Eugene O'Neill

Adaptación de la obra teatral de Eugene O'Neill. A lo largo de la larga jornada del título, que va avanzando hacia la noche y la oscuridad, describe las tensiones existentes en el hogar de los Tyrone, una familia católica irlandesa compuesta por un matrimonio mayor, Marie y James, y los dos hijos ya adultos, Jamie y Edmund. En la convivencia diaria, y a pesar del amor que se profesan, ha hecho mella una ‘cultura de la sospecha’ y los sentimientos soterrados de reproches y frustraciones. A medida que discurre la trama, conocemos la adicción a las drogas de Marie, la soberbia y racanería de James, la enfermedad de Jamie, y el carácter violento y abrupto de Edmund, sobre todo cuando se halla bajos los efectos del alcohol. Sobre este film, su director, Sidney Lumet, confesaba: “No sé de qué trata, a no ser la idea inherente al título. Algunas veces un trabajo sigue su camino y, como en este caso, se expresa en una escritura tan maravillosa, es tan enorme, abarca tantas cosas, que un tema único no puede definirlo. Es tratar de confinar, dentro de unos límites, algo que no debiera tenerlos. He sido muy afortunado de contar con un texto de esa magnitud en mi carrera.” Y subrayaba la trágica espiral por la que se deslizan los personajes, extraordinario reparto compuesto por Katharine Hepburn, Ralph Richardson, Dean Stockwell y Jason Robards. El precioso plano final, donde la mesa en que está reunida la familia se convierte en un punto escasamente luminoso en medio de una caliginosa oscuridad, apenas interrumpida por la luz de los barcos, que llega por la ventana a través de una densa niebla, es muy ilustrativo de ese mundo de tinieblas, por el que toca a cada uno sobrevivir. Parece ser que, tras acabar el film, Robards enseñó a Lumet una carta de O’Neill donde describía a la familia “sentada en la oscuridad, alrededor de la mesa que corona el mundo”. Lo que conmovió al director, que desconocía esa descripción, coincidente con el plano que él había discurrido. La historia es un buen catálogo de las miserias del ser humano. En el film existe una sincera preocupación de unos por otros, pero también fluyen, con pasmosa naturalidad, sus miserias y egoísmos. Marie buscando la soledad del hogar, que todos se vayan, para poder ingerir un poco de whisky, y su desahogo con la sirvienta, contándole con pinceladas románticas el enamoramiento de su marido actor, para luego, cuando se queda sola, darse a sí misma una versión de la historia más cruda, resulta algo patético. Y sus oraciones a la Virgen, junto al relato de su incipiente vocación no realizada de ser monja, dan idea de una fe sentimental, poco sólida, que no ha bastado para afrontar los desafíos cotidianos que trae consigo la vida. La Hepburn, que tenía entonces 55 años, se tomó muy en serio su personaje. Da idea de ello lo ocurrido cuando Lumet le propuso comenzar los ensayos de la película en un día determinado. Ella propuso una fecha alternativa, una semana después. Cuando el director le preguntó la razón de esa demora, ella le replicó: “No puedo empezar antes, porque si no, tú sabrías del guión más que yo”.

Adaptación de la obra de teatro de Eugene O'Neill, que incide en el tema de las diferencias sociales de clase. Sigue los pasos de un ingenuo marinero de pelo en pecho, que a modo de moderno Sansón cree que la fuerza le viene del vello que cubre su cuerpo. En una de las escalas de su barco sube a bordo la heredera Mildred, que pronto intima con el segundo ingeniero de a bordo, y aunque toma, nunca mejor dicho, "el pelo", al marinero, le subyuga con sus encantos. Buenos trabajos de William Bendix y Susan Hayward. El film tuvo una nominación al Oscar en el apartado de banda sonora.

Adaptación de la obra teatral “Ah, Wilderness!”, escrita por Eugene O'Neill. Se trata de una de sus clásicas historias de carácter familiar en la que dos hermanos muestran caracteres enfrentados, estando rodeados en su enfrentamiento por otros parientes. Lo más impresionante de todo el film es su reparto, encabezado por Lionel Barrymore y Wallace Beery, y seguido de Spring Byington, Mickey Rooney, Bonita Granville y Aline MacMahon. Aunque quien causa más sensación es Helen Flint, recreando a una mujer fatal en una atrevida composición que superó con habilidad la censura. Dicha obra volvería a ser llevada al cine en 1947 como Summer Holiday, una comedia musical dirigida por Rouben Mamoulian y con Mickey Rooney y Gloria DeHaven de protagonistas.

Melodrama romántico basado en la obra de teatro homónima de Eugene O'Neill, la trama se centra en Nina Leeds (Norma Shearer) una mujer desvastada por la muerte de su novio, Ned Darrell (Clark Gable) en la Primera Guerra Mundial. Ignorando el amor incodicional del novelista Charles Marsden (Ralph Morgan), Nina se embarca en una serie de problemas antes de decidir casarse con un personaje idiota pero amable (Alexander Kirkand).  La obra de O'Neill es una de las obras literarias más revolucionarias en su estilo. La vida de una heroína en busca de un hombre que se parezca al padre que tanto odia. El sufrimiento como modo de vida.  Narración fascinante en que los personajes protagonistas actúan y hablan de una manera, y piensan la mayoría de las veces de una forma distinta. Interesante uso de la voz en off en este film. El significado del título viene dado por el discurso de Nina cerca del final de la película: "Nuestras vidas son intervalos extraños en el mundo de Dios Padre".

Primer film hablado de la Garbo, adapta una obra de Eugene O'Neill. Ella es una joven que se reúne tras muchos años con su padre, un marinero borrachín. La aparición de un hombre complica la relación.