en su ayuda.

Chip es un pececillo que tras perder a sus padres acude al arrecife a buscar a su tía Perla. Allí conocerá a otros animalitos marinos y se enamorará de Leti, una preciosa pececilla rosa que se dedica a ser modelo para las portadas de las revistas. A pesar de la belleza y la riqueza de sus aguas, los habitantes del arrecife viven atemorizados por Nerón, un tiburón tigre que no para de molestarles y que persigue a Leti para que sea su novia. Chip hará todo lo que esté en su aleta para salvar el arrecife y conseguir a la pececilla de sus sueños.  El film está especial y únicamente dedicado al público infantil. A pesar del esfuerzo de los guionistas, la película no consigue, ni mucho menos, llegar al listón que dejó Buscando a Nemo; y, dicho sea de paso, ¡Movida bajo el mar! repite modelos de personajes de manera descarada. Podemos ver tortugas, medusas, peces globos, incluso peces pelícanos (esos dentudos con una lucecita en la cola). Las técnicas de animación utilizadas no llegan al nivel que ya, hoy en día, estamos acostumbrados a disfrutar. La aventura del protagonista contra el tiburón es una historia manida y los personajes secundarios no tienen el tirón ni la gracia que se espera de ellos. De todos modos, los niños más pequeños podrán disfrutar del colorido de las imágenes que tanto les llama la atención, además de buenos valores como son la amistad o el trabajo en equipo.

Tras la agradable (y difícil de seguir) película-sorpresa de Syriana, merece la pena ahondar en las tramas empresariales acerca de los turbios intereses que rodean el mundo del petróleo. Este film sigue la pista a un ejecutivo de Wall Street, que representa a una compañía que está sufriendo los efectos de la subida del precio del bárril por la guerra en Oriente Medio. Sus gestiones por conseguir crudo a través de una empresa, y su relación con una recién licenciada, ecologista por más señas, le llevarán por complicados derroteros. El guión del film lo ha escrito Ruth Epstein, antiguo agente de bolsa en Goldman Sachs, que conoce este mundillo bastante bien. De hecho, la parte que mejor funciona, a pesar de la jerga propia del ramo, es la que describe los problemas empresariales. Cuando la cosa discurre por cauce más convencionales, propios del cine de acción, la trama se vuelve menos creíble. El film recupera a Christian Slater, que además ejerce de productor ejecutivo.

Dean acude a buscar a su hermano Sam, que estudia en la universidad. Necesita ayuda, pues su padre, un individuo que luchaba contra demonios y seres sobrenaturales, ha desaparecido. Dean y Sam recorren el país en coche, en busca de su progenitor, enfrentándose a todo tipo de fenómenos paranormales. Eric Kripke, creador de la serie Tarzán, es el responsable de esta mezcla de road movie y género fantástico. Los protagonistas son Jared Padalecki (Las chicas Gilmore) y Jensen Ackles (Smallville).

En 1815 dos hermanos se preparan para hacer sus votos de monjes en la Orden de Damasco. Pero, sin querer, liberan a dos demonios, que viajan en el tiempo al año 2002 con aspecto de prostitutas. El hermano Tomas los persigue armado con la Daga de San Nicodemo. Trama de sustos sembrada de elementos folclóricos tomados del catolicismo. La firma Joshua Butler, alejado del tono navideño de su anterior film El reno perdido de Santa Claus.

La doctora Baines ha realizado experimentos genéticos con pirañas, convirtiéndolas en seres voraces e imparables. Cuando ésas se escapen, sembrarán el terror. Roger Corman, rey de la serie B, produjo este aburrido remake del film de Joe Dante de 1978. Se ha usado el mismo guión, que por entonces supuso el debut del hoy prestigioso John Sayles, por lo que el film es exactamente un calco del original, pero con interpretaciones peores.