Kelsey Grammer

Arqueólogos descubren una momia en perfecto estado que corresponde a un emperador del año 200 antes de Cristo. Ignoran que se desatará una terrible maldición. Pese al esfuerzo de los actores, resulta complicado tomarse demasiado en serio este refrito de las peripecias de Indiana Jones, que cuenta con un guión poco inspirado.

Tras coger aire con Dolor y dinero, un proyecto más personal que no acabó de funcionar, el incombustible Michael Bay retoma el puesto de director en la cuarta entrega de la popular franquicia basada en los juguetes de Hasbro. En Transformers: La era de la extinción también repite el guionista, nuevamente en solitario Ehren Kruger, responsable de las dos entregas anteriores, pero cambia por completo el reparto, tras la renuncia de Shia LaBeouf. Transformers: La era de la extinción tiene como protagonista a Cade Yeager, inventor viudo, que a pesar de sus problemas económicos intenta sacar adelante a Tessa, su hija adolescente, enamorada de un joven conductor que al padre no le acaba de convencer. Al intentar sacar dinero trapicheando con chatarra, Yeager comprará casualmente un viejo camión destartalado que resultará ser el robot alienígena Optimus Prime, al que nadie ha visto tras la destrucción provocada cinco años atrás en la batalla de Chicago. Tanto él como el resto de autobots permanen escondidos, pues ya no son vistos con buenos ojos por el gobierno, que trata de desarrollar sus propios ingenios mecánicos para proteger a la humanidad. En el arranque, logra cierta conexión con el público, con una prometedora presentación de los personajes nuevos. Cae especialmente bien una pequeña autocrítica, en un diálogo que reivindica el cine clásico frente a agotadores blockbusters veraniegos con poca entidad dramática como el caso que nos ocupa. En Transformers: La era de la extinción se apuntan pequeñas pero positivas reflexiones sobre la unidad familiar, y la importancia vital de la ética en las innovaciones tecnológicas. Aparte, se aprecian los esfuerzos del reparto, sobre todo en el caso de Mark Wahlberg, convincente y divertido en el rol de padre asustado ante el escaso tamaño de los shorts de su hija (la atractiva Nicola Peltz). También cumple Stanley Tucci, como egocéntrico gurú de la tecnología que parece homenajear a Steve Jobs. Por estas razones, los incondicionales de la saga disculparán la poca consistencia de la trama de Transformers: La era de la extinción. Algunos pasajes resultan confusos, irrelevantes, reiterativos, o meras excusas para mostrar efectos digitales y novedades como los robots que se transforman en dinosaurios cibernéticos. Las batallas se alargan hasta la extenuación, dando lugar a un metraje de 165 minutos a todas luces excesivo. El tramo final resulta interminable, pues consta de 40 minutos en China concebidos para atraer al público del país asiático, al que se ofrece como gancho alguna estrella local y hasta un transformer samurái.

Tercera entrega de la saga de Los mercenarios, sin trampa ni cartón, da lo que se espera de ella, mucha acción adrenalítica, actores del género entrados en años –los habituales y nuevos fichajes–, sangre fresca –actores jovencillos, como la debutante luchadora, muy popular en Estados Unidos, Ronda Rousey– y autoparódico sentido del humor. La fórmula inventada por Sylvester Stallone vuelve a funcionar, esto resulta innegable. Y en tal sentido, la trama es casi lo de menos, un esqueleto con la mínima consistencia requerida: Barney Ross está a punto de perder a uno de sus hombres en una misión donde descubre que su eterno enemigo Stonebanks, con el que fundó el grupo de los "Expendables" sigue vivo y más villano que nunca; ve que él mismo y sus chicos ya están mayores, así que para cazar a Stonebanks recluta a un equipillo de jóvenes, menos brutos que sus antecesores y que saben algo de informática; pero claro, al final tendrá que tirar de los "viejos carrozas". La película es entretenida, y tienen gracia algunas de las nuevas incorporaciones, sobre todo Harrison Ford, Mel Gibson, Wesley Snipes y Antonio Banderas, que han tenido margen en algún caso para la disparatada improvisación. La idea de Galgo "Banderas" como un pesado que nunca deja de hablar, pese a cierto histrionismo, da pie a algunos de los momentos más divertidos de la función, donde la complicidad con el espectador permite reírse sanamente de sí mismos a los actores, "Hemos pasado un buen rato", dice Stallone a Ford en cierto momento de la película, frase que presenta inequívocamente un doble sentido sobre el espíritu que guía a estas películas.

Tras la discreta acogida por parte del público de la excelente Historia de un crimen, sobre la relación de Truman Capote con los asesinos que le inspiraron para escribir "A sangre fría", Douglas McGrath cambia por completo de registro, y dirige una comedia romántica sin muchas pretensiones. Parte de un guión de Aline Brosh McKenna, que basándose en su propia experiencia personal escribió El diablo viste de Prada. En esta ocasión, McKenna adapta el libro de Allison Pearson que se editó en España como "La vida frenética de Kate". Casada y con dos hijos y también prolífica guionista, y aunque parte de un libro ajeno, se intuye que McKenna ha puesto también en esta ocasión mucho de sí misma en el libreto. Kate Reddy, ejecutiva de éxito de una importante empresa de gestión financiera, se ve obligada a hacer auténticos malabarismos para atender a su marido, arquitecto, y a sus hijos, a los que casi no puede ver por sus constantes viajes. Su situación se vuelve más complicada cuando tiene que ocuparse de un nuevo proyecto profesional junto con Jack Abelhammer, un tipo tan refinado como atractivo. Como pasa mucho tiempo con Jack, entre ellos surge cierta atracción, por mucho que Kate ni se plantea la infidelidad... Se puede argumentar en contra de esta cinta que todo es convencional, y excesivamente rutinario y previsible, y que el conflicto apenas despierta tensión dramática. Además, los personajes son claros clichés, y todo parece montado como vehículo de lucimiento facilón en torno a Sarah Jessica Parker, que viene a interpretar a una prolongación de su Carrie Bradshaw de Sexo en Nueva York con la variante de que se ha convertido en madre. McGrath, cuyo mayor logro es que ha sido uno de los pocos guionistas con los que ha colaborado Woody Allen, en concreto en Balas sobre Broadway, aspira también a retratar a neoyorquinos típicos con una puesta en escena que quiere recordar lejanamente a la de las películas del genial realizador y actor. No llega ni mucho menos a la altura, pero aunque se aparta del cine de su modelo en el tono, se agradece que sea extremadamente positivo en sus reflexiones sobre la conciliación entre trabajo y vida laboral. El film es poca cosa, pero contiene un sentido alegato a favor de la maternidad. Además, Sarah Jessica Parker es un actriz solvente, con gracia para la comedia y está rodeada de actores eficaces, como Pierce Brosnan (Abelhammer), Greg Kinear (el marido), la actriz de Mad Men Christina Hendricks (compañera de trabajo y amiga) y el inolvidable actor de Cheers y Frasier Kelsey Grammer (el gran jefazo).

A Tom Kane, alcalde de Chicago, le han diagnosticado una enfermedad degenerativa que le afecta paulatinamente al cerebro. El político, que en su actuación utiliza métodos casi mafiosos, oculta el hecho no sólo a la opinión pública sino incluso a las personas más cercanas, su equipo, su esposa y su hija -adicta a las drogas y sacerdotisa en una iglesia-. En su día a día su proridad es su carrera, que pasa por colocar a su candidato a gobernador de Illinois, torpedeando al actual, a quien teóricamente apoya. Intensa serie creada por Farhad Safinia, guionista de Apocalypto, que muestra los trapos sucios de la política, corrupción, ambición e infidelidad, para ver satisfechas las cuotas de poder y egoístas aspiraciones personales, nada de servir al ciudadano y demás "zarandajas". El primer episodio lo firma Gus Van Sant, que curiosamente pintó en Mi nombre es Harvey Milk otra carrera política, la de Harvey Milk en San Francisco, esta real y con un punto de vista muy distinto. La idea es contar una historia algo "padrinesca", donde se combina la lucha política casi gangsteril, poco que envidiar a los tiempos de Al Capone, con el drama personal.

Son ya clásicas aquellas imágenes de los estudiantes bailando sobre los taxis de Fama (1980), un excelente film de Alan Parker, que obtuvo dos Oscar (mejor música original y canción). Su éxito propició una serie televisiva que marcó a toda una generación en algunos países, como España –donde tuvo una repercusión mayor que en Estados Unidos–, un musical de Broadway representado a nivel internacional, y un reality show para jóvenes talentos que también ha conectado con el público. Este film no es exactamente un remake. Se mantiene el esquema del original, pues sigue el periplo de varios jóvenes alumnos de una escuela de danza, teatro y música. Pero los personajes son completamente nuevos. La única conexión con su predecesora cinematográfica y la serie es que repite la actriz Debbie Allen, que fue Lydia Grant, aquella profesora que repetía las famosas palabras “buscáis la fama, pero la fama cuesta”. Ahora ha sido ascendida, pues interpreta a la directora de la escuela, aunque su personaje se llama de otra forma, y aparece muy brevemente. Entre los nuevos protagonistas destacan Neil, un chico que quiere ser director de cine, pero necesita el apoyo paterno para que le pague un corto, Kevin, un aspirante a bailarín, y sobre todo Denise, privilegiada pianista y cantante, cuyo rígido padre quiere que se dedique únicamente a la música clásica, y no está dispuesto a ceder. Los personajes son un poco más tópicos que los antiguos, y el desarrollo predecible. Y las jóvenes promesas que protagonizan la cinta no tienen ni la mitad del carisma que sus predecesores. El debutante en el largo de ficción Kevin Tancharoen, con mucha experiencia televisiva, se muestra como un cineasta solvente, pero no logra ni de lejos la intensidad dramática del magistral Alan Parker. Pero tiene a su favor que las coreografías son eficaces, y en algunos momentos notables. Las canciones son pegadizas, y su tono amable propiciará que guste a todo tipo de públicos. Por muy diluido que esté, se mantiene el mensaje que advierte de que los sueños están bien, es positivo luchar para desarrollar el talento de cada uno, pero hay que estar preparado porque la realidad a veces es dura de aceptar.

Bud Johnson es un pobre tipo, cuarentón y divorciado, al que acaban de despedir de su empleo en una fábrica. Vive en una casa cochambrosa, en un pequeño pueblo de Nuevo México, llamado Texico, que ni siquiera aparece en los mapas. Bud es un buen tipo, pero no es muy lumbreras, se emborracha con frecuencia y no se toma nada en serio. Toda su vida sería un completo desastre si no fuera por Molly, su hija de 12 años, una niña buena, inteligente y precozmente responsable. El día de las elecciones Molly convence a su padre para que vaya a votar, pero por cosas del destino éste no lo hace y Molly decide hacerlo en su lugar. Sin embargo, un apagón estropea el sistema y su voto no queda contabilizado. El problema llega cuando los dos candidatos a presidente empatan en el estado de Nuevo México, y es entonces cuando el resultado final dependerá del voto de Bud, pues éste habrá de votar de nuevo por error electoral. El próximo presidente de los Estados Unidos depende de él. El director Joshua Michael Stern entrega una simpática y previsible comedia, medianamente entretenida, llena de buenos sentimientos, amor y sensiblería, y cuyo rebuscado planteamiento no esconde ni un ápice de su servidumbre a una sacralizada democracia estadounidense. El film responde a la máxima política “un hombre, un voto” y apuntala didácticamente –y quizá también durante demasiado metraje– la consigna de ejercer con responsabilidad las obligaciones cívicas. La idea inicial tiene su gracia, pero en general falta algo de magia para elevar la calidad y el interés del conjunto, tanto que al final puede resultar demasiado convencional y pasteloso. Hay momentos divertidos, sobre todo en lo referente a las estrategias que llevan a cabo los partidos republicano y demócrata para granjearse el voto del protagonista. Y se agradece cierta clase en los guionistas, que retratan a los dos candidatos presidenciales por igual, como seres normales, con defectos y virtudes, con dudas y con principios, lejos de estúpidos clichés maniqueos. También es interesante constatar cómo los temas clave de la política son siempre temas morales. El reparto reúne a grandes actores, pero es justo destacar a un Kevin Costner que da bien el pego como perdedor. Y también merece especial mención la jovencita Madeline Carroll, que encarna espléndidamente a Molly.

En esta ocasión, Warren Worthington II, heredero de un imperio financiero, descubre que su hijo, Warren Worthington III, oculta un temible secreto. Resulta que el chico desarrolla unas alas similares a las de los ángeles. Pasa el tiempo, y los laboratorios farmacéuticos que pertenecen a los Worthington logran encontrar un remedio para eliminar las mutaciones genéticas. Una simple inyección convierte a un mutante en un hombre normal. El temible Magneto desconfía de las supuestas buenas intenciones de los inventores del remedio. Convencido de que los mutantes deben enfrentarse a la humanidad, Magneto piensa que es una ofensa que traten de despojar a los suyos de sus habilidades excepcionales. Por esta razón, Magneto reúne a un ejército para destruir a los inventores de la inyección, aunque topa con la oposición de los X-Men, los pupilos de Xavier, que sueñan con la convivencia pacífica entre hombres y mutantes. Al mismo tiempo, los X-Men investigan la extraña reaparición de Jean Grey, una de sus más veteranas componentes, que supuestamente murió ahogada para salvar a sus compañeros. Tercera entrega de las aventuras del profesor Xavier y sus alumnos mutantes. Brett Ratner toma el relevo, después de que el director de las anteriores, Bryan Singer, abandonara el proyecto con el fin de dirigir Superman Returns, otra película de superhéroes muy distinta. Aunque se toma muchas libertades con respecto al cómic original, Ratner realiza una digna secuela, con espectaculares enfrentamientos entre ambos bandos de mutantes, como la que transcurre en un puente, aquellas en las que Jean Grey demuestra su poder telekinético o el ataque del temible Juggernaut. Tanta acción aparece convenientemente aderezada por temas de cierto calado, que ya aparecían en las anteriores entregas de la saga, como son la discriminación, los prejuicios sociales y la falta de ética en las innovaciones científicas. El desenlace parece dar a entender que se trata del colofón final a la saga de los mutantes, aunque es necesario ver la película hasta después de los títulos de crédito, para descubrir una sorpresa final.

Interesante producción de Danny DeVito de aires trágicos, ambientada en el mundo del juego, cuyo mayor gancho es sin duda el espectacular reparto, plagado de rostros conocidos. La película sigue a varios personajes. Carolyn Carver (Kim Basinger) es una escritora con una seria adicción al juego, que lógicamente acaba conduciéndola hacia el desastre. La ruptura con su familia, amigos y demás gente querida es algo que parece inevitable. Lo único que Carolyn podrá hacer en su lamentable situación será pedir ayuda, pero ¿a quién? y ¿a qué precio? Quizá podría echar una mano Walter, un mago con mucha labia. Por otro lado Clyde está entrampado en el mundo de las apuestas, por lo que pide a su hermano, prometedor base de baloncesto, que los resultados de los partidos de su equipo se acomoden a las necesidades que le imponen unos matones. Mark Rydell, el director de En el estanque dorado, logra un film interesante, que habla de sueños y ambiciones, y de los riesgos y precios que pagamos por hacerlos realidad. Con buena mano artesana dibuja los conflictos de los numerosos personajes, y sus diferentes destinos. Tal vez quiere abarcar demasiado, pues hay espacio para un toque cínico, pero también para el amor, el sacrificio y el arreglo de las desavenencias conyugales.

Adaptación del famoso cuento navideño de Dickens, en esta ocasión en la versión musical con partitura de Alan Menken –bien conocido por sus aportaciones a los filmes animados de Disney–, y libreto de Lynn Ahrens y Mike Ockrent. El avaro Scrooge tendrá ocasión de reconsiderar su trayectoria vital cuando recibe la visita de los fantasmas de las navidades pasadas, presentes y futuras. Destaca entre las canciones la voz de Jennifer Love Hewitt en el tema "A Place Called Home".

Curioa peli de aire surrealista, donde un actor en paro acepta llevar una misteriosa maleta a un pueblo en medio de ninguna parte. La tarea no va a ser nada fácil, pues cowboys y aliens se cruzan en su camino.

Al inspector de homicidios Eddie Fleming (Robert De Niro) le encanta salir en los medios de comunicación. Un asesinato relacionado con un incendio le obliga a colaborar con Jordy Warsaw (Edward Burns), un bombero al que no le gusta nada el circo mediático. Aunque surgen ciertas suspicacias, ambos detectan a Emil y Oleg, dos asesinos recién llegados del Este de Europa, que cometen crímenes sin ton ni son. Emil, que advierte la sed de morbo de la opinión pública, ha trazado un siniestro plan: cometer asesinatos atroces que Oleg graba en vídeo, para forrarse con la exclusiva de su historia. Y luego alegar locura para librarse del merecido castigo. ¿Se saldrán estos tipos con la suya? El director y guionista John Hersfeld traza, impregnada de un humor muy negro, una feroz crítica a la sociedad actual, ávida de información escabrosa. Él lo tiene muy claro y explica con cierto pesimismo: “Nos encontramos en una cultura en la que nadie se hace responsable de sus actos y todo el mundo quiere ser reconocido por nada.” De Niro, además de ser coprotagonista, produce el film. Le acompaña el director y actor Burns, quien asegura que, incluido él, “cualquier actor joven daría su brazo derecho por rodar con De Niro”.

Un capitán veterano lleva un tiempo como oficial de oficina, pero sueña con estar al frente de un submarino nuclear. Para su desgracia le asignan el mando de un antiguo submarino cuyos aparatos están en muy malas condiciones. Asímismo, la tripulación está compuesta por varios de los oficiales más incompetentes de la Armada. A pesar de estas circunstancias, sus superiores le ordenan una importante misión, una especie de juego de guerra contra un enemigo imaginario. A partir de este momento se suceden una serie de equívocos que llevarán a los tripulantes del submarino de desastre en desastre. Esta típica comedia norteamericana de los noventa se sitúa más en la línea de la divertida Que vienen los rusos de Norman Jewison que en la de títulos tipo Aterriza como puedas, Top Secret y demás producciones de los hermanos Zucker y Jim Abrahams. Algunos gags basan su comicidad en un juego visual. La mayoría están basados en la referencia a otras películas, en este caso del género de submarinos. Del reparto destaca el veterano Harry Dean Stanton, que ha trabajado en películas clave como París, Texas, de Wim Wenders, así como la guapa Lauren Holly.

Frasier acude a una cita a ciegas concertada por Roz. Así comienza unode los múltiples enredos amorosos de esta temporada de la serie sobre un carismático psiquiatra.

El doctor Frasier Crane conoce a Kate Costas, su nueva jefa, en la cadena de radio, y se siente atraído por ella. Veinticuatro hilarantes episodios de la serie protagonizada por el psiquiatra de Cheers.

Divertido clásico de la TV (11 años en pantalla), protagonizado por un psicólogo que se enfrenta a sus propios problemas, y que apareció por primera vez en la serie Cheers. En la segunda temporada, Frasier Crane enfurece a todo Seattle cuando se queja del clima lluvioso de la ciudad durante su programa de radio. Mientras, su hermano Martin descubre que su bar favorito esta sufriendo unas críticas muy destructivas. Roz recibe una nueva oferta de trabajo y Daphne se encuentra con que su vida privada ha sido invadida. Además, Frasier hace una escapada a una isla junto a una nueva novia, justo cuando su ex-mujer Lilith está instalada en la casa contigua.

Cliente habitual del bar de la serie Cheers, el extravagante psiquiatra Frasier Krane se hizo tan popular que tuvo su propia serie, lo que se conoce como un 'spin-off'. El mismo ejemplo se da, por ejemplo, en Joey de Friends o nuestra Aída de Siete vidas. En este caso, el personaje de Frasier vuelve a su Seatle natal, con su familia, para abrir un consultorio radiofónico.

Fiesta de promoción en el Instituto Hoover. Todos los asistentes, jóvenes dispuestos a desfasar, ligar y pasarlo en grande, tendrán su oportunidad durante la larga noche. Los más apuestos y populares quizá encuentren a chicas hasta entonces desconocidas, y viceversa. Y los adultos también tendrán su ración de fiestecita. Película juvenil sin demasiada historia. Dirige Paul Schneider (II), quien más tarde dirigiría algunos episodios de las series Los vigilantes de la playa y Sensación de vivir. Entre el elenco de jóvenes actores, entonces desconocidos, hay algunos que más tarde triunfarían sobradamente, como Matthew Perry, Alyssa Milano o Christina Applegate.

La cuarta temporada de la inolvidable telecomedia arranca con la llegada de Woody, un camarero tontorrón interpretado por Woody Harrelson. En esta tanda de episodios también llega la Dra. Sternin.

La camarera Diane Chambers trae al bar a su nuevo prometido. Se trata de un psiquiatra llamado Frasier Crane, que despertará los celos de Sam, el otro camarero y anterios novio de Diane. El nuevo personaje se hará tan popular que se convertiría en protagonista de su propia serie. Por otro lado, el actor Nicholas Colasanto, que interpreta a Ernie, uno de los parroquianos habituales de Cheers, falleció durante el rodaje de esta temporada.