Cristina Plazas

Macarena se ve implicada en un plan de fuga, aunque ella tenia la posibilidad de salir por la vía legal. Sin embargo su libertad dura poco y es encerrada nuevamente en Cruz del Sur, junto a sus compañeras de huida. Las cosas han cambiando en la penitenciaria con la llegada de un nuevo jefe de seguridad menos laxo y más severo con las reas, mientras que las relaciones que Macarena establece en la prisión le permiten seguir escalando puestos, pero no sin antes pagar un alto precio. Segunda temporada de Vis a vis, llena de situaciones extremas, asesinatos, violaciones, secuestros y robos que pondrán a prueba a nuestra protagonista, quien deberá elegir qué camino esta dispuesta a seguir.

Macarena es una joven empresaria que ha sido condenada injustamente a pasar siete años en prisión bajo los cargos de malversación de dinero, un crimen que no cometió. Ya en la cárcel Macarena vivirá la realidad de la vida encerrada con varias de las mujeres mas frías y crueles del país. No pasa mucho tiempo antes de que se vea envuelta en un problema de distribución de drogas así como también en el asesinato de una de las reclusas. En el presidio no se puede confiar en nadie y Macarena aprenderá que el ser humano es un ser vengativo y egoísta. Sólo podrá vislumbrar un atisbo de esperanza en Rizos, una de sus compañeras, y en Fabio, un guardia de la prisión que comenzará a sentir algo por ella. De todo esto se habla en Vis a vis, bajo una trama principal que radica en el paradero del dinero de una de las reclusas, Yolanda, y cómo todos quieren hacerse con él. Emitida por Antena 3, esta producción española fue muy criticada al principio debido a que parecía una clara copia de la exitosa serie de Netflix Orange Is the New Black, sin embargo la historia de Macarena (Maggie Civantos) es en cierto modo más fiel a la realidad y muestra cómo en situaciones extremas sale a relucir la verdadera naturaleza de las personas.

Alberto Márquez y Ana Ribera se han querido desde niños, pero las barreras sociales les separan. Él es el hijo mayor de Rafael, dueño de las madrileñas galerías Velvet de alta costura, y destinado a continuar el negocio familiar. Ella, huérfana, vive con su tío Emilio, jefe de dependientas, y se ha convertido en modista. Tras años sin verse porque Alberto fue enviado a Londres a estudiar, con idea de que olvidara a Ana, su regreso en 1958 para la presentación de la colección de la nueva temporada reavivará la llama del amor. Ramón Campos, Gema R. Neira y Teresa Fernández Valdés entregan una serie cortada -nunca mejor dicho, en una serie sobre el mundo de la moda- por el mismo patrón que Gran Hotel. Situadas ambas series en épocas parecidas, y con aire folletinesco asumidamente popular, presentan las diferencias de clase capaces de imposibilitar un amor -aunque aquí ella la de más baja extracción social-, un negocio familiar con dificultades económicas, un estilo glamouroso, personajes de rasgos semejantes, y algunos secretos familiares con muertes incluidas, que añaden algo de intriga. En cualquier caso la fórmula en su arranque funciona. Velvet supone un importante esfuerzo de producción, y el primer episodio tiene una estructura narrativa con flash-backs bien trabado, aunque se abusa de la partitura musical, y un recrearse excesivo en algunas escenas que parecen mirarse el ombligo. El reparto es excelente, tanto en lo relativo a los veteranos -José Sacristán, Aitana Sánchez-Gijón, Tito Valverde- como en los jóvenes -Miguel Ángel Silvestre, Paula Echevarría, Cecilia Freire-, en los principales como en los secundarios, e incluso en la figuración.

Carlos, padre de familia de mediana edad, no cree que sean ciertas las acusaciones de Sara, su esposa, convencida de que su asistenta le roba dinero de la cartera. Para sorpresa del matrimonio, el culpable resulta ser Pablo, su hijo, extorsionado por Marta, espabilada y salvaje niña de 13 años que le hace la vida imposible. Cuando Carlos trata de detener el chantaje, descubre que le resulta imposible defenderse, por lo que sufre a su vez también el acoso de la diabólica joven. Debut en el largometraje del realizador, productor y guionista Francisco Espada, hasta el momento cortometrajista. A pesar de su inexperiencia y del escaso presupuesto, en El país del miedo se atreve a abordar una complicada adaptación de la novela homónima de Isaac Rosa, pues por mucho que se den casos en la realidad, y de que en el libro pueda estar muy bien explicado, no resulta sencillo mostrar en pantalla a un adolescente intimidando a un adulto físicamente más fornido. Para darle categoría de doble salto mortal, el cineasta ha cambiado al matón, un chico en el original, por una adolescente. El ridículo resultado produce en el espectador un sentimiento de vergüenza ajena. Sin pretenderlo, Espada reproduce el efecto buscado por el conjunto británico Monty Python con el conejo supuestamente inofensivo de Los caballeros de la tabla cuadrada, que de forma inesperada podía acabar con la vida de temibles guerreros con armadura. Se han visto en la pantalla chavales de ambos sexos temibles, en títulos como La profecía, El pueblo de los malditos, La huérfana o ¿Quién puede matar a un niño?, donde sus responsables lograban el milagro, pero no es el caso. Ni el siempre sobresaliente José Luis García Pérez puede remontar un personaje de adulto superado, sobre el papel demasiado ingenuo y con pocas luces para poder realizar la vida normal que se le presupone. Por lo demás, El país del miedo sólo podría ser recordada, si acaso, por “So Far and Yet So Close”, de Antonio Meliveo, candidata al Goya a la mejor canción original. Efectivamente, tiene una gran calidad, desperdiciada cuando aparece ilustrando una pobre puesta en escena, con unas imágenes sosas de la puerta de los protagonistas.

Una pareja de edad avanzada se reencuentra después de muchos años, en el entierro de un amigo común. Un matrimonio adulto vive en crisis afectiva y ambos comprueban cómo se separan cada vez más. Dos jóvenes estudiantes se conocen por casualidad en un accidente en moto. Siguiendo la estructura de puzzle, Gabriel Ochoa debuta en la dirección entremezclando tres historias de relaciones entre hombres y mujeres. Hay silencios, palabras, encuentros, reencuentros, etc. Con un montaje eficaz, el guión coescrito por el propio Gabriel Ochoa junto con Ada Hernández y Rafael Cobos, une con talento todos los hilos narrativos, incluyendo algún punto de conexión –aunque sea leve– con las otras historias. Por su puesta en escena convencional y por las situaciones cotidianas que narra, quizá le falta fuerza al conjunto, pero hay un logrado realismo en la relaciones mostradas, todas ellas con una característica común: una especie de miedo de los personajes a consolidar el amor, a comprometerse, con la responsabilidad que conlleva. Aunque no emocione como era de esperar, el conjunto se deja ver más o menos, con instantes más contemplativos, siempre con esa idea de la necesidad que tenemos los seres humanos de ser amados, aunque algunas veces lo pongamos muy difícil y la intentona fracase. El elenco de actores es soberbio, con una Petra Martínez extraordinaria y unos eficaces Alberto San Juan y Aida Folch.

Thriller a la española que supone el debut como director de Oriol Paulo, que coescribió el guión de Los ojos de Julia con Guillem Morales. Paulo, que recupera a la actriz Belén Rueda, se ha encargado también del libreto, en esta ocasión con Lara Sendim. El arranque de El cuerpo presenta el atropello accidental de un guardia de seguridad del depósito de cadáveres que huía de allí despavorido. La policía, con el inspector Jaime Peña al frente, intuye que vio algo impactante que le hizo entrar en estado de pánico. Pronto, queda claro que ha desaparecido el cadáver de Mayka Villaverde, una empresaria adinerada que acaba de morir repentinamente por un fallo cardíaco. Peña interrogará en el recinto a Álex Ulloa, marido de la fallecida, que oculta numerosas sorpresas. El cuerpo se puede considerar una producción de cierta envergadura, pues ha costado 5 millones de euros, lo que prácticamente duplica el presupuesto medio de cualquier otro rodaje español. Todo un lujo para un director debutante como Paulo, al que sin embargo parece que le queda grande un encargo tan potente. El cuerpo arranca con fuerza, intrigando al espectador. Sin embargo, pesa demasiado el recuerdo de El orfanato, y de la citada Los ojos de Julia, que sin llegar a la altura, tenía momentos de suspense logrados. Paulo dirige de forma excesivamente convencional, y su film se limita a ser un "quién lo hizo", pues abundan las disertaciones sobre qué ha ocurrido, pero faltan secuencias de tensión realmente memorables. El metraje (114 minutos) acaba resultando excesivo, y el desenlace viene a ser decepcionante. Cuenta con tres grandes figuras patrias encabezando el reparto, además de Rueda –un tanto sobreactuada como bromista compulsiva–, José Coronado –que cumple en otro rol de policía, pero ni de lejos se arriesga como en No habrá paz para los malvados, aunque renueva su look esta vez con cabello lacio, flequillo estrambótico y gafas– y un eficaz Hugo Silva. La joven Aura Garrido despunta entre un elenco de secundarios desiguales, algunos incapaces de resultar naturales. Los cinéfilos agradecerán las referencias a la clásica Laura, de Otto Preminger, y a Sospecha, de Alfred Hitchcock, aunque en esencia repite la fórmula (noche de interrogatorio con giros numerosos) de Pura formalidad, de Giuseppe Tornatore.

Silvia es una niña encantadora, rubita, risueña, vivaz. Vive feliz con sus padres, que le adoran, y disfruta de la compañía de su mejor amiga, Maite. Pero un día su carácter va a cambiar cuando su padre, entre juegos y risas, abuse de ella. Silvia irá creciendo en ese ambiente terrible y su vida se irá desmoronando. A lo largo de toda su filmografía el navarro Montxo Armendáriz ha demostrado un extraordinario oficio para plasmar sentimientos en la pantalla. Especialmente certero resultó con Secretos del corazón, sobre el paso a la juventud de un niño. Ahora vuelve al difícil terreno de la infancia, la adolescencia y la juventud con esta dura historia sobre la traumática situación de una chica que sufre los abusos de su padre. El director es fiel a su modo parsimonioso y clásico de narrar y elige una puesta en escena realista, cotidiana, sencilla, cuya falta de estridencias hace más terribles si cabe los sucesos que se narran. En este sentido se agradece que Armendáriz opte por no mostrar la explicitud de los hechos más desagradables. Una mirada, una frase, un gesto son capaces de sugerir todo un mundo interior de horror, incomprensión, desesperación. Pesa por otra parte la mirada monolítica ante la experiencia de la protagonista. Armendáriz no quiere distraerse ni frivolizar sobre un tema que, efectivamente, enloda toda la vida de las víctimas de abusos –esos insertos de las terapias de grupo quieren concienciar sin duda de esa realidad y de la dificultad de superar los traumas para seguir adelante–, pero también es cierto que el espectador puede demandar algo más de aire, un rayo de esperanza ante la pesadumbre de la historia (espeluznante la conversación en el bar entre madre e hija), un poco reiterativa en su discurso. Hay que elogiar el sólido trabajo de la actriz Michelle Jenner (Los hombres de Paco), prácticamente omnipresente y que transmite su angustia y su indecible soledad de modo eficaz, con mucho aplomo en los primeros planos, en ese deambular por la ciudad, en las ausencias mentales, en las huidas entre máquinas tragaperras... El resto del reparto , con nombres tan conocidos como Lluís Homar, Belén Rueda o Rubén Ochandiano, hace un buen trabajo.

Reconstrucción del drama vivido por los 36 tripulantes del atunero Alakrana, secuestrados por piratas fuertemente armados el 2 de octubre de 2009, cuando faenaban cerca de las costas de Somalia. La historia conmocionó a la opinión pública española y se vivieron momentos de gran tensión, como cuando los piratas anunciaron su intención de ejecutar a algunos de los tripulantes. El reparto está encabezado por el popular Miguel Ángel Silvestre (Sin tetas no hay paraíso), acompañado de actores tan solventes como Carlos Hipólito y Fernando Cayo. Inicialmente pensada para su estreno en cine, esta producción ha acabado estrenándose como serie televisiva de dos capítulos.

Adaptación de la primera novela del italiano Federico Moccia, un fenómeno de ventas, sobre todo entre el público más joven, lo que propició una segunda parte titulada “Tengo ganas de ti”. Dio lugar a una adaptación italiana, Tre metri sopra il cielo (2004), de Luca Lucini. La versión española está protagonizada por el ídolo del público más joven Mario Casas, y la dirige Fernando González Molina, que ya tiene experiencia en trabajar con el actor, pues fue el responsable de Fuga de cerebros, y de episodios de la serie que le dio a conocer, Los hombres de Paco. El argumento tiene puntos en común con Crepúsculo, pero cambiando al vampiro por un chico problemático. Babi, niña pija de buenas maneras, estudiosa y con futuro, prepara su ingreso en la universidad. Al acudir con su novio a una fiesta, se cuela, junto a su grupo de amigos brutotes, Hache, un chico macarra, motero, rudo, con antecedentes judiciales. Hache intenta que ella le haga caso, a pesar de que está acompañada, lo que deriva en que acaba arrojando a Babi a la piscina, golpes brutales al novio y destrozo del coche de su chico. Sin embargo, Babi acaba sintiéndose atraída por el joven inadaptado, con el que volverá a reencontrarse en una carrera ilegal de motos a las que Hache es aficionado. Tres metros sobre el cielo está diseñada con tiralíneas para ser un gran éxito, pues se basa en una novela conocida, el protagonista tiene tirón, y retrata a cierta juventud actual bastante reconocible. Además, cuenta con una buena factura técnica y un reparto solvente, ya que Casas es ideal para el inadaptado protagonista, le acompaña la siempre solvente María Valverde, y ambos están arropados por secundarios lo suficientemente eficaces, como Diego Martín (Pájaros de papel), Nerea Camacho (Camino), Jordi Bosch (Boca a boca), etc. Sin embargo, los personajes son arquetipos de la chica buena, y el chico ‘malote’, y la acción es predecible y sobre todo, poco creíble. El exhibicionismo de la actriz principal resulta cansino, pues resulta difícil llevar la cuenta de las veces que se queda en ropa interior, con excusa o sin ella. Aparte de todo esto, se está vendiendo a los jóvenes un elogio de la vida salvaje demasiado irreal. Una cosa es realizar un retrato simpático del ‘rebelde sin causa’ tipo James Dean, los muchachos protagonistas de Rebeldes, los mods de Quadrophenia, o el típico motero o pandillero, y otra ensalzar la figura de un delincuente como el que interpreta Mario Casas, violento, maltratador y bastante irresponsable. Las consecuencias a las que darían lugar sus acciones en la vida real no se ven en la pantalla, pues se libra ‘milagrosamente’ de un juicio por un acto tremendamente vandálico, con el testimonio de la chica que está enamorada de él, mientras que un acoso mafioso en toda regla a una profesora deriva en una pequeña riña de enamorados y ya está.

Diego es un médico que trabaja en la unidad del dolor del madrileño Hospital de la Paz. Buen profesional, parece completamente insensible a las dolencias ajenas, se ha dicho y repetido que las enfermedades de los pacientes no deben afectarle emocionalmente. Este cultivo de la insensibilidad le ha llevado también a alejarse de sus seres queridos, su mujer médico, su hija adolescente, su padre, médico jubilado. El traumático suicidio ante él del novio de una paciente supone el inicio de un extraño camino, que le hará ver las enfermedades y las personas que las padecen de un modo diferente. Debut en la dirección del cortometrajista Óskar Santos, ha contado con el padrinazgo de Alejandro Amenábar, y en la producción están también otros dos nombres importantes del cine español, Fernando Bovaira y Álvaro Augustín. Además el libreto se debe a otro cineasta en alza, Daniel Sánchez Arévalo. El planteamiento del film, de elegante puesta en escena, es el de una fabulilla insertada en la cotidianidad, donde se recuerda que para tener el corazón grande con los que tienes al lado, también es necesario compadecerse del mal ajeno. Así que la cosa discurre al modo de un 'cuento asombroso', quizá demasiado estirado y con algunos giros dramáticos poco consistentes, pero que logra mantener el interés. Hay inteligencia en no buscar explicaciones al don de curación, y queriendo o sin querer, se entrega un completo catálogo de cierto males que afligen a la sociedad actual, y que sólo se pueden 'curar' con el tan necesario amor: infidelidad, crisis matrimoniales, incomunicación, suicidio, alcoholismo, consumo de drogas, sexo adolescente, falta de recursos para sobrellevar el dolor, ausencia de Dios... Hay acierto en el reparto, donde destaca un contenido Eduardo Noriega. Y algún contrapunto humorístico ayuda a un film desasosegante, como los momentos que comparte el protagonista con su progenitor, y con el paciente tullido.

Recopilación de los tres impactantes cortos de Eduardo Chapero-Jackson, multipremiado director que ha logrado que sus dos primeros trabajos hayan sido preseleccionados para los Oscar, mientras que el segundo de ellos, Alumbramiento, obtuvo el premio UIP al Mejor Corto Europeo en el Festival de Venecia. Esta retrospectiva deja claro que Chapero-Jackson tiene un brillante futuro, por su esmerada dirección de actores, su aprovechamiento de los medios técnicos (la música y la fotografía), y sus interesantes elecciones temáticas. Contracuerpo –su ópera prima– es un oscuro relato que trata el problema de la anorexia. Una muchacha adelgaza más y más kilos, hasta que logra meterse en el interior de un maniquí. Éste es trasladado por unos mozos de almacén que lo llevan a una tienda de ropa. Así acaba siendo exhibida en el escaparate. Chapero-Jackson logra imágenes de gran intensidad, como la colección de básculas que la protagonista ha clavado en la pared, que llevan escrita la cifra de los kilos que ésta ha ido perdiendo. La fascinación que el anoréxico maniquí parece despertar en una niña que pasa junto al escaparate funciona como metáfora de la nefasta influencia de los ideales estéticos equivocados que rigen en la actualidad. Esmeradísimo trabajo de la actriz Macarena Gómez, que parece realmente afectada por la lacra que sufre su personaje. En Alumbramiento –su mejor trabajo–, Chapero-Jackson narra la última noche de una anciana enferma, que se verá rodeada por sus familiares en los momentos previos a su inminente muerte. Inspirado en la muerte de sus abuelos, a los que dedica el corto, el realizador ha sabido captar el miedo de los parientes, las dudas, los intentos de aceptar lo que va a ocurrir, la despedida de los seres queridos y la nostalgia. Destaca el momento en que los personajes rememoran una canción que la moribunda entonaba años atrás a los niños. Filma Chapero-Jackson con contundencia y sobriedad, sin recrearse en sentimentalismos artificiales. El reparto es excelente, con una sobrecogedora interpretación de Mariví Bilbao, que aunque es más conocida por su registro cómico de la serie Aquí no hay quién viva, resulta muy convincente como anciana a punto de fallecer. Por último, The End es un mediometraje de 30 minutos rodado en inglés, y que se estrenó con ocasión de la Expo del agua de Zaragoza, en 2008. No desentonaba allí, puesto que muestra las duras consecuencias a las que podría llevarnos la sequía, y la desertización en un futuro próximo. Una familia viaja en coche por una carretera estadounidense. Son testigos de un robo de un camión cisterna que transporta agua, cuyos autores les roban la única botella que tienen, y su vehículo, dejándoles a su suerte en el desierto. Al director se le ha dado bastante bien construir un film muy personal, a pesar de que tenía que cumplir una curiosa condición: rodar un western. Tan singular premisa nace del premio recibido en Almería por Contracuerpo, que ofrecía ayuda económica para otro trabajo del director siempre y cuando se circunscriba a este clásico género. Y Chapero-Jackson ha cogido del cine del oeste el tono, los personajes, el asalto a una diligencia –que en este caso es el citado camión– y sobre todo los tiroteos, pese a que en realidad es de ciencia ficción apocalíptica, en la línea de Mad Max, con ideas de Waterworld. Esmeradas interpretaciones de un reparto que cuenta con el mismísimo Miguel Ángel Silvestre, convertido en un fenómeno de masas por su papel de ‘Duque’ en la serie Sin tetas no hay paraíso.

De Gaulle pide la dimisión de Paco. Este agente de la Interpol está muy indignado por la desaparición de un informe, y habla con Don Lorenzo para que cese a Paco. Curtis y Kike escuchan la conversación y deciden usar un método para convencer a De Gaulle de las virtudes de Paco. La sexta temporada de la famosa serie continuó manteniendo el favor del público.

Apasionante y multipremiado film de Eduardo Chapero-Jackson, que entre otros galardones fue considerado el mejor corto en el Festival de Venecia. Arranca la historia en la más profunda oscuridad de la noche, donde sólo brilla el teléfono móvil de Rafa. Le avisan de que su madre ha entrado en agonía. En casa de ella se reúnen hijos y parientes con temor, sin saber qué hacer, qué decir, cómo actuar. Eso sí, son testigos de sus temores, su dificultad para respirar, las incoherencias que dice. Ante la inmovilidad general, será Sara la que sabrá decirle palabras de consuelo, despertará recuerdos entrañables, y todo ello sin ocultar la dura verdad de que va a morir. Chapero-Jackson rueda con estilo, maneja muy bien la fotografía nocturna y tenebrista casi rembrandtiana. Y atrapa la emoción de ese alumbramiento a que alude el título, el de la otra vida y el final de ésta. Con sobriedad, sin aspavientos, se atrapa la emoción de la despedida a los seres queridos en el trance de la muerte. Al parecer la idea del film se la sugirió al cineasta la muerte de sus abuelos. Algunos observadores han querido ver en este corto una apología de la eutanasia, porque en cierto momento se retira el respirador a la enferma, pero no parece ser éste el caso, en un momento en que está para morir, y tal medida podría ser considerada como ensañamiento terapéutico; la película más bien parece una apuesta por los cuidados paliativos, una atención adecuada del enfermo cuando llega la hora de morir.

Pocos títulos se ajustan tan bien a su trama como éste de Ventura Pons. En efecto, el film muestra a una serie de personajes insatisfechos con sus vidas (el ejecutivo infiel, que se acuesta con la decoradora; la pareja 'enrollada' que vive en el conformismo; los inmigrantes que caen atrapados en la telaraña de los países opulentos), que se lamen sus heridas, incapaces de amar desinteresadamente. El cineasta catalán nos mete en el callejón de vacío paralizante en que se encuentran, donde el lujo, el aspecto físico y las relaciones insustanciales no llenan. Eso sí, es incapaz de señalarnos cuál es la salida, da la impresión de que no cree en su existencia.

Carlos es un padre traumatizado porque perdió en un accidente a un hijo, promesa del baloncesto. Diez años después, intenta que su otro hijo triunfe en este deporte. Telefilm con grandes actores de nuestro cine.

Vete de mí es una película hecha al alimón por Víctor García León –director y guionista– y Jonás Trueba –coguionista–, que ya habían hecho juntos una película que hacía honor a su título, Más pena que gloria. Los hijos, respectivamente, de J.L. García Sánchez y Fernando Trueba, entregan una comedieta ligera, con algún punto gracioso, en torno a una relación padre-hijo. Santiago es actor, divorciado, vive con una joven actriz desde hace dos años. Guillermo vive con ‘mamá’, y no se centra; miente más que habla, y tiene la cara tan dura como el pedernal. El caso es que el chico es puesto por su madre de patitas en la calle, y se presenta de improviso en la casa paterna, donde va a alterar el ordenado mundo que se ha fabricado. La trama juega a la inversión de roles, hasta su casi convergencia: el padre demuestra ser tan inmaduro como el hijo, en el hijo asoma algo que la gente poco exigente calificaría como ‘responsabilidad’. Juan Diego y Juan Diego Botto están graciosetes, pero la película, una vez planteada, se estanca.