Conrad L. Hall

Años de la Depresión. Michael Sullivan es un matón de una banda de gángsters irlandeses. Reservado y concienzudo, sirve con lealtad a su jefe, el mafioso John Rooney, una figura casi paterna para él. De hecho Rooney ve más un hijo en él que en Connor, su auténtico vástago, un tipo débil, taimado y con complejos, una verdadera decepción. Pero Michael es un tipo triste. Hace lo que le encomiendan, pero se adivina que desea una vida mejor para sus hijos. Lo cual puede que no sea posible cuando su primogénito, un chaval llamado también Michael, se convierte en testigo de un crimen. La banda de Rooney trata de eliminarlo, lo que obliga a Michael padre a replantearse el sentido de su vida. Comienza una huida hacia delante, con la persecución implacable de Harlen, un asesino despiadado al que le encanta fotografiar a sus víctimas. Sam Mendes confiere a la historia original un aire de tragedia a lo Shakespeare. Las relaciones entre padres e hijos tienen una fuerza enorme, así como el peso del destino y el ejercicio de la libertad para intentar cambiarlo. Además, el director no firma la clásica película de gángsters. De algún modo parece como si el tiempo se hubiera detenido en su film, domina un cierto aire de irrealidad: hay planos claramente oníricos (los que abren y cierran el film, la gente leyendo el periódico en la estación…) y ambientes como de ensueño. Mendes explica que el “corazón del film” consiste en “dos padres en el camino de la mutua destrucción. Trata del legado que los padres dejan a sus hijos. Los mundos secretos donde habitan los padres.” Y una vez más –se nota que procede del mundo del teatro– demuestra ser un gran director de actores: Hanks, Newman, Law y Craig están sensacionales, así como el adolescente Tyler Hoechlin. No resulta habitual ver a Tom Hanks en la piel de un frío asesino, una difícil composición, firme candidata al Oscar. Para subrayar la ambigüedad moral del personaje, Sam Mendes optó por fotografiar al actor a cierta distancia. Y explica su decisión así: “Tom es un actor al que el público cree conocer muy bien. Y queríamos que tuvieran que hacer un esfuerzo para intentar penetrar en el mundo interior de los personajes, especialmente en el suyo. Quería arrastrarlos a un cierto nivel en el que no recibieran las señales acostumbradas. Así que escena tras escena Tom aparece parcialmente a oscuras, visto en el umbral de las puertas, sumergido en la sombra para luego volver a aparecer. Usamos siempre objetivos cortos y nos mantuvimos a cierta distancia de él.”

Estamos ante una de las películas más cáusticas de la última temporada. Se ha llevado 5 Oscar, en los apartados de mejor película, director, guión, actor y fotografía. Casi nada. La historia la narra un muerto, que explica cómo ha llegado a esa situación. El tipo está casado y tiene una hija. Lleva una vida mediocre y rutinaria. Ha perdido todo interés por su esposa, no existe comunicación con su hija, su trabajo no le satisface. Cuando cae en la cuenta de su vacío existencial, empieza a cambiar de estilo de vida, haciendo todo lo que se le antoja: fumar hierba, dejar su trabajo y empezar nuevo curro en una hamburguesería, hacer musculitos... La situación que le puede llevar a tocar fondo tiene la forma de la mejor amiga de su hija: una auténtica “lolita”, que le está haciendo perder la cabeza a pesar de ser poco menos que una cría. Sam Mendes es un director desconocido, que hasta ahora se dedicaba al teatro. Sin embargo demuestra maneras en esta película, que trata de ser una advertencia sobre el reverso tenebroso del sueño americano. Aunque hay algún exceso caricaturesco, la película pone el dedo en ciertas dolorosas llagas de la sociedad actual. El director explica que “en un país como Estados Unidos, enfermo de incomunicación, donde la gente no se comunica más que por internet, me apetecía contar a través del personaje del joven que hay alternativa, dos opciones: comportarse violentamente o encontrar algo que te fascine y desarrolle tu espiritualidad.” La película ha supuesto el segundo Oscar de Kevin Spacey; antes lo ganó con Sospechosos habituales.

Steve Prefontaine fue un joven corredor que desde muy joven destacó como un gran atleta. En la Universidad de Oregón entrenó con Bill Bowerman, uno de los que fueron fundadores de Nike, y su espíritu y lucha le sirvieron siempre para superarse y ser el mejor. Ganó varios títulos nacionales y se clasificó para los Juegos Olímpicos de Múnich. Biopic del célebre atleta convertido en todo un ídolo de masas, donde se hace un repaso de lo que fue su carrera deportiva hasta su triste final. Robert Towne dirige a Billy Crudup, que se pone muy correctamente en la piel del deportista, y a Donald Sutherland, que fue nominado al Globo de Oro por su papel del entrenador. El film transmite de buen modo el carisma de Prefontaine y su ansia de superación, y tiene momentos de verdadera emotividad. Destacan los rostros de Monica Potter (Patch Adams), Jeremy Sisto (Tormenta blanca) y Billy Burke (Brigada 49), entre otros.

Jan Schlichtmann es un cínico abogado, dispuesto a pisotear a quien sea para ganar los casos que lleva entre manos. Con otros tres socios regenta un prestigioso bufete. Un día llega lo que parece un caso más: un grupo de padres busca pleitear contra dos empresas responsables de la contaminación de un río, lo que ha tenido terribles consecuencias –nada más ni nada menos que leucemia– para sus hijos. Lo que empieza como rutina abordada con el cinismo habitual ("Nunca hay que desestimar el valor dramático de varios niños muertos", asegura) acaba involucrando personalmente a Jan. ¿Recuperara la humanidad que había extraviado? Impactante drama judicial basado en hechos reales y producido por Robert Redford. Steven Zaillian (director de En busca de Bobby Fischer y guionista de La lista de Schindler) cuenta con sobriedad los detalles del caso. Tiene la fortuna de contar con un estupendo John Travolta, un sobresaliente Robert Duvall, y unos eficaces William H. Macy y Sydney Pollack. La formidable fotografía tenebrista se debe al legendario Conrad L. Hall, que fue candidato al Oscar.

Revisitación de la inolvidable historia de amor de Tú y yo, llevada al cine en dos ocasiones por Leo McCarey, en 1939 y 1957. La comparación con estos dos filmes se hace odiosa, a pesar de los esfuerzos del guión de Warren Beatty y Robert Towne. La idea de recontar el encuentro maravilloso en un viaje y la no-cita en Nueva York tres meses después, sólo se entiende viendo a la pareja protagonista, el propio Beatty y Annette Benning, que estaban viviendo su particular y definitiva historia de amor tras su boda dos años antes, que hacía, al fin, sentar la cabeza al primero. La película puso cierre final a la carrera en cine de Katharine Hepburn, por entonces ya enferma, y a la que convenció personalmente Beatty para que abandonara su retiro e hiciera su pequeño papel.

Josh Waitzkin es un niño de siete años, superdotado para el ajedrez. Podría tratarse del nuevo Bobby Fischer, que fue insólito campeón en 1972. Josh es un chico normal, y le gusta jugar con los chavales de su edad. Pero su padre, periodista deportivo, se toma muy en serio el don de su hijo. Y el chico pasa de jugar con 'frikis' en el parque, a tener un profesor particular, el superexperto Pandolfini, que le pondrá el listón demasiado alto. Un film emocionante y tierno, que merece la pena en todos los sentidos. A través de la inocente mirada de un niño, el film describe la presión de sus padres y profesores para que dé lo máximo de sí mismo, y plantea además los límites de la infancia y el choque frontal del mundo de juegos de ésta, con el competitivo mundo de los adultos. Muy bien narrada, con brillantes interpretaciones y un ritmo que mantiene la tensión sin forzar al espectador. Destaca el tono épico y las virtudes del crío protagonista. 

John Berlin (Andy García) es un eficiente policía de Los Angeles que está atravesando una mala racha. La violencia y la vida de la gran ciudad le han superado. Consigue un traslado y se va a trabajar con su cuñado en la comisaría de Eureka, un pueblo tranquilo de las montañas, al menos en apariencia. Pero los problemas empiezan cuando alguien encuentra una mano en un basurero. Berlin no puede permanecer impasible, y con su innato olfato de policía, comienza a investigar. Las huellas dactilares muy desgastadas, demuestran que la mano perteneció a una persona invidente. Durante una visita a una escuela para ciegos, Berlin conoce a Helena (Uma Thurman), íntima amiga de una joven desaparecida. Berlin está convencido de que la mano encontrada pertenecía a la muchacha ciega desaparecida, que probablemente haya sido asesinada por un psicópata. La intriga crece cuando una serie de sucesos indican que Helena podría ser la próxima víctima. Inquietante thriller en el que sobresale una de las actuaciones más convincentes de la atractiva y entonces jovencita Uma Thurman. La tensión se mantiene desde el principio, y aumenta de manera trepidante según se acerca el desenlace. Ofrece un punto de vista peculiar sobre las películas que tienen a un malvado psicópata como motor de la acción.

Un proceso judicial enfrenta a un padre y a su hija como abogados, pues cada uno defiende a una de las partes. Él es un veterano letrado que ha dedicado su vida a la defensa de las libertades civiles, sobre todo a aquellos casos en los que un individuo se encontraba desprotegido frente a una poderosa multinacional o frente al estado. Por contra, ella es una recién licenciada que acaba de ser contratada por un gran bufete de abogados, uno de los más prestigiosos de San Francisco. Michael Apted es un reputado realizador de títulos como Gorilas en la niebla. En esta ocasión firma un thriller judicial que combina a partes iguales, la intriga sobre el caso que están investigando, con el drama de la relación entre el padre y la hija. El mérito reside no sólo en la imaginativa puesta en escena, sino también en el guión de Carolyn Shelby, Christopher Ames y Samantha Shad, que sabe dosificar con mucha soltura todas las sorpresas y los elementos dramáticos. La música, muy renovadora para un filme de este género, es obra del maestro James Horner, autor de grandes partituras para filmes como Willow. Pero la mayor parte del peso de la cinta recae en los dos protagonistas, probablemente los ideales para encarnar a los personajes que interpretan. El veterano Gene Hackman (Sin perdón) contrasta sus consagradas cualidades interpretativas con la espontaneidad de la joven, pero aun así poseedora de muchas tablas Mary Elizabeth Mastrantonio (Abyss, Robin Hood, príncipe de los ladrones).

Nick y Mac han sido amigos desde el instituto y ahora sus vidas vuelven a encontrarse. Nick es un teniente de policía y debe investigar a Mac, el cual se ha dedicado al negocio de la droga y anda con la policía pisándole los talones. Cuando la guapa Jo Ann, propietaria de un restaurante italiano y amiga de Mac, aparece en escena, Nick la seducirá y, de paso, intentará sonsacarle información. Thriller algo flojito, muy por debajo del nivel de su director Robert Towne, guionista de Chinatown, Días de trueno o The Firm (La tapadera). La gran baza son tres actores protagonistas que en esos años se encontraban en alza. A pesar de todo destaca la fotografía de Conrad L. Hall, y el encanto que derrocha una Michelle Pfeiffer con mucha clase.

Una empleada del departamento de justicia investiga las misteriosas muertes de una serie de acaudalados hombres de negocio. Todas ellas tienen algo en común: se produjeron por una extraña enfermedad de efectos mortales conocida como ‘El Mal de Ondina’. Poco después descubre que todos ellos contrayeron matrimonio poco antes de su fallecimiento con una misteriosa mujer, por lo que llega a la espeluznante conclusión de que han sido asesinados. La mayor dificultad reside en obtener pruebas que así lo demuestren, lo que le llevará a entablar contacto con la principal sospechosa. Su excepcional inteligencia le permitirá afrontar la situación. Bob Rafelson (Las montañas de la luna, Poodle Springs) es un experto a la hora de desarrollar un filme de intriga como demuestra con esta cinta, que dosifica con gran astucia los elementos del guión, escrito por Ronald Bass. El realizador se apoyó sobre todo en las excelentes intérpretes principales, Debra Winger -sobre la que recae la mayor parte del peso de la acción- y Theresa Russell -hija del realizador Ken Russell con el que trabajó en varias películas y que en esta ocasión realizó uno de sus papeles más brillantes-; entre los magistrales secundarios destaca el polivalente Dennis Hopper.

Se trata, quizá, de uno de los thrillers más espeluznantes de la historia del cine. El británico John Schlesinger (Lejos del mundanal ruido, Cowboy de medianoche) se las arregló para contar una historia sobre un antiguo criminal de guerra nazi, describiendo a la perfección a los personajes en la primera mitad del film, para ponernos con el corazón en un puño en la otra mitad. La historia arranca con la muerte en accidente de automóvil del hermano del doctor Szell, un antiguo dentista de la SS conocido como ‘el ángel blanco’. El fallecido tenía depositada una fortuna en joyas en una caja de seguridad. De modo que, para recuperarlas, el doctor Szell planea la muerte de los distintos miembros de ‘La División’, un grupo gubernamental de espionaje estadounidense que le pisaba los talones. Uno de los asesinados resulta ser hermano de Babe, alguien que se prepara para correr la maratón, y que nada tiene que ver con el peligroso mundo de los servicios secretos. Pero Szell necesita saber con certeza que es segura la operación de recuperar las joyas. El film se basa en una novela de William Goldman, que él mismo adapta para la pantalla. Y contiene escenas muy impactantes, aunque quizá ninguna tan célebre como aquélla en que el pobre Babe es sometido a una tortura dental, practicada por el sádico Szell. Las interpretaciones de Dustin Hoffman, Laurence Olivier y Roy Scheider son, por supuesto, estupendas. Se cuenta la anécdota de que Hoffman, para hacer más realista el agotamiento de su personaje, se quedó una noche sin dormir, antes de presentarse en el rodaje. Cuando Olivier lo supo, le comentó: “¿Por qué no tratas de actuar, querido? Es mucho más sencillo.”

Un pintor recién titulado viaja a Hollywood para trabajar como decorador cinematográfico. Allí se enamora de una mujer, Faye, aspirante a actriz que sueña con el éxito. Pero Faye prefiere relacionarse con personas que la ayuden a obtener contratos de los grandes estudios. A partir de una novela de Nathanael West, el director de Cowboy de medianoche describe la época de la decadencia del Hollywood clásico.

Wintergreen es un bajito policía de circulación, que vigila las carreteras desiertas de la América profunda. Sueña con investigar homicidios, pero entretanto llegan esos casos de mayor enjundia se aplica con empeño digno de mejor causa en multar a cualquiera que infrinja mínimamente las normas de circulación. El suicidio de un anciano cambia su anodina vida, pues está firmemente convencido de que las apariencias engañan, y que se trata de un asesinato; y aunque muchos, entre otros el forense, no le hacen caso, un veterano policía le escucha y le toma bajo su tutela para proceder a investigar.La única película dirigida por James William Guercio, aborda la trama con singular tono operístico, y aprovecha las posibilidades de la pantalla ancha un poco en la línea del spaghetti-western. Al estilo de otras películas antisistema, como la alocada Easy Rider, ofrece una peculiar e irónica visión del inconformismo; algunos dardos son arrojados hacia el movimiento hippy.

Tully y Ernie son boxeadores que viven en la ciudad de Stockton, en California. El primero, veterano retirado, regresa un día al gimnasio, y se encuentra al otro, que entrena por afición. Ambos son de baja extracción social, y la vida no les trata demasiado bien. Mientras Tully, que se pasa el día bebiendo, piensa en volver al ring, Ernie sigue el consejo del otro de plantearse el boxeo como dedicación profesional. Potente película de John Huston, producida por Ray Stark, con guión de Leonard Gardner, que adapta su propia novela. El director la describió con mucho tino diciendo que "trataba de las personas que son perdedores antes de empezar, pero que nunca dejan de soñar". Es en efecto un drama desolador muy anclado en la realidad, en torno a dos hombres que anhelan el triunfo en el cuadrilátero pero que ven la vida como una auténtico terreno que fácilmente aboca a la miseria, y es que tal vez el problema es que no sabemos ser felices. Frente a la clásica épica del subgénero de películas de boxeo, Fat City –término procedente del jazz que sirve para definir una situación feliz o de éxito– se aferra a otra épica más realista, del simple ganarse la vida, con las inevitables secuelas, también en la salud, el peligro de acabar "sonado", aunque siempre caben la esperanza, los sueños. La triste existencia de Tully y Ernie llega a contagiar al espectador, son dos personajes arrastrados, sucios, desalentados, apáticos, donde el día a día no es más que la misma porquería que les empuja una y otra vez hacia el vacío, la nada. Sólo la posibilidad de formar una familia abre un poco los horizontes, aunque el diálogo de la magnífica escena final, con la frase de Tully a Ernie, "antes de dar tumbos, vete directo al sumidero", resumen bien su estado de ánimo, y el subsiguiente intercambio acerca de lo que es ser feliz. El film, con estupenda fotografía de Conrad L. Hall rebosante de verismo, ofrece una estupenda mirada a la clase trabajadora estadounidense, con la excusa de contar la historia de dos boxeadores, el primero en franco declive, el otro al comienzo de lo que parece una prometedora carrera en el cuadrilátero. Aunque la historia sea triste, los personajes se dibujan con enorme dignidad, son seres humanos, cada uno valiosísimo en sí mismo. Stacy Keach –la primera opción a su rol fue Marlon Brando, pero se demoraba a la hora de decidirse y Huston se decantó por Keach– hace una interpretación inolvidable; él es el corazón del film, aunque esté muy bien respaldado por un juvenil Jeff Bridges y por la patética Susan Tyrrell, perfecta al atrapar la vulgaridad y cierto desequilibrio psíquico, que fue justamente nominada al Oscar por su desgarrador personaje de Oma, la amante de Tully. La mayor parte del reparto la componen actores no profesionales, algunos pertenecientes al mundo del boxeo al que Huston estuvo ligado especialmente en sus años mozos.

Aventuras basadas en dos auténticos ladrones del viejo Oeste Butch Cassidy y The Sundance Kid. O sea, Paul Newman y Robert Redford, los dos desesperados más apuestos de la pantalla. Con guión de William Goldman ganador del Oscar, seguimos sus andanzas en el Oeste norteamericano y en Bolivia. Las notas musicales de "Raindrops Keep Fallin' on My Head" o el final "congelado" son parte, ya, de la historia del cine.

Mary Wilson abandona a su marido John, un abogado de éxito, tras 20 años de matrimonio. Aprovecha para anunciar la separación en una de sus fastuosas fiestas delante de importantes invitados. Y es que las cosas entre ellos no iban bien, debido a las infidelidades de él y también al carácter de Mary y sus problemas con la bebida. El prestigioso Richard Brooks (La gata sobre el tejado de zinc) dirige este drama sobre una mujer madura que lucha por su felicidad y que es capaz de romper con aquello que más conoce y darse una oportunidad para volver a amar. Jean Simmons optó a la estatuilla dorada en la categoría de mejor actriz. John Forsythe (La mujer X) le da la réplica.

A comienzos del siglo XX, los indios norteamericanos viven en reservas. Coop es sheriff en una de estas demarcaciones, y ha heredado el oficio de su padre. Pero los tiempos cambian, y él es un tipo lacónico e insatisfecho, que mantiene en secreto una relación amorosa sin comprometerse con Elizabeth, antropóloga y responsable de asuntos indios. La llegada a la zona de Willie Boy, un indio, va a producir problemas cuando renauda su relación con Lola, una india cuya familia se opone a ese amor. Sorprendidos juntos una noche, Willie mata a un hombre, y emprende una huida junto a su amada. Le pisa los talones Coop. Western crepuscular y desencantado, basado en hechos reales, cuenta con una soberbia fotografía de Conrad L. Hall que realza la trama de "caza del hombre". El film incide en el tema del racismo, omnipresente a pesar de la llegada de cierta modernidad, simbolizada en la esperada visita del presidente Taft. El director Abraham Polonsky -que llevaba casi 20 años "desaparecido del mapa"- afirma que quiso trazar "cierto paralelismo entre lo que un enorme porcentaje de Estados Unidos entiende como proceso civilizador y el exterminio sistemático que ha emprendido el país cuando ha encontrado a alguien diferente o de ideas opuestas a su modelo de vida". En efecto, hay un modo muy distinto de enfocar la caza entre el personaje de Robert Redford, y el resto del grupo que parece tomarse la cosa como lo que hay que hacer, lo que está bien, y punto.

Durante la 2ª Guerra Mundial, un soldado estadounidense y un oficial japonés han sobrevivido a sus compañeros y se encuentran solos y juntos en una isla del Pacífico. Situación nada idílica si se suma la dificultad de comunicación entre ambos y la hostilidad mútua dado los tiempos que corren. Los dos tendrán que sobrevivir unidos a pesar de sus declaradas diferencias. El gran John Boorman dirige con maestría la cinta, en la que no cuenta más que con dos personajes; suficientes, para realizar una gran historia. Lee Marvin y Toshiro Mifune están espléndidos, cada uno en su rol, y regalan grandiosas escenas donde los personajes se fastidian a drede entre ellos. Film entretenido y con enseñanza de fondo que nadie debería perderse.

Paul Newman interpreta a un muchacho rebelde de nacimiento, capaz de soportar los golpes sólo por dignidad y tozudez. Nunca ha encontrado su sitio en la sociedad y ésta tampoco se lo ha puesto fácil. Cuando ingresa en una prisión del sur de Estados Unidos, los carceleros tratan enseguida de domarle a base de malos tratos y trabajos agotadores, pero él no se rendirá mientras esté en juego su orgullo y su libertad personal. Aunque caiga sobre él el castigo más duro, jamás dejará de intentar la fuga. Este preso acabará causando la admiración del resto de sus compañeros. Se trata de una historia real, narrada de forma biográfica por Donn Pearce. Un papel que le viene de perilla a Paul Newman, que explota el punto de rebeldía que hace vulnerable su atractivo. Hay algunas escenas memorables, como en la que Newman apuesta a que es capaz de comerse cincuenta huevos duros seguidos. Muy entretenida y vistosa, se agradece que el buen director Stuart Rosenberg deje el mensaje moral al que se presta la historia sólo como sugerencia. Oscar al mejor secundario para George Kennedy. Música del siempre curioso Lalo Schifrin.

Los Harmon, Richard y Barbara, son un matrimonio que lleva 17 años de convivencia. Las cosas están llegando a un punto que ya no pueden más y deciden divorciarse. Sin embargo, con el tiempo ambos comprueban que la vida de divorciados es todavía peor. La presencia de la pareja de actores protagonistas es todo un acierto. Dick Van Dyke (Mary Poppins) y Debbie Reynolds (Cantando bajo la lluvia) dan fe de su vis cómica y están ocurrentes y bastante divertidos. La película es entretenida y llena de humor y cuenta en el apartado fotográfico con el genial Conrad L. Hall.

Se trata de una excelente adaptación de la célebre novela de Truman Capote. Un honesto granjero de Kansas lleva una vida normal y corriente junto a su esposa y sus dos hijos. No sospechan que dos ex convictos, con las facultades mentales perturbadas, planean matarles prácticamente sin motivo. Una vez cometido el crimen, lejos de sentirse culpables o atormentados, los asesinos se recrean en la crueldad. Emprenden la huida perseguidos por el eco del sangriento caso. La policía les pisa los talones y después de un año de persecución son detenidos y llevados a juicio. Está basada en una historia real que ocupó los periódicos estadounidenses durante una buen temporada. El escritor Truman Capote vio en este hecho la oportunidad de realizar una gran novela, y así lo hizo. Investigó el suceso con meticulosidad, indagó en la vida y en las personalidades de los asesinos, en sus motivos y en su manera de pensar. Visitó el lugar del crimen y el resto de los lugares donde estuvieron los ex convictos. La adaptación al cine es excepcional, y está dirigida con sobriedad y sensibilidad por Richard Brooks. Una incursión en la verdaderas profundidades de los Estados Unidos. Es profunda, repleta de tensión, y huye en todo momento del sensacionalismo. La música de Quincy Jones es sensacional, y la fotografía en blanco y negro del maestro Conrad L. Hall, todo un lujo.

1917. El millonario Joe Grant contrata a cuatro expertos mercenarios. Su misión consiste en rescatar a la mujer de Grant, secuestrada por Raza, un rebelde mexicano. Dos de los mercenarios habían luchado junto a Raza por la causa de ese país. El choque del idealismo con la vida real y la lealtad son los temas que trata esta adaptación de la novela 'A Mule For the Marquesa', de Frank O'Rourke. Está escrita, producida y dirigida por el todoterreno Richard Brooks (La gata sobre el tejado de zinc).

Harper, detective de Los Ángeles, es contratado por la esposa de un millonario desaparecido. Original homenaje a los clásicos del cine negro, basado en la primera novela del escritor norteamericano Ross Macdonald. El reparto es inolvidable y el sofisticado guión es obra de William Goldman (Dos hombres y un destino).

Un joven pacifista alemán (Marlon Brando) es reclutado por el Servicio Secreto Británico durante la Segunda Guerra Mundial, para sabotear un barco de carga alemán. Asímismo, debe entregar a los aliados su valiosa carga de caucho. El capitán del barco (Yul Brynner), se encuentra desilusionado por los horrores de la guerra, pero está decidido a llevar su misión hasta el final. Dos grandes actores, Brando y Brynner realizan un excelente duelo interpretativo, con sendos personajes completamente contrapuestos y con profundas convicciones morales enfrentadas. El realizador Bernard Wicki realizó una excelente adaptación de una novela de Werner Joerg Luedecke.