Vondie Curtis-Hall

Película basada en la vida de Harriet Tubman (1820-1913), nacida esclava como Araminta Ross, que logra escapar de la plantación de Maryland después de que su amo no le reconozca la libertad a la que legalmente tenía derecho. Establecida en Filadelfia, se propone volver al lugar donde podrían esclavizarla de nuevo, para traer consigo a su esposo; pero inesperadas novedades le harán regresar con un nutrido grupo de esclavos, el inicio de su dedicación a la red conocida como “ferrocarril subterráneo”, que busca liberar al mayor número posible de afroamericanos. Mucho ha llovido desde que la afroamericana Kasi Lemmons escribiera y dirigiera en 1997 una inspirada película sureña con elementos mágicos, Eve's Bayou. Por razones que se me escapan su carrera después tras la cámara ha sido bastante irregular, pero ahora regresa con una historia real inspiradora de “vida ejemplar”, la de una mujer fuerte, con una sólida fe cristiana, que cree en la libertad de las personas, y que luchará con todas sus fuerzas contra la injusticia opresora de hombres blancos que se creen que pueden ser propietarios de seres humanos. La película atrapa por el interés del personaje, pero el guion coescrito con Gregory Allen Howard dista de ser perfecto. El reparto está muy bien, con mención especial para Cynthia Erivo, doblemente nominada al Oscar como actriz principal, y por la canción “Stand Up”. Pero es una lástima que algunos personajes estén algo desdibujados, como la Marie de Janelle Monáe, que acoge a Harriet, o el buscavidas Walter, muy bien encarnado por Henry Hunter Hall. Otros podían haber dado quizá más juego, como el reverendo Green al que interpreta Vondie Curtis-Hall, esposo de la directora. Aunque la narración es irregular, esto no impide que haya pasajes de gran fuerza, como el del paso del río, por el que se entiende que luego sea conocida, en su papel de liberadora de esclavos, como “Moisés”, algo subrayado por un himno religioso que recuerda el paso del mar Rojo, y la voluntad cerril del faraón de no querer conceder la libertad a los israelitas. También están muy bien traídos los momentos en que la protagonista reza a Dios pidiendo ayuda, aunque son algo más artificiales las premoniciones, con fogonazos en blanco y negro, que conectan con el mencionado film Eve's Bayou.

Interesante película basada en hechos reales, escrita, dirigida y producida por Michael Almereyda. Sigue de un modo didáctico nada cargante, con el protagonista a veces dirigiéndose directamente al espectador, los experimentos del psicólogo y sociólogo neoyorquino de origen judío Stanley Milgram. Éste, influido por la muerte de parientes suyos en los campos de exterminio nazis, y por el aspecto banal de Adolf Eichmann durante sus juicios en Israel, condujo a partir de 1961 una serie de pruebas sobre la obediciencia y el comportamiento ante la autoridad de personas corrientes, lo que le llevó a inesperadas conclusiones. Los resultados produjeron gran controversia en la opinión pública y entre los expertos, al sacar a la luz lo fácilmente que una gran mayoría aceptaba, sin cuestionárselo demasiado, órdenes aberrantes, pero también porque los propios experimentos parecía ser éticamente reprobables. El gran mérito de Almereyda es crear emoción y tensión con la trama, planteando cuestiones morales de calado, en torno a la libertad y a la manipulación, y ello con propuestas visuales originales, y mostrando el lado humano del protagonista, incluida su historia de amor y vida familiar, donde brillan Peter Sarsgaard y Winona Ryder. No estamos ante un biopic convencional, pero al mismo tiempo se nos ofrece un cuadro bastante completo de Milgram y su trayectoria científica en Yale, Harvard y Nueva York, que en un mundo de "reality shows" continúa mostrando la vigencia de bastantes de sus investigaciones sobre el comportamiento del individuo y la masa, y las dificultades para rebelarse contra las corrientes dominantes.

A los 9 años, a Matt Murdock –hijo de un atormentado boxeador– le atropella un camión cuando aparta de su trayectoria a un anciano para salvarle la vida. El vehículo transporta un material radioactivo que se derrama en los ojos del chico, dejándole ciego. Años después se ha convertido en un abogado que regresa a su barrio neoyorquino, la Cocina del Infierno, para poner un despacho con su amigo Foggy. En sus ratos libres imparte justicia oculto tras una máscara, pues el accidente le dejó sin vista, pero potenció sus otros sentidos. Drew Godard, discípulo de Joss Whedon como guionista de Buffy, la cazavampiros y Angel, y director y guionista de La cabaña en el bosque, y de J.J. Abrams como libretista en Alias y Perdidos, se emancipa como máximo responsable de esta serie de Netflix. Daredevil supone la primera de las producciones de la plataforma digital que adaptan las peripecias de superhéroes Marvel. No inventa la pólvora, y acusa la sobreexplotación del género. Pero Daredevil se constituye como la mejor serie basada en un personaje Marvel y supera ampliamente el film de 2003 protagonizado por Ben Affleck. Con una fotografía sombría de aire 'retro', toma claramente como modelo la saga de El caballero oscuro, de Christopher Nolan, al imitar sobre todo su tono realista. El punto fuerte reside en las interpretaciones, pues Charlie Cox dota de gran humanidad al personaje, un superhéroe católico practicante, por una vez alejado de los todopoderosos Thor o Capitán América, pues transmite el sufrimiento por el que tiene que pasar para llevar a cabo sus hazañas. También está a la altura Vincent D'Onofrio, como Wilson Fisk, también llamado Kingpin, capo mafioso que controla los negocios sucios. Se puede pasar por alto, que algún actor, como Elden Henson (Foggy) resulte un tanto exagerado.

El estadounidense John Sayles firma esta película pequeña y agradable. Está enmarcada la historia, también escrita por Sayles, en un pueblecito de Alabama en 1950, y la mayoría de los personajes son negros. Tyrone regenta un local donde se interpreta blues, pero el lugar está de capa caída. El panorama podría cambiar con la actuación prevista para el sábado del famoso guitarrista Guitar Sam. Contar con ese personaje ha supuesto para Tyrone mirar de frente a su pasado, cuando él, pianista, tuvo una reyerta precisamente con un guitarrista. Sayles va desenredando poco a poco su madeja argumental, presentando a la mujer de Tyrone, a la que acogió en circunstancias difíciles cuando vino a él con un bebé, ahora ya una mujercita de 17 años; a su socio en el local; a la anciana cantante; a un misterioso guitarrista ciego, personaje tomado del folklore sureño; el joven guitarrista que viene buscando un lugar donde tocar; dos niños que tocan sólo con la imaginación y enmarcan la película; el sheriff con sus actitudes prepotentes y racistas; el tipo que quiere cobrar una deuda… La película se prolonga en exceso, Sayles se toma su tiempo para crear una atmósfera agradable, donde las aristas son conscientemente suavizadas. Hay un humor y sentimientos suavemente esbozados –el sheriff que anhela el pollo que prepara la esposa de Tyrone; las inquietudes espirituales de ésta; la broma del jefe de estación, que cuando le comentan que Armony es un buen nombre para un pueblo con músicos, replica que la única vez que estuvo en la cárcel fue en un pueblo llamado Liberty…–, un agradable optimismo, buena música… El reparto está muy bien conjuntado, y quizá sólo le pesa, valga la paradoja, su excesiva levedad.

Una voz en off afirma “el verano en que maté a mi padre tenía 10 años”: imposible encontrar modo mejor de captar la atención durante el resto de la película. Bayou es una zona pantanosa del estado de Louisiana, metáfora de la historia que cuenta la directora y guionista Kasi Lemmons. Allí viven los Batiste, familia negra acomodada. A lo largo de un verano Eve, la hija pequeña, descubre que su padre, un conocido médico, engaña a su esposa con la mujer de un amigo. Esta súbita revelación le introduce en una espiral de sentimientos algo traumáticos (incredulidad, desprecio, deseo de venganza...), que aceleran su desembarco en la adolescencia. Película intimista y multipremiada, se aleja de films que describen problemas de afroamericanos en grandes urbes, con el crack y la violencia callejera como telón de fondo. Ni siquiera se aborda el racismo. Lemmons evita las estridencias en este emotivo drama sureño sobre la pérdida de la inocencia de una chiquilla. Cuenta para ello con sólidos actores, entre los que destaca Samuel L. Jackson. En los relatos sureños no es infrecuente la presencia de la magia. Eve's Bayou muestra las habilidades como vidente de Mozelle, mujer como tocada por una maldición, a la que se le han muerto 3 maridos (el relato de cómo murió uno, tiene una fuerza narrativa asombrosa). Y en los deseos de castigar a su padre, Eve recurre al vudú. Hay una presencia religiosa a través de estos elementos, tratada de modo original: se adivina la actuación de Dios, más allá de la superstición; y se señala la responsabilidad de las personas en sus actuaciones: las desgracias que uno vive se las suele labrar uno mismo. Así se suaviza el fatalismo del film.

Dave Robicheaux (Alec Baldwin) es un antiguo detective de policía, que tuvo que abandonar su profesión debido a sus graves problemas con el alcohol. Gracias al amor de su mujer, ha conseguido cambiar de vida en la apacible Louisiana. Un día en el que la pareja pasa una agradable jornada en el campo, contemplan cómo se estrella un avión a poca distancia. Ambos corren hacia el lugar del siniestro, y consiguen rescatar a una niña, de la que se hacen cargo. Todo se complica cuando la posterior investigación del FBI trata de ocultar la existencia de un cuerpo, que Dave declaró haber visto. De esta manera, se ve involucrado en una oscura conspiración, lo que despierta en él su instinto de detective. Comienza una investigación por su cuenta, que le llevará a enfrentarse a un traficante de drogas sin escrúpulos. Emocionante thriller que narra el lado oscuro y la redención de un intrépido detective. Mantiene la tensión en todo momento, y contiene los principales elementos del género.

Singular adaptación de la obra de Shakespeare, que traslada su acción a una imaginaria ciudad actual. La psicodélica realización del australiano Baz Luhrmann (El amor está en el aire (1992), Moulin Rouge), su iconografía religiosa, su violencia y su sensualidad quizá resulten un tanto excesivas, pero esto se compensa porque es visualmente fascinante y muy fiel a la letra y al fondo del original, cuyos diálogos se respetan. Tras el éxito de filmes como Vida de este chico, Leonardo DiCaprio comenzaba a convertirse en el actor de moda que, poco a poco, conseguiría desbordantes éxitos en filmes como Titanic. De todos los jóvenes ídolos de adolescentes de los 90, DiCaprio es el mejor actor, como demuestra en este filme, en su papel del paradigma de joven enamorado de Julieta, una enemiga de su familia, aunque en esta ocasión el escenario no es una playa isabelina, sino un futurista marco urbano situado en Verona. Junto a DiCaprio, la actriz Claire Danes realiza un buen papel, así como el prestigioso actor Pete Postlethwaite (En el nombre del padre). El reparto se completa con grandes nombres como Paul Sorvino o John Leguizamo. El propio realizador Baz Luhrman coescribió el guión junto con Craig Pearce, y ambos lograron una excelente sintetización que demuestra un extenso conocimiento de la obra del más célebre de los dramaturgos británicos. La música corrió a cargo de Nellee Hooper.

McCay es un hombre malvado que se ha hecho rico a base de matar y maltratar a las personas. Una de ella fue el granjero Hatcher, que perdió a su esposa y a su hijo a manos de McCay. Pero ahora planea su venganza. Prescindible western moderno, con su dosis de violencia y su guión simplista. Al menos la pareja protagonista está a la altura.

El Dr. Jeffrey Geiger es un cirujano del hospital Chicago Hope, que intenta superar la muerte de su hijo. Éste fue ahogado en la bañera por su esposa, que sufre graves problemas psiquiátricos. Su mejor amigo también trabaja en el hospital, el Dr. Aaron Shutt, esposo de la enfermera Camile Shutt. Juntos intentan sobrellevar el día a día de los pacientes del hospital. Una de las series hospitalarias de mayor éxito en Estados Unidos. Estrenada allí justo antes que Urgencias, compitió con ésta durante mucho tiempo en el horario estelar, por el favor de la audiencia.

Tras haber salvado a los miembros de la empresa donde trabaja su mujer, el detective John McClane (interpretado por Bruce Willis) se dirige al aeropuerto de Washington para realizar lo que él cree que va a ser un rutinario viaje. Sin embargo, un comando terrorista ha tomado por asalto el aeropuerto. Conducidos por un psicópata ex oficial del ejército americano, que piensa que éste le ha traicionado y pretende vengarse de forma sangrienta, el grupo planea interceptar la extradición de un importante traficante de drogas centroamericano, justo cuando llegue a los Estados Unidos para ser juzgado, y liberarle. Una vez más, McClane se queda sólo. Intentará ser ayudado por los policías del lugar, pero estos resultarán ser del otro bando. El reputado especialista en cine de acción Renny Harlin (Máximo Riesgo) dirige con precisión esta amena y espectacular secuela de uno de los mayores éxitos del cine de acción, Jungla de cristal, y consiguió ser aclamado como el sustituto idóneo de John McTiernan, director de la ya mítica primera parte. El guionista Steven E. De Souza, autor de la primera parte, repite en esta secuela, para la que adaptó el argumento del libro 58 minutes de Walter Wager. El filme tiene el sello de estilo inconfundible de su productor, Joel Silver (Arma Letal, El último boy scout). Bruce Willis volvió a anotarse un éxito con su interpretación del policía John McClane, que intenta tomarse en clave de humor su trágico destino.

Tres historias alrededor de Memphis, con el espíritu de Elvis Preley, el Rey, aleteando, el tren como símbolo del discurrir de la existencia, y un destartalado hotel como nexo de unión. En “Lejos de Yokohama” una joven pareja nipona desea recorrer los lugares ligados al mítico Elvis y al nacimiento del rock; en “El Fantasma”, una italiana que ha perdido su avión debe hacer noche en la ciudad, y despegada de su dinero, se aprovechan de ella un tipo que le coloca un montón de revistas, un individuo que le cuenta la vieja leyenda del autoestopista con los rasgos de “El Rey”, y una mujer con la que compartirá habitación; finalmente en “Perdidos en el espacio” tres colgados disparan a un tipo en una de esas tiendas que abren toda la noche, y se refugian en el mentado hotel.Jim Jarmusch entrega el film con su característico tono lánguido, un minimalismo muy reconocible, con rasgos de suave humor y cierto romanticismo. El paisaje y los colores de la fotografía de Robbie Müller evocan la pintura de Edward Hopper. Y hay ingenio en el uso de ciertos elementos -el conserje y el botones del hotel, la música de la radio, el sonido de un disparo...- para situar temporalmente una historia con respecto a otra, los momentos de solapamiento y coincidencia.