Stephanie Szostak

En esta ocasión, Tony Stark recibe la visita de Maya Hansen, una mujer de su pasado, brillante científica que quiere advertirle del llamado Virus Extremis, que en las manos equivocadas pondrá en apuros al frívolo millonario. Éste ha desarrollado diversas armaduras con las que protegerse, y cuenta con la ayuda de su mejor amigo, el coronel Rhodey, capaz de manejarlas con la misma pericia que él, y de Pepper Potts, su novia. Mientras tanto, un siniestro villano conocido como El Mandarín perpetra terribles atentados. Aunque Jon Favreau, director de las dos primeras entregas de Iron Man, estaba dispuesto a encargase en un primer momento de la tercera, decidió renunciar a la silla teóricamente por disconformidad con la decisión de unir la franquicia con Marvel Los Vengadores. También se dice que pedía demasiado dinero, por lo que decidieron sustituirle. En cualquier caso, Favreau se ha quedado como productor ejecutivo, y como actor secundario retomando el papel del guardaespaldas Happy Hogan. Le pasa el testigo nada menos que a Shane Black, toda una leyenda entre los guionistas del cine de acción, por sus influyentes libretos al servicio del productor Joel Silver, sobre todo la saga de Arma letal. Supone su segundo trabajo como realizador tras Kiss Kiss, Bang Bang, también protagonizada por Robert Downey Jr., que muy posiblemente habrá tenido algo que ver en su fichaje. Fiel a su estilo, Black se limita a enlazar secuencias de acción, con numerosos toques de humor tendente al surrealismo. Ha seguido el sendero trazado por Favreau, lo que significa efectos especiales cuidadísimos a mansalva. Esto propicia –como era de esperar– diversas secuencias de enorme espectacularidad, como un rescate aéreo colectivo, el ataque de las armaduras, el atentado contra la mansión del protagonista, los villanos aparentemente humanos normales que parecen quemarse por dentro, etc. En Iron Man 3 los actores están todos en su papel, pues Robert Downey Jr., Gwyneth Paltrow y Don Cheadle parecen conocerse a sus personajes al dedillo, mientras que aportan aires nuevos los recién llegados Rebecca Hall (la científica), Guy Pearce en un registro de antagonista sin escrúpulos y sobre todo un Ben Kingsley que aporta cierta gracia a su personaje. ¿Se echa de menos algo de fondo en la película? Más allá de la típica advertencia pro buen uso de la tecnología, poco hay detrás de las imágenes de Iron Man 3, por lo que gran parte del público que no busque efectos a mansalva se puede sentir un tanto desplazado. Lo mejor, todas las referencias a la muy superior Marvel Los Vengadores, como el niño seguidor del grupo, y una secuencia de propina también relacionada con aquel film que se hace esperar tras unos títulos de crédito interminables.

El actor Ryan Reynolds debería plantearse no volver a participar en adaptaciones de cómic. Tras el estrepitoso fracaso de Green Lantern (Linterna verde), tampoco ha obtenido los resultados esperados en taquilla con R.I.P.D. Departamento de Policía Mortal, adaptación de la novela gráfica de Peter Lenkov publicada por Dark Horse en 1999. En R.I.P.D. Departamento de Policía Mortal, Reynolds interpreta al detective Nick Walker, un policía asesinado por su compañero, Hayes, por echarse atrás en el último momento en un asunto de corrupción. A las puertas del cielo, Proctor, una curiosa funcionaria, le recomienda no enfrentarse al Juicio Final con ese asunto pendiente, pues le conviene hacer méritos para no ir a parar al Infierno, prestando servicio durante un año en el Departamento de Policía Mortal, donde perseguirá a espíritus fugitivos que tratan de evitar su condena, junto con Roy Pulsifer, un veterano miembro del cuerpo. Pesan mucho los numerosos elementos en común con Men in Black, también una mezcla de fantasía y comedia, con dos agentes de distintas edades que en secreto persiguen por la Tierra a extrañas criaturas. Además, R.I.P.D. Departamento de Policía Mortal incluye 'robos' nada disimulados a Blade Runner (los protagonistas detectan a las criaturas con un absurdo test) y Ghost (tiene cierto peso la relación del protagonista con su esposa viva, a la que trata de proteger de un posible romance con el compañero que ha sido responsable de su muerte). Con este material, poco puede hacer el más que competente realizador alemán Robert Schwentke, que curiosamente consiguió darle una gran frescura a Plan de vuelo: Desaparecida, plagio evidente pero muy ameno de Alarma en el expreso, de Alfred Hitchcock. Al menos, el cineasta consigue darle el ritmo apropiado a la historia, cierta simpatía y un par de golpes de humor acertados. Aprovecha que cuenta con efectos especiales lo suficientemente sofisticados que propician cierta espectacularidad, sobre todo en el tiroteo final. R.I.P.D. Departamento de Policía Mortal cuenta con dignos pero no especialmente memorables trabajos de Ryan Reynolds en el rol del héroe, Stephanie Szostak (Iron Man 3) interpretando a su esposa, Kevin Bacon como el villano y Mary-Louise Parker como la jefa del departamento. En cualquier caso, el único elemento destacable de la función es el trabajo del veterano Jeff Bridges, extraordinario como antiguo sheriff del far west reconvertido en policía de espectros, que a ratos parece una parodia de su magistral trabajo en Valor de ley (True Grit).

Hollywood es a veces bastante injusto. A pesar de ser el responsable de éxitos como Casi famosos o Jerry Maguire, el valioso realizador Cameron Crowe se vio relegado a pasar seis años en dique seco tras el fracaso de Elizabethtown, de 2005. En 2011 ha vuelto al tajo con un par de trabajos en el terreno del documental y Un lugar para soñar, adaptación del libro de Benjamin Mee, que cuenta su experiencia real. A Matt Damon le corresponde interpretar en la pantalla al tal Mee, padre de un hijo adolescente y una niña pequeña, desconsolado tras el prematuro fallecimiento de su esposa. Tras dejar su empleo como reportero, se dispone a buscar una casa nueva para cambiar de aires y superar la tragedia. Encuentra en las afueras de la ciudad una que se ajusta exactamente a lo que esperaba, pero ésta resulta ser parte de un viejo zoológico a cargo de la joven Kelly Foster y su equipo, que llevan un tiempo trabajando sin cobrar. El lugar sólo se vende a aquel que esté dispuesto a hacerse cargo de los animales, pero Mee, pese a las reservas de su hermano y a su inexperiencia en el sector, decide lanzarse a la aventura y tratar de reabrir el lugar al público. Por primera vez, Crowe rueda un film digerible por el público de prácticamente cualquier edad, con un tono casi de película familiar. Él mismo se ha encargado de coescribir el guión adaptado con Aline Brosh McKenna, autora de títulos como El diablo viste de Prada. La trama resulta premeditadamente predecible, y además, el film está rodado con un academicismo ejemplar. A pesar de todo, el realizador, más habituado a contar sus propias experiencias en películas medio autobiográficas, que a encargos como Vanilla Sky y esta cinta, parece hacer suyo el periplo vital de Mee, y aspectos como la relación de éste con sus hijos parecen auténticos, quizás porque Crowe ha incorporado elementos de experiencias propias con sus vástagos. Además, es un film muy positivo sobre la necesidad de recuperar la alegría aún habiendo sufrido un duro golpe, y el valor de la perseverancia y del trabajo bien hecho. Es también un elogio de las personas capaces de asumir un riesgo tremendo en la vida lanzándose a la aventura de tomar las riendas de una empresa de éxito incierto. Una de las señas de identidad del cineasta desde Solteros –el título que le consagró– es su somera descripción de los numerosos personajes que suelen aparecer en sus películas, apoyándose en un buen reparto. En un papel más cercano que Bourne y sus personajes habituales, Matt Damon parece encontrarse muy cómodo, sobre todo en sus secuencias con la adorable niña Maggie Elizabeth Jones, que a pesar de su corta edad ya tiene en su haber títulos como Footloose (2011). Scarlett Johansson cumple como jefa de un equipo tan variopinto como entrañable, formado por tipos como el excéntrico Peter MacReady, utópico diseñador del recinto del zoo, al que sabe dar lustre el veterano Angus Macfadyen (Braveheart). Son también dignos de mención los jóvenes Colin Ford y Elle Fanning, el antagonista de la función, un duro inspector interpretado por John Michael Higgins (Arrested Development), y sobre todo el mordaz pero cálido hermano del protagonista, al que da vida el gran Thomas Haden Church. No falta, como en todo el cine de Crowe, una buena recopilación de apropiados temas musicales para subrayar los momentos decisivos.

Tim (Paul Rudd), prometedor ejecutivo, recibe una invitación para acudir a una peculiar cena. Cada invitado debe llevar consigo a un auténtico idiota, para burlarse de él. Encuentra a Barry (Steve Carell), el candidato aparentemente ideal para que le acompañe al evento. Adaptación americana de la comedia francesa La cena de los idiotas, con el especialista en comedia Steve Carell dando rienda suelta a su histrionismo, en el papel que originalmente interpretaba Jacques Villeret.  

Primera cinta en inglés del insólito cineasta Dagur Kári (Noi, el albino, Voksne mennesker,), nacido en Francia, pero que ha crecido en Islandia, donde ha desarrollado su carrera cinematográfica, a pesar de la escasa producción que proviene de ese país. Sin embargo, esta película tiene el tono y todo el sabor del mejor cine independiente americano, a lo que contribuye el hecho de que Kári haya contado con actores anglosajones de primerísima fila, y que haya rodado en Nueva York. En una habitación de un hospital coinciden Lucas, un bondadoso joven que ha intentado suicidarse, y Jacques, un viejo cascarrabias cuyo corazón le ha fallado, pues sufrió un ataque por su desmedida afición al alcohol y el tabaco. Mientras que Lucas se gana con su cariño a todo el personal del hospital (llegan a hacer una colecta para proporcionarle fondos que le ayuden a salir adelante), Jacques insulta y desprecia a todo el mundo provocando el rechazo. Cuando les dan el alta, Lucas vuelve a su ‘hogar’, que en realidad consiste en una caja bajo el puente de Brooklyn y reparte el dinero entre sus conocidos, unos mendigos. Acude a buscarle Jacques, su compañero de habitación, que ha decidido convertirse en su discípulo. El tono es un tanto grosero –sobre todo en lo relativo al personaje de Jacques–, y la trama y las metáforas en torno a los corazones de los protagonistas, un tanto sencillas y predecibles. Pero cuenta con dos grandes interpretaciones de Paul Dano (Lucas) y Brian Cox (Jacques), que elevan notablemente el nivel del film, hasta el punto de que hacen creíbles unos personajes que sobre el papel podrían parecer exageradísimos e irreales. Si el espectador se identifica en cierta medida con algunos aspectos de ambos, será sobre todo gracias a su trabajo; además, cuando están juntos, destilan una gran química. Además de que The Good Heart es un film muy humano con buen fondo, los diálogos son ingeniosos –incluso algunos premeditadamente chabacanos– y abundan los hallazgos valiosos –el viejo peluquero, los estrambóticos clientes del bar, la azafata con miedo a volar– a medio camino entre el cine ‘indie’ de Tom DiCillo o Hal Hartley y el nórdico de Aki Kaurismäki. Una mezcla curiosa.

El director Bart Freundlich prosigue con su intento de lograr una digna carrera cinematográfica. Algo ha adelantado desde la decepcionante Ellas & Ellos, pero aún le queda mucho camino que recorrer para entregar una comedia romántica como Dios manda. Aquí busca darle la vuelta al convencionalismo romántico del padre solitario que se enamora de la niñera, cuyo máximo exponente es sin duda Sonrisas y lágrimas. Sandy (Catherine Zeta-Jones) es una atractiva cuarentona, amante del deporte y madre de dos hijos, que, tras ser engañada por su marido, decide divorciarse. Para romper lazos con el pasado se muda a Nueva York con sus dos hijos y empieza a buscar trabajo. Encuentra un puesto en una cadena de televisión y alquila un pequeño piso. Precisamente es Aram (Justin Bartha), el joven de 25 años propietario del apartamento, quien se ofrece para ser canguro de los niños. Sandy aprovecha la ocasión y muy pronto Aram demuestra su gran don para tratar a los chavales. Pero lo que no estaba previsto es que Sandy y Aram empiezan a enamorarse pese a la diferencia edad. Mi segunda vez se desarrolla con cierta gracia, pero se ve sin mucho entusiasmo. El problema es el guión, que no acaba de funcionar, de enganchar. Todo resulta un poquito enlatado, muy poco creíble de tan tópico. Apenas hay escenas que sorprendan o resulten inspiradas, pese a que se buscan a veces con retorcimiento, como ésa en que se muestra la terapia femenina de golpear a un hombre para sacar a relucir la ira acumulada por las frustraciones. Hay también un aire cansino de humor grueso que resta inevitablemente el deseado encanto romántico. Lo más destacable es sin lugar a dudas el gran trabajo de Justin Bartha (La búsqueda), un actor convincente y que sabe hacerse enormemente cercano y simpático sin hacerse el gracioso.

Eliza es una madre, ama de casa, al borde de un ataque de nervios. Tiene dos niños de seis y dos años, y un marido que trabaja en una editorial. Vive en el Greenwich Village neoyorquino, un buen barrio, aunque su casa no tiene ascensor. A ella le encanta escribir –tiene un blog–, y cree que una buena oportunidad de desarrollar su talento sería lograr la columna de una publicación que busca alguien fresco, que pueda hablar de su maternidad. Para lograrlo, debe entregar un artículo de 500 palabras, justamente sobre el tema de la maternidad. La oportunidad surge el día en que anda revolucionada con los preparativos del sexto cumpleaños de su hija, lo que se complica con mil incidencias: un rodaje de cine en el barrio, problemas con el coche, el enfado de su mejor amiga, actitudes 'distraídas' del esposo... Simpática película de la que podríamos deducir que la mujer, no es que sea igual al hombre, es que es superior. Al menos eso opina la hijita de la protagonista, que dice a su madre en un momento dado: "papá puede hacer algunas cosas, pero tú puedes hacerlo todo". Y en efecto, en lo que se refiere a la capacidad de criar a los hijos y sacar adelante el hogar, estando atenta a todos los detalles, el film subraya la increíble capacidad y talento de la mujer. Tal planteamiento, que vertebra el film, es de una fémina, Katherine Dieckmann, que dirige y firma el guión. La cineasta afirma que partió de esta idea: "¿Por qué no se hacen comedias buenas sobre la maternidad?". Y de aquí concibió una comedia agridulce que habla de los sacrificios, penas y gratificaciones que conlleva la aventura de ser madre. Resulta una gozada, pero hay momentos de frustración, y sólo cuando se sabe conciliar y convivir con ello, se alcanza la felicidad, parece decir el film. La película está sostenida por Uma Thurman, ella es la gran protagonista. Y hace un magnífico trabajo –de seguro le habrá servido su propia experiencia como madre– donde prescinde del glamour al que nos tiene acostumbrados, sin por ello dejar de estar guapa, ahí están las escenas que comparte con un mensajero de origen indio, que la encuentra tremendamente atractiva. Si algo hay que reprochar a este film, un tanto a contracorriente, es la reiteración de situaciones –los apuros que se acumulan– y cierto complejo tipo 'que no me tachen de conservadora y tal', que conduce por ejemplo a una conversación desinhibida sobre el placer sexual en solitario, que parece fuera de lugar.