Kelvin Harrison Jr.

En el curso de la elaboración de un artículo para The New Republic, el periodista Michael Block viaja a Louisiana y se topa con las fotografías de Christina Eames, artista que desempeñó una exitosa carrera en Nueva York. En la Gran Manzana intentará contactar con la fotógrafa, pero ésta ha fallecido y entonces se reunirá con su hija, Mae, conservadora de un museo de Queens. El encuentro entre Robert y Mae es eléctrico, hay atracción a las primeras de cambio y quedarán para verse de nuevo. Película romántica que gustará a los incondicionales del género y dejará un tanto fríos a los espectadores más cerebrales. Está escrita y dirigida por Stella Meghie, cuya querencia por este género se puede comprobar por el título de otra de sus películas, El amor lo es todo, todo. Aquí explora los obstáculos que se interponen al amor perdurable, las dificultades para mantener unidas a dos personas que se quieren. Es el eterno dilema de hasta dónde se está dispuesto a renunciar por amor: ¿es necesario relevar a segundo término otras prioridades personales, como el trabajo, el cambio de residencia o esa sutil decisión de evitar el dolor ajeno, entendido siempre desde nuestro punto de vista? Es Retrato de un amor una película sencilla de planteamientos, simple quizá, melosa a su modo, que explora el amor en esos ámbitos, narrada en dos tiempos distintos, dos generaciones de personas afroamericanas con dilemas similares. Tiene obviamente su carga sentimental y nostálgica, el dolor por los errores que ya no se pueden cambiar; aunque también advierte que sobre esas equivocaciones puede construirse otro futuro mejor, una historia de decisiones acertadas. En tiempos en donde la promiscuidad es la alternativa de tantos jóvenes, Meghie propone apostar por el amor conservado como la única salida hacia la felicidad. Ejemplar en este sentido es el dibujo de la familia del hermano de Michael, y aunque en la inicial relación entre los protagonistas no destaca precisamente la hondura, sus actitudes resultan siempre auténticas, unas miradas y unas complicidades que denotan a la perfección la increíble y casi mágica conexión que se ha producido entre ellos. Ayuda a asumir con naturalidad el romántico guión la cuidada fotografía de Mark Schwartzbard y la música casi constante de tonalidades sureñas y jazzísticas de Robert Glasper. Y hay que reconocer que la excelente dirección de actores logra insuflar personalidad propia tanto al personaje interpretado por Lakeith Stanfield, como al de su enamorada, encarnada por una esplendorosa Issa Rae.

Maggie Sherwoode es la asistente personal de una diva de la canción, la popularísima Grace Davis, que aún sigue arrastrando a multitudes a sus conciertos, aunque no graba un nuevo álbum desde hace años. ¿Se le ha pasado el arroz musical a la cantante? Maggie piensa que no, y hasta está haciendo arreglos de sus canciones por su cuenta, pues sueña con ser productora discográfica. Pero a pesar de que ha bebido la pasión por la música desde pequeñita –su padre es periodista radiofónico del sector–, nadie parece creer en sus cualidades, y a Grace le asaltan muchos miedos e inseguridades, a pesar de su condición de estrella. De pronto, casualmente, conoce en un supermercado a un joven afroamericano, David, que es un encanto, y encima parece tener cualidades de cantautor. ¿Y si le diera a entender que es productora, y tratara de dar impulso a su posible carrera? Podría ser la oportunidad de su vida. Agradable película, que por su título en España, evoca uno de punto de partida parecido, Personal Shopper de Olivier Assayas y Kristen Stewart, aquí como ayudante tomaría el relevo la cada vez más en alza Dakota Johnson, que entrega una gran interpretación. La directora, Nisha Ganatra, es bastante desconocida, aunque tiene experiencia televisiva y ha sido consultora de la serie Transparent. Con un guion de la debutante Flora Greeson, entrega una historia más o menos previsible, aunque incluye un giro sorpresivo en el último tramo bastante de culebrón, un elemento que se justifica con un recurso simpático pero con trampa, al aludir la protagonista de que “esto es un plan urdido desde mi infancia”. Puede pensarse en filmes como la última versión de Ha nacido una estrella o Yesterday, a la hora de introducir adecuadas canciones, siguiéndose la estela del segundo título a la hora de suavizar posibles aristas del mundo de la fama. Y se lleva bien la idea de saber posicionarse bien en las distintas fases de la vida, o lo bien que viene tener cerca gente que nos aprecia, consejeros capaces de decirnos lo que piensan para ayudarnos, aunque duela: hay que saber hablar, y el silencio, callar, puede ser un error que acaba pasando factura. Los melómanos apreciarán las muchas referencias musicales, por ejemplo en la comparación de canciones que aluden a California, y a los artistas detrás de ellas. O las grabaciones y arreglos de los distintos temas. Además de Johnson, hacen un buen trabajo los demás actores, los menos conocidos Tracee Ellis Ross –que estuvo en la serie CSI– y Kelvin Harrison Jr., más otros secundarios como Zoe Chao, Bill Pullman, Ice Cube y June Diane Raphael.

Apasionante película basada en hechos reales, escrita y dirigida por Aaron Sorkin, tras un laborioso proceso que arrancaba de trece años atrás, cuando Steven Spielberg le sugirió que escribiera un guión sobre el tema. Su labor tiene mucho mérito por la cantidad de datos que maneja, y el modo en que los entrega, evitando que el espectador se pierda en ellos. En 1968, con el envío creciente de jóvenes estadounidenses a combatir en Vietnam, las protestas contra la guerra no hacen más que crecer. Los asesinatos de Martin Luther King y Robert Kennedy han caldeado el ambiente, y la Convención Demócrata que va a proponer en Chicago a Hubert H. Humphrey como candidato presidencial frente a Richard Nixon no mejora las cosas. Desde distintos puntos del país acuden numerosas personas a aprovechar el evento para exteriorizar sus protestas, lo que termina en un encarnizado enfrentamiento con la policía. Tras la victoria de Nixon, y con un nuevo Fiscal General, serán acusados de conspiración los principales cabecillas de distintas asociaciones: Tom Hayden y Rennie Davis, de los Estudiantes por una Sociedad Democrática, Abbie Hoffman y Jerry Rubin, del movimiento contracultural de los Yippies, David Dellinger, John Froines y Lee Weiner, del Comité de Movilización Nacional para Terminar con la Guerra de Vietnam, y el presidente de las Panteras Negras Bobby Seale. Les defiende el abogado activista de los derechos humanos, William Kunstler, excepto a Seale, que no quiere que le represente, en lo que se conocerá como el Juicio de los Siete. Aaron Sorkin, tras un prólogo ejemplar presentando los antecedentes de su historia, sabe estructurar el relato alrededor de tres elementos que funcionan muy bien, y quedan perfectamente entrelados: las sesiones del largo juicio, con un juez de imparcialidad cuestionable (Frank Langella), el fiscal que lleva la acusación (Joseph Gordon-Levitt) y el abogado que defiende a los siete (Mark Rylance), más las declaraciones de los testigos, entre ellos el antiguo fiscal general (Michael Keaton); lo que gira en torno a los preparativos de la manifestación en Chicago, que termina con la violencia desatada; y los distintos modos de encarar las protestas ante lo que se considera injusto, y sus defensas, y que tienen su rostro principal en los personajes de Tom Hayden (Eddie Redmayne) y Abbie Hoffman (Sacha Baron Cohen), uno con una contestación más ordenada, el otro más ácrata, aunque también sean destacables David Dellinger (John Carroll Lynch), que a su hijo siempre le ha dicho que no hay recurrir a la violencia, o Bobby Seale (Yahya Abdul-Mateen II), el octavo pasajero por así decir, ya que se desmarca de la defensa de los siete. Con una puesta en escena de enorme clasicismo, una búsqueda de la objetividad desnuda, y una exquisita definición de los personajes, incluso de los de menor presencia, logra una película más que notable, se afianza como director tras la también notable Molly's Game, y dando una vuelta de tuerca a las historias de juicios que ya abordaba, como escritor, en Algunos hombres buenos. Es un film clarividente de su interés por las cuestiones políticas, tratadas con humanidad y rigor, de lo que también es representativo, por supuesto, su gran trabajo en la serie El ala oeste de la Casa Blanca. El reparto es sensacional, y no he citado a todos los actores en estas apretadas líneas. La película es de las que piden a gritos un premio, un reconocimiento, a todo el conjunto actoral, porque cada intérprete está perfectamente escogido para su papel. Y es representativa de lo que pueden hacer en Hollywood las grandes compañías, pues están envueltas en la producción DreamWorks de Spielberg, la “major” Paramount, y el invitado últimamente a todas las fiestas Netflix, que aquí tiene muchas papeletas para lograr, al fin, el Oscar a la mejor película... antes de que se impongan las cuotas.

Tyler Williams vive un momento dulce con su familia afroamericana en Florida. Está a punto de graduarse en el instituto, tiene una novia estupenda, Alexis, y se le presenta un futuro prometedor en la lucha libre, que le encanta, una disciplina donde le ha preparado su padre. Pero surgen nubarrones en el horizonte. Una lesión en el hombro, que no comunica a nadie, y el posible embarazo no deseado de Alexis. De pronto Tyler se ve sometido a una enorme presión, que no sabe gestionar y le conduce a tomar decisiones que le marcarán, a él y a su entorno, para toda la vida. En esta tesitura, su hermana pequeña Emily trata de manejar las riendas de su vida, cuando conoce a un chico que le gusta, Luke. Tras rodar la cinta de tintes apocalípticos Llega de noche, Trey Edward Shults escribe y dirige una película hondamente dramática, que aborda los altibajos que inevitablemente ocurren en la vida, en el seno de una familia, hay momentos en que todo parece marchar maravillosamente bien, y otros en que todo se viene abajo y caemos en la cuenta de lo frágiles que somos, con el corolario de que debemos prestar más atención a las cosas que verdaderamente importan. Quizá la película resulta excesivamente larga, y en el primer tramo comienzan a acumularse las desgracias y dificultades bordeando peligrosamente el culebrón. También resulta simplista el modo en que se pinta a unos activistas provida, se diría que el director está acomplejado de que alguien le identifique con esta postura, hasta el punto de que el argumento que maneja una chica para no abortar es que se trata de su cuerpo y ella hace lo que quiere. Pero en general Shults logra configurar un film sólido y equilibrado, donde aborda el riesgo del narcisismo al que todos estamos sometidos, tenemos demasiada tendencia a mirarnos el ombligo, sin pensar en los demás. Además, muestra cómo pueden convivir en paz afroamericanos, latinos y blancos; y en los momentos más duros, evita caer en tremendismos, transmitiendo credibilidad. Tienen fuerza los rasgos con que se describen los lazos familiares, y en el drama que sacude al hogar de los Williams se saben tocar con bastante equilibrio muchos problemas habituales: los padres que se proyectan en los hijos, prestando más atención a unos que a otros; la preocupación excesiva por el físico; los comentarios nocivos en las redes sociales; la incomunicación entre los distintos miembros de la familia, que dificulta la petición de consejo ante situaciones que pueden desbordarnos. El amor, el perdón, el saber pasar página, son cuestiones que asoman con habilidad, y dan solidez al conjunto. Tiene su encanto la descripción del enamoramiento de Emily, y su consejo de que Luke se encuentre con su moribundo padre, a pesar de que le falló en el pasado. El título original, Waves, olas, deviene en buena metáfora de cómo la existencia humana está atravesada de momentos de subidón, éxitos y alegrías, la cresta, pero también de caer y estrellarse hasta tocar fondo, fracasos y desgracias. Algo que también se subraya con el uso de distintos formatos de pantalla, en los momentos de bajón se estrecha la imagen, una forma muy gráfica de subrayar que sin tomar perspectiva nos quedamos sin horizonte. Los actores no son superestrellas, pero hacen un magnífico trabajo, tanto los jóvenes –Taylor Russell, Kelvin Harrison Jr., Alexa Demie, Lucas Hedge–, como los adultos –Renée Elise Goldsberry, Sterling K. Brown–.

El Sur de los Estados Unidos, donde se vive sobre todo del cultivo del algodón, en plena Segunda Guerra Mundial. Tras el ataque a Pearl Harbour, dos jóvenes van a servir en el ejército en destinos diferentes. Jamie McAllan es blanco, y pilota un bombardero, mientras que Ronsel Jackson es sargento en un carro de combate. Sus respectivas familias se conocerán durante su ausencia porque Henry McAllan, casado con Laura y madre de dos niñas, ha comprado una granja, a la que se traslada con su padre, un viejo cascarrabias y racista; y el padre de Ronsel, Hap, es arrendatario de unas tierras situadas en esa propiedad, que trabaja con ayuda de su familia. Adaptación de una premiada novela de Hillary Jordan, a cargo de la directora afroamericana Dee Rees (Pariah, Bessie). Es una producción de Netflix donde también ha intervenido Brad Pitt con su compañía Plan B, que ya probó su sensibilidad por las cuestiones raciales respaldando 12 años de esclavitud. Al principio puede aturullar un poco al espectador por la abundancia de voces en off correspondientes a distintos personajes, que van contando sus impresiones interiores ante la dureza de la vida en la época descrita, en que a los sacrificios que comporta la vida en el campo, donde se depende de tantos factores que no se controlan, se suman las circunstancias bélicas, y el racismo imperante, no sólo por parte de las personas más recalcitrantes, sino también propicidado por las leyes de segregación. Rees dirige con buen pulso este drama rural en la América profunda, los planos de la vida en la granja, o los de las acciones bélicas, revelan excelente gusto visual para la composición. Y hay un buen elenco de actores que sirven para reflejar distintas situaciones complicadas. Está el matrimonio de Henry (Jason Clarke) con Laura (Carey Mulligan), donde de ambos se quieren, pero en que existe cierta rutina, y el hecho nunca admitido abiertamente por ambos cónyuges, de que Laura se siente atraído por Jamie (Garrett Hedlund); a este drama soterrado que aflora cuando Jamie vuelve de la guerra, se suma la angustia por las enfermedades de las niñas. Aquí entra en juego la necesaria e inevitable convivencia entre blancos y negros, donde es posible un acercamiento en algunos casos, cuando asoma la humanidad al primer plano por encima de consideraciones del color de la piel, la comprensión entre las mujeres, o la veteranía compartida de los que han sobrevivido a la guerra y se encuentran desubicados, con la tentación de ahogar sus penas en alcochol; pero donde el odio racista bien arraigado no parece fácil que desaparezca, la violencia física o psicológica puede asomar en cualquier momento de un modo brutal y desalmado. El gran mérito de la directora y coguionista es lograr cohesionar las subtramas para entregar un buen cuadro de época, con luces y sombras.

Tras una debacle que ha desolado la Tierra, Paul vive en un caserón que ha blindado al exterior, con su esposa, Sarah, y su hijo, Travis. Sólo salen a veces, para abastecerse de comida. Mientras duermen, trata de entrar un desconocido pero logan encañonarle. Éste no parece haberse contagiado de la pandemia que se ha extendido entre los seres humanos, y les suplica que le permitan refugiarse con ellos junto a los suyos. Segundo trabajo escrito y dirigido por Trey Edward Shults, tras conseguir cierto reconocimiento crítico, sobre todo en Estados Unidos, con la tragicomedia Krisha. Ahora se adentra en el terreno del terror con toques de ciencia ficción, pero aborda el mismo tema central, la familia, pues parece preguntarse hasta dónde es capaz de llegar el individuo con tal de proteger a los más cercanos. En casos extremos, la moralidad queda en un segundo plano. Bien ambientada, a pesar del bajo presupuesto, el film elude el principal riesgo de este tipo de historias post-apocalípticas, caer en la rutina, y logra la necesaria tensión, con algún momento logrado. Cuenta además con trabajos nada desdeñables de Joel Edgerton, un valor seguro, y de actores menos conocidos como Carmen Ejogo (Selma). No se trata de un trabajo desdeñable, aunque tras el desenlace queda la sensación de que podría haber dado más de sí.