William Shakespeare

Con mucha diferencia, las obras de William Shakespeare son las que más veces han sido llevadas al cine. Entre cortometrajes y largometrajes superan el millar. La tragedia de "Macbeth" es una de las más repetidas, pese a tratarse de una de sus obras más oscuras y violentas, con pasajes no del todo claros, un desarrollo a veces confuso o acelerado y una temática para nada reconfortante. Como es sabido, se trata de una historia sobre la ambición, sobre el afán de dominio y la codicia del poder, capaz de arrastrar como una droga hacia el crimen, la traición y el asesinato. Alentado por las profecías de tres brujas y por las insidias embaucadoras de su mujer, el barón escocés Macbeth asesinará al rey Duncan y usurpará el trono, convirtiéndose en un cruel tirano. Probablemente, la versión más lograda sobre el trágico magnicida sea la de Orson Welles de 1948, pero desde luego quedará para siempre en la mente de los aficionados esta impresionante versión del australiano Justin Kurzel (Snowtown). La razón es que pocas veces se ha visto en pantalla una potencia visual tan asombrosa, asentada en la alucinante labor fotográfica de Adam Arkapaw. Y lo es hasta el punto de que puede resultar exagerada. Kurzel se recrea sobremanera en planos nebulosos de los páramos escoceses, en las escenas de brutalidad bélica, de muerte en el campo de batalla, explicitud violenta de cromatismos cárdenos que él atempera con extensas ralentizaciones, que aportan una indudable belleza estética y que a la vez restan repugnancia a las atrocidades. Desde luego sus planificaciones están cuidadas hasta el mínimo detalle y en ocasiones resultan especialmente modélicas, como ese pavoroso plano en que la cámara en movimiento nos lleva lentamente desde al mar hasta la playa, en donde el fuego consume a una familia por obra del tirano. Por su procedencia y su naturaleza textual es verdad que por momentos seguir los discursos de los personajes puede exigir un esfuerzo extra, pues los guionistas han decidido conservar diálogos originales, a menudo metafóricos y velados. Ese aspecto discursivo hace que la acción avance lentamente, aunque también muchas de las palabras logran un magnetismo impresionante (“ese corazón tan blanco” de Lady Macbeth...). Más discutible es la opción elegida a la hora de concebir algunas escenas, como esa sutil insistencia en unir maldad y religión, con esos sempiternos crucifijos de fondo, o la decisión de engendrar definitivamente el acto ignominioso de Macbeth al tiempo que los esposos desfogan sus cuerpos. Son de todas formas aspectos que entran con cierta lógica dentro de este macabro y excesivo cuento de brujería, superstición y maldad, cuya ambientación del siglo XI cuadra como un guante con la oscura visión de la época medieval transmitida por la historia. Como es habitual, Michael Fassbender logra una mimesis perfecta en el asesino Macbeth. Con él se puede creer que exista alguien tan atroz y sanguinario. Menos impacto tiene Marion Cotillard como Lady Macbeth, aunque su composición sea igualmente cuidadosa. El resto del reparto cumple. Y de fondo funciona la banda sonora densa y ambiental, poco colorida, de Jed Kurzel, hermano del director.

La cárcel de máxima seguridad Rebibbia, situada a las afueras de Roma. Fabio Cavalli dirige un taller de teatro con los presos allí encerrados, todos los años preparan a conciencia la representación de una obra de teatro en la que ponen toda su pasión, conservando cada cual en su italiano el deje del dialecto, pero acomodándolo a la posición social del personaje que toca encarnar. Convictos por asesinato o por asociación con el crimen organizado, encuentran en las tablas otro yo con el que se expresan y que podría, tal vez, ayudarles a redimirse. Original e inspirado film de los hermanos Paolo Taviani y Vittorio Taviani, Oso de Oro en Berlín, César debe morir tiene el sabor de lo auténtico, y produce la emoción de quien vislumbra que unos hombres pueden transformarse por amor al arte, la educación de la sensibilidad puede afectar de modo decisivo a los espíritus, elevarlos a cotas desconocidas previamente por ellos. La obra que preparan, “Julio César” de William Shakespeare, permite en algunos momentos muy intensos el exorcismo de los personales demonios interiores, cambiando por ejemplo el texto para acomodarlo al estado anímico, que lleva a reprochar algo a otro interno actor. De este modo el arte y la vida se unen en singular maridaje, y las fronteras entre documental y ficción se desdibujan, se cambia la realidad, al menos parcialmente, a través del drama escrito 500 años atrás. La fotografía en blanco y negro de César debe morir, muy contrastada, encierra una gran fuerza dramática, y sirve de eficaz contraste para las escenas de la representación definitiva, éstas rodadas en color. El montaje de la prueba de casting, que sirve para presentar a los personajes, las dobles lecturas de algunas escenas representadas, los ensayos, también personalmente cada uno por su cuenta en la celda, muestran a unas personas que han encontrado un camino diferente al que causó su encierro. Puede que no haya fórmulas mágicas que aseguren la rehabilitación, pero resulta innegable que algo les ocurre a los protagonistas de esta original cinta. Lo vemos y al final lo escuchamos tras el triste regreso a la celda tras la actuación, manifestado por uno de los actores, magnífica forma de echar el telón a César debe morir, una eficaz mezcla de documental, teatro y drama sobre la vida misma, sobre la capacidad del espíritu humano para elevarse incluso en las situaciones más adversas.

Adaptación de la obra de William Shakespeare, rodada en apenas 10 días en el tiempo de descanso del que disponía Joss Whedon entre la filmación de Marvel Los Vengadores y su inmersión en la fase de postproducción. Coproducida con su esposa Kai Cole, ambos decidieron demostrar su amor por la obra del genial dramaturgo reuniendo a un grupo de amigos para el reparto, vistiéndolos con atuendo contemporáneo, y utilizando como set la propia casa con jardín del matrimonio, diseñada por Kai , que es arquitecta. De este modo rodaron en blanco y negro, y actores bastante desconocidos pero competentes, que han hecho sobre todo televisión, y en algún caso, como el de Jillian Morgese, estrenándose en la interpretación fílmica. Whedon, además de la adaptación y la dirección, ha compuesto la banda sonora y se ha ocupado del montaje. Así, seguimos las cuitas amorosas de Beatrice y Benedick, ambos de afilada lengua y eternos reproches mutuos, a los que sus amigos se han empeñado en emparejar. Y las de Claudio y Hero, que empiezan con una proposición de matrimonio aceptada gracias al buen hacer de don Pedro de Aragón con Leonato, el padre de ella, pero que se enredan por las intrigas de don Juan y sus compinches, que simulan una supuesta vida disoluta de Hero. Mucho ruido y pocas nueces, según Joss Whedon es una película que demuestra dos cosas. El valor perenne de la obra de Shakespeare, con sus consideraciones sobre el amor, la confianza, la lealtad y la fidelidad, y el perfecto entramado de los enredos, que sigue funcionando en cualquier contexto. Y que Whedon, a la hora de componer su trabajos de superhéroes y vampiros, tiene una base clásica sólida, que explica lo cuidado del perfilado de personajes y situaciones en su obra original como cineasta y creador de series televisivas. El film se sigue con enorme interés, conserva su frescura a pesar de que la decisión de vestir a los personajes con ropa actual saca un poco de la trama al espectador, hablar de don Pedro de Aragón en una casa de los Ángeles no puede dejar de despistar un poco. Los actores están muy bien, y el equilibrio entre drama y comedia está cuidado, incluidos los personajes cómicos, aquí transformados en policías.

Se le ha sacado mucho jugo a la obra de William Shakespeare en el cine. Por ejemplo, su obra Romeo y Julieta ha dado lugar, entre otras, a una exitosa adaptación de Franco Zeffirelli, a la versión moderna Romeo y Julieta, de William Shakespeare, de Baz Luhrmann, a la cinta de acción Romeo debe morir y hasta inspiró el legendario musical West Side Story. En esta ocasión, la pieza se reconvierte en film de animación digital protagonizado por gnomos de jardín. La acción transcurre en Stratford-upon-Avon, localidad natal de Shakespeare, donde los dueños de dos casas adosadas están peleados y mantienen discusiones a diario. También se llevan a matar los gnomos de los jardines de cada casa, ataviados unos de azul y los otros de rojo, y que disputan carreras de podadoras de césped. Casualmente, Gnomeo –hijo de la cabecilla de los azules– se fija en Julieta –hija del líder de los rojos– cuando ésta trata de conseguir una orquídea. El flechazo entre ambos es instantáneo... Ha dirigido esta cinta para Miramax y Touchstone Kelly Asbury, responsable de Shrek 2 y Spirit. El corcel indomable. La animación es de altísima calidad, especialmente en las trepidantes carreras y secuencias de acción. Los gnomos, de apariencia pétrea, tienen un gran encanto y abundan los secundarios divertidos como la rana Nannette. Están muy bien insertadas en la trama las canciones de Elton John, y el film está plagado de momentos hilarantes. Además, actualiza bastante bien la esencia romántica del original, hasta el punto de que muestra que un divorcio puede causar mal a terceras personas. También mantiene el mensaje pro tolerancia entre grupos en apariencia diferentes. Los adultos y especialmente apasionados de Shakespeare disfrutarán con las múltiples referencias, pues por ejemplo, la empresa de mudanzas se llama Rosencrantz y Guildenstern, como los famosos secundarios de Hamlet. No falta un sorprendente giro de guión que da pie a una aparición del mismísimo autor bastante metaliteraria.

Caius Martius Coriolanus (Ralph Fiennes) es el orgullo de Roma, un general que mantiene el orden con mano dura y extraordinario patriotismo, y ha consagrado su vida a la guerra. Para salvaguardar la paz ha debido enfrentarse a numerosos enemigos en el campo de batalla. No obstante, como el pueblo demanda mayor justicia y se siente oprimido por los nobles, ciernen su odio sobre el héroe Coriolanus. Así, cuando éste es nombrado cónsul tras su última victoria sobre el rebelde pueblo volsco, comandado por el aguerrido Tullus Aufidius (Gerard Butler), los tribunos envidiosos, que ven en Coriolanus la amenaza de un líder que les haga perder influencia, verán la oportunidad de soliviantar al pueblo desafecto para que protesten y revoquen el nombramiento del triunfante militar. El actor Ralph Fiennes debuta como director trasladando a la pantalla la célebre tragedia “Coriolanus”, de su paisano William Shakespeare. Además de reservarse el protagonismo, Fiennes elige audazmente una puesta en escena realista y contemporánea, cuyo esfuerzo de producción es notable, de modo que al espectador bien podría parecerle que observamos acontecimientos bélicos procedentes de cualquier guerra urbana del siglo XX. Esta actualización temporal de una historia que originalmente corresponde a la Roma preimperial, remite a otros títulos cinematográficos como Ricardo III (1995), de Richard Loncraine; Titus, de Julie Taymor; o Hamlet (2000), con Ethan Hawke. A propósito de anacronismos, también llama la atención que en Coriolanus los diálogos mantengan el lenguaje original del bardo inglés, por lo que inevitablemente suena algo artificial en boca de militares que sostienen metralletas y senadores con chaqueta y corbata. Por otra parte, es claro que las palabras de Shakespeare siguen teniendo un ímpetu desbordante que los siglos no han mermado. Porque, por supuesto, la fuerza del film está sin duda en las pasiones humanas contenidas en la historia recreada por Shakespeare. Patriotismo, envidia, traición, ira, compasión, amor y asesinato son algunos de los temas que desprende Coriolanus. Todo esto basta para generar un film más que correcto, muy por encima de lo acostumbrado. Y, sin embargo, el resultado final no es memorable debido a su, digamos, asepsia, a su falta de catarsis. Al espectador le será difícil encontrar un personaje con quien identificarse mínimamente, de modo que la tragedia sólo emociona lo justo. Y no hace ningún favor al protagonista la composición adusta y angustiada de Ralph Fiennes, el cual resulta a veces desconcertante en su mudo interior. Quizá una interpretación más humana y natural le hubiera granjeado mayor complicidad. En cambio sí están muy logrados los trabajos de la veterana Vanessa Redgrave –cuya materna composición de Volumnia en la intensa escena de petición de perdón es seguramente lo mejor de la película–, y del fiel y desesperado Brian Cox, estupendo como el senador Menenius. Sorprende por último que Jessica Chastain tenga tan escasa presencia como la mujer del protagonista.

Comedia sobre el sistema de herencias en la Inglaterra de finales del XVII. Las heredades se mezclan con líos amorosos que acaban componiendo un caótico panorama, especialmente para los chicos, pues por distintos motivos las chicas adoptan distintas personalidades. A veces, estos disfraces y nuevas identidades ayudan a la relación y otras sólo consiguen liar más las cosas. Kenneth Branagh vuelve a adaptar a William Shakespeare, en quien es todo un experto.

No es nueva la idea argumental de chico hace de chica-chica hace de chico. En la gran pantalla tenemos ilustres ejemplos, como Tootsie o Sra. Doubtfire, con Dustin Hoffman y Robin Williams luciendo “encantos”, o en el caso de ellas Yentl o Boys Don’t Cry, con las oscarizadas Barbra Streisand y Hilary Swank bordando sus roles masculinos. En este caso la protagonista es Viola, una jovencita simpática y dicharachera a la que le han negado jugar al fútbol en su instituto. Pero resulta que el deporte rey es su gran pasión y ella no quiere colgar las botas, así que decide suplantar a su hermano en otro colegio para hacerse un hueco entre los futbolistas. Las cosas se complican cuando su nuevo compañero de habitación le hace tilín. Comedia amable y de buenos sentimientos para el consumo adolescente, que, si bien no es la octava maravilla del mundo, tampoco esconde su modesta intención de hacer pasar un buen rato. Fickman adapta muy libremente “Noche de reyes” de Shakespeare y añade unas cuantas ideas modernas a rebufo del éxito de Quiero ser como Beckham. En ocasiones puede parecer algo ñoña, pero ofrece gags divertidos y un buen trabajo de la veinteañera Amanda Bynes.

Nueva incursión del cine español en la animación digital, que versiona muy libremente El sueño de una noche de verano de William Shakespeare. Sigue las andanzas de Elena una joven inteligente y atractiva con los pies bien pegados al suelo, pero que no duda en adentrarse en un supuesto reino de las hadas con tal de buscar remedio a la enfermedad que aqueja a su padre, el duque Teseo. En su periplo le ayudan Lisandro, un simpático inventor, enamorado de ella, y el banquero Demetrio, que la pretende sin demasiado éxito. Pero todo tipo de hechizos y sorpresas les aguardan. El film es una buena muestra de que hay buenos profesionales de la animación en nuestro país, aunque se agradecería un mayor cuidado en los guiones, algo simples e infantiloides. Reconozcamos no obstante, la presencia de algunos gags graciosos, y el cuidado que se ha puesto en la composición de Elena, la protagonista.

Para poder casarse, el joven Bassanio necesita dinero. Lo consigue gracias a su amigo Antonio, que pide un préstamo al usurero judío Shylock. Como éste no le guarda mucha simpatía, accede a darle la cantidad solicitada, pero con la condición de que si se demora en el pago, deberá darle una libra de carne de su propio cuerpo, del lugar que él señale. A pesar de esta condición demencial y abusiva Antonio acepta, pues es sobradamente solvente. No cuenta con el naufragio de uno de sus barcos. Aunque existen muchas versiones televisivas de la inmortal obra de Shakespeare sobre la codicia, y en la escena ha sido requeterrepresentada, faltaba una película de altura basada en "El mercader de Venecia". Dados además los tiempos políticamente correctos que corren, filmar una historia cuyo villano protagonista es un judío sin corazón, supone el riesgo de dar pábulo a la acusación de antisemita. Pues bien, el británico Michael Radford –1984, El cartero (y Pablo Neruda)– viene a llenar con brillantez la mencionada laguna. Eso sí, se cura en salud suavizando la terquedad de Shilock a la hora de mostrar su rechazo a la boda de su única hija con un cristiano, o al insistir en cobrar los intereses de la singular deuda. Estas opciones funcionan bien, y a nuestro entender sobraba ese prólogo vergonzante que trata de explicar por qué el malo de la peli es judío, echando gran parte de la culpa a la Iglesia católica. Además del formidable esfuerzo por recrear la Venecia del siglo XVI, el film es lo que es gracias al magnífico texto del bardo inglés, a una dirección que no trata de llamar demasiado la atención, y al trabajo de un fantástico reparto, donde los rostros más populares corresponden a ‘los chicos’, o sea, Al Pacino, Jeremy Irons y Joseph Fiennes.

Singular y original adaptación de la obra de William Shakespeare "El rey Lear", en la que el director alemán Uli Edel (R.A.F. Facción del Ejército Rojo) sitúa la acción en el viejo Oeste, de igual modo que Akira Kurosawa lo trasladó al japón feudal en Ran. Y es que los clásicos no cambian, valen para cualquier tiempo y lugar. Muestra de ello es este telefilm, que sin ser nada del otro mundo se ve con gusto. Patrick Stewart interpreta al cabeza de familia, John Lear, poderoso magnate que tiene en su poder una enorme hacienda. A la hora de repartir su herencia decide que sus tres hijas –Susannah, Rebecca y Claudia– tendrán que demostrarle su amor si quieren hacerse con sus tierras. Entre el reparto femenino destacan Marcia Gay Harden (Muerte entre las flores) y Lauren Holly (Beautiful Girls).

La joven promesa del baloncesto Odin James ha encontrado el amor de su vida, la atractiva hija del decano de su escuela. Pero su mejor amigo, Hugo Goulding, le convence de que ella tiene un romance con otro jugador del equipo, lo que despierta los inevitables celos. Versión moderna y con personajes adolescentes de Otelo, la inmortal tragedia de Shakespeare, cuya acción se traslada a un elitista colegio interno del sur de los Estados Unidos. Es la tercera película tras las cámaras del actor Tim Blake Nelson (La zona gris).

Sencilla y emotiva película del portugués Manoel de Oliveira, que emplea con indudable acierto textos de Shakespeare e Ionesco. El film sigue a un anciano actor -estupendo Michael Piccoli-, cuya familia muere trágicamente en un accidente de tráfico, a excepción de su nieto, un niño. El paso del tiempo no acaba de ayudar a restañar las heridas.Título contemplativo, sobre la vida que se va, porque se envejece, o porque la tragedia asoma a la existencia. De Oliveira se toma su tiempo en la narración, bien apoyado en una gran interpretación, y haciendo un uso excelente del silencio.

Sandeman. Un gángster de Liverpool, que ya peina canas, se queda hecho polvo cuando su esposa muere en una emboscada. Decide entonces retirarse y ceder el poder a las familias formadas por sus hijas. Pero se desata la lucha por el poder, y el desprecio por el anciano. Sólo la hija que parecía mostrarle poco cariño le echa una mano. Como se ve, la trama shakespeariana de "El rey lear" se remoza en este film gangsteril, uno de los últimos que protagonizó Richard Harris.

Revisitar o no revisitar "Hamlet". Un dilema que Michael Almereyda resuelve con brillantez. Su aproximación a Shakespeare, un hombre para todas las estaciones, adapta el original... al comienzo del tercer milenio. En Nueva York el reino de Dinamarca se transforma en una empresa multinacional. A partir de ahí el crimen y el infame matrimonio de Claudio y Gertrudis, las dudas y la fingida locura de Hamlet, los amores por Ofelia... funcionan como un perfecto mecanismo de relojería. La audacia de acercar la obra de Shakespeare a la época actual, como hicieron en su día Baz Luhrmann, Richard Loncraine o Kenneth Branagh, no es en absoluto banal. Y demuestra que los temas inmortales tratados por el genial bardo son, ciertamente, eternos. Buen Trabajo de Hawke y de quien fuera hace tiempo el actor fetiche de Lynch, Kyle MacLachlan.

Kenneth Branagh muestra audacia al adaptar esta obra de Shakespeare porque: 1) Es una comedia menor, poco conocida; 2) La ha convertido en un musical que transcurre en el siglo XX, con el peligro de que puristas e historiadores se tiren de los pelos; y 3) Ese musical bebe en los clásicos del género, por lo que puede sonar anticuado para el espectador joven. Pues bien, Branagh juega bien sus bazas: cree en lo que hace y ama el material que tiene entre manos. El film sigue la pista a un grupo formado por el rey de Navarra y tres consejeros, que han jurado solemnemente no tratar con mujeres durante tres años, para dedicarse a fondo al estudio de los asuntos de su país. Esta idea mínima, que conecta con la inmortal Bola de fuego de Howard Hawks, es suficiente para urdir un enredo repleto de frases brillantes, y en el que Branagh logra una especie de milagro: las canciones, todas existentes previamente y muy conocidas, encajan; no desentonan con el texto de la obra original. Tenemos un puñado de buenas interpretaciones en un film sin protagonistas absolutos. Quizá destaca en el conjunto Timothy Spall, en el papel de gracioso español. Los actores no son profesionales de la música y la danza. Pero se aplican a la tarea lo mejor que saben, y no salen mal parados. Quizá porque Branagh no pierde de vista que, lo que más le interesa, es el texto de Shakespeare. Con todas las audacias formales que se quieran, pero siempre al servicio de la historia original.

La inmortal comedia mágica de William Shakespeare es trasladada a la Toscana de finales del siglo XIX. Hermia y Lisandro están locamente enamorados. Pero el padre de ella pretende casarla con Demetrio, que a su vez ama a Hermia, mientras que Helena bebe los vientos por Demetrio. ¡Vaya lío!, ¿no? Pues aún se van a complicar más las cosas una noche de verano, en que el duende Robin administra una pócima amorosa a los amantes, con lo cual sus amores quedan trastocados. Otra afectada es la Reina de las Hadas, debido a los efectos de la poción se enamora de un presuntuoso actor convertido de asno. Risas, amor y toque de magia son las claves de este film que cuenta con un reparto envidiable. Calista Flockhart, conocido rostro televisivo de Ally McBeal está bien arropada por Michelle Pfeiffer, Christian Bale, Rupert Everett, Stanley Tucci, Sophie Marceau, David Strathairn... Pero el rey de la función es Kevin Kline, sobre todo en la secuencia de la representanción teatral, que es la que mejor captura el espíritu de Shakespeare. El film cuenta con un esfuerzo importante en la construcción de los decorados: una bulliciosa plaza mayor y el bosque mágico desprenden un radiante colorido, incluso en las esencas nocturnas. Michael Hoffman, el director, comenta que "el tema central del film es el conflicto entre amor y dignidad, y a cuánto de ti mismo eres capaz de renunciar para conseguir el amor".

Las hermanas Strattford son súper: Aunque Kat parece algo muerma, Bianca resulta hiperguay. Cameron acaba de aterrizar en el instituto, pero le basta ver un segundo a Bianca para quedarse colgadito de ella. La pena está en el troglodita padre de las Strattford, que piensa que sus retoños pueden quedarse preñadas en cualquier momento; así que no les deja salir. Pero por Snoopy, que la cosa no quedará así. Comedia de instituto para adolescentes. Caras bonitas de ellas y ellos, unas pocas gamberradas, chistes en torno al sexo... Así discurre el film de Gil Junger, en línea con la ya clásica serie televisiva Sensación de vivir. Dicen que está inspirada en "La fierecilla domada", de Shakespeare. ¡Atiza!

William Shakespeare es sin duda uno de los autores más adaptados a la gran pantalla. Sus obras son famosas en el mundo entero gracias a su objetiva y certerísima disección de las pasiones humanas. Pero entre ellas hay también algunas historias que no han adquirido el peso de sus hermanas mayores, y tal es el caso de Tito Andrónico, un drama donde la violencia y la venganza son las protagonistas. El mejor general romano, Titus Andronicus, regresa victorioso de la guerra contra los bárbaros. Con él trae prisionera a la reina de los godos, Tamora, a tres de sus hijos y al moro Aarón. Para seguir con el ritual de la victoria, Titus lleva a cabo el sacrificio de uno de los hijos de Tamora, pese a las súplicas de ésta. Pero cuando el caprichoso Saturninus es nombrado nuevo emperador del imperio y concede la libertad a la reina cautiva, ésta pergeñará una atroz venganza contra el prestigioso general. Que la película no está al alcance de todos los paladares lo explica el hecho de que se estrenara en nuestro país con cinco años de retraso. La directora Julie Taymor, más tarde encumbrada gracias a Frida, despliega un espectáculo visualmente impactante, entre barroco y kitsch, y excesivo también en la explicitud de la violencia y del hedonismo que domina el imperio. La puesta en escena es enormemente audaz al mezclar pasado y presente dando lugar a arriesgados anacronismos narrativos (el niño del inicio, los automóviles, la estética nazi, los discursos con micrófono, guerreros tipo Mad Max…). La sorpresa de esas imágenes y cierto tono teatral dota a la historia de un aire irreal y fantasioso, aunque lleno de vigor, donde el aspecto formal acaba por llevarse el gato al agua. Y la bella Jessica Lange y el sufriente Anthony Hopkins mantienen un duelo tan brillante como sobrecogedor.

Más que lúcido telefilm, de dos horas y media de duración, basado en una de las principales tragedias de William Shakespeare. Como se sabe el tema central es el de la ingratitud filial, representado en dos tramas: la del Rey Lear y sus hijas y la historia de Gloucester, traicionado por su hijo Edmond. La película se integra como el último episodio de la serie británica Performance (1992), que ofrecía adaptaciones de célebres obras de teatro de grandes autores. En este caso, protagoniza el incomparable Ian Holm, en el papel del sufriente Lear.

Gideon Prosper (Peter Fonda) abandona sus obligaciones como heredero de una plantación, a la muerte de su mujer, para dedicarse al aprendizaje de la magia negra. Su hermano menor aprovecha la situación para tratar de eliminarlo. El tiempo los volverá a reunir, dando ventaja a Gideon. Adaptación del clásico de Shakespeare con el mismo nombre.

Singular adaptación de la obra de Shakespeare, que traslada su acción a una imaginaria ciudad actual. La psicodélica realización del australiano Baz Luhrmann (El amor está en el aire (1992), Moulin Rouge), su iconografía religiosa, su violencia y su sensualidad quizá resulten un tanto excesivas, pero esto se compensa porque es visualmente fascinante y muy fiel a la letra y al fondo del original, cuyos diálogos se respetan. Tras el éxito de filmes como Vida de este chico, Leonardo DiCaprio comenzaba a convertirse en el actor de moda que, poco a poco, conseguiría desbordantes éxitos en filmes como Titanic. De todos los jóvenes ídolos de adolescentes de los 90, DiCaprio es el mejor actor, como demuestra en este filme, en su papel del paradigma de joven enamorado de Julieta, una enemiga de su familia, aunque en esta ocasión el escenario no es una playa isabelina, sino un futurista marco urbano situado en Verona. Junto a DiCaprio, la actriz Claire Danes realiza un buen papel, así como el prestigioso actor Pete Postlethwaite (En el nombre del padre). El reparto se completa con grandes nombres como Paul Sorvino o John Leguizamo. El propio realizador Baz Luhrman coescribió el guión junto con Craig Pearce, y ambos lograron una excelente sintetización que demuestra un extenso conocimiento de la obra del más célebre de los dramaturgos británicos. La música corrió a cargo de Nellee Hooper.

Viola se salva de un naufragio, pero cree que su hermano mellizo ha muerto. Descubre que se encuentra en el reino de Illiria, donde se disfraza de varón para entrar al servicio del duque Orsino. Su trabajo consite en ejercer de celestina entre el duque y la condesa Olivia. El director teatral Trevor Nunn lleva a la pantalla uno de las comedias más celebradas de Shakespeare. Respeta por completo el original, salvo que sitúa la acción en el siglo XIX. Lujosa adaptación donde la trama argumental, los enredos, situaciones equívocas, amistades ambiguas, celos... presiden el film, todo ello tratado con un excelento gusto, lo cual la convierte en una obra fresca y de gran actualidad. Trevor Nunn, famoso en el mundo del teatro, dirige este film para el que cuenta con actores y actrices de la talla de Helena Bonham Carter, Richard E. Grant, Imelda Staunton, Ben Kingsley, entre otros. Obligada es la referencia de una preciosista fotografía realizada por Cleare Tickner.

El cineasta y actor británico Kenneth Branagh (Enrique V, Mucho ruido y pocas nueces, Trabajos de amor perdidos filmó una de las mejores adaptaciones de la celebérrima obra de Shakespeare, sobre la venganza. El texto había sido llevado al cine anteriormente por directores como Laurence Olivier y Franco Zeffirelli. Branagh corrió el enorme riesgo de respetar casi al máximo el texto original, lo que se traduce en cuatro horas de metraje. La principal baza de Branagh es que siendo él mismo un actor excelente, es capaz de rodearse de los intérpretes más brillantes. Escoge significativos nombres del teatro inglés (Judi Dench, Derek Jacobi, John Gielgud), e incluso leyendas del cine americano (Charlton Heston, Jack Lemmon), a veces con interpretaciones breves, pero intensas. Él mismo borda el personaje que se ha reservado: el protagonista. Además, Branagh consigue darle dinamismo al texto teatral, mediante una utilización hábil de los recursos visuales. Destacan secuencias  como el encuentro de Hamlet con la figura fantasmagórica de su padre o el monólogo más célebre, el “ser o no ser”, que Branagh recita delante de un espejo.

El británico Oliver Parker (Un marido ideal) dirige esta fiel adaptación de la obra de Shakespeare sobre el demonio de los celos. Destaca Kenneth Branagh (Yago) y el hecho de que Otelo esté interpretado por un actor negro, Laurence Fishburne.

Adaptación de la obra de William Shakespeare, la originalidad consiste en trasladar la ambición desmedida de Ricardo III a una Inglaterra de los años 40 del siglo XX, convertida en un estado más o menos fascista. Ricardo irá eliminando a todo aquel que se interpone entre él y la corona.Estéticamente ambiciosa, con escenas bélicas modernas, esto no quita para que el film de Richard Loncraine -mejor director en el Festival de Berlín- suene a excesivamente artificioso. Él y Ian McKellen -éste también protagonista- firman el libreto que adapta la obra del bardo. Había cierto morbo por saber cómo habrían insertado en un contexto moderno la célebre frase "Mi reino por un caballo", y la verdad, 'canta' un poco el momento en que se pronuncia.

Basada en la obra de William Shakespeare, Mucho ruido y pocas nueces es una comedia romántica que ronda la perfección. Cuenta con un excelente reparto que lleva a cabo exquisitas interpretaciones, entre las que destaca la pareja formada por Kenneth Branagh y Emma Thompson, donde surge un picante y divertido romance, pero por si acaso están acompañados por Robert Sean Leonard, Keanu Reeves, Michael Keaton y Denzel Washington, lo que no está nada mal. Kenneth Branagh, que ya ha llevado a Shakespeare al cine en diversas ocasiones -Hamlet (1996), Enrique V (1989)- dirige este film al que sabe imprimir un buen pulso narrativo, enamoramientos, romances, infidelidades, amistad y lealtad traicionada, rápidos saltos de la comedia a la tragedia, de la lágrima a la risa se nos presentan con una naturalidad nunca hasta ahora conseguida. La película cuenta con una elaborada dirección artística, espléndidos vestuarios y una gran banda sonora a cargo de Patrick Doyle.

Mike (River Phoenix) y Scott (Keanu Reeves) son dos chicos que se ganan el sustento vendiendo su cuerpo a otros hombres por las calles de Oregón. Mike tiene narcolepsia, enfermedad que se caracteriza por provocar un sueño repentino a la persona, y el muchacho está obsesionado con encontrar a su madre a la que no ve desde hace mucho tiempo. Por su parte, Scott es un chico rebelde de familia acomodada, que ha dejado los lujos de su hogar para dedicarse a la prostitución como modo de llevar la contraria a su estricto padre. Los dos muchachos se hacen amigos y decide viajar hasta Italia para ir en busca de la madre de Mike, y por el camino los lazos de afecto se harán tan fuertes que éste comenzará a enamorarse de Scott. Película célebre de Gus Van Sant (Elephant) y crudo retrato de dos jóvenes chaperos homosexuales que viven en un ambiente sórdido de drogas y corrupción. El director imprime su sello particular en la realización de la película, con escenas fuera de lo normal, como los modelos que hablan en las fotos de las revistas. El film recibió varios galardones y River Phoenix ganó la Copa Volpi en el Festival de Venecia.

Adaptación de la obra de teatro del dramaturgo y guionista Tom Stoppard, que dirige él mismo, su única incursión hasta la fecha como director. Toma a dos personajes secundarios del "Hamlet" de William Shakespeare, Rosencrant y Guildenstein, y presenta los hechos de la conocida obra desde su punto de vista, ignorantes del destino que les ha preparado su amigo el príncipe de Dinamarca, por lo que considera una deslealtad y una traición de parte de ellos. Se trata de un planteamiento original, y que proporciona momentos cómicos, próximos a lo surrealista. Gran trabajo de Gary Oldman y Tim Roth como la pareja del título. El film ganó el León de Oro en el Festival de Venecia.

Ciudada y realista adaptación de la más célebre obra de Shakespeare. La duda y la venganza son los sentimientos que embargan la cabeza y el corazón del joven príncipe de Dinamarca, cuando a la muerte de su padre, su madre decide casarse con su tío Claudio. El italiano Franco Zeffirelli puso en juego toneladas de oficio para ofrecer esta nueva adaptación de la inmortal obra. Su estilo sobrio contrasta con la puesta en escena de otras versiones más modernas, como la de Branagh. Mel Gibson demostró ser un actorazo.

Enrique V llega muy joven al trono de Inglaterra. Manipulado por las personas de su alrededor, entra en guerra con Francia, para reinvindicar la corona de ese país. El principal reto del monarca consistirá en levantar la moral de sus tropas. El inglés Kenneth Branagh se había consagrado como actor teatral interpretando al protagonista de la inmortal obra de Shakespeare. Pocos años después, debutó como director con esta impresionante adaptación, que también protagoniza, bastante fiel al original, en su reflexión sobre el poder y la guerra. Memorable secuencia en la que Branagh, con una interpretación bastante sentida, alienta a sus tropas antes de la batalla de Agincourt.

Manuel Taranto, joven de familia de raza gitana, se enamora de Ana Montoya, que pertenece a un clan rival con el que mantienen una antigua enemistad. Ninguna de las dos familias acepta la relación. Versión libre de la tragedia de "Romeo y Julieta", en este caso ambientada en Andalucía, con logrados números musicales.

Traslación del inmortal "Hamlet" de William Shakespeare a nuestros días, de la mano del inclasificable y sorprendente Aki Kaurismäki. Aquí Hamlet, tras la muerte de su padre, hereda su empresa, que desea controlar su tío. Lo que sirve al director para criticar los excesos del capitalismo. Eso sí, en el camino se quedan el genial texto del bardo, pues Kaurismäki se queda sólo con el esqueleto de la trama.

La versión de Akira Kurosawa de la tragedia de 'El rey Lear'. El maestro japonés acude a Shakespeare -cambiando hijas por hijos- para contar una historia sobre la filiación y la paternidad, y los sentimientos de gratitud. Ambientada en el siglo XVI, el anciano Hidetora ha decidido repartir sus tierras entre sus tres retoños, unos hombres ya hechos y derechos. Lo que desata la ambición de dos, mientras que el que parecía más despegado es el que mejor reacciona. El film tuvo cuatro nominaciones al Oscar, materializando la del vestuario.

Una terrible epidemia se ha desata en un país africano que se encuentra en guerra civil. Tras el asesinato de los médicos de la Cruz Roja, Desdémona –una atactiva mujer– organiza una expedición de ayuda apoyada por un grupo de mercenarios que manda el general Othello. Entre el oficial y Desdémona surgen grandes desavenencias. Curiosa versión libre y modernizada de "Otelo", la obra de William Shakespeare. Destaca el trabajo del veterano Tony Curtis como Yago.

Miniserie presidida por la manipulación y las intrigas. Otelo es un personaje influyente de Venecia que acude a Chipre para defender los intereses comerciales de la ciudad de los canales. Yago es uno de los hombres que están a su cargo y un conspirador nato. Con tal de conseguir escalar puestos, Yago no dudará en manipular a todo el que pueda. El propio Otelo llega a ser víctima de sus maldades. Y es que Yago recurre a los celos para conseguir que el marido de Desdémona acabe perdiendo la cabeza por culpa de su desconfianza. Nueva adaptación de la tragedia de William Shakespeare. Anthony Hopkins se suma a una lista de grandes actores entre los que figuran Orson Welles y Laurence Olivier, que han interpretado a este personaje consumido por los celos.

Adaptación cinematográfica de una de las obras más conocidas de Shakespeare. La intriga es una serie de amores y parejas cruzadas que se suceden bajo el influjo de las hadas. Hermia ama a Lisandro pero su padre quiere que se case con Demetrio, el cual ama a Helena, que le corresponde. Hermia y Lisandro deciden escapar y casarse en secreto. La idea de la obra dentro de la obra está muy bien estructurada y sostenida por un lenguaje y situaciones brillantes.

Superproducción épica que cuenta los amores del soldado romano Marco Antonio y la reina Cleopatra, y cómo afectó la relación en sus deberes políticos. Todo comienza cuando ambos se conocen y se enamoran, pero pronto, él debe volver a Roma por órdenes de Octavio para que se una a éste y luchen juntos contra Pompeyo. Además, por razones puramente estratégicas, Marco Antonio acepta casarse con la hermana de Octavio, lo que provoca los celos de Cleopatra. Charlton Heston debutó como director en este film, donde también se ocupaba del guión y del papel protagonista. Para el rol de Cleopatra se escogió a Hildegarde Neil, actriz televisiva que no podía, ni mucho menos, alcanzar el nivel que había dejado Elizabeth Taylor en la película de 1963. Basada en la obra de William Shakespeare, la película cuenta con un amplio reparto donde aparecen los rostros españoles de Carmen Sevilla, Fernando Rey o Sancho Gracia. La música es de John Scott.

Macbeth, general escocés, habla con tres brujas que le profetizan que un día será rey. Cuando Duncan, el auténtico soberano, se aloja en su casa, le asesina para sustituirle, animado por su esposa. Por desgracia, para mantenerse en el trono deberá cometer más crímenes. Tras el asesinato en 1969 de su esposa, Sharon Tate, embarazada de ocho meses y medio, el cineasta Roman Polanski abandonó el rodaje de El día del delfín, que nunca terminó, y pasó dos años de inactividad, tratando de recuperarse de la tragedia. Regresó al cine con esta versión de la obra teatral de William Shakespeare, un tanto oscura y desesperanzada, a tono con el estado de ánimo que debía tener su autor en aquel momento. La sanguinaria matanza de los escoltas del monarca por parte del protagonista, recuerda a la brutal muerte de Tate. Obtuvo en 1973 el premio BAFTA al mejor diseño de vestuario, pero aunque en Inglaterra obtuvo una buena respuesta comercial, en el resto del mundo pasó desapercibida, por lo que al final se convirtió en el primer fracaso en las taquillas del realizador. No obstante, la crítica resaltó con unanimidad la impresionante interpretación de Jon Finch, encarnando al protagonista.

Magnífica adaptación de la obra de William Shakespeare a cargo de Tony Richardson. Nicol Williamson, aunque ya tuviera cierta edad, hace una formidable interpretación del joven príncipe de Dinamarca, atormentado por la muerte de su padre, y perplejo por el comportamiento de su madre, que enseguida se embarca en un rapidísimo nuevo matrimonio, lo que multiplica sus dudas acerca de lo que conviene hacer en cada momento. En el reparto también destaca un jovencito Anthony Hopkins encarnando a Apolonio. Filmada con medios más bien escasos, lo que se manifiesta en lo cerrados que son los planos, es de esas películas que dejan bien claro que lo importante es la fuerza del texto original del bardo, bien manejado por Richardson, y que los actores disfrutan representando.

Se trata de una de las mejores adaptaciones cinematográficas de la inmortal historia contada por Shakespeare en su obra teatral. En la Italia del Renacimiento, dos jóvenes amantes se ven obligados a separarse por causa del odio que se tienen sus familias, los Montesco y los Capuleto. El desenlace, conocido por todos, será terrible. Una película popularísima en su época, que levantó la polémica debido a la elección de dos adolescentes para los papeles protagonistas. El intuitivo Zeffirelli escogió a una Julieta y a un Romeo de quince y dieciséis años, totalmente desconocidos. Narrada con sobriedad y con frescura, la ambientación es un enorme atractivo. Romántica a más no poder, hoy en día quizá queda un poco lánguida, pero se ve con aprecio. Danilo Donati obtuvo el Oscar al mejor vestuario. La excelente composición musical es de Nino Rota, ganador del Oscar en 1972 por El padrino.

Adaptación de la obra de Shakespeare interpretada por miembros de la Royal Shakespeare Company. Es un largometraje agradable lleno de fantasía y curiosos personajes. Cuenta con un gran diseño de vestuario que caracteriza muy bien a los actores, quienes realizan unas buenas interpretaciones. Entre sus intérpretes vemos a unos jóvenes Ian Holm y Judi Dench, que años después estarían entre los actores más famosos. Esta película fue una de las muchas adaptaciones que se han hecho a lo largo de la historia sobre este cuento de fantasía.

Es ésta una divertídisima comedia basada en una obra de teatro del mismísimo William Shakespeare. Está protagonizada por una de las más famosas parejas de Hollywood, que también formó matrimonio en la vida real: Elizabeth Taylor y Richard Burton. Petruchio (Richard Burton) es un chovinista mujeriego y necesitado de dinero, que decide viajar desde Verona hasta Padua en busca de una mujer de buena fortuna que pueda darle una vida placentera. Pero allí encontrará a la explosiva y fiera Katharina (Elizabeth Taylor), una mujer muy liberal del siglo XVI y que, prendida del vividor Petruchio, hará todo lo posible para impedir su matrimonio. Los dos intérpretes principales ofrecen unos papeles memorables en esta comedia romántica, de fabulosa ambientación y exquisitamente dirigida por el especialista Franco Zeffirelli.

Magnífica película de un Orson Welles que tenía muchas dificultades para hacer cine. Aquí contó con el apoyo del productor español Emiliano Piedra para seguir explorando a su amado Shakespeare, en un título que aúna varias obras del genial bardo sobre Enrique V. Con increíble inspiración, Welles sabe conjugar las partes de comedia, de la época en que el rey se divierte con Falstaff y sus juerguistas amigos, con las más dramáticas sobre la responsabilidad que conlleva ser rey, y que trasladará la acción al campo de batalla. Las palabras escritas por Shakespeare suenan de un modo sin parangón, con un reparto estupendo e internacional, donde no faltan hispanos como Fernando Rey. Y el cineasta muestra su talento en las escenas de las batallas, de las más memorables de la historia del cine a pesar del ajustado presupuesto, nada comparable a lo que Hollywood puso a sus pies en los años de Ciudadano Kane.

Con ayuda del maquillaje, Laurence Olivier se convierte en Otelo, como es bien sabido un hombre negro, capitán del ejército veneciano. El envidioso Yago, su alférez, le convence de que su mujer, Desdémona, le ha sido infiel. El director de la televisión británica Stuart Burge prima las interpretaciones de los excelentes actores con los que cuenta, sobre el resto de elementos, como fotografía y decorados.

El padre de Hamlet, príncipe danés, ha muerto y su madre se ha casado con el supuesto asesino. También hay un fantasma que deambula y clama venganza y una fiel dama vive enamorada del príncipe que se consume al borde de la locura. Grosso modo está es la historia de Hamlet, un personaje real del siglo XIII, del que Shakespeare se sirvió para una de sus obras maestras y que ha sido llevada al cine en más de 100 ocasiones, teniendo su obra cumbre en el film del mismo título dirigido e interpretado por Laurence Olivier en 1948. La versión que nos ocupa es una filmación en blanco y negro de la representación en Broadway de la obra, dirigida por Bill Colleran y John Gielgud. Protagonizan Richard Burton como Hamlet, Hume Cronyn en el rol de Polonius y Linda Marsh como Ofelia. El propio Gielgud pone la voz al fantasma del padre

Verona, Edad Media. Romeo mata en duelo a Tebaldo, primo de su amada Julieta, a quien obligan a desposarse con Paride. Fray Lorenzo intenta ayudar a los enamorados. Desmejorada revisión de "Romeo y Julieta", con actores de segunda categoría y un presupuesto a todas luces insuficiente.

La inmortal obra de Shakespeare se convirtió en manos del ruso Kozintsev en una obra maestra del cine. Interpretaciones y factura visual sorprendente y música de Shostakovich.

Uno de los musicales más recordados de todos los tiempos. Capaz de atraer al público juvenil, mucho antes de que surgiera, por ejemplo, Grease. Esta puesta al día de la inmortal historia de amor de Romeo y Julieta se llevó a casa 10 Oscar, incluidos los de mejor película y dirección (el tándem Robert Wise-Jerome Robbins). Se los merecía. Fox editó una edicón especial de la película, acompañada de numerosos extras (entrevistas con los actores y Robert Wise, muchos años después, una magnífica comparativa entre el storyboard y los planos finalmente filmados…), además de un libreto con el guión original (eso sí, en inglés puro y duro). En los años cincuenta, dos bandas de jóvenes, los Jets, de origen irlandés, y los Sharks, portorriqueños, se disputan el dominio de las calles del West Side neoyorquino. Su rivalidad es completa, e imposible la reconciliación. Por eso, cuando Tony (Richard Beymer), un Jet, se enamora de María (Natalie Wood), hermana del jefe de los Sharks, el romance se revela enseguida muy, muy complicado. Con esta sencilla historia universal, Arthur Laurents (letrista), Leonard Bernstein (música) y Jerome Robbins (coreografía) habían dado el golpe en los escenarios de Broadway. Era inevitable su traslación a la pantalla, pero gracias a la pericia del gran Robert Wise, cada fotograma transpiraba ritmo cinematográfico. El prólogo y parte de la pelea se rodaron en auténticas calles de Nueva York, hoy derruidas. Para el resto se construyeron fabulosos escenarios, supervisados por el director artístico Boris Leven, que reproducían, por ejemplo, los tejados. Los supercomplicados números de baile, con sus enrevesados compases, llevaron de cabeza a los actores, pero el resultado mereció la pena. Por cierto, para el papel de Tony, Robert Wise intentó conseguir al Elvis Presley, el rey. Entre los muchos temas musicales, perdura en la memoria del cinéfilo “America” y “María”.

Sorprendente adaptación de la comedia de William Shakespeare, a cargo del animador y marionetista Jiri Trnka. Los enredos amorosos urdidos por el bardo inglés tienen una magnífica expresión en estos muñecos animados.

Akira Kurosawa fue un cineasta abierto a las influencias de la cultura occidental. Lo demostró al trasladar al ambiente nipón medieval la célebre tragedia `Macbeth´ de William Shakespeare. En esta ocasión es un señor de la guerra japonés el que recibe una profecía según la cual llegará a ser emperador; y su mujer alimenta esa ambición, con consecuencias fatales. El director consideraba que, con Bajos fondos y La fortaleza escondida, le había salido una trilogía `jidai-geki´, las típicas películas de época de su país. Para narrar la historia acudió a la técnica del teatro `noh´, en que los actores mueven el cuerpo de un modo muy característico. El uso de la niebla se reveló eficacísimo, así como el del decorado del castillo, en la falda del monte Fuji.

Eduardo IV es coronado rey de Inglaterra en una etapa de prosperidad. Su hermano trama una siniestra conspiración para alzarse con el trono. Es un hombre jorobado, ambicioso y siniestro. Para hacer caer a su otro hermano, el duque de Clarence, propaga una serie de rumores falsos, por lo que le ejecutan. Cuando el rey muere, el príncipe de Gales es todavía un niño, por lo que Ricardo se convierte en su tutor.  Tercera y última adaptación de una obra de Shakespeare por parte de Laurence Olivier, después de Hamlet (1948) y Enrique V. La puesta en escena combina teatro y cine. Lo mejor es la actuación del propio Olivier, como el inolvidable rey ambicioso y jorobado. Durante dos generaciones nadie se atrevió a interpretar ese personaje.

Adaptación de la conocida comedia de William Shakespeare, con dos actores perfectos para dar vida a la mujer de armas tomar y el hombre que la mete en vereda, Carmen Sevilla y Alberto Closas. La acción se traslada a Gandía, en el Mediterráneo español.

La inmortal tragedia romántica de William Shakespeare en la versión de Renato Castellani, que mereció el León de Oro en Venecia. ¿Pueden los enamorados Romeo y Julieta quererse cuando sus familias están tozudamente enfrentadas? A pesar de la ayuda de sus confidentes, la cosa no es tan sencilla, y el destino falta pesa. Aparte de la historia destaca la fotografía en color de Robert Krasker, que presenta de modo inolvidable Siena, Padova, Verona y Venecia, inspirado en cuadros magistrales de pintores italianos. Es la única película que hizo Susan Shentall, la ardiente Julieta.

Adaptación cinematográfica del conocido musical teatral escrito por Bella y Samuel Spewack –basándose en el clásico de Shakespeare “La fierecilla domada”– con canciones de Cole Porter, y convertido en otro de los muchos musicales a todo color realizados en la época dorada de la Metro Goldwyn Mayer. Filmado en el formato 3D, el colorista espectáculo mantiene un gran ritmo de comedia, esta vez con entusiastas interpretaciones de la pareja Howard Keel y Kathryn Grayson, y una trama centrada en el mundo de los gángsteres. La banda sonora musical adaptada de André Previn y Saul Chaplin fue candidata a la estatuilla. Previn fue un colaborador habitual del director Sidney en títulos como Pepe (1960) y Chica sin barreras (1966).

En el año 44 antes de Cristo, Julio César posee el poder de la República Romana, después de haber ganado en la batalla de Farsalia. Casio, que teme que el gobierno acabe en dictadura, planea una conspiración contra el emperador, e instiga a los senadores para asesinarle. Mientras tanto, un adivino ciego advierte a Julio César del peligro que corre, pero éste no está solo, pues cuenta con la ayuda de Marco Antonio. Superproducción histórica dirigida por Joseph L. Mankiewicz y basada en la inmortal obra teatral de William Shakespeare, que optó a los Oscar como mejor película, mejor música, mejor fotografía y mejor actor (Marlon Brando). La película cuenta con un brillante guión, diálogos espléndidos (el discurso de Marco Antonio a cargo de Brando es verdaderamente memorable), magníficos decorados y la interpretación de grandísimos actores, sobre todo británicos. La dirección de actores, que corrió a cargo de Cedric Gibbons, ganó un merecido Oscar.

Otelo, orgulloso militar veneciano, está felizmente casado con Desdémona. Pero Yago, uno de sus hombres de confianza, siente tanta envidia que decide convencer a Otelo de que Desdémona le ha sido infiel. Una de las tres geniales incursiones de Orson Welles en el universo de Shakespeare, junto a Macbeth y Campanadas a medianoche. Aunque tardó años en terminar el rodaje, obtuvo una obra maestra, con elaborados movimientos de cámara y ángulos sorprendentes.

Un vidriero de Murano y la hija de un magistrado fascista son elegidos para protagonizar una versión cinemtatográfica de "Romeo y Julieta" en Venecia y Verona. Así, ambos se enamoran, como los personajes que interpretan.  Curiosa recreación del clásico de Shakespeare  

Al príncipe de Dinamarca, Hamlet, se le aparece el fantasma de su padre para decirle que no falleció de muerte natural, sino que fue asesinado por su tío quien, tras casarse con su madre, se ha convertido en el rey de Dinamarca. Hamlet decide vengarse de él. La más famosa de las adaptaciones de la inmortal obra de William Shakespeare (muchos años después alcanzaría un gran éxito la versión dirigida e interpretada por Branagh). Lo mejor es la interpretación del propio Laurence Olivier como Hamlet. Obtuvo cuatro oscars a la Mejor película, actor, decoración y vestuario.

Orson Welles, fiel a su origen teatral y a su amor por Shakespeare, adapta esta obra modélica en su retrato de la ambición, donde Macbeth es empujado a acciones abominables por su esposa. El cumplimiento de la profecía de las brujas es un momento poderoso.

Versión de Laurence Olivier –impagable debut como director– de la inmortal obra de Shakespeare, sobre el controvertido monarca británico. Muestra los dilemas de un rey, que para defender corona y patria, enardece a sus hombres, los cuales le darán finalmente la memorable victoria en la batalla de Agincourt, el día de San Crispín. El director y actor inglés da una lección de buen cine en la primera adaptación de su autor favorito. Película y actor (Olivier) estuvieron nominados a los Oscar.

Adaptación cómica de la inmortal obra teatral de William Shakespeare, que narra los amores tan románticos como imposibles entre Romeo y Julieta, miembros ambos de familias enfrentadas de Verona, los Montesco y los Capuleto. La parodia está protagonizada por el inefable Cantinflas, en uno de sus primeros papeles, mientras que detrás de las cámaras se sitúa Miguel M. Delgado, que dirigió al cómico en la mayoría de sus películas.

Rosalinda, expulsada de la corte por el cruel Federico, se refugia en el bosque con Celia. Ambas se disfrazan para pasar desapercibidas. Rosalinda se hace pasar por Ganimedes, un muchacho, y Celia por la pastora Aliena. Fiel adaptación británica de la célebre obra de Shakespeare. Cuenta con un gran trabajo de Laurence Olivier.

Basada en la obra teatral de William Shakespeare, la historia traslada al espectador a la mítica Verona, donde dos jóvenes: Romeo Montesco y Julieta Capuleto, pertenecientes a familias que se odian entre sí, vivirán su amor por encima de todo, hasta el trágico final que el destino les depara. Otra versión de la archiconocida tragedia, que estuvo nominada a los Oscar. Cuenta con Leslie Howard y Norma Shearer como la pareja protagonista, que eran bastante maduritos para el papel de los dos enamorados. De todos modos, el film resulta notable, gracias en parte a la dirección que corre a cargo de George Cukor.

Una de las escasas comedias escritas por William Shakespeare: una historia de amor donde se mezclan todo tipo de mágicos mundos y extrañas criaturas. Ha conocido más de treinta versiones para cine, comenzando por el mudo en películas de 1909, 1910, 1912, 1913, 1917, 1925 y 1929. Además, tuvo gran repercusión internacional la adaptación homónima rodada en Checoslovaquia en 1957 por Jiri Trnka, que era un film de marionetas. Otras comedias derivadas de la obra son La comedia sexual de una noche de verano,de Woody Allen (1982); y el filme de animación español, El sueño de una noche de San Juan,de Ángel de la Cruz y Manolo Gómez (2005). Aunque las más fieles a la obra original son El sueño de una noche de verano de William Shakespeare,de Michael Hoffman (1999), y el film que nos ocupa. Una producción Warner de gran presupuesto que pasó por numerosos problemas: William Dieterle tuvo que ayudar al director elegido, Max Reinhardt, que era un genio en el teatro pero un poco inútil en cuestiones cinematográficas. El director de fotografía Ernest Haller fue despedido después de que se comprobase que sus escenas del bosque quedaban muy oscuras; y Mickey Rooney se rompió una pierna teniendo que modificar sobre la marcha su personaje.A pesar de todo, el filme acabó siendo excelente y ganó dos Oscar: fotografía, para Hal Mohr, que, por presiones de Jack Warner a la Academia fue el vencedor sin estar entre los tres nominados oficiales (por primera y única vez en la historia); y montaje para Ralph Dawson.