Simon Callow

1887. En Inglaterra se celebran las fiestas con motivo del cincuenta aniversario de la coronación de la reina de Victoria. Dos súbditos venidos de la India serán encargados de ofrecer un presente a la reina. A ésta le caerá en gracia uno de ellos, el joven y apuesto Abul Karim, un indio musulmán, optimista y bondadoso, que pronto se convertirá en su amigo y confidente, ante la desaprobación de la corte. Una historia sumamente adecuada para ser plasmada en pantalla por el británico Stephen Frears, debido al costumbrismo que desprende, y al respetuoso y a la vez realista y fresco retrato de la anquilosadas costumbres de la monarquía de Inglaterra, algo que ya ofreció con genialidad en La reina. Sabe mostrar así la aburrida y cuadriculada vida de una reina ya casi anciana, que ha de presidir todo tipo de eventos protocolarios con el espíritu de quien se siente sola, llevada de aquí a allá, esclavizada por su cargo y sus deberes, perdidos ya todos los alicientes políticos y sentimentales que podrían aliviar el tedio de sus obligaciones. Abdul será quien durante los últimos años de su vida le abra la puerta a la ilusión, a la naturalidad, quien ampliará su vista más allá de los ceremoniosos actos oficiales. Valiéndose del libro Shrabani Basu como material de apoyo, Frears logra una película emotiva y agradable, inspirada en hechos reales. El guión de Lee Hall (Billy Elliot) se muestra especialmente lúcido en algunos pasajes encaminados a perfilar los caracteres que ya quedarán definidos para el resto del film: la reina, Abdul, Mohammed, el secretario Sir Henry Ponsonby, etc. El inicio es modélico en este aspecto, además de incluir gags servidos por el director con sabio humor británico. Por el contrario, también se observa en el conjunto poca evolución argumental: una vez mostrada la unión especial entre la reina y Abdul (reducida a una especie de amor a primera vista, más que desarrollada en profundidad), y su no aprobación por los funcionarios de la corte (su hijo, su secretario y su médico, en primer lugar), la película se vuelve algo banal e insulsa, sin situaciones memorables. Correctamente rodada y ambientada, lo mejor de La reina Victoria y Abdul es sin lugar a dudas la composición de Judi Dench, que trabaja para Frears por cuarta vez en su carrera. No es la primera vez que se mete en el papel de la célebre monarca decimonónica, pues ya ofreció otra cautivadora interpretación de la reina en Su majestad Mrs. Brown, película de John Madden por la que fue nominada al Oscar. Aquí desde luego vuelve a ser dueña y señora del film, con escenas impresionantes –la confidencia de su soledad, la apología personal frente a sus tres estrechos colaboradores, sus palabras en el lecho de muerte– que confirman una vez más su talento y bien podrían ser merecedoras del Oscar.

Película que relata los últimos días de la India como colona británica, que le tocó tutelar a Lord Mountbatten. Lo que debía ser una fiesta de la independencia, resultó mucho más complicado y traumático, pues la convivencia pacífica de hindúes, sijs y musulmanes en una sola nación no era considerada como posible por todos. Gandhi deseaba la unidad, pero Neruh por parte de los hindúes, y Jinnah de los musulmanes, tenían otro punto de vista, y los que manejaban los hilos de la alta política lo hicieron según sus propios intereses, con la consecuencia de la partición y la independencia de India y Pakistán, y el consiguiente daño para millones de personas, que encontraron la muerte o sufrieron desplazamientos forzosos, en regiones como Punjab y Bengala. Podía ser una poderosa cinta histórica, que diera a conocer la trastienda de un proceso que no fue todo lo limpio que sería de desear, y que a la vez pintara conflictos personales concretos y emotivos, pues la directora Gurinder Chadha, británica cosmopolita de origen indio, desciende de una familia que sufrió el problema de la partición en carne propia. Sin embargo la película, escrita con su marido Paul Mayeda Berges, como es habitual, está lejos de nivel de otros de sus trabajos, como Quiero ser como Beckham y Bodas y prejuicios. Quizá les queda grande, el complejo lienzo se les escapa, y la letra pequeña podía ser más emotiva. Pues a pesar de algunos retazos aislados más o menos conseguidos –el drama de Mountbatten y familia, que se descubren utilizados–, falta un hervor, sobre todo en la historia de amor imposible entre hindú y musulmana, con padre ciego y prometido que vuelve de la guerra, donde ha luchado con los ingleses. De todos modos, es un film correcto, bien ambientado, que al menos estimula el conocimiento de la historia. Cuenta con un buen reparto, tanto de rostros occidentales (los televisivos Hugh Bonneville de Downton Abbey y Gillian Anderson de Expediente X) e indios (como el fallecido poco después de rodar el film Om Puri).

Emily, mujer madura que trata de superar la muerte de su marido, acontecida un año atrás, reside en Hampstead Village, un barrio londinense de cierto caché. Mientras que su hijo, Philip, está preocupado porque ella tiene problemas económicos, y su vecina Fiona se ha empeñado en buscarle una nueva pareja, ella sólo quiere permanecer un poco apartada. Mientras observa un tranquilo parque cercano con prismáticos, descubre a un hombre que vive en una cabaña destartalada. Lo más destacable de esta amable propuesta reside en el trabajo de los dos protagonistas, un irlandés y una estadounidense, cada uno de un estilo de interpretación opuesta. Sobresale el siempre sorprendente Brendan Gleeson, por encima de Diane Keaton, que abusa de sus tics de siempre. Dirige el especialista en historias de amor otoñales Joel Hopkins, responsable de Nunca es tarde para enamorarse. Consigue que su relato del encuentro de dos personajes con carencias afectivas no caiga en demasiado sentimentalismo. Como resultado, se ve con agrado, aunque no aporta gran cosa. Por lo demás, esta historia de amor otoñal, que relata el típico encuentro de dos personajes con carencias afectivas se ve con agrado, pero no aporta gran cosa.

Una deliciosa película que describe cómo Charles Dickens concibió su célebre "Cuento de Navidad", y que deviene ella misma en "Cuento de Navidad", como si se nos propusiera un singular juego de muñecas rusas, uno acaba conteniendo encapsulado al otro. Queda un mes para la Navidad de 1843. Charles Dickens ha regresado de una gira por Estados Unidos, y sus finanzas no son especialmente boyantes, debe mantener una familia numerosa, pagar al servicio, y costear los gastos de reforma de su espaciosa casa londinense. Además se presentan de improviso sus padres, y él siempre está dispuesto a pegar un sablazo a Charles. Con los nervios a flor de piel, la solución sería, por supuesto, publicar una nueva obra y que ésta tuviera una buena acogida. Cuando escucha a Tara, una joven doncella irlandesa, contar un cuento a sus retoños, concibe la idea de preparar un Cuento de Navidad. Pero el tiempo apremia, y como los editores no son muy receptivos, él mismo correrá con los gastos de sacar adelante la obra. Susan Coyne se inspira en la biografía de Dickens escrita por Les Standiford, para escribir su libreto, que lleva a buen fin el director de origen indio Bharat Nalluri. Y está concebido al modo de Shakespeare enamorado, mostrando cómo diversas vivencias del escritor, que es un gran observador, las va incorporando a su obra, y le sirven para dar vida, literalmente, a personajes y tramas. Lo que incluye su propia experiencia personal, pues a su modo, y especialmente con su padre, Charles puede ser una suerte de mister Scrooge, el célebre avaro protagonista del cuento, para el que la Navidad se reduce a paparruchas. Así, el film se convierte, por así decir, en el cuento de Dickens personalizado en su autor, y la fórmula funciona, incluido un desenlace rebosante de emotividad, no muy alejado del de otra película que de algún modo versiona al escritor, la célebre ¡Qué bello es vivir! de Frank Capra. El protagonista tiene que enfrentarse a sus propios fantasmas, si quiere llevar a buen puerto una obra con plazo de entrega bien marcado, el día de Navidad. La película se ve con sumo agrado, y ayudan mucho, en ello, los personajes secundarios, que son un perfecto apoyo para que Dickens reconsidere su mal humor y explosiones de carácter: su fiel amigo, la joven doncella, la esposa, el progenitor. O los editores varios, el ilustrador, e incluso el gran rival, el también novelista célebre William Makepeace Thackeray, de estilo muy distinto. Dan Stevens compone bien al creador necesitado de inspiración pero también de afrontar sus propios problemas, y Christopher Plummer, como Scrooge y su correspondiente en el mundo real, resulta magnífico. El recurso de fantasmas y personajes "okupando" la habitación de Dickens mientras escribe también tiene su encanto.

Última temporada de la célebre serie británica que tiene como protagonista al más carismático personaje de las novelas de misterio de la gran Agatha Christie, el inigualable Hércules Poirot (David Suchet). Reúne un total de cinco capítulos. En "Los elefantes pueden recordar", una mujer se convierte en detective aficionada cuando su sobrina le pide que investigue la muerte de sus padres; en "Los cuatro grandes", Poirot pide ayuda a unos amigos para enfrentarse a un grupo de disidentes peligrosos en los prolegómenos de la guerra; en "El templete de Nasse House", una niña que interpreta una escena de asesinato en una fiesta en Devon, es realmente asesinada; En "Los trabajos de Hércules", Poirot marcha a los Alpes suizos en busca de un ladrón de arte; y en "Telón", Poirot, enfermo y debilitado, regresa al lugar donde resolvió su primer caso treinta años atrás y deberá evitar que un asesino en serie vuelva a actuar.

Segunda cinta de ficción de la realizadora Julie Gavras, hija del reputado realizador Costa-Gavras, y anteriormente autora de La faute à Fidel!, poco conocida, y de un documental. Mary, una mujer madura, abandonó su carrera para dedicarse por completo a su marido, Adam –prestigioso arquitecto–, sus tres hijos y su madre, una extravagante y divertida anciana. Cuando Mary y Adam están a punto de cumplir los 60 años atraviesan una crisis en su matrimonio, al tiempo que tratan de hacer frente a su edad. Tres veces 20 años cuenta con un buen trabajo de Isabella Rossellini y William Hurt, bien escogidos, pues han rodado la cinta cuando tienen más o menos la edad que se les supone, por lo que el espectador que les recuerde de sus películas más conocidas, notará rápidamente en su aspecto la evidencia del paso del tiempo. Los personajes están bien construidos, algún secundario tiene su gracia –especialmente la madre de la protagonista– y algunas situaciones son divertidas. Además, trata de forma positiva la necesidad de afrontar la realidad y la edad de cada uno, y denuncia la tendencia de la sociedad moderna a ocultar a los ancianos. Tiene en su contra que algún pasaje, sobre todo la parte de la infidelidad, no acaba de encajar, y finalmente queda la sensación de que se le podía haber sacado más partido.

Rob es un prestigioso chef, con un restaurante en Londres. Pero cuando pierde a su esposa quedará desconsolado, sin ganas de nada. Con el tiempo, alentado por sus amigos, terminará transformando un viejo pub en un restaurante gourmet. Pronto su llamará la atención a los clientes y especialmente admirará a la crítica gastronómica americane Kate Templeton. Discreto pero amable producto del debutante James Hacking en torno al socoriido tema culinario, que ha dado tan memorables películas. Aquí se mezcla el drama y la comedia, con la inevitable historia de amor, cuyo nexo de unión es el sentido del gusto. Hay unos convincentes interpretaciones de Dougray Scott y Claire Forlani.

El profesor Thom Archer es un científico ambiental que empieza a tener serias sospechas de que se avecina una catástrofe planetaria. La causa inmediata parecen ser las perforaciones que una poderosa empresa está realizando en un glaciar de Groenlandia. Hasta allí irá para comprobar sus previsiones y se dará cuenta de que una enorme devastación climática se avecina, así que marchará a su casa para salvar a su familia. Extenso telefilm de procedencia australiana y comercializado en forma de miniserie de dos capítulos, con una duración total de tres horas. Se trata de una producción catastrofista cuyo guión resulta de lo más vulgar, muy parecido al de otros telefilmes del mismo subgénero que pueblan las programaciones televisivas. Sin embargo, aquí los personajes interesan más y hay una producción más cuidada. También gana enteros la propuesta debido a la gran platea de caras conocidas entre el reparto, entre ellas las de Richard Roxburgh (Moulin Rouge), Frances O'Connor (Mansfield Park) o Claire Forlani (¿Conoces a Joe Black?).

La historia de un personaje ficticio, Arn Magnusson, que siendo niño se recupera milagrosamente de una enfermedad mortal, motivo por el que su madre lo ofrece a Dios en un monasterio, donde el chico vive doce años. Allí ahonda en su piedad cristiana, a la vez que Gilbert, un hermano de la orden, descubre su agilidad y le adiestra en el manejo de la espada. Aconsejado por Henri, el prior, vuelve al mundo, donde ayuda al clan de su padre venciendo en singular combate al rival Emund. Arn se enamora de perdidamente de Cecilia Algotsdotter, y los dos yacen juntos. Pero los celos de una hermana de Cecilia, que le acusa de haberla forzado para acostarse también con ella, le valen a él y a Cecilia una condena de penitencia de media vida, o sea, 20 años: Arn deberá servir como caballero templario en las cruzadas, y Cecilia, después de dar a luz a Magnus, fruto de su relación, vivirá encerrada en un convento. Arn demostrará gran sabiduría guerrera y política en Jerusalén, además de tener un inesperado encuentro con Saladino; y Cecilia deberá soportar con paciencia las impertinencias de la madre Rikissa, abadesa de su convento. La idea de ambos es, por supuesto, reencontrarse, que su amor perdure.Entretenida película ambientada en la Edad Media, de ajustado reparto, que adapta la popular trilogía novelesca de las cruzadas del autor sueco Jan Guillou. Se trata de una ambiciosa coproducción europea, donde han jugado papel prominente los países nórdicos, Suecia, Noruega, Dinamarca y Finlandia. Es muy buena la reconstrucción de la época, y abundan las escenas bélicas impresionantes, deudoras de títulos como Braveheart e incluso El Señor de los Anillos. Además, a diferencia de otro título reciente de cruzadas, El reino de los cielos de Ridley Scott, el que nos ocupa se esfuerza en meterse en la mentalidad de la época y en ser fiel a los hechos históricos que conforman el telón de fondo, sin hacer lecturas contemporáneas ni imaginar fantasías en torno a los siempre atractivos templarios. Tenemos por tanto una época con elementos brutales, pero también con personajes movidos de grandes ideales y un alto concepto del honor y de la palabra dada, y sostenidos por una fe grande en Cristo. Conmueve en tal sentido que el amor de la pareja protagonista, Arn y Cecilia, se vea sostenido por sus oraciones mutuas, y luego conjuntas, y por esa cruz que ella le entregó, y que ha acompañado a Arn en todas sus batallas. Sin duda que hay pasajes algo simplistas -véase la abadesa de Bibbi Andersson, de una maldad algo primaria, y con un arrepentimiento nada sutil-, pero el balance es altamente positivo.

Brillante adaptación del célebre musical de Andrew Lloyd Webber, basado a su vez en la romántica historia del escritor Gaston Leroux. El film arranca con un magnífico prólogo en blanco y negro, donde un viejo visitante, Raoul, recorre los pasillos del abandonado patio de butacas de la ‘Ópera Popular’, donde no hace mucho tiempo brillaban las mejores representaciones musicales de la noche parisina. Al hilo de sus recuerdos retrocedemos en el tiempo para asistir a una trama bien conocida y colorista: la del hombre con el rostro desfigurado que se oculta tras una máscara, y que habita en los laberínticos sótanos del teatro; un ‘fantasma’ que, atormentado por sus penas, desea estrenar una nueva obra, que debería interpretar su protegida Christine, en detrimento de la diva titular, la insoportable Carlotta. Christine es pretendida amorosamente por el joven Raoul, lo que provoca los inevitables celos del Fantasma. Romanticismo a raudales. El rostro inocente de Christine –perfecta la elección de una Emily Rossum de 16 años para el papel–, que echa de menos sobremanera a su padre, y reza en su capilla pidiendo la asistencia del ‘Ángel de la música’. La presencia del misterioso fantasma, con su semimáscara de diseño. Las preciosas canciones de Webber, que recomendamos encarecidamente escuchar en su versión original, a las que se añade un tema inédito, “Learn To Be Lonely”, que fue candidato al Oscar. Todo contribuye al resultado final de una gran película, repleta de emociones, vibrante. El film era un viejo proyecto de Webber, que tan encariñado estaba con él que firma el guión y escogió personalmente al director, Joel Schumacher. Arrancar en un realista blanco y negro, para pasar al color de los recuerdos, es una argucia fantástica, que justifica además que los personajes se pongan a cantar. En 1990 la idea era que los intérpretes originales de versión teatral, Michael Crawford y Sarah Brightman, hicieran la película. El divorcio de Webber y Brightman lo impidió, y la cosa se fue retrasando, mientras sonaban para el papel del Fantasma nombres como los de John Travolta y Antonio Banderas. Al final sería el desconocido Gerard Butler quien se llevaría la máscara al rostro, por así decir. Para Christine sonaron los nombres de Katie Holmes y Keira Knightley, pero al fin el papel sería para Rossum. Una condición puesta por Webber fue que los actores fueran capaces de cantar sus canciones, y así ocurre en todos los casas menos en el de Minnie Driver, que no tiene formación operística, aunque para compensar canta la canción de los títulos de crédito.

Dolly Bantry acude a su antigua amiga, la señorita Marple, para hacerle partícipe de un macabro y extraño hallazgo: el cuerpo sin vida de una mujer rubia, desconocida, en la biblioteca de su casa, Gossington Hall. Así comienza "Un cadáver en la biblioteca", el primer capítulo de la primera temporada de la serie "Miss Marple" basada en las novelas del célebre personaje de Agatha Christie, una especie de aguda detective que emula en femenino al belga Poirot, que también contó con una serie británica de éxito. De modo similar aquí se llevan a la pantalla las diferentes novelas de intriga de Miss Marple, normalmente una por capítulo, protagonizadas por Geraldine McEwan (12 capítulos) y Julia McKenzie (11 capítulos). Completan esta temporada "Muerte en la vicaría", en la que se narra el caso de la extraña muerte del coronel Protheroe, del cual se declaran culpables su viuda y su amante; "El tren de las 4:50 de Paddington", en donde Marple investiga a la familia Crackenthorpe, pues piensa que en su propiedad se esconde un cadáver; y "Un asesinato anunciado", que sigue el caso de un asesinto en la casa de Letitia Blacklock, a donde han acudido unos aldeanos por invitación de un periódico.

Adam es un escritor que está pasando una racha económica muy mala. Esta situación le impide casarse con Nina. La joven está enamorada de él, pero también lo está del lujo y de las fiestas de postín, por lo que el matrimonio es inviable hasta que Adam tenga dinero. Pero el escritor está dispuesto a intentarlo todo para conseguir costear los carísimos gustos de su amada. Debut tras las cámaras del brillante actor inglés Stephen Fry, quien se reserva un pequeño papel en la historia.

1993. Conflicto de Bosnia-Herzegovina. Dos soldados bosnios, uno serbio. Sus destinos se cruzan. ¿Quién es prisionero de quién? ¿No lo son todos? La pregunta cobra tintes más dramáticos cuando uno de los soldados se convierte en potencial víctima de una mina de presión. Cualquier movimiento puede ser letal. Lúcida reflexión sobre la guerra de Los Balcanes. Un drama personal se convierte en poderosa metáfora. La mina a punto de estallar describe las mil caras de un conflicto que la ONU y compañía son incapaces de resolver. El magnífico guión –premiado en Cannes– del también director Danis Tanovic, muestra el ambiguo papel de la fuerza multinacional o el de los medios de comunicación. Destellos de un entendimiento humano entre etnias no pueden enterrar un odio secular. El agobiante plano final resume de modo magistral toda la película. El Oscar al mejor film extranjero es justo, con el permiso de la perdedora Amelie.

La lectura del testamento de un magnate cinematográfico sorprende a propios y extraños. Ha dejado todo lo que posee a un hijo secreto. Son muchos los que estaban interesados en sacar tajada de parte de la riqueza del viejo, pero ahora se ven obligados a poner un anuncio para buscar al hijo, pues la ley así lo dictamina. No estamos ante uno de los mejores títulos del español Agustí Villaronga.

Secuela de la descacharrante Ace Ventura: Detective de mascotas, rodada un año antes. Vuelve a protagonizar Jim Carrey, más desatado que nunca, y como es de imaginar la historia es lo de menos, pues no tiene ni pies ni cabeza. Aquí se trata de reírse a lo loco con el surrealista actor. Que se abstenga el espectador que no le aguante. La cosa empieza con Ace totalmente deprimido, por no haber podido salvar la vida de una mofeta en su anterior misión. Pero podrá resarcirse cuando le encarguen encontrar al animal sagrado de una tribu africana.

Comedia romántica sobre un grupo de personas que se reúnen en cuatro bodas y en un funeral, como reza el título de la película. En estos eventos se entablan relaciones de amistad, hay reencuentros y, por supuesto, surge el amor. El protagonista es Charles (Hugh Grant) que no ha sentado la cabeza, pero todo cambia cuando conoce a Carrie, papel que interpreta la, siempre deliciosa, Andie MacDowell. La película tuvo dos merecidas nominaciones a los Oscars como mejor película y guión.

El coronel Guile (Jean-Claude Van Damme) es el encargado de enfrentarse a un maléfico personaje, el general M. Bison (Raúl Julia). La acción nos sitúa en una ciudad ficticia del futuro, llamada Shadaloo. Allí, las tropas aliadas de las Doce Naciones libraron un cruento combate con una organización de bandidos. Aparte de las bajas, 3 oficiales están en paradero desconocido y 65 trabajadores fueron secuestrados por Bison, que tiene su cuartel secreto en los subsuelos de un templo budista. El experto en artes marciales Guile debe enfrentarse a Bison y sus secuaces. Su misión: rescatar a los rehenes en menos de 72 horas. Andan en juego 20 billones de dólares. Si fracasa, lo resultados pueden ser catastróficos para la humanidad. Acción trepidante de la mano de uno de los especialistas de los años 90, el todomusculoso Jean-Claude Van Damme. En un argumento en el que prevalece la violencia física, el contenido se basa en un popular videojuego. Atractiva estética futurista para aficionados a los juegos de ordenador.

En plenos años 40, Walter e India Bridge son un matrimonio anclado en el pasado. Él es un obstinado conservador que ordena y manda sobre su mujer, y no tiene reparo en dirigir a sus hijos a su antojo, muchachos que son ya adultos. Sus anticuadas ideas y modo de ver la vida chocan con el resto de sus vecinos y amigos, que tienen una visión más moderna de la sociedad. James Ivory dirige al matrimonio real formado por Paul Newman y Joanne Woodward en esta película basada en la novela de Evan S. Connell. No es la primera vez que la pareja aparecía junta en pantalla pues ya se les pudo ver en El largo y cálido verano, Samantha o Con el agua al cuello. Woodward fue además nominada al Globo de Oro y al Oscar por su interpretación.

Maurice se va a estudiar a la universidad. Allí mantendrá una relación homosexual con Clive, uno de sus compañeros. Pero éste decide evitar los rumores contrayendo matrimonio con una mujer. Maurice sigue manteniendo relaciones con otros hombres, pero le echa de menos. Una de las tres adaptaciones que hizo James Ivory de novelas de E.M. Forster, junto a Una habitación con vistas y Regreso a Howards End.

Bill es un tipo que vive amargado desde que se divorció. Perder la custodia de su hijo le sumió en un profundo pozo. Por eso ahora que un amigo está viviendo el proceso de divorcio decide ayudarlo para que no pierda la custodia de su hijo. De hecho, se mete tanto en faena que no duda en pedir ayuda a abogados sin escrúpulos para que hundan a la mujer de su amigo. Lo más interesante de esta película es que la sed irracional de venganza está compensada por la entonación del "mea culpa" que hacen los dos personajes principales. Durante el duro proceso legal por la custodia del hijo de su amigo, Bill se da cuenta de la cantidad de cosas que podían haber hecho como padres antes de llegar a una situación así.

Existe toda una tradición en la literatura anglosajona acerca de turistas ingleses o americanos, que al contacto con la Europa continental, Italia sobre todo, se les descascarilla una cierta frialdad y despego para descubrir el amor y toda una pléyade de sentimientos que habían guardado encerrados en su interior. En esta línea se mueve esta adaptación de una novela de E.M. Forster acerca de una joven prometida, que viaja con su tutora a Florencia. Como su habitación de hotel no tiene vistas, otros huéspedes ofrecen intercambiar sus cuartos. La amabilidad del joven promotor de la iniciativa hace que la novia se replantee el matrimonio que está a punto de acometer. El equipo James Ivory-Ruth Prawer Jhabvala-Ismail Merchant se ha especializado en adaptaciones literarias de amor y lujo, e incluso hubo un tiempo en que Forster parecía su especialidad. Éste es uno de sus mejores logros, y casi podría decirse la película que les puso en el 'mapa' fílmico internacional. También sirvió para descubrir a Helena Bonham Carter. Ganadora de 3 Oscar.

Cuenta la vida del más famoso compositor de todos los tiempos, Wolfgang Amadeus Mozart. De pequeño, se convirtió en un prodigio musical, admirado en todas las cortes de la Europa de mediados del siglo XVIII. Antonio Salieri (F. Murray Abraham) es uno de los compositores más prestigioso de la corte del emperador José II de Austria (Jeffrey Jones). Admira y odia por igual a ese genio de la música, interpretado por Tom Hulce. Desde el sanatorio mental donde está recluido, Salieri narra ante un asombrado sacerdote, su agónica existencia desde que conoció a Mozart, muerto años antes. Conviene aclarar que esta gran película no es una biografía fidedigna de la vida de Mozart. Está basada en un espectáculo musical, y a su vez en una biografía novelada sobre el compositor. Todo surge de una leyenda nacida durante el romanticismo, según la cual, el odio de Salieri y la envidia del resto de los músicos de la corte, contribuyeron a acabar con la vida del ya de por sí destructivo Mozart. La dirección de Milos Forman es genial, y por ella se llevó un Oscar. Oscar también, entre otros, a la mejor película, al mejor actor (F. Murray Abraham), y al mejor guión adaptado de Peter Shaffer. El análisis de los personajes es brillante e incisivo. Está narrada con inteligencia. Combina la rigurosidad narrativa con el suspense. La sugerente recreación de la atmósfera de la época tiene mucho atractivo. Una obra maestra que consigue llegar a un público general. La belleza plástica y la perfección de una banda sonora basada en la obra de Mozart, son memorables.