Amy Landecker

Crónica del escándalo que sacudió al poderoso director de la cadena televisiva Fox News, Roger Ailes (1940-2017), cuando fue denunciado por acoso sexual en 2016 por parte de una de sus empleadas, la presentadora Gretchen Carlson, denuncia a la que se fueron sumando numerosas mujeres que habían sufrido el acoso del magnate a lo largo de los años. El guionista Charles Randolph pergeñó el guión a partir de las acusaciones reales vertidas contra Ailes y ofrece una trama atropellada al principio para irse poco a poco estabilizándose, un poco al modo de su oscarizado libreto de La gran apuesta, una historia que también resultaba poco accesible en ciertas momentos pero que ofrecía un buen tapiz final de la crisis económica de 2008. En El escándalo (Bombshell) se centra principalmente en tres personajes femeninos: las prestigiosas presentadoras Gretchen Carlson y Megyn Kelly, ambas reales, y la recién llegada Kayla Pospisil, personaje ficticio que ejemplifica el modelo de acoso de Ailes. Entre las tres ofrecen una visión poliédrica de las víctimas y las dificultades para tomar unas u otras decisiones que pueden minar el futuro profesional y personal de cada una de ellas. A veces las tramas personales parecen bastante caprichosas –esa relación de Kayla con una compañera-, otras resultan más razonables, como las dudas y crisis de Kelly a la hora callar o hablar. La narración está contada con buen ritmo por el director Jay Roach, más habitual en el género de la comedia. Logra transmitir la trepidación de un canal de noticias, las manipulaciones y controversias políticas (en torno a Trump, etc.), lo cual, por otra parte, exige una atención extra especialmente en el espectador no estadounidense, que probablemente ignora los nombres de las periodistas famosas de la cadena, jefes, compañeros, etc. El resultado es convincente pero también deja un aire general de cierta confusión. No es fácil, se ve, hacerse una idea completa de los hechos en poco más de hora y media, unos sucesos –los mismos– que podía contar con mayores y mejores matices la aplaudida serie televisiva La voz más alta. Sin duda, el punto fuerte de El escándalo (Bombshell), más allá lógicamente de la loable búsqueda de la justicia y la lucha femenina por conseguir la igualdad laboral, hay que buscarlo en el plantel interpretativo, donde hay un trabajo coral de numerosos actores y actrices, a veces en simples cameos. Las tres actrices protagonistas están estupendas y a ellas se debe en gran medida que la película aguante. Hay que destacar a Margot Robbie como la joven ambiciosa y, sobre todo, a una impecable y magnética Charlize Theron, retocada visiblemente en su rostro para ser Megyn Kelly. Su trabajo es formidable. Y también sobresale sin duda el también caracterizado John Lithgow en la piel del repelente Roger Ailes.

La vida de la universitaria Ella Hatto cambia drásticamente cuando toda su familia es asesinada mientras ella está en el extranjero. Su vida corre ahora serio peligro, pero Stephen Lucas –asesino a su vez– ayudará a la joven. Thirller de acción servido con suficiente oficio por el notable Jonathan Mostow (Breakdown). Sin ser nada del otro mundo, la historia escritaa partir de la novela de Kevin Wignall por John Brancato y Michael Ferris, un tándem que ha dado lugar a películas como The Game o Los sustitutos, atrapa convincentemente. Y ayuda el buen hacer de un actor que siempre hace creíbles sus personajes, Sam Worthington (Avatar).

El doctor Stephen Strange es un afamado neurocirujano asentado en Nueva York, cuyas manos obran algo parecido al milagro a la hora de acometer delicadas operaciones en el cerebro de sus pacientes. Con un ego bastante subido, sólo vive para el trabajo, pero su mundo va a venirse abajo cuando sufre un terrible accidente de automóvil: aunque salva la vida, sus manos han sufrido múltiples lesiones, y conservan un temblor que no parece fácil que desaparezca. A pesar de su empeño en recuperarse con rehabilitación, los avances son lentos, y se convierte en un tipo amargado. Hasta que se entera de la recuperación de quien debía ser un tetrapléjico, un tal Pangborn, quien le explica que ha sido gracias a la sabiduría ancestral de una mujer conocida como la Anciana. Aunque escéptico, Stephen viaja a Nepal, y aprenderá que existen unos conocimientos diferentes a la ciencia en la que siempre ha confiado. De modo que se empapa de misticismo, y de la existencia de multiversos, universos paralelos, hasta el punto de que encuentra un nuevo sentido a su vida, hay otras metas y posibilidades para ayudar a los demás más allá de la mesa de operaciones del hospital. Adaptación de las andanzas del personaje de cómic, creado por Steve Ditko en 1963. Aunque no es de los más populares, parece claro que Walt Disney pretende sacar el máximo partido a la amplia galería de personajes de superhéroes de cuyos derechos es propietaria tras la compra de Marvel en 2009. La idea aquí es entregar aventuras con un componente mágico, y de este modo explorar nuevos terrenos frente a las tramas de los típicos superhéroes con su superpoder correspondiente, los grupetes de superhéroes, u otras recientes vías "innovadoras" que incluyen el cine negro (Jessica Jones y compañía) o la parodia (Deadpool). De modo que se presenta el conflicto fe-razón, para lo que parece muy adecuada la elección del director, Scott Derrickson (que brilló en la cinta sobre posesión diabólica El exorcismo de Emily Rose), que es también uno de los autores del guión. Además se incide en la egolatría inicial del protagonista (el eficaz Benedict Cumberbatch), que recibe la correspondiente cura de humildad, a la que contribuyen primero su compañera de hospital Christine Palmer (Rachel McAdams), y luego sus compañeros de aprendizaje (la Anciana a la que da vida Tilda Swinton), más Mordo (Chiwetel Ejiofor) y Wong (Benedict Wong). Los efectos visuales están muy cuidados, con esos edificios que se pliegan y la dinámica acción con las peleas de rigor, deudores de títulos como Origen y Matrix. Y aunque puede agotar la pirotecnia digital, que a veces resulta excesiva, los conflictos aligerados con dosis de humor bien calculadas, hacen que el visionado del film sea en líneas generales altamente disfrutable. Quizá el villano de Mads Mikkelsen sea demasiado hierático, pero en fin, tiene su lado medianamente inquietante, y da pie a un clímax bucle la mar de ingenioso.

Dos años después de enviudar, Marnie Minervini se traslada a Los Ángeles, para estar cerca de su única hija, Lori , guionista de Hollywood. Mujer de sólida posición económica, con grandes habilidades sociales, enseguida hace amistad con el chico de la tienda de Apple, una amiga de Lori a la que ofrece sufragarle su boda, y Rady Zipper, policía retirado por el que siente cierta atracción. Por contra, Lori no parece del todo contenta, pues no tolera algunos comportamientos de su madre, como que entre en su casa sin llamar, o que le intente consolar por la ruptura con su novio. Segundo trabajo como directora y guionista de Lorene Scafaria, tras Buscando un amigo para el fin del mundo.  Resulta evidente que la historia está llena de numerosos elementos autobiográficos, pues habla de las relaciones materno-filiales de una profesional del sector audiovisual con muchos puntos en común con ella misma, y también porque las anécdotas que cuenta transmiten cierta sensación de realismo; parecen bastante sentidos esos roces inevitables con una madre que sin embargo derrocha amor incondicional, y soluciona numerosas cosas. Una madre imperfecta posiblemente no tendría demasiado interés de no ser por el trabajo de Susan Sarandon, que con su composición insufla vida, optimismo y vitalidad a un personaje que sobre el papel suena a demasiado tópico. Las mejores secuencias, como aquélla en la que se cuela de forma accidental en un rodaje, no serían tan brillantes sin ella. Y hasta consigue que cuele la exagerada pasión del personaje por hacer felices a los demás, un poco irreal. En roles más pequeños no desentonan J.K. Simmons, agente apasionado de la música country de Dolly Parton, y Rose Byrne, aunque ésta tiene en contra que su personaje, en teoría trasunto de la propia realizadora, se describe con mucha antipatía, como una egoísta recalcitrante incapaz de ver más allá de sus narices y apreciar el encanto de su madre. Aunque se sigue con agrado, al final Una madre imperfecta se queda en mera sucesión de anécdotas irrelevantes, sin ningún conflicto de peso. De hecho cuando acaba, se tiene la sensación de que daría igual que el film siguiera unos minutos más o se hubiera acabado antes.

David, cerebrito que ha sido admitido en el Instituto Tecnológico de Massachussetts, necesita ideas para una investigación científica que le haga merecedor de una beca. Con su hermana, Christina, indaga en las viejas pertenencias de su padre, fallecido años atrás. Encuentran un proyecto para una máquina que supuestamente permite los viajes temporales, por lo que David intentará construirla con sus amigos Adam y Quinn. Michael Bay alterna la realización de su saga Transformers con una prolífica carrera como productor de títulos casi siempre dirigidos al público juvenil, como las poco estimulantes Ouija y Ninja Turtles. Aquí avala la puesta de largo del primo del director de esta última, Jonathan Liebesman, un tal Dean Israelite que apunta maneras. Project Almanac recuerda en muchos sentidos a Chronicle, que utilizaba la fórmula del "metraje encontrado" (el film se cuenta a través del material rodado supuestamente cámara en mano por los protagonistas) para darle una vuelta de tuerca al género de superhéroes. Aquí se hace lo propio con las historias de viajes en el tiempo. El espectador experimentará algunas regresiones, pues Project Almanac parece compuesta de elementos ya vistos en títulos como Regreso al futuro, Atrapado en el tiempo, El efecto mariposa, Una cuestión de tiempo y otras cintas del subgénero de saltos temporales. Aún así, el guión describe bien a los personajes, y a pesar de su asumida intrascendencia, incluye alguna reflexión sobre la responsabilidad, el sacrificio y el esfuerzo. Los jovencísimos protagonistas, todos ellos absolutos desconocidos, ni emocionan ni desentonan. Aunque la cámara resulta un tanto mareante, Project Almanac termina pareciendo un prescindible pero ameno capítulo de alguna serie televisiva estilo Dimensión desconocida.

Mort, profesor de ciencias políticas ya retirado, y separado de su esposa, se dispone a salir del armario ante sus tres hijos adultos, y explicarles su lado femenino, su deseo de ser mujer. Ellos son Sarah, casada y con dos hijos, y que es infiel a su marido con una mujer con la que ya jugueteaba lésbicamente en la universidad; Josh, productor musical, promiscuo con las artistas a las que representa; y la pequeña, Ali, lista pero insegura, con un cuerpo del que no está satisfecha y actualmente en paro. Serie producida por Amazon directamente para internet, y premiada con el Globo de Oro a la mejor comedia. También supuso el Globo de Oro para su actor principal, Jeffrey Tambor, en uno de esos papeles que marcan la carrera de un intérprete, realmente está muy convincente. La escribe y la dirige Jill Soloway, bregada en series de famiias desestructuradas como A dos metros de tierra y United States of Tara. Ofrece un fiel reflejo de hacia donde podría estar caminando la sociedad occidental abriendo el abanico de la familia de toda la vida a otras alternativas. Verdaderamente Mort (o Maura), hace en un determinado una terrible constatación cuando declara no entender cómo ha podido criar a unos hijos tan egoístas, incapaces de mirar más allá de ellos mismos. La trama acumula cuestiones que marcan cierto vacío existencial muy actual: individualismo, soledad, secretismo, insinceridad, miedo, inseguridad, insatisfacción con el propio cuerpo y narcisismo, obsesión con la forma física y la dieta, homosexualidad, bisexualidad, transexualidad, infidelidad, relaciones con jovencitas, aborto, agobio por los medios económicos, paro e inseguridad laboral... Y por supuesto, al fondo, está la absoluta carencia de recursos morales para afrontar los desafíos que la vida lleva consigo.

A pesar de su título, este trabajo de los hermanos Coen no es nada serio. El tono se acerca más a Quemar después de leer que a No es país para viejos. Por lo demás, es una película un poco atípica en la filmografía de los cineastas, pues han contado con un presupuesto muy bajo. También llama poderosamente la atención que hayan renunciado por completo a incluir estrellas en el reparto. De hecho, el film está protagonizado por Michael Stuhlbarg, secundario de títulos como Red de mentiras, y que tuvo su papel más destacado en el film La zona gris. El resto del reparto esta compuesto por actores sin tirón comercial, pero buenísimos, como Richard Kind (Vías cruzadas), Fred Melamed (habitual del cine de Woody Allen) y el veteranísimo Adam Arkin (Hitch). Los Coen vuelven a demostrar su capacidad para seleccionar, no se sabe cómo, a actores de lo más expresivo, hasta para los papeles anecdóticos. Esta vez siguen a una familia judía, encabezada por Larry Nidus, marido modélico, padre afectuoso y profesor de matemáticas comprometido con su trabajo. Sin embargo, atraviesa una mala racha. Su mujer le anuncia que tiene un amante y que quiere que se vaya de casa, en el trabajo tiene problemas con un estudiante coreano que pretende sobornarle, alguien envía anónimos que comprometen su futuro profesional, su hermano se ha instalado en su casa, su hija le roba billetes de la cartera para operarse la nariz, su hijo fuma marihuana, etc. Los Coen se han convertido en un valor seguro. Nunca decepcionan, e incluso se diría que su película menos lograda, Ladykillers, mantiene cierto nivel. Esta vez tampoco se sentirá defraudado ningún espectador del tipo que sea. Los hermanos cineastas han tejido una comedia negra, más surrealista aún que otras cintas de su filmografía, pues incluye algunos sueños y un comienzo desconcertante. Pero sobre todo es cínica, aunque mantiene un tono elegante. En tal sentido recuerda mucho más a las comedias de Billy Wilder que a los últimos éxitos del género. Es cierto que los Coen miran la religión con sarcasmo –especialmente las costumbres judías: sólo ellos, judíos, podrían haber hecho un film así–, pero lo hacen con tanto estilo que nadie se sentirá ofendido. En el fondo, el tono se asemeja a las bromas de Woody Allen al respecto. El modo de abordar la cuestión contrasta con la irreverencia que impregna las películas de algunos cineastas procedentes del catolicismo. No será recordada como uno de los grandes trabajos de los hermanos, pero bajo su apariencia ligera oculta interesantes consideraciones en torno a la serenidad y la resignación. El protagonista está inspirado en la paciencia del bíblico Job, pues el guión se centra sobre todo en sus esfuerzos por salir adelante frente a las más disparatadas adversidades inesperadas. Algunos momentos dan que pensar en asuntos como el egoísmo en las relaciones personales y familiares, o la desintegración familiar.

Dan Burns es viudo, padre de tres hijas, que escribe habitualmente una columna en el periódico a modo de consultorio sobre cuestiones familiares. Los consejos que tan acertados parecen para sus lectores no parece saber aplicarlos en su propio hogar, donde muestra un rigorismo extremo, en parte porque no ha superado la pérdida de su mujer. En éstas acude a pasar un fin de semana con todo el clan de los Burns en la casa de los abuelos, en Rhode Island. Allí se reúnen más de veinte personas, incluidos hermanos y sobrinos de Dan. Un tanto agobiado de tanto alboroto, Dan “se pierde” un rato, y acude a una librería cercana. Allí conoce casualmente a Marie, una mujer estupenda, de la que se enamora a primera vista: congenian, ríen, Dan le cuenta su vida… y se despiden intercambiando teléfonos, aunque con la advertencia por parte de ella de que está saliendo con alguien. Cuando vuelve a casa comenta a sus hermanos el encuentro con quien parece un alma gemela… pero se produce el chasco cuando uno de ellos, Mitch, le presenta a su novia, que ha venido a pasar el fin de semana. Se trata de Marie. Estupenda comedia sobre las relaciones familiares y el amor, dirigida con buen pulso por Peter Hedges, que ya demostró maña para el tema en Retrato de April, que hablaba precisamente de un encuentro familiar en torno al Día de Acción de Gracias. Él ha coescrito el guión con Pierce Gardner, autor de la idea original, y que dice haberse inspirado en su propia experiencia de nutridas reuniones familiares. Y en efecto se trata de un verdadero canto, muy bien engrasado, a la familia, donde a pesar de las diferencias –entre padres e hijos, o entre hermanos–, encontramos un magnífico terreno de juego para ofrecer y recibir amor. Hay además una apuesta valiente por describir un escenario reconocible por un público amplio, en vez de fantasear con situaciones poco corrientes. Hedges lo explica así: “Me gustó explorar la idea de una familia que no se había roto. Muchas comedias románticas están muy alejadas de la realidad.” La película tiene un ‘timing’ perfecto, la narración discurre de acuerdo con el bullicio de una reunión con tanta gente, y se logra que los personajes no queden desdibujados, incluso los de presencia mínima, tal vez porque esos juegos de ‘chicos contra chicas’ o las representaciones en familia, logran integrar a todos. Hay espacio para el humor en ese conflicto generacional entre Dan y sus tres hijas –la hija mayor, que desea conducir el coche del padre, la mediana con su apasionado amor por un chico de clase, la pequeña que no logra que le hagan caso–, en la ‘cita a ciegas’ para Dan, o en esa relación que no debe darse entre Dan y Marie, por lealtad con Mitch, y que da pie a situaciones imposibles, muy divertidas. El reparto es magnífico, con secundarios formidables como la doblemente oscarizada Dianne Wiest, o las actrices Amy Ryan y Emily Blunt; pero de justicia es destacar a Steve Carell, que no sólo es un comediante nato, sino que su arco interpretativo es amplio, también para reflejar decepción, amor, tristeza. Le da perfecta réplica Juliette Binoche, ese amor inesperado, capaz de transfigurarse en el amor ideal, en la chica capaz de cautivar a toda la familia Burns.