Clémence Poésy

Segunda entrega de la serie que National Geographic dedica a grandes genios de la historia en distintas disciplinas, en esta ocasión el pintor malagueño Pablo Picasso toma el relevo al científico Albert Einstein. De nuevo su creador Ken Biller da continuos saltos temporales adelante y atrás para mostrar al artista en su infancia en Málaga, su entorno familiar y sus primeros pasos con el lápiz y el pincel, mientras que ya bien avanzados en el tiempo le veremos en París, atrapado por las circunstancias históricas, que le impelen a acometer obras tan importantes como el Guernica, inspirada en los bombardeos de esa pequeña población durante la guerra civil española. El visionado de los dos primeros episocios permite señalar que se nota que Biller no cuenta en esta ocasión con un esqueleto tan bueno y capaz de vertebrar el relato como el que le proporcionó Walter Isaacson en el caso de Einstein, con su completa biografía. Quizá haya habido también una buena fase de documentación histórica, pero de hecho abundan los clichés, como las corridas de toros, las experiencias en el burdel, las incomprensiones de unos y otros, los tratantes de arte y posibles compradores, o el referirse continuamente a Franco como “ese cerdo fascista”. El esfuerzo de producción no evita una mirada algo simplista, que genera pocas emociones genuinas, ni siquiera cuando asoma la muerte por enfermedad o suicidio. Eso sí, visualmente se juega con mediana eficacia en alguna ocasión a la comparación fugaz entre un encuadre, algo que Picasso ha visto en la vida real, y el cuadro que ha surgido de eso. Tanto Antonio Banderas –que siempre confesado su anhelo de interpretar a su paisano pintor– como el resto de los actores, se esfuerzan, pero no pueden evitar que el conjunto resulte demasiado academicista, toda una paradoja en una narración donde continua –y caprichosamente, por qué no decirlo– se nos lleva a un año y una localización diferente.

Quinto trabajo como realizador del más conocido como prolífico intérprete Stanley Tucci, que llevaba una década sin retomar esta faceta, desde Blind Date, de 2007. También se ha ocupado del guión, basado en un libro del crítico de arte James Lord, donde éste contaba su experiencia en París en 1964, tras entrevistar al pintor y escultor suizo Alberto Giacometti. De forma inesperada, éste le pide que pose para un cuadro, labor que en teoría le va a llevar ‘unas pocas horas’. Sin embargo, el trabajo se alargará más de lo esperado. Al tiempo que se reconstruye la elaboración de uno de los retratos más famosos del autor, parece que se ha pretendido retratar a Giacometti, con unas pocas pinceladas, pero muy reveladoras de su carácter estrafalario y complejo. Se centra sobre todo en su relación cómplice con su hermano Diego, la poca consideración hacia su mujer, Annette, y su tórrido romance con Caroline, una prostituta mucho más joven. La fotografía de interiores de Danny Cohen (La habitación) recuerda a la pintura del homenajeado por sus tonos grises, y la planificación ayuda a que el film no resulte monótono, pese a que transcurre casi en su totalidad en el estudio del personaje. Quizás resulte demasiado fría, y se vuelve un tanto repetitiva por momentos. Podía haber profundizado más en los personajes. Pero su reflexión sobre la amistad, la decadencia, la excentricidad y la creación artística engancha, sobre todo por el buen trabajo de los actores. La función está al servicio de Geoffrey Rush, muy caracterizado, que compone una eficaz recreación de Giacometti, a ratos un tanto exagerado, pero sabiendo sacarle un lado humano pese a sus rarezas; y además demuestra su generosidad pues a su lado gana su principal compañero de reparto, el un tanto inexpresivo Armie Hammer. Ambos están arropados por buenos secundarios, Tony Shalhoub (Diego), Sylvie Testud (Annette), y Clémence Poésy (Caroline).

Samuel, mujeriego incorregible, recibe la visita de una antigua amante, que antes de poner pies en polvorosa le endosa a Gloria, la hija de ambos cuya existencia él desconocía. Viajará con urgencia a Londres para intentar encontrarla, pero al no conseguirlo iniciará allí una nueva vida, trabajando como especialista de cine, para sacar adelante a la niña… Mientras Hollywood revisa el film que le lanzó a la fama, Intocable, Omar Sy rueda a su vez otro remake, de otra comedia dramática, que al igual que la entrañable historia del tetrapléjico millonario y su cuidador, también obtuvo un éxito sin precedentes en su país de origen, en este caso México. Se trata de No se aceptan devoluciones, escrita, dirigida y protagonizada por Eugenio Derbez, con más entusiasmo que oficio, pero que a pesar de quedarse en un refrito de Kramer contra Kramer, con elementos de La vida es bella, lograba resultar conmovedora por la sinceridad en su retrato del amor paternal. Dirige y coescribe Hugo Gélin, cuyo mayor mérito ha sido ejercer como guionista de La jaula dorada, sobre la emigración portuguesa. Pasa el material original por el filtro de la corrección política gala, lo que significa que la niña nace de una relación interracial, mientras que se ha eliminado la relación homosexual de la madre sin escrúpulos, para crear un gay que milita en el bando de los ‘buenos’, pues se convierte en el mejor amigo del protagonista. En el viejo continente nada puede resultar polémico. Quizás innecesaria para quienes conozcan su origen, a decir verdad tiene un mejor acabado, por lo que tanto sus gags como su giro dramático funcionan con la precisión de un mecanismo de relojería. El actor principal exagera pero logra meterse al público en el bolsillo, demostrando que será una estrella durante mucho tiempo, y está bien secundado por la niña, la debutante en el largometraje Gloria Colston.

Kate y Justin están expectantes ante el nacimiento de su hijo. Cuando otro matrimonio se muda al piso que hay debajo de ellos, Kate se sorprende al comprobar que la mujer espera también un hijo y que, sobre todo, se siente totalmente despreocupada ante ese hecho, justo al revés que Kate. Pero ese aire alegre puede ser sólo superficial. Y es que la sorpresa ante sus vecinos poco a poco irá dando paso a la inquietud e incluso a temores obsesivos. Thriller bien llevado, en donde el guionista David Farr (Hanna), que debuta en la dirección de largometrajes, dosifica los datos convenientemente y va creando una atmósfera desasosegante. Protagoniza con intensidad Clémence Poésy.

Matthew Morgan es un anciano profesor de filosofía afincando en París, viudo, que echa terriblemente de menos a su esposa Joan, fallecida por un cáncer tres años atrás. No parece tener ninguna razón para seguir viviendo, hasta que conoce casualmente en el autobús a Pauline, una joven profesora de baile, que le recuerda mucho a Joan. Ella es una especie de enigma para Matthew, en el sentido de que parece haber despertado algo en él que estaba muerto. Pero tras esa especie de breve "primavera" intenta suicidarse, lo que provoca la llegada a París de los dos hijos adultos y casados de Matthew, Miles y Karen. Decepcionante cinta de la directora de la muy estimable Deliciosa Martha. Sandra Nettelbeck insiste en abordar temas como la muerte y el dolor por la ausencia de los seres queridos, junto al esfuerzo por recomponer una vida rota, pero lo hace con una trama plúmbea, que se alarga excesiva e injustificadamente, con muchas vueltas y revueltas para tratar de definir los sentimientos de los personajes. El tono que al principio apunta a la comedia romántica amable, luego quiere ser de inesperado drama sobre las relaciones padres-hijos y ciertas decisiones de difícil justificación ética, que no conviene desvelar en estas líneas: y el conjunto no acaba de casar. Contar con el grandísimo Michael Caine no es suficiente para apuntalar el film, su dolor, amor y decisiones, y las relaciones con Pauline y con Miles, que conforman la arquitectura de la narración, presentan demasiados agujeros que resulta imposible disimular. El conjunto de la película acaba reducido a un "quiero y no puedo". Resulta curioso tener que decir que el personaje más creíble es el que menos aparece, la pragmática hija Karen compuesta por Gillian Anderson.

Tras la muerte de Dumbledore, y la caída de la ‘careta’ de Severus Snapes, las cosas están más oscuras que nunca, tanto en el mundo de los magos como en el de los muggles. La vida de Harry Potter corre serio peligro, y sus amigos están dispuestos a arriesgar las suyas para ponerle a salvo, pues saben que él es la única opción para derrotar a Valdemort. Con la ayuda de Hermione y Ron tratará de dar con los horrocruxes, pedazos del pasado de tan poderoso enemigo, cuya destrucción resulta vital. Serán herramientas poderosas en tan desigual combate las que Dumbledore ha legado a los tres amigos en su testamento. Séptima entrega de la saga Harry Potter en cine, y primera parte de la última novela de J.K. Rowling “Harry Potter y las reliquias de la muerte”, pues se ha tomado la decisión de extraer de ella dos películas. A estas alturas resulta evidente que la adaptación al cine tiene a una legión de incondicionales que irán a verla, los fans de los libros, pues con unos actores ya conocidos y una trama de la que es celosa guardián la propia Rowling, muy mal deberían pintar las cosas para que se produjera una deserción de estos espectadores. Y es claro que básicamente el film cumple, hay una cuidada producción y elementos para entretener y atrapar el interés, gracias a un libreto del guionista habitual Steve Kloves. En el haber del film está una atmósfera que sigue creciendo en oscuridad, con la escuela Hogwarts dejada en el baúl de los recuerdos y los protagonistas puestos seriamente a prueba. De modo especial Ron, con su complejo de inferioridad y sus celos –le gusta Hermione, pero cree que ella le desprecia a favor de Harry–, que le invitan a dejar a sus amigos en la estacada. Y hay pasajes logrados, como a añagaza de un conjuro que nos muestra a múltiples Harry Potter, para proteger al auténtico. Sin embargo, continúan los síntomas de agotamiento en la saga, que ya se detectaban en Harry Potter y el misterio del príncipe. El director David Yates da la impresión de ser un director ‘a las órdenes de lo que digan los jefes’, y no resulta muy imaginativo en el uso de la parafernalia de efectos digitales –véase la enésima persecución fílmica en autopista en sentido contrario, sin nada vibrante que aportar–, además de empantanarse en los pasajes en que los personajes se encuentran como perdidos, como si él mismo se hubiera contagiado de dicha desorientación. De modo que aburre. Tampoco ayudan los personajes fugaces, con los que resulta difícil empatizar, de modo que ciertas muertes no producen el deseado efecto dramático; concretamente una casi se nos comunica de pasada, de modo que a la mayoría del público le importará sencillamente un bledo. Curiosamente, si Ron adolece de complejo de inferioridad, los impulsores de este film parecen estar aquejados del complejo de película no-adulta. Así parece explicarse la introducción de una imagen amorosa, fantasía y tentación provocada por los celos de Ron, suavizada y transfigurada eso sí, para evitar protestas de los que no la vean demasiado adecuada para la saga.

El cineasta parisino Denys Granier-Deferre es todo un veterano que lleva tres décadas rodando, sobre todo producciones televisivas, que por regla general se han visto sólo en Francia. En esta ocasión adapta una novela de Blandine Le Callet, que describe una boda de clase alta. Los contrayentes son Bérengère y Vincent, jóvenes burgueses, que invitan a sus respectivas familias a un banquete por todo lo alto, en un lujoso caserón campestre. Pero la ceremonia religiosa acaba apresuradamente, después de que el sacerdote se quede conmocionado tras reconocer a alguien de su pasado. Durante el banquete, el novio recibe un anónimo que acusa a su novia de serle infiel. Granier-Deferre filma una comedia dramática con fuerte contenido costumbrista, aunque predomina un tono ácido y sarcástico. Algunas críticas a la doble moral y al cinismo son bastante acertadas, pero otras resultan sencillamente crueles, en especial las relativas a una niña con síndrome de Down –por cierto bastante simpática– que la familia pretende ocultar. Además, deriva en un folletín con giros efectistas, y resulta difícil empatizar con personajes poco atractivos. Del reparto coral, formado por actores franceses de prestigio, destaca la legendaria Danièlle Darrieux, que sigue siendo tan expresiva como cuando rodó títulos como Madame de... o El placer. 

Aron Ralston es un joven al que le gustan los deportes de riesgo. Sin decir a nadie donde iba, se ha liado la manta a la cabeza y ha partido a John Blue Canyon, en Utah, un paraje rocoso increíble e inmenso, poco frecuentado. Allí disfruta de lo lindo hasta que un mal paso le hace caer por una sima, con tan escasa fortuna que su brazo queda atrapado por una roca que se diría imposible de mover. Aron pasará solo las 127 horas del título luchando por sobrevivir, y haciendo un particular examen de conciencia de lo que han dado de sí sus 25 años. El británico Danny Boyle repite con el guionista Simon Beaufoy, con quien hizo la oscarizada Slumdog Millionaire, ambos adaptan un libro del propio Aron Ralston donde cuenta su increíble peripecia. Y entrega una historia de supervivencia donde es clave el amor recordado de los seres queridos, con un sugerido sentido de la providencia al fondo, tema ya presente Slumdog..., y desde luego en Millones. Si la expresión 'luchar a brazo partido' no existiera, se diría que nació de los hechos narrados, tal es el empeño que Aron pone en salvar su vida. Aunque el metraje es escaso, apenas hora y media, el principal desafío al que se enfrenta Boyle es mantener el interés en una monosituación dentro de una grieta, esquema parecido al del título de ficción Buried (Enterrado). Ciertamente resulta algo reiterativo, y puede llegar a cansar, pero el director muestra carácter con la cámara y sus encuadres, el uso de la cámara de vídeo que lleva Aron, las escenas oníricas, casi alucinaciones, la visión de gusano desde el fondo del abismo, que permite atisbar el cielo. También la partitura musical de otro miembro del equipo Slumdog..., A.R. Rahman, ayuda. Resulta meritoria la interpretación de James Franco, que soporta todo el peso actoral de la película, los demás que aparecen son simples comparsas. Especialmente dura resulta la escena climática de la película, abordada de un modo hiperrealista no apto para todos los estómagos.

Los jóvenes protagonistas de este drama juvenil siguen enamorándose, odiándose y viviendo una vida a todo tren envidiada por muchos. Arranca la cuarta temporada a caballo entre París y Nueva York. Ellas gastándose todo el dinero que pueden en zapatos de Louboutin y modelitos de Carolina Herrera. Ellos volviendo de un verano saltando de cama en cama o apareciendo después de estar a punto de perder la vida. Lo bueno para quien salió finalmente del peliagudo trance, para Chuck, es que regresa con una nueva chica agarrada al brazo... El trance de Nate será diferente, debe afrontar su posible paternidad. Y cómo, las cuitas amorosas de Serena y Blair estarán omnipresentes. La primera duda a la hora de elegir entre Dan y Nate, la segunda se replanteará su relación con Chuck. Las maledicencias, los malentendidos, las manipulaciones y los engaños no tardarán en hacer acto de presencia en las relaciones de estos chicos tan guapos y divinos. La Reina Cotilla va a tener carnaza que ofrecer en su blog. Empezar la temporada en una ciudad como París es toda una declaración de intenciones. La capital francesa es la ciudad del amor y el reino de la moda. Vamos, a pelo para que en unos cuantos capítulos Serena y Blair estén en su salsa. Pero el cambio de ubicación no evita que estemos ante un más de lo mismo de anteriores temporadas, ante unas vidas de lujo y glamour, de poses de maniquí, en las que no cabe ya un mínimo de originalidad. El sabor se conoce, no es dulce tampoco, y más bien se huele la tostada. Además de igual. Si se trata de enredar el culebrón, de meter por aquí una violación, la venta de una gran corporación, unos cuantos amoríos de ida y vuelta, no pasa nada, los guionistas son conscientes (al menos todavía) que los bellos rostros y los curvilíneos cuerpos de sus protagonistas lo aguantan todo. Ellos son estrellas y su luz no se apaga entre los millones de seguidores en todo el orbe. Es verdad que han traído rostros nuevos al circo, como el de la guapísima Katie Cassidy, y hay cameos aparentemente bien calzados como el de Ivanka Trump, hija del archimillonario Donald, pero incluso esta aparición esporádica, por la propia imagen que transmite la susodicha, es contraproducente y tiene la consecuencia de querer apagar un fuego con gasolina. Y es que los diálogos de los protagonistas suenan a repetidos, por no decir cargados de superficialidad, y la expresión de los sentimientos en cada uno de ellos a estas alturas no se la cree nadie. Es lo que tiene estirar la vanidad por capítulos, el chicle (rosa) se rompe, la credibilidad es igual a cero. Salvemos de la quema a Reina Cotilla, por su rango regio y su afilada lengua cuando narra lo que escribe en su blog. A ella le perdonamos los chismes porque para eso está. Y quizá también porque se mantiene anónima.

Jamie Morgan (Jim Sturgess) es un fotógrafo londinense que tiene unas marcas de nacimiento en su cara descubrirá que hay demonios en las calles del este de Londres. No es la mejor película de Philip Ridley, pero un buen papel de Jim Sturgess junto con la intriga que genera el film, salvando en algunos momentos los fallos de la trama, dejan ver este thriller.  

El inglés de padres irlandeses Martin McDonagh escribe y dirige esta singularísima película, que supone también un más que correcto debut cinematográfico. McDonagh demuestra sobre todo un gran dominio a la hora de concebir escenas y perfilar a los personajes, no en vano es un dramaturgo de prestigio –galardonado dos veces con el premio Olivier y cuatro veces nominado al Tony–, cuyas obras han sido estrenadas en más de 40 países. Dos asesinos a sueldo van a pasar unos días a la ciudad de Brujas tras realizar su último trabajo. La idea es que esperen allí la llamada de su jefe. Mientras que Ray (Colin Farrell) se siente absolutamente fuera de lugar y no puede evitar los remordimientos terribles provocados por su último ‘trabajito’, su compañero Ken (Brendan Gleeson) está encantado con el arte y la belleza de la célebre ciudad medieval. Y así pasan los días: Ray entablará amistad con una bella chica llamada Chloë y Ken sentirá que ese ambiente cultural serena su mente y su alma. El tono de la película un poquito desconcertante, para bien y para mal. Y es que, si los protagonistas se encuentran fuera de lugar en Brujas –un continuo leitmotiv del guión–, el espectador puede sentirse igualmente perdido al no saber si tomarse en serio o en broma la historia, pues McDonagh busca un casi imposible equilibrio entre comedia y thriller. Hay momentos hilarantes logrados, pero éstos siempre surgen de situaciones nada cómicas, sino más bien patéticas, excesivas, que definen perfectamente el carácter perdedor de los personajes. El resultado es algo así como una tragicomedia negra que remite en parte al cine de Quentin Tarantino o Guy Ritchie, aunque sin su disparatado surrealismo. Aquí es todo mucho más sosegado, y también más gris y tristón. Y McDonagh rueda con un estilo mucho más clásico y contemplativo, recreándose en la fabulosa fotografía de Eigil Bryld y en las bellísimas localizaciones de Brujas, un lugar que parece verdaderamente parado en el tiempo. Este aire reposado de la espera, y el estado taciturno que despiden los personajes a lo largo de los días, crea situaciones improbables a priori, como la de que dos asesinos se pregunten por el más allá, por el bien y el mal, por Dios y por el castigo de sus pecados. Y sobre todo que lo hagan en serio, sin el sarcasmo que aportaría un Tarantino, por seguir con el ejemplo. En el aspecto artístico destaca mucho Colin Farell, cada vez más alejado de los papeles de chulito que le han dado fama. Su personaje sufriente recuerda tremendamente al de Cassandra's Dream, pues también aquí tiene serios problemas de conciencia debido a sus actos pasados. Y hay que hacer mención a la extraordinaria música de Carter Burwell, que es de lo mejorcito que se puede escuchar hoy en día.

Miniserie de cuatro capítulos que se centra en la historia de cinco familias rusas en la era napoleónica. Basada en la aclamada novela de Leon Tolstoy, esta coproducción francesa, polaca, italiana, alemana y rusa está dirigida por Robert Dornhelm y Brendan Donnison, y cuenta con un buen elenco de reputados actores donde destaca Malcolm McDowell (La naranja mecánica).