Zacarías M. de la Riva

José Miguel Salcedo, conocido como Makey, es un policía municipal que sueña con entrar en acción y formar parte de las más peligrosas operaciones. Su dedicación obsesiva al trabajo le costó su matrimonio y lleva muchos años distanciado de su hija. Tras una metedura de pata monumental, Makey será relevado de su puesto en Carabanchel y entonces decidirá trasladarse a Estepona, con la esperanza de recuperar el cariño de su hija. Simpática comedia española dirigida por Alfonso Sánchez, conocido sobre todo por ser uno de los compadres de las películas El mundo es nuestro y El mundo es suyo, que poco a poco se está labrando una estimable carrera delante y detrás de las cámaras. El director sevillano cuenta aquí para lograr el éxito con la inconmensurable ayuda de Leo Harlem en el papel protagonista, todo un seguro de vida, la verdad. Lo cierto es que es complicado tambalearse con tal pareja de humoristas y el resultado es bastante gracioso y ocurrente, una colección de gags y diálogos despiporrantes –lo del “hijo de Putin” es impagable– al tiempo la trama policiaca se va definiendo con bastante soltura y ritmo. Y se trata de humor para toda la familia, lo que se agradece. La historia, que tiene lugar en Estepona, combina bien el reencuentro familiar con las aventuras de Makey, que se verá implicado en asuntos de la mafia rusa. Lógicamente todo es ligero e irreal, tan tontorrón que no tiene ni entidad de tebeo –genial la huida de la cárcel–, pero qué más da: la cuestión aquí es pasar un rato divertido. No es cuestión de elegir entre los cientos de diálogos o gags concretos pero sí se puede destacar la originalidad de las referencias a clásicos ochenteros de acción, como Jungla de cristal o Arma letal, que harán la delicia de los frikis. Hay además una fenomenal elección de casting, que reúne a gente con una vis cómica fuera de toda duda, como Jordi Sánchez, Sílvia Abril o Mariam Hernández.

Serie de intriga política creada por Frank Ariza, que está detrás de otras ficciones televisivas como Perdóname, Señor o El Continental. Arranca con el intento de asesinato del presidente del gobierno español, Alberto Guzmán, envenenado con cianuro para poder simular un ataque al corazón, el colapso se produce en plena faena sexual con su amante y jefa de prensa Paula Campillo, el día en que cumplía 20 años de matrimonio con Ana Chantal. Estos detalles escabrosos son ocultados a los medios, mientras el entorno del presidente trata de mantener el control de la situación, en que Campillo, encerrada en prisión, sería el perfecto chivo expiatorio, y Ana Chantal debería lanzar un mensaje televisivo que ayude a recuperar la confianza de los inquietos ciudadanos. Aunque se agradece el intento de ofrecer tramas con telón de fondo político, Ariza y cía van de cliché en cliché, ya sea en la rivalidad-complicidad de Paula y Ana Chantal, la hija adolescente de ésta tonteando con el apuesto guardaespaldas, el recibimiento de las internas de la cárcela a la recién llegada Paula, los interrogatorios del CNI, los discursos televisados en que cada palabra está medida. Aunque peor que el cliché es la presentación de situaciones inverosímiles, como el discurso televisado desde Moncloa de la que es calificada como Primera Dama, la paliza que propinan las guardias a Paula, o los manidos pasajes sensuales, Paula obligada a desnudarse en su ingreso en prisión. Los actores, Miryam Gallego, Jesús Castro, Michelle Calvó, por citar algunos, se limitan a ajustarse a sus estereotipados roles luciendo palmito.

El joven soldado Andrew Briggman está encantado de incorporarse a una unidad de élite en la Guerra de Afganistán. Le llena de orgullo servir a su país y la camaradería entre los demás reclutas parece reinar a su llegada a la Base de Operaciones Flintlock. Tendrán los ojos puestos en el sargento Deeks, un hombre curtido en mil batallas que poco a poco irá enderezando a esos adolescentes guerreros y convirtiéndoles en lo que deben ser, soldados de élite que se juegan la vida cada día. El problema es que han de estar dispuestos a matar sin contemplaciones. Coproducción entre España y Estados Unidos que supone el primer trabajo de ficción del documentalista Dan Kraus, que ofrece una dura e interesante muestra de iniciación en el ejército estadounidense inspirada en hechos reales. El guión de Escuadrón de la muerte, escrito por el propio Kraus, presenta a unos personajes creíbles, soldaditos recién alistados, inmaduros, para quienes la guerra parece ser poco más que un juego, una competencia de egos. Pero pronto las cosas tomarán otro cariz, cuando el heroísmo o los grandes ideales por los que supuestamente se encuentran allí se convierten en papel mojado. Más allá de algunos lapsus narrativos, mérito de Kraus es la rápida habilidad con que convierte una película bélica en un potente drama moral. No se trata del remordimiento por los males propios de una cruda situación bélica, sino de la posición que se ha de tomar cuando ésta pasa a ser una excusa para el asesinato. La guerra puede ensuciar las conciencias de modo terrible. Kraus rueda sin artificios y sabe definir con sencillez y con pocos trazos a los personajes, sobre todo a los dos protagonistas, Briggman y el sargento Deeks. Y muestra una convincente evolución entre ellos, sutil y realista, propiciada por sus experiencias, hasta el giro radical en su actitud. Están correctamente interpretados por Nat Wolff y Alexander Skarsgård.

Curro se supone que tiene una estupenda preparación para ser asesor financiero. Pero la vida es compleja, y le toca ser comercial vendiendo robots de cocina. El tipo fantasea pensando que va a colocar muchos aparatos, pero casi todos los coloca en el entorno familiar. Ahora el jefe ha puesto en marcha un programa de incentivos, quien venda mucho avanzará, pero otros pueden verse de patitas en la calle. En tal tesitura, su esposa empieza a estar un poco harta y ronda la sombra de la separación. Por otra parte se acerca el verano, y el imaginativo Curro promete a su hijo Nico de nueve años que si saca todo sobresalientes le pagará el verano de su vida. Contra pronóstico, el chico logra excelentes notas, y el padre se irá sólo con Nico para vivir ese verano inolvidable. Pero como no hay dinero para costearlo, tendrá que convencerle de que no hay vacaciones mejores que las que uno puede pasar en su pueblo. Tras entregar la irregular comedia El pregón, Dani de la Orden repite en este terreno de nuevo con telón de fondo rural, pero con más tino y teniendo a sus órdenes a uno de los mejores cómicos españoles del momento, Leo Harlem. El actor demuestra tener la gracia por arrobas, y con sus largas parrafadas trufadas de chistes y fantasmadas, sostiene una simpática trama familiar vertebrada por el estrechamiento de los lazos entre padre e hijo, en que trata de convencer al peque de que nada hay mejor que "el sol a cántaros" del pueblo, y los amigos que supuestamente puede hacer ahí. Además el film sabe derramar buenos sentimientos cuando en el periplo veraniego se topan con una madre con una niña, que se niega a hablar, y se aprovechan los momentos en que toca socializar con la "jet", con un gurú y con un inversor, para hacer bromas en torno a la banalidad de cuidar las apariencias a toda costa, y en cifrar todo en tener dinero y posición.

Oscura historia de familia, cuyo pasado revive tras la muerte del progenitor. Este deja unas tierras a sus hijos en la Patagonia, y Marcos trata de convencer al hosco Salvador, que vive ahí solo, para vender y renunciar a su cabaña, lo que supondría pingües beneficios para todos, incluida la necesaria atención médica de la hermana con problemas mentales. En un paraje solitario y con las nieves del invierno, al que Marcos ha acudido para enterrar las cenizas de un hermano muerto en accidente, y persuadir a Salvador de la venta, saltan los rencores propiciados por hechos dolorosos difíciles de olvidar. Una década ha tardado el cineasta argentino Martin Hodara en dirigir su segunda película, ahora en solitario tras firmar La señal con el actor Ricardo Darín. Antes había sido ayudante de dirección del prematuramente fallecido Fabián Bielinsky en Nueve reinas y El aura. Como en su debut, el resultado no pasa de discreto, a pesar del esfuerzo de producción en los bellos parajes patagónicos. La trama acumula elementos típicos de historias con familias desestructuradas: ausencia de la madre, no sabemos por qué, padre maltratador y abusivo, rencores fraternales. El tempo narrativo es de una lentitud exasperante, y las “sorpresas” que reservan los hechos ocurridos tiempos atrás se dirían trucos de prestidigitador de un mago tramposo, incluidas casualidades, accidentes, errores y pistas dejadas por ahí, que los personajes descubren porque así lo manda el guión. La estructura narrativa del guión de Hodara y Leonel D'Agostino juega continuamente con los flash-backs, en que se nos entregan retazos sueltos de la cacería en que los cuatro hermanos participan con su padre. El efecto de pasar del presente al pasado en el mismo plano tiene su encanto en ocasiones, aunque no es algo novedoso, lo hemos visto usado con más talento en títulos como la espléndida Lone Star. Las interpretaciones son correctas, dentro de lo que los actores pueden hacer. Quizá destaca Ricardo Darín como hermano hosco, un registro diferente a lo que nos tiene acostumbrados.

Tadeo aún recuerda la fantástica aventura que vivió con Sara tiempo atrás, pero ahora ha vuelto a su vida habitual, con su trabajo como albañil. Sin embargo, su amor por Sara no ha disminuido y tiene planeado demostrárselo con un anillo de compromiso. La oportunidad surge cuando acompaña a Sara a una convención de arqueología en Las Vegas, en donde ella presentará un manuscrito que demuestra la existencia del collar del rey Midas, cuyo poseedor convertía en oro todo lo que tocaba. Las tres piezas del mágico collar fueron desperdigadas por el mundo y Sara conoce las claves para encontrarlas. Cinco años después de Las aventuras de Tadeo Jones, película de animación que marcó un hito en la taquilla española con más de 13 millones de euros de recaudación, llega esta segunda parte con la esperanza de emular el éxito precedente. Desde luego el tiempo de preparación se nota en el resultado logrado por Enrique Gato y compañía. Porque Tadeo Jones 2: El secreto del Rey Midas tiene todas las virtudes de la primera parte y suma además otros aspectos que no brillaron tanto entonces. Mantiene así las señas de identidad del héroe: tan bueno y noble como torpón y poco avispado, quiere ser un nuevo Indiana Jones (ese sombrero ya no es casualidad pues hay mención explícita al personaje de Spielberg) pero sigue trabajando como obrero de la construcción. Sin embargo, a Tadeo le ha caído en suerte enamorar a la chica más alucinante y aventurera que se pueda imaginar, Sara Lavroff, una verdadera estrella de la arqueología al estilo Lara Croft, y gracias a ella será empujado a vivir por casualidad otra alocada aventura. El tono general sigue siendo adecuado para el target infantil al que se dirige, lo cual es seguramente una de las grandes causas de su éxito. La película resultará así especialmente entretenida para los pequeños, pues su desarrollo se sigue con facilidad, es aún más dinámica que la primera parte y nos lleva a varias localizaciones, desde Las Vegas en Estados Unidos, hasta Granada en España o el cálido desierto de Egipto. Los protagonistas serán perseguidos –magnífica la larga secuencia en Granada– y tendrán que sortear diversos peligros provocados por un equipo de avariciosos rivales. De fondo, la historia escrita por Jordi Gasull, Neil Landau y Javier López Barreira, habla a las claras de los peligros de la ambición –se narra y recupera el mito del Rey Midas– y de que el poder más fuerte para combatir el mal y la muerte es el sacrificio por amor. Donde Tadeo Jones 2: El secreto del Rey Midas es claramente superior al film original es en la calidad visual de la animación. Aquí todo está más cuidado, se tienen en cuenta los detalles y la acción no chirría. Es algo que el equipo técnico ya logró con su film anterior, Atrapa la bandera, y que ahora confirma de nuevo. Y como es habitual en la saga otro punto fuerte es su sentido del humor, con muchos gags sencillos pero eficaces que condimentan constantemente la trama. A este respecto el trío de guionistas recupera al alocado personaje de la momia, cuyas estrafalarias apariciones se mantienen en justo equilibrio para no ser demasiado cargantes. También se incluyen divertidos gags protagonizados por el loro Belzoni y el perro Jeff.

Biopic de Keylor Navas (1986), portero de fútbol profesional que se convirtió en el primer costarricense en vestir la camiseta del Real Madrid. La trayectoria del futbolista no fue nada fácil, los obstáculos fueron muchos y muy grandes, pero Keylor Navas, guiado por su fe en Dios, su tesón y su talento, puso los medios para llegar a lo más alto en el mundo del deporte profesional. Y lo consiguió. Keylor Navas: Hombre de fe supone el debut en el largometraje de la directora costarricense Dinga Haines, quien también es autora del guión. Aunque se recoge brevemente su estancia en España –hay hasta cameos de futbolistas como Sergio Ramos, Marcelo, Modric o de Zidane y del presidente del Real Madrid, Florentino Pérez–, la cineasta americana centra especialmente su historia en los primeros años de Keylor, un chaval de familia humilde, que vive en el pequeño villorrio Pérez Zeledón, en una zona selvática de Costa Rica. Sin apenas medios económicos, sin escolaridad, Keylor es hijo de padres separados, pero el amor y la fe en Dios es algo vivo con su madre, sus abuelos y su querido tío. El niño sueña con ser portero de fútbol y recibirá todo el apoyo posible. La película se detiene gran parte del metraje en el itinerario que ha de emprender el Keylor niño (encarnado por José David Coste) y puebla de detalles los obstáculos que tiene que superar: su pequeña estatura, su suplencia en equipos infantiles, la soledad y el aislamiento. Ya en la juventud le asaltarán los momentos de duda, de decepción, la tentación de rendirse y tirarlo todo por la borda. Sin embargo, llama la atención la cantidad de personas que con un consejo, un gesto o con un acto de generosidad hacen posible que Keylor aguante el tipo y vaya superando, una a una, las trabas del camino que le llevó desde el pequeño club de Pedregoso, hasta el Deportivo Saprissa en San José y de ahí a España, para jugar en Albacete, Levante y finalmente en el Real Madrid. Rodada principalmente en localizaciones naturales de Costa Rica, estamos ante una película de superación, donde brillan innumerables virtudes humanas y un gran cariño familiar. Su tono amable la hace apta para niños y jóvenes, aunque también se apuntan los peligros que acechan más cerca de la madurez, cuando los sueños infantiles se presentan como inalcanzables. Pero ahí entra para Keylor la fe en Dios.

Seth es un joven solitario que trabaja en un mugriento almacén de mascotas, en donde los animales se hacinan en jaulas a uno y otro lado. Durante un viaje en autobús coincide con una antigua compañera de instituto, Holly, con la que mantiene una leve conversación. Lo que parece algo sin demasiado interés se convierte para Seth en una obsesión, pues en los días siguientes empezará a acosar a la joven, indagando en su vida, espiándola y provocando nuevos encuentros con ella. Malsano film de terror del barcelonés Carles Torrens, hasta ahora de escasa trayectoria en el largometraje. Llama la atención que se trata de una coproducción con Estados Unidos y que cuenta con un reparto internacional, con protagonismo para el “perdido” Dominic Monaghan, también conocido por su papel de Merry en la saga de El señor de los anillos. Torrens comienza su film de modo convencional pero sin duda inquietante: chico rarito y solitario acosa a joven rubia, dulce y guapa. El director sabe tomarse su tiempo, con un arranque prácticamente sin diálogos y acierta al crear la atmósfera adecuada para presentar a unos personajes misteriosos, ambiguos, de modo que el espectador queda medianamente atrapado en espera de acontecimientos. Pero el guión de Jeremy Slater (4 fantásticos) va reduciendo su veta imaginativa hasta derivar en la mínima expresión de un simple cuento macabro. Entre medias juega con varios giros que sorprenden más o menos, pero que también resultan poco verosímiles, cuando menos efectistas, y además se obvia una trama policial que desaparece como por arte de magia. Al final, lo peor de Animal de compañía es que la historia acaba saliéndose de madre y desembocando en el cine gore, con pasajes insanos y desagradables.

Evolution es lo que comúnmente se suele describir con una sola palabra, “marcianada”. Película críptica e hipnótica, de hermosas imágenes oníricas de dudoso significado, probablemente también para su director Lucile Hadzihalilovic, francés de origen marroquí quien no dirigía un largo desde el lejano 2004, Innocence. La película principia con Nicolás, un chaval de diez años buceando en el océano, y que asegura a una mujer, que suponemos es su madre, que ha visto en el fondo el cadáver de un niño con una estrella de mar. Paulatinamente nos enteramos de que viven en una isla donde viven otros chicos, también varones, de la edad de Nicolás, en compañía cada uno de una mujer, y todas llevan el mismo vestido, una suerte de uniforme pardoverdoso. También hay un hospital donde se realizan extraños experimentos, parece que los niños están embarazados, y las mujeres tienen en sus espaldas unas raras ventosas. ¿Estamos ante un nuevo paso en la evolución, al modo de 2001, una odisea del espacio? ¿Se está desligando la maternidad de la condición femenina, ahora los chicos pueden ser madres, otra variante más en la omnipresente ideología del género? ¿O se trata de una invasión alienígena? Probablemente Hadzihalilovic ni sabe ni le importan las respuestas a estas preguntas. Su film es una especie de “delirium tremens”, como dice en sus notas de presentación “deja mucho a la interpretación, obligando al espectador a involucrarse en su mundo y sus personajes, para hacerlos suyos”; no podemos estar más de acuerdo en la primera frase, pero desde luego ni involucra ni consigue hacer nuestra su hueca propuesta, por muy envuelta de esteticismo vistoso que esté.

Melanie sufrió un trauma cuando de niña fue testigo de la conversión de sus padres en zombis. Años después, la pandemia que causó esta tragedia e hizo estragos entre la población está controlada, por lo que Melanie acude a un parque temático donde adinerados turistas pueden pasear entre muertos vivientes y disparar contra ellos. Se ha sobreexplotado tanto en los últimos años el subgénero zombi que después de transformarlos en hiperveloces (28 dias después), usarlos como metáfora política (La tierra de los muertos vivientes) o convertirlos en objeto de parodia (Zombies Party), ya resulta difícil sorprender a los espectadores con nuevas ideas. Pero este pastiche que viene a ser Parque Jurásico con zombis, pero sin el talento de Steven Spielberg, ni siquiera se esfuerza por introducir algún elemento con un mínimo de frescura. Steve Barker, autor de la poco conocida Avance del más allá, está al frente de esta coproducción hispano-belga-inglesa cuyas pretensiones de crítica social y su intrínseca reflexión sobre la futilidad de la venganza quedan diluidas por un guión bastante mediocre y previsible. El británico Dougray Scott se esfuerza por dar algo de lustre a un reparto de segunda fila, que por otro lado lo tenía bastante difícil para sacar adelante a unos personajes tópicos.

Ciencia ficción futurista, la acción transcurre en el año 2044, cuando la Tierra se ha convertido en un planeta insalubre, donde la población se ha visto diezmada, viéndose obligada a hacinarse en ciudades con mucha mugre, donde les prestan una importante ayuda los autómatas que fabrica ROC, una potente empresa cibernética. Para ellos trabaja Jacq Vaucan, agente de seguros especializado en detectar fraudes sobre supuestos daños infligidos por los robots. La noticia de que uno de los autómatas ha violado un protocolo de fabricación le lleva a una exhaustiva investigación, en el momento en que está a punto de convertirse en padre por primera vez. Autómata es una ambiciosa cinta apocalíptica con robots, que siguen unas leyes semejantes a las propuestas por Isaac Asimov en sus novelas de ciencia ficción, y que con su diseño visual de futuro sucio y su desencantado protagonista quiere evocar, y las comparaciones son odiosas, a Blade Runner. En la producción está Antonio Banderas, actor principal, a través de su compañía Green Moon, y dirige el experto en efectos visuales Gabe Ibáñez, que debutó en la dirección de largos en 2009 con Hierro. El papel de Melanie Griffith es pequeño, su personaje no tiene excesiva entidad. No es la primera vez que el cine español se atreve a contar una historia de robots, Kike Maíllo sorprendió muy agradablemente con Eva en 2011. En el apartado técnico los logros pueden ser incluso superiores a este título, pero en cuanto a narración, sólo cabe decir que Ibáñez y sus guionistas se estrellan, los tintes oscuros resultan algo insulsos –las conspiraciones corporativas, los matones de turno–, o de una pretenciosidad excesiva –las consideraciones evolutivas suenan a filosofía barata–, y como la producción tiene empaque, la decepción es mayor. Lástima, aunque se agradece el intento.

Estrella trabaja como limpiadora en el cementerio con su mejor amiga, Trini, a la que invita a compartir su piso con su niño para evitar a su marido maltratador. La decisión no agrada demasiado a Salva, el novio de Estrella, que sólo piensa en su trabajo como promotor inmobiliario. Debut en el largometraje de Alberto Aranda, que firma el guión de La estrella (2013) junto a Belén Carmona. Su película es bienintencionada, pero de escasa garra. Quiere abordar muchos temas, y alertar al espectador acerca de una sociedad que se está dejando algo en el camino de sus supuestos avances: violencia doméstica, la deshumanización de la vida en la ciudad, el afán exacerbado de bienestar material con la búsqueda del éxito a cualquier precio, la inmigración, el racismo, la libertad de culto... Pero ya lo dice el refrán, “quien mucho abarca, poco aprieta”. Los hilos narrativos de La estrella (2013) están poco desarrollados, y apenas vamos más allá de la epidermis de los personajes, no nos metemos en sus almas, especialmente en los varones, simples espectros, incluido el contrapunto “buenista” al que da vida Fele Martínez. Al final todo es un cúmulo de situaciones y escenas no demasiado bien trenzadas, un poquito de flamenco por ahí, un “redecora tu casa” por allá, donde lo más destacable es el esfuerzo actoral de Ingrid Rubio y Carmen Machi, que acaba resultando insuficiente para salvar los muebles.

Procedente del mundo de los videojuegos, el pucelano Enrique Gato ganó en 2006 el Goya al mejor corto de animación, así como numerosos premios internacionales, con Tadeo Jones, seguido de Tadeo Jones y el sótano maldito, que obtuvo otro galardón de la Academia Española. El personaje venía a ser una parodia de Indiana Jones, muy influida por los comics de "Superlópez", la versión cómica de Superman creada por Jan, autor que finalmente acabó dibujando la versión en viñetas de Tadeo Jones en dos álbumes. Ahora, Gato se lanza a la aventura de debutar en el largo con Las aventuras de Tadeo Jones, una producción de animación digital concebida para tener difusión internacional. En Las aventuras de Tadeo Jones, el protagonista pierde su modesto trabajo como obrero de la construcción pues anda más concentrado en sus aspiraciones de convertirse en un gran arqueólogo. La oportunidad le llega cuando por una serie de circunstancias acaba sustituyendo a un amigo en un viaje a Perú para llevarle una antigua tabla inca a un profesor que trata de descubrir los restos de una legendaria ciudad perdida. Con ayuda de la hija de éste, un loro mudo, un perro y Freddy, un vendedor de baratijas, Tadeo se ve inmerso en la búsqueda de este lugar, pero tendrá que tener cuidado con los matones de una corporación de cazadores de tesoros. Se nota que cuenta con un presupuesto restringido en comparación con las superproducciones de Pixar y DreamWorks, sobre todo en la animación de los personajes, muy pobre comparada con la media de las producciones actuales. Por contra, están bastante cuidados los fondos, sobre todo las localizaciones naturales de Machu Picchu. Aunque como pasaba en su precedente más inmediato, la también española Planet 51, a los personajes les falta encanto, se salvan en esta ocasión una momia cuyos movimientos se inspiran en el capitán Jack Sparrow, y el loro, que se expresa a través de carteles. Las aventuras de Tadeo Jones funcionará entre el público infantil. Sin embargo, el guión, de diálogos poco inspirados, no pasa de homenaje pobre a los filmes de Steven Spielberg, con secuencias de acción muy propias del universo de En busca del arca perdida, pero que recuerdan a los peores títulos de las consolas, sin una mínima entidad propia o capacidad de sorpresa. El género paródico en teoría debería compensar esta falta de originalidad con risas, pero éstas no se logran en ningún momento. Podría haber seguido la estela del citado historietista Jan, que le sacaba mucho jugo a la hispanización de los tópicos de sus modelos americanos, pero quizás pensando en la distribución internacional no hay nada típicamente español, lo que podría haber dado de sí. Siguiendo la estela de los americanos, se ha contratado a alguna estrella como doblador, aunque no se entiende muy bien que el humorista José Mota doble con acento de España a Freddy, un personaje que debería hablar con entonación en peruano. El arranque, lo mejor del film, que presenta a Tadeo Jones de niño, promete un mínimo fondo reflexivo en torno a la lucha por hacer realidad los sueños, aunque todo esto finalmente se diluye en el desarrollo. Queda algún pequeño mensaje de medio pelo sobre temas como las consecuencias de la mentira, pero se introduce de forma demasiado rutinaria.

Ana acaba de morir en un accidente de tráfico. Pero sigue junto a su novio Fran en forma de fantasma, en el apartamento al que acababan de mudarse... donde había otro fantasma que responde al nombre de Claudio. A pesar de estar muerta Ana se resiste a que Fran pase página y salga con otras chicas. Adaptación de una obra teatral de Javier Daulte, esta comedia fantasmal no funciona, porque en todo momento somos conscientes de estar sumergidos en una trama artificial, donde las “reglas fantasmales” no están bien definidas. A ratos vemos a los fantasmas, a ratos no. De uno vemos su cuerpo como si fuera normal, de otro una especie de forma transparente. Hay muchos fantasmas, pero parece que Ana y Claudio vivieran en una burbuja. Aparte de estas incoherencias, que lastran terriblemente la narración, lo cierto es que la historia amorosa no interesa, ni progresa adecuadamente, si se nos permite usar esta expresión del mundo educativo. El recurso al mundo de la magia, la pesada madre de Fran, el vecino consumidor de hierba y aficionado a los fantasmas, nada de estos elementos acaba de interesar mínimamente. De modo que la falta de chispa –el ritmo de “screwball” que prometía el arranque desaparece en unos pocos instantes–, y un reparto no demasiado carismático, impiden que la película despegue en algún momento. Apenas alguna sonrisa –en la sesión de espiritismo– arranca esta película fallida de Roberto Santiago, responsable de comedias como El penalti más largo del mundo.

Barcelona, 1966. Una cría de gorila blanco va incorporarse como animal estelar en el zoo de Barcelona, tras pasar unos días con una familia, la niña Paula y sus padres. Una vez en compañía de sus iguales gorilas, Copito de Nieve encuentra cierta hostilidad por el color de su pelaje, sobre todo por parte de un gorila adulto. Con la complicidad de otros animales tratará de recabar la ayuda de la Bruja del Norte, que seguramente puede dar a su pelo el color negro deseado. Pero en el camino deben enfrentarse con el malvado Luc de Sac, un gafe nato que para conjurar su mala suerte necesita como amuleto el corazón de un gorila blanco. Ambiciosa película familiar española, producida por Julio Fernández, a quien se deben Pérez, el ratoncito de tus sueños y secuela, filmes cortados por el mismo patrón –de hecho Andrés G. Schaer, director de la cinta, firmó el segundo–, también porque combinan actores reales y animación con ordenador. Aunque la trama es algo elemental, y en algunas escenas la simbiosis de personajes de carne y hueso con los animados no está del todo lograda, se trata de un producto amable y correcto, con algunos gags al estilo “cartoon” de Solo en casa, y moralejas sencillas como la de no discriminar a los demás por su aspecto y aprender a ser uno mismo. También, ya de paso, sirve para promocionar la ciudad de Barcelona, mostrando su zoo y el Parque Güell de Gaudí.

Laura y Daniel conforman una pareja aparentemente feliz, cuya vida va a verse alterada por la acogida temporal de una niña, Julia, cuyo padre, amigo de la infancia de Daniel, acaba de suicidarse. Antes de tomar la decisión fatal de quitarse la vida, el suicida, que hacía tiempo que no veía a Daniel, acudió a él visiblemente alterado pidiendo ayuda. Los hechos que le atormentaban están relacionados también con Daniel y un suceso traumático de su común pasado infantil; por ello Daniel no muestra el mismo entusiasmo que Laura con la llegada de Julia a su casa. Dictado es una adaptación de un relato de Sergio Bebel a cargo de Antonio Chavarrías, guionista, director y productor, que en 2006 entregó el thriller existencial algo pretencioso Las vidas de Celia. Funciona mucho mejor, y es más asequible para el gran público, este intrigante film con formato de “cuento asombroso” tipo Spielberg o relato a lo Alfred Hitchcock presenta. El cineasta alterna bien presente y pasado, y juega de modo inteligente con la psicología de Daniel -los secretos que esconde, y tal vez una posible locura- y la ambigüedad de Julia, de la que no acabamos de estar seguros de si es una pobre niñita que ha sufrido mucho, o una “monstruita”, por así decir, en la tradición de niños maléficos como los de La profecía o El buen hijo. En cualquier caso logra efectos notables manejando la idea de la crueldad infantil, y los actores entregan esforzadas interpretaciones, donde el mayor mérito pertenece a Juan Diego Botto, que tiene en sus manos el personaje más complejo.

El español Julio Fernández prosigue en su empeño por ofrecer productos de terror con cierto empaque a través de su productora Filmax, opción que ya le ha dado algunos éxitos de renombre internacional, como REC. Aquí ha contado con con el director Manuel Carballo (El último justo) para narrar una historia terrorífica en torno a una posesión diabólica. Aunque tiene cierto aire de telefilm, para asegurar el impacto mediático la película está rodada en inglés y con un reparto en su totalidad extranjero. Emma es una adolescente inglesa de 15 años que vive los pequeños traumas y rebeldías propios de su edad. Sin embargo, sus reacciones empiezan a ser demasiado desproporcionadas, hasta el punto de que sus padres y su hermano pequeño se  inquietan notablemente. Puede ser que las malas compañías y los “juegos” irresponsables tengan algo que ver... Un sacerdote, hermano de la madre de Emma y tío por tanto de la joven, se interesa por ella y piensa que puede tratarse de una posesión diabólica. Sin embargo, sus padres son no creyentes y se muestran reacios a que el cura comience un exorcismo con su hija. La situación en este punto es además algo delicada, puesto que el cura fue sancionado por sus superiores en el pasado por motivo de otra posesión. No obstante, la situación de Emma se agrava y hay que tomar una decisión. La película no inventa nada, porque claramente se inspira (quizá demasiado)  en el film más emblemático del género, El exorcista: joven que juega a la ouija, sacerdote con ciertas limitaciones, padres no creyentes, etc. Esto es bueno porque así asegura un guión medianamente serio, con interés, aunque la trama avanza un poquito dubitativa y algunas reacciones son poco verosímiles. Pero sobre todo porque huye de invenciones fantasiosas y en general la presencia del diablo no se toma a broma. Esto no es óbice, claro, para incluir un desenlace algo forzado, cuando no decididamente fallido, pues tiene más de thriller que de drama y coloca al sacerdote en situación poco honrosa. Por lo demás, hay un comedido uso de los efectos especiales, que son poco llamativos aunque muy correctos, seguramente por limitaciones de presupuesto. Y las imágenes más impresionables (algunas muy impactantes, como la de las cucarachas en el baño) son quizá por eso acompañadas con frecuencia de un efectista uso del sonido y de la planificación, con cierto abuso de primeros planos y cámara nerviosa. En el reparto destaca sin duda la protagonista, Sophie Vavasseur, a quien vimos hace años en Evelyn, que compone un personaje doliente muy trabajado.

María es una joven trabajadora de Faunia, parque zoológico de Madrid. Es soltera y madre de Mateo, un chavalín de unos cuatro cinco años, a quien adora. Madre e hijo planean realizar un viaje de vacaciones a la inhóspita isla de El Hierro. Sin embargo, durante el viaje en ferry, el pequeño Mateo desaparece. No aparece por el barco y al término del viaje la policía es incapaz de dar con el paradero del niño. La joven regresará a Madrid en un estado de shock, desgarrada de dolor. A los pocos días la policía solicita de nuevo su presencia en isla, pues han encontrado un cadáver y la madre ha de reconocerlo... Debut en el largometraje del madrileño Gabe Ibáñez, que había trabajado anteriormente como técnico de efectos visuales en películas como El corazón del guerrero o Perdita Durango. Esta faceta se nota en Hierro, pues lo más destacado de este film es su fotografía sombría y su ambientación inquietante, a ratos onírica. La isla de El Hierro, perteneciente al archipiélago de las Islas Canarias, se convierte en personaje principal, de aire amenazante, y el director sabe sacarle partido a las extensas tierras volcánicas, negras y desérticas, a la presencia del sempiterno viento, a los raros lugareños... Toda esa desolación viene a ser una metáfora del estado lamentable de la protagonista, interpretada por una Elena Anaya desmejorada, triste. Pero lo malo de Hierro es que aporta poco más que este apañado envoltorio externo, entre el thriller y el terror, apenas sostenido por un guión simplón y poco atractivo.

Bruno estudia en una escuela de cine donde descubre un peculiar aparato llamado tanatógrafo. Su utilidad es la de captar la imagen que se produce en el ojo humano justo cuando muere una persona. Inicialmente Bruno no tiene ni idea de la virulencia que encierra el objeto que ha descubierto, aunque poco a poco se verá envuelto en una macabra práctica que ponen en marcha quienes intentan recuperarlo ya estén vivos o muertos. Lo mejor de la película sin duda alguna es la ambientación. El gigantesco caserón que hace las veces de escuela de cine a lo Hogwarts –pero con un gran aire tétrico–, es un escenario perfecto para rodar una película de terror. Y la iluminación se complementa perfectamente con este escenario lúgubre y tenebroso. Dicho esto, toca hacer mención al sinsentido argumental de la historia. Hacer una película de terror sin pretensiones no implica pasar absolutamente de la historia que se quiere contar. Desgraciadamente, esto sucede a veces e Imago Mortis está dentro de esta categoría. Todo ocurre porque sí, por mucho que se intenten meter con calzador unas explicaciones a todas luces insuficientes y arbitrarias. Se dice que las películas no tienen porqué ser realistas, pero sí creíbles. La credibilidad es lo que hace que el espectador se meta en una historia. Y aquí está fuera, por lo que es imposible sentir miedo. Todo lo que acontece suena a tomadura de pelo, como, por ejemplo, el irrisorio e incomprensible discurso final de Astolfi que supuestamente es la guinda de un pastel totalmente edulcorado. Y es que por mucho que Imago Mortis sigua algunas recetas actuales como los giros de guión finales a modo “¡ta chán!”, y cuente con un plantel de bellos y modernos jóvenes actores –desentona Alberto Amarilla, que está todo el metraje al borde del ataque de una manera exageradísima–, al espectador hay que darle algo más que una sucesión de imágenes inconexas y caprichosas.

Marco, un treintañero español parapléjico, trafica con unos aparatos robados que transporta en un coche, en la frontera de Brasil con Paraguay. Cuando le roban la mercancía dos forajidos, Carmo, una despampanante brasileña que se ha encontrado por el camino, se ofrece a ayudarle a recuperar su cargamento. Carmo es una prostituta sin escrúpulos por la que Marco se sentirá fuertemente atraído. Debut en el largometraje de Murilo Pasta, nacido en Brasil, pero de ascendencia italiana, que hasta ahora había desarrollado su carrera profesional en la publicidad y en series televisivas. Murilo Pasta imita el estilo visual de Fernando Meirelles en Ciudad de Dios, y en menor medida el de otros realizadores brasileños, como Walter Salles, en Diarios de motocicleta. Y no cabe duda de que tiene cierto talento para la composición de imágenes, además de que aprovecha que cuenta con una cuidada fotografía de localizaciones espectaculares. Sin embargo, ahí se acaban todos sus méritos. Su historia no pasa de ser una road movie mediocre, que se limita a lanzar homenajes poco inspirados a grandes títulos del género como Corazón salvaje o Bonnie and Clyde. Además de la ligereza de la trama, y de que sus excesos violentos se antojan innecesarios, cuenta con un reparto que no resulta creíble, especialmente el español Fele Martínez, en una interpretación exagerada. Por su parte, la brasileña Mariana Loureiro se limita a exhibir sus encantos físicos, pero su personaje está bastante desdibujado. El cineasta intenta en vano sacar una sonrisa al espectador con algunos momentos un poco surrealistas, y con unos rótulos que presentan al personaje con una frase que destaque un rasgo absurdo de su vida. Tampoco consigue hacer creíbles las secuencias de acción, para las que carece de presupuesto. Remata la faena un montaje demasiado rústico.

1937. En plena guerra civil española, Madrid está asediada por el ejército nacional. Justo Álvarez Calderón divulga sus ideales anarquistas y anima a las tropas republicanas desde una emisora de radio. Intenta que su mujer, Paloma, se lleve a su hija a Francia, porque intuye que la contienda va a acabar mal para su bando. Pero Paloma prefiere permanecer a su lado... Coproducción germano-hispano-francesa que retoma el manido tema guerracivilista, aunque esta vez desde la perspectiva de directores extranjeros. Esto ha ocurrido en pocos casos, aunque ha habido algún film, como Tierra y libertad, de Ken Loach o Por quién doblan las campanas, de Sam Wood. Esta nueva visión de la contienda está codirigida por el alemán Peter Sehr y la francesa Marie Noëlle, también autora del guión, que contiene muchos elementos autobiográficos. La madre de Nöelle no conoció a su progenitor –un republicano español exiliado tras la contienda– hasta que tuvo 16 años y se reunió con él en Francia, anécdota que le ha servido como punto de partida para una historia inspirada en sucesos reales, pero con personajes inventados. La autora ha debido idealizar desde niña la historia de su familia, lo que explica que su visión de la época sea un tanto irreal. Es sobre todo este film la visión de una extranjera que ve el conflicto desde fuera, lo que tiene un lado negativo –falta de verosimilitud en su Madrid asediado– pero también uno bastante positivo: su visión tiene algo menos de prejuicios que la del resto de directores que abordan últimamente el tema. Parte de una visión idílica de los ideales anarquistas, y parece apoyar su lucha contra el bando nacional, pero al menos reconoce que los republicanos eran capaces de cometer barbaridades. Introduce una secuencia –impensable en el actual cine español– en la que un maligno combatiente (lo presenta como un caso aislado, eso sí) del bando republicano, asesina sin piedad a una buena mujer de los nacionales. Aunque tiene cierto interés, el film no acaba de estar bien resuelto. En demasiadas ocasiones, los directores pecan de efectistas, como en la previsible secuencia de una niña durante un bombardeo, y otras veces a sus imágenes les falta fuerza –como en la preparación de un atentado contra Franco–. Los actores son de primera, y aunque se esfuerzan, no siempre son capaces de hacer que ‘cuelen’ unos diálogos un tanto forzados.

El productor Julio Fernández continúa estrenando películas de género, de aspecto visual más o menos correcto, que puedan tener tirón en todo el mundo. Esta vez, ha coproducido con México este thriller, con el que se apunta al carro de los best-sellers que mezclan conspiraciones ancestrales con elementos religiosos, ingredientes de varios libros de gran éxito recientes sobre masones, templarios, y tal. Teo, un reportero gráfico que acaba de cubrir un conflicto, pasa una noche con Victoria, de la que está enamorado, aunque no se atreve a dar el paso de formalizar la relación. De repente, irrumpen en la casa dos tipos, uno que pretende asesinar a Teo, y otro que intenta salvarle. En la refriega que se produce muere Victoria, alcanzada por un disparo. Perseguido por más individuos extraños, Teo debe ponerse a salvo. Con ayuda de Miryam, una desconocida, descubrirá que sus perseguidores forman parte de una secta milenaria. El debutante Manuel Carballo no logra ocultar que su guión es efectista y vacío. Ni un actor tan solvente como Federico Luppi es capaz de pronunciar con naturalidad los artificiosos diálogos. Tampoco se salva Antonio Dechent, un actor casi siempre efectivo, pues su personaje está tan poco explicado que hacia el final de la trama los guionistas han tenido que ponerle a recitar un monólogo en el que cuenta que es un policía honrado que viene de España y acabó en México, lo que también sirve para explicar por qué no tiene acento mexicano como la mayoría de actores. El desarrollo es premioso, las secuencias de acción tal y como están contadas parecen irreales, y abunda en despropósitos, como cuando al protagonista le disparan en la esquina de al lado de donde está el policía interpretado por Antonio Dechent, y éste al parecer no escucha nada, porque no interviene. En resumen, otra oportunidad perdida para el cine español de alumbrar un thriller decente. Y van muchas.

Tomás, maduro y exitoso escritor, ha pasado cuarenta años fuera de España, desde que dejó su pueblo natal siendo un niño. Tras morir su mujer, recibe en su domicilio `el enamorado´, una de las cartas del tarot. Hubo una persona en el pasado que le mandaba naipes similares, cuando todavía vivía en España, pero esa persona, una misteriosa mujer de la que se enamoró siendo un niño, murió hace cuarenta años. Tomás decide regresar a su pueblo para averiguar la verdad. El protagonista de El Bola encabeza el reparto del episodio de Películas para no dormir dirigido por Mateo Gil, artífice de Nadie conoce a nadie. Más que terror, el cineasta se decanta por el camino del suspense, con elementos románticos.

La jovencísima Eva presencia la muerte de su madre, degollada por una fantasmagórica monja que huye volando y atravesando las paredes. Lógicamente, la policía no cree ni una palabra. Hija única, Eva tiene que arreglárselas sola para investigar los hechos. Descubre que alguien está asesinando a las compañeras del internado donde su madre pasó su infancia. De pequeñas, éstas acabaron asesinando a una monja malvada que las maltrataba. Debut como director de Luis de la Madrid, que ha trabajado en Filmax y su filial especializada en terror, Fantastic Factory, como montador, en títulos como Los sin nombre, Darkness y El maquinista. Basada en una idea del director estrella de la casa, Jaume Balagueró (Frágiles), y llena de guiños a clásicos del terror, lo mejor son los lujosos efectos especiales, que propician sobrecogedoras apariciones del fantasma de la religiosa a la que alude el título.

Hace cuarenta años, en las cercanías de una pequeña localidad del norte de España llamada Desbaria, se creo un lago artificial que sepultó a su vez un pequeño pueblo llamado Marienbad. Desde entonces algunos siniestros acontecimientos, como asesinatos y desapariciones, tienen atemorizados a la población de Desbaria, pues algo maligno provenía de aquel lugar. El director filipino Brian Yuzna (El dentista) se pone de trás de las cámaras para filmar esta película basada en una novela de Matthew Costello. se trata de una coproducción entre estados Unidos y españa, através de Fantastic Factory, de Filmax. La intriga es pasable y el resultado discreto, aunque incluye algunos momentos de tensión logrados. Entre el reparto destacan algunos rostros españoles.

La época de la Reconquista. El joven Rodrigo Díaz de Vivar, hijo de un noble burgalés, recibe educación en la corte, donde se hace íntimo amigo de Sancho, el primogénito del rey. También visita de forma furtiva a su amada, Gimena, hija del Conde de Gormaz, que no ve con buenos ojos la relación. Tras la muerte del rey Fernando, Sancho es asesinado, el infante Alfonso es coronado y Rodrigo Díaz de Vivar enviado al exilio. Alejado de su hogar, Rodrigo recibe la inesperada ayuda del príncipe Al-Mutamin, y al mando de unos pocos hombres se enfrenta al temible árabe Ben Yussuff, empeñado en recuperar para los árabes toda la Península. Aunque España fue el primer país europeo en producir un largometraje de dibujos animados, Garbancito de la Mancha, durante muchos años este género apenas se producía en el interior de nuestras fronteras, a pesar del prestigio de nuestros animadores. Ahora, parece que vuelve a resurgir la animación, con títulos como Los reyes magos, coproducido con Francia, y esta producción enteramente española, capaz de competir con las carísimas cintas de Hollywood. Versiona libremente los hechos históricos, y como su mismo título indica, se basa más en la leyenda que en el personaje real, además de las numerosas licencias artísticas que se ha tomado el debutante realizador y guionista José Pozo. Como es habitual en el género animado, sobre todo en las cintas de Disney, le cede gran parte del protagonismo a dos animales, Babieca, el célebre caballo del Cid, y un tejón, que son los que aportan los toques de humor. El estilo de la animación intenta ser muy original, con personajes de cuerpos y extremidades voluminosos y cabezas pequeñas.