Rob Morgan

Vibrante adaptación de la novela de C.S. Forester “El buen pastor”, ambientada en los años de la Segunda Guerra Mundial. Describe la difícil tarea de los buques de guerra que cruzaban el Atlántico escoltando a las naves que llevaban suministros desde Estados Unidos, sobre todo en las zonas denominadas “agujeros negros”, donde no contaban con cobertura aérea y eran más vulnerables a los submarinos alemanes. El capitán Krause está al mando del destructor Keeling, y con nula experiencia bélica le toca pastorear a un grupo de barcos, pero verá puesto a prueba su liderazgo por el acecho del enemigo, que le obliga a tomar decisiones rápidas y no siempre fáciles. Tom Hanks ha mostrado siempre un gran interés por las historias ambientadas en la Segunda Guerra Mundial, no en balde protagonizó Salvar al soldado Ryan, y produjo la serie Hermanos de sangre. Aquí asume el protagonista, firma el guion y produce a través de su compañía Playtone. Para la dirección ha contado con Aaron Schneider, que ganó un Oscar con su corto Two Soldiers, y que dirigió la notable El último gran día. El resultado es un film bélico de hechuras clásicas y rigor histórico, aunque la trama sea imaginada, donde a diferencia de las típicas películas de submarinos en que estas naves son las protagonistas, aquí solo las vislumbramos, son una presencia inquietante que no vemos del todo, tampoco a sus tripulantes, un poco el efecto Tiburón, para entendernos, lo que es bastante eficaz. Realizada con abundantes medios, los efectos visuales son notables, y el espectador puede ser testigo de las maniobras tácticas para atacar y defenderse, con los torpedos y otros barcos rozando la propia nave de un modo muy realista. Además la cinta es muy humana, rasgo al que ayuda la estupenda interpretación de Tom Hanks, que se ha convertido en uno de los actores más capaces de dar vida al típico héroe americano, que hace lo que hay que hacer sin darse importancia. Llama la atención cómo se subraya la sencilla piedad cristiana del personaje, y su preocupación por sus hombres, sin ser perfecto, a veces puede confundir sus nombres. Está arropado por un buen reparto con mucho rostro desconocido, destaca entre ellos Stephen Graham.

En el curso de la elaboración de un artículo para The New Republic, el periodista Michael Block viaja a Louisiana y se topa con las fotografías de Christina Eames, artista que desempeñó una exitosa carrera en Nueva York. En la Gran Manzana intentará contactar con la fotógrafa, pero ésta ha fallecido y entonces se reunirá con su hija, Mae, conservadora de un museo de Queens. El encuentro entre Robert y Mae es eléctrico, hay atracción a las primeras de cambio y quedarán para verse de nuevo. Película romántica que gustará a los incondicionales del género y dejará un tanto fríos a los espectadores más cerebrales. Está escrita y dirigida por Stella Meghie, cuya querencia por este género se puede comprobar por el título de otra de sus películas, El amor lo es todo, todo. Aquí explora los obstáculos que se interponen al amor perdurable, las dificultades para mantener unidas a dos personas que se quieren. Es el eterno dilema de hasta dónde se está dispuesto a renunciar por amor: ¿es necesario relevar a segundo término otras prioridades personales, como el trabajo, el cambio de residencia o esa sutil decisión de evitar el dolor ajeno, entendido siempre desde nuestro punto de vista? Es Retrato de un amor una película sencilla de planteamientos, simple quizá, melosa a su modo, que explora el amor en esos ámbitos, narrada en dos tiempos distintos, dos generaciones de personas afroamericanas con dilemas similares. Tiene obviamente su carga sentimental y nostálgica, el dolor por los errores que ya no se pueden cambiar; aunque también advierte que sobre esas equivocaciones puede construirse otro futuro mejor, una historia de decisiones acertadas. En tiempos en donde la promiscuidad es la alternativa de tantos jóvenes, Meghie propone apostar por el amor conservado como la única salida hacia la felicidad. Ejemplar en este sentido es el dibujo de la familia del hermano de Michael, y aunque en la inicial relación entre los protagonistas no destaca precisamente la hondura, sus actitudes resultan siempre auténticas, unas miradas y unas complicidades que denotan a la perfección la increíble y casi mágica conexión que se ha producido entre ellos. Ayuda a asumir con naturalidad el romántico guión la cuidada fotografía de Mark Schwartzbard y la música casi constante de tonalidades sureñas y jazzísticas de Robert Glasper. Y hay que reconocer que la excelente dirección de actores logra insuflar personalidad propia tanto al personaje interpretado por Lakeith Stanfield, como al de su enamorada, encarnada por una esplendorosa Issa Rae.

Película basada en hechos reales, sigue al abogado activista de los derechos humanos Bryan Stevenson. Licenciado en Harvard y fundador de la Equal Justice Initiative, que buscaba dar asistencia legal a encarcelados sin recursos acusados de graves delitos, sobre todo afroamericanos como él, estableció su base de operaciones en Montgomery, ciudad del estado sureño de Alabama. El film coescrito y dirigido por Destin Cretton –un cineasta especialmente interesado por los temas de la integración social y la falta de oportunidades, tratados en las notables Las vidas de Grace y El castillo de cristal–, incide en los primeros pasos profesionales de Stevenson, cuando visita a varios presos que aguardan en el corredor de la muerte su ejecución. Llamará su atención de modo especial el caso de Walter McMillian, condenado a la pena capital en 1987 por el asesinato de una joven blanca: a pesar de las muchas pruebas que le situaban lejos del escenario del crimen, bastó para sentenciarle la dudosa declaración de un testigo con problemas con la justicia. Cretton maneja un sólido guion en el que ha participado su colaborador en El castillo de cristal Andrew Lanham, con quien también escribió el libreto de La cabaña. Destaca cómo se logra entregar una atinada descripción de la lucha sin cuartel por buscar justicia, aunque, como se recuerda en el vibrante alegato final, para lograrla hace falta también confiar en la misericordia y en contar con un poco de gracia. El fllm muestra cómo no faltan los obstáculos, sobre todo cuando dominan los prejuicios, también los raciales, y el afán de proteger la propia carrera por delante de cualquier otra consideración. Lo que genera falta de confianza en las víctimas –los inocentes erróneamente condenados, o culpables con serias taras mentales que no se han tenido en consideración–, que no creen que nadie quiera ayudarles. Estamos ante una narración de corte clásico, donde quizá se pueda criticar el recurso a situaciones muchas veces vistas en cine, como la clásica detención y registro abusivos por parte de la policía al conductor negro de un automóvil, o la cacerolada solidaria de los presos con el que está a punto de ser ejecutado. Pero Cretton sabe recrearlas con brillantez, y la narración se sigue con interés, al mismo tiempo que convence sin recursos facilones acerca del horror de matar a una persona, aunque sea aplicando la ley, o de lo fácilmente que se niega a alguien sin dinero una defensa digna de ese nombre. Los actores están muy bien, Michael B. Jordan da bien el tipo de "caballero sin espada" que se adentra en territorio hostil para ayudar a los demás, dándole bien la réplica Jamie Foxx como el condenado desconfiado que irá estableciendo una sólida relación con su abogado. Están muy bien seleccionados los secundarios. Merece aplauso Brie Larson por aceptar un papel poco lucido como abogada que colabora con Stevenson, y Tim Blake Nelson, evita caer en lo exagerado con su papel de preso con el rostro desfigurado.

El Sur de los Estados Unidos, donde se vive sobre todo del cultivo del algodón, en plena Segunda Guerra Mundial. Tras el ataque a Pearl Harbour, dos jóvenes van a servir en el ejército en destinos diferentes. Jamie McAllan es blanco, y pilota un bombardero, mientras que Ronsel Jackson es sargento en un carro de combate. Sus respectivas familias se conocerán durante su ausencia porque Henry McAllan, casado con Laura y madre de dos niñas, ha comprado una granja, a la que se traslada con su padre, un viejo cascarrabias y racista; y el padre de Ronsel, Hap, es arrendatario de unas tierras situadas en esa propiedad, que trabaja con ayuda de su familia. Adaptación de una premiada novela de Hillary Jordan, a cargo de la directora afroamericana Dee Rees (Pariah, Bessie). Es una producción de Netflix donde también ha intervenido Brad Pitt con su compañía Plan B, que ya probó su sensibilidad por las cuestiones raciales respaldando 12 años de esclavitud. Al principio puede aturullar un poco al espectador por la abundancia de voces en off correspondientes a distintos personajes, que van contando sus impresiones interiores ante la dureza de la vida en la época descrita, en que a los sacrificios que comporta la vida en el campo, donde se depende de tantos factores que no se controlan, se suman las circunstancias bélicas, y el racismo imperante, no sólo por parte de las personas más recalcitrantes, sino también propicidado por las leyes de segregación. Rees dirige con buen pulso este drama rural en la América profunda, los planos de la vida en la granja, o los de las acciones bélicas, revelan excelente gusto visual para la composición. Y hay un buen elenco de actores que sirven para reflejar distintas situaciones complicadas. Está el matrimonio de Henry (Jason Clarke) con Laura (Carey Mulligan), donde de ambos se quieren, pero en que existe cierta rutina, y el hecho nunca admitido abiertamente por ambos cónyuges, de que Laura se siente atraído por Jamie (Garrett Hedlund); a este drama soterrado que aflora cuando Jamie vuelve de la guerra, se suma la angustia por las enfermedades de las niñas. Aquí entra en juego la necesaria e inevitable convivencia entre blancos y negros, donde es posible un acercamiento en algunos casos, cuando asoma la humanidad al primer plano por encima de consideraciones del color de la piel, la comprensión entre las mujeres, o la veteranía compartida de los que han sobrevivido a la guerra y se encuentran desubicados, con la tentación de ahogar sus penas en alcochol; pero donde el odio racista bien arraigado no parece fácil que desaparezca, la violencia física o psicológica puede asomar en cualquier momento de un modo brutal y desalmado. El gran mérito de la directora y coguionista es lograr cohesionar las subtramas para entregar un buen cuadro de época, con luces y sombras.

1880. Alice Fletcher, joven viuda, vive con su hijo mestizo y su suegra india en una casa apartada unos kilómetros de La Belle, pequeña población de Nuevo México. Una noche un hombre herido aparece en sus tierras. Se trata de Roy Goode antiguo compañero de correrías de Frank Griffin y su banda, treinta asesinos sanguinarios buscados por las autoridades que están dejando un rastro de muerte por todo el territorio. Griffin va en busca de Goode y allá por donde pasa amenaza con asesinar a cualquier persona que le dé cobijo. Vibrante serie del oeste de tan sólo siete capítulos, de una hora de duración cada uno, que ejemplifica las dificultades para vivir y convivir en el oeste americano a finales del siglo XIX. La historia del pueblo en donde se desarrolla la acción comienza con una premisa impactante: todos los hombres han perecido en un accidente en una mina, con lo que, con unas pocas excepciones, La Belle es un lugar únicamente habitado por mujeres. Esto da un aire inquietante a la situación, el desamparo es grande, más tratándose de un territorio hostil, alejado de la civilización, lleno de bandidos y aprovechados sin escrúpulos, y con un futuro que no invita a hacerse ilusiones de prosperidad. Entretenida, con la intriga bien dosificada, con creciente aliento épico y realismo a la hora de mostrar situaciones y caracteres, Godless es una serie de calidad considerable que, entre otras cosas, reivindica el papel femenino en el mundo del western. Narrativamente la acción lleva a diversos escenarios: la casa de Alice Fletcher (Michelle Dockery), donde se aloja Roy Goode (Jack O'Connell), las correrías sangrientas de Frank Griffin (Jeff Daniels) y su banda, la misión de búsqueda del sheriff Bill McNue (Scoot McNairy), la labor de su hermana Mary Agnes (Merritt Wever) al frente de la comunidad, la vida en el pueblo y las relaciones entre las mujeres. Presenta el guión unos formidables personajes, reales y poliédricos, se describen bien sus itinerarios vitales, sus dudas e intimidades, siempre bajo una siniestra atmósfera de desconfianza, efecto de una existencia dura, donde el futuro es una constante amenaza. Pero poco a poco también brillarán sentimientos de amor, de inocencia y pureza, de camaradería, de justicia, de agradecimiento y la capacidad para descubrir el bien oculto, la valentía, la honradez y la generosidad de las personas más allá de prejuicios sociales. Cuidada formalmente –pegadiza la banda sonora de Carlos Rafael Rivera–, con un memorable clímax final, hay en Godless mucho de eso a lo que lleva un mundo sin Dios (esa sempiterna espera a que llegue el predicador), también sin apenas leyes humanas sobre las que apoyarse. Aparte de lógicos desórdenes morales a los que eso conduce, la principal consecuencia es esencialmente la violencia, mucha violencia e injusticia que el director y guionista Scott Frank (Caminando entre las tumbas, Logan) muestra gráficamente pero evitando las más veces el regodeo desagradable. El plantel de actores es formidable y todos ellos hacen impecables trabajos, aunque hay que destacar quizá la maléfica composición de Jeff Daniels.

Después de que la primera temporada se convirtiera en un fenómeno inesperado, Netflix ha encargado a sus creadores, los hermanos Duffer, una segunda, que se desarrolla de nuevo en Hawkins, la misma pequeña ciudad de Indiana. Un año después de lo ya conocido, Joyce Byers ha iniciado una relación con el simplón pero buenazo Bob, antiguo compañero de instituto, con esperanzas de consolidar una familia estable para sus dos hijos, el adolescente Jonathan, y el recuperado Will, al que sobreprotege tras su traumática abducción. Pese a que éste tiene visiones del Otro Lado, que ignora si son reales, le dejará –bajo supuesta supervisión de su hermano– salir disfrazado a celebrar Halloween con sus amigos, Mike, Dustin y Lucas. Estos dos últimos andan revolucionados ante la llegada de Max, una chica que les hace ‘tilín’, capaz de darles sopa con onda en actividades supuestamente masculinas, pero hermana de Billy, un inadaptado abusón. La nueva ocupa en el grupo el puesto de Eleven –Once en la versión española–, la chica con poderes psíquicos, que no anda tan lejos como creen, pues ha sido recogida en secreto por Hopper, jefe de policía. Éste se dará cuenta de que algo va mal cuando investiga lo que les ha ocurrido a varios vecinos, que se acusan entre ellos de envenenar su cosecha de calabazas para la carismática festividad… Conscientes de que funcionó sobre todo el factor nostalgia, los autores explotan aún más el filón, hasta el punto de que han incorporado al reparto a Sean Astin, uno de Los Goonies, film ochentero que sirve de inspiración, pero abundan las referencias a otros muchos, desde Los cazafantasmas a Desmadre a la americana, se recuperan imágenes de los videojuegos de la época como “Dragon’s Lair”, y suenan muchos temas musicales representativos. También se explotan de nuevo los mismos temas, la amistad, o la desestructuración familiar, al que se añade el paso a la madurez. Parece que se ha ampliado el presupuesto, lo que se nota porque ha crecido el número de secuencias con efectos visuales, y porque la ambientación está más rematada. El ajustado reparto vuelve a cumplir, aunque sobre todo resulta un acierto que se haya ampliado el tiempo en pantalla de los pequeños Caleb McLaughlin y Gaten Matarazzo, los más aclamados por el público, que llevan el peso cómico de la serie. Todo esto disculpa que no despierte ni de lejos la misma intriga que la primera parte, y que haya perdido el efecto sorpresa. No todos los personajes recién llegados funcionan, se acierta más o menos con el ligue de la madre, con Murray un investigador de lo paranormal sospechoso de embaucador, y sobre todo con la pelirroja Max, pero su hermano, el agresivo Billy, “rebelde porque el mundo me ha hecho así”, resulta un poco tópico, al igual que el doctor Owens, enviado del Departamento de Energía que investiga a Will y Roman, líder de unos atracadores con capacidades sobrenaturales. Los flashbacks sobre el pasado de Once no acaban de funcionar, y tampoco se ha acertado aumentando el número de capítulos de 8 a 9, pues el séptimo ha sido muy criticado por los fans, que lo consideran de relleno.

Netflix sigue expandiéndose por el universo Marvel con adaptaciones de sus personajes que presentan unos rasgos propios muy atractivos, que emparentan las historias con el cine negro. Tras Daredevil y Jessica Jones, le toca el turno a Luke Cage, personaje que ya aparecía como secundario en la segunda de las series citadas. Luke Cage es un tipo de pasado misterioso, que trabaja como barman en club nocturno Paradise, regentado por el gángster Cottonmouth, además de ejercitar humildes tareas en la barbería que tiene su mentor Pop en Harlem. Como resultado de un experimento científico, tiene una fuerza descomunal y una piel a modo de coraza a prueba de balas. No desea usar tales poderes, querría llevar una vida lo más discreta posible, pero no va a poder ser. Uno de los empleados de la barbería se involucra en un robo de dinero y mercancía de Cottonmouth, quien desea dar un escarmiento, mientras que el ladrón busca la ayuda de Pop. El resultado va a ser una espiral de muertes, y la conciencia de parte de Luke, de que debe usar sus poderes para hacer justicia. Esto no va a agradar a Cottonmouth, ni a su prima Mariah, una concejala corrupta; tampoco a la policía, y concretamente a la pareja de detectives compuesta por Misty y Scarfe les hace gracia que uno de los "vigilantes" que están surgiendo como setas en Nueva York se ponga a hacer la guerra por su cuenta. Cheo Hodari Coker desarrolla muy bien la serie que parte del cómic de Archie Goodwin y John Romita Jr. Combina muy bien los elementos del "noir" con los elementos fantásticos, donde la mayoría de los personajes son afroamericanos e hispanos, lo que le sirve para rendir homenaje al blaxploitation con sagas como Shaft, que han encandilado a cineastas como Quentin Tarantino, expresamente citado. Tiene la habilidad de introducir flash-backs de modo oportuno y sin distraer, retomando el presente con gran naturalidad, creando intriga sin abrumar, y haciendo creíbles los elementos fantásticos con una adecuada pátina científica. Y siembra la narración de giros sorpresivos, sin temer la muerte de algunos personajes que el espectador llega a apreciar, y cuya ausencia por tanto puede echar en falta. Recupera en cierta forma el tono inocentón y positivo de los comics de la época, donde el bueno podía resolver a porrazos lo que fuera. Subyace cierta crítica social, pues describe la realidad de los ciudadanos negros más desfavorecidos, pero este elemento queda como trasfondo, pues aquí al final importa la acción. A los actores se les nota encantados de interpretar a unos personajes muy bien perfilados. Si el protagonista está bien elegido, no desmerecen secundarios de lujo como Alfre Woodard (Mariah) y Rosario Dawson (la médico Claire Temple). Como suele suceder en las series de Netflix sobresale el villano principal, aquí Cottonmouth, al que da vida Mahershala Ali, conocido por House of Cards, la más relevante producción de la casa.

A los 9 años, a Matt Murdock –hijo de un atormentado boxeador– le atropella un camión cuando aparta de su trayectoria a un anciano para salvarle la vida. El vehículo transporta un material radioactivo que se derrama en los ojos del chico, dejándole ciego. Años después se ha convertido en un abogado que regresa a su barrio neoyorquino, la Cocina del Infierno, para poner un despacho con su amigo Foggy. En sus ratos libres imparte justicia oculto tras una máscara, pues el accidente le dejó sin vista, pero potenció sus otros sentidos. Drew Godard, discípulo de Joss Whedon como guionista de Buffy, la cazavampiros y Angel, y director y guionista de La cabaña en el bosque, y de J.J. Abrams como libretista en Alias y Perdidos, se emancipa como máximo responsable de esta serie de Netflix. Daredevil supone la primera de las producciones de la plataforma digital que adaptan las peripecias de superhéroes Marvel. No inventa la pólvora, y acusa la sobreexplotación del género. Pero Daredevil se constituye como la mejor serie basada en un personaje Marvel y supera ampliamente el film de 2003 protagonizado por Ben Affleck. Con una fotografía sombría de aire 'retro', toma claramente como modelo la saga de El caballero oscuro, de Christopher Nolan, al imitar sobre todo su tono realista. El punto fuerte reside en las interpretaciones, pues Charlie Cox dota de gran humanidad al personaje, un superhéroe católico practicante, por una vez alejado de los todopoderosos Thor o Capitán América, pues transmite el sufrimiento por el que tiene que pasar para llevar a cabo sus hazañas. También está a la altura Vincent D'Onofrio, como Wilson Fisk, también llamado Kingpin, capo mafioso que controla los negocios sucios. Se puede pasar por alto, que algún actor, como Elden Henson (Foggy) resulte un tanto exagerado.