Michael Nyman

“Elefante blanco” es el nombre con el que se conoce un gran hospital en Ciudad Oculta, una barriada deprimida de Buenos Aires, que nunca terminó de construirse pese a las promesas de varios gobiernos, y que sólo sirve para que recalen allí los sin techo y los drogadictos. Trabaja como párroco de la zona Julián, que cuida con caridad de sus fieles y realiza una importante labor de promoción junto a otros sacerdotes y la asistente social Luciana, impulsando la construcción de viviendas populares. Se sumará al grupo Nicolás, un sacerdote buen amigo de Julián, traumatizado por la matanza que se produjo en una aldea en la selva en la que ejercía su ministerio, como no pudo hacer nada arrastra cierto complejo de culpa. Julián piensa en Nicolás como su sustituto para un futuro quizá no tan lejano, pues se encuentra gravemente enfermo. Pero resulta imposible controlar y preverlo todo: la violencia del entorno, la falta de recursos que debería aportar el obispado, la debilidad de la carne, la necesidad de afecto que todos tenemos, el silencio de Dios y las paradojas de la existencia humana, nos llevan por caminos inesperados. Ambiciosa película de uno los cineastas argentinos de mayor prestigio, Pablo Trapero (El bonaerense, Leonera, Carancho), también coautor del guión. En la producción se encuentra Juan Gordon, que anduvo detrás de También la lluvia, lo que no parece casual, pues ambas películas plantean las dificultades para que cale el mensaje social de la Iglesia. Las andanzas de los curas protagonistas se inspiran en un sacerdote auténtico, Carlos Mugica, creador de la iglesia de Cristo Obrero, asesinado a tiros en 1974, y que rezaba la oración “Señor, quiero morir por ellos, ayúdame a vivir para ellos”, citada varias veces en el film. Se puede decir que Elefante blanco tiene puntos a su favor y en su contra. En el primer apartado destaca el formidable diseño de producción, se trata de una película de envergadura, con elegantes planos secuencia, y algunas escenas de acción muy dinámicas y bien coreografiadas. Trata además un tema serio, y lo hace de forma seria; resulta altamente llamativa la ausencia de de cualquier cosa parecida al maniqueísmo, en la narración vemos seres humanos creíbles con virtudes y defectos, sean los sacerdotes “a pie de obra”, la asistente social, el obispo, los obreros, los drogatas, la policía, los mafiosos... Ninguno es una caricatura de sí mismo, lo que resulta muy de agradecer. Por supuesto en Elefante blanco se centra el tiro en unos personajes, tres: Julián (Ricardo Darín, en su buena línea habitual), el sacerdote enfermo, piadoso y preocupado por todos, unido a su obispo pero impaciente, cuya fragilidad se hace patente al escuchar una curación milagrosa atribuida al padre Mugica, pues para él su tumor progresa; Nicolás (Jérémie Renier, creíble en su evolución, aunque ésta sea medianamente previsible), el sacerdote recién llegado de la selva, que ha sufrido una verdadera crisis que le hace ansiar la acción y un afecto humano palpable, que se pueda tocar; y Luciana (Martina Gusman, la que más díficil lo tiene, los rasgos de su personajes son más simples, aparte de que le toca ser mirada como la esposa de Pablo Trapero), que parece moverse sólo por noble motivos humanos, a la que intriga qué puede llevar a dos hombres como Julián y Nicolás a renunciar a una vida más cómodo, y que vivirá una aventura amorosa de porvenir dudoso. Y sin embargo... Hay algo cansino en la narración de Elefante blanco, que parece avanzar con el paso pesado típico de este animal. De modo que se trasluce una sensación de reiteración, de dar vueltas a lo mismo, tal vez con la intención de crear la deseada atmósfera opresiva, fatalista, de lo difícil, casi imposible, que resulta cambiar las cosas, aunque no falten las buenas intenciones. También existen algunas soluciones de guión algo elementales, como el modo de precipitar las cosas hacia un final algo forzado, aunque, es justo reconocerlo, existe un esfuerzo real por evitar el tópico.

La historia de los 4.500 negativos que los prestigiosos fotógrafos Robert Capa, Gerda Taro y David "Chim" Seymour tomaron durante la Guerra Civil española, que desaparecieron y fueron recuperados 70 años después en Ciudad de México. Estamos ante un singular documental sobre la memoria, sobre un mundo en blanco y negro que quedó impreso para siempre en unos negativos capaces de traer al presente un mundo de recuerdos, de vidas y de momentos terribles, instantáneas de existencias precarias de un mundo en guerra, el de la España de la Guerra Civil. Parece clara también la posición ideológica de la narración, centrada en unos hombres que por medio de su cámara quisieron realzar a los republicanos y condenar a las tropas nacionales. El film está producido, escrito y dirigido por Trisha Ziff, una mujer que demuestra talento y ternura a la hora de llegar al espectador con autenticidad, a través de las fotografías y de las palabras de exiliados supervivientes de la guerra fratricida que asoló a España y sembró un odio que aletea después de muchas décadas.

El 7 de agosto de 1974 el funambulista francés Philippe Petit hizo realidad su sueño de andar sobre un cable de acero, tendido entre las azoteas de las recién terminadas Torres Gemelas de Nueva York. Este documental ganador del Oscar recrea tan sorprendente hazaña, combinando entrevistas con los protagonistas de los hechos -incluido el propio Petit-, con dramatizaciones en blanco y negro de los preparativos. Además se incluye información del 'background' de Petit, sus equilibrios previos en las alturas de la parisina catedral de Notre Dame y en el puente Harbour de Sidney, Australia.La película atrapa y se sigue con el corazón en un puño, pues está planteada como si asistiéramos a los preparativos del atraco de un banco, lo que tiene evidentemente sentido, pues la acción se realizó de modo clandestino. E invita a preguntarse si lo que hace Petit es una completa locura, o es arte. Tiene además un subtexto poderoso, curiosamente jamás mencionado en la cinta: el World Trade Center ya no existe, esas torres que parecían tan sólidas y destinadas a permanecer largo tiempo, fueron destruidas en el salvaje ataque terrorista del 11-S; mientras que el "artista", solo en el cielo de su ensoñación, sobre su endeble cable, vive para contarlo.Sin embargo, el documental de James Marsh (The King) fracasa a la hora de meternos dentro de la piel de Petit. Nunca llegamos a conocerle. Somos testigos de su pasión, pero no entendemos quién es, ni de qué va, no se da respuesta a muchos legítimos interrogantes: ¿es el funambulismo toda su vida?, ¿tiene este hombre capacidad de amar?, ¿cómo se gana los garbanzos?, ¿de dónde saca el dinero para financiar su sueño?, ¿tiene amigos?. En tal sentido es revelador el abandono embriagador al sexo en una relación efímera, mostrado casi al final de la cinta, lo que produce perplejidad, pues resulta incomprensible qué tipo de unión ha tenido previamente con Annie Allix, la que parecía su novia, y las razones para romper con ella.

La historia de un personaje auténtico de la Inglaterra del siglo XVII, en tiempos de la Restauración. John Wilmot (1647-1680), segundo conde de Rochester, estaba casado con la rica heredera Elizabeth Malet, pero su estilo de vida libertino e iconoclasta le condujo a mantener relaciones con numerosas amantes, hasta que se encaprichó con la actriz de teatro Elizabeth Barry; al rey Carlos II le hacían gracia sus modos desinhibidos, pero tanta extravagancia acabó chocando con el monarca. Cuando aplica su talento literario a una obra subversiva, se colma el vaso de la paciencia del rey. El film es una especie de confesión de Vilmot, quien nos invita a no tenerle demasiada simpatía, ante una vida egoísta que sólo busca satisfacer su propio placer. Pero a medida que conocemos su trayectoria, vemos que tras ese `demonio´ hay un hombre, con sus flaquezas, pero a quien se puede compadecer. El conde ve en la actriz, no sólo un objeto de deseo, sino alguien que podría llegar a la cima de la interpretación, siempre que esté bajo su protección. El modo de proceder de ella, le afectará decisivamente. Curiosamente, y tal hecho es histórico, Wilmot acabó arrepentido de su vida disoluta, por lo que este duro film, no apto para todos los paladares, acaba adquiriendo un formato de `vida no ejemplar´, excepto en el tramo final. Cabría decir que el conde de Rochester ha tenido que rebozarse en el fango para descubrir el atractivo de una vida limpia. Johnny Depp hace una gran composición del personaje, con momentos tan memorables como el de su comparencia en el Parlamento, cuando ya está gravemente enfermo.

O'Malley y Tom son dos actores que deciden probar suerte con los negocios sucios. Las cosas no van muy bien y una serie de circunstancias les brindan la posibilidad de conocer a unos gángsters, la llave perfecta para llevar a cabo su estafa. La película nace de una historia del cineasta Neil Jordan, poco propenso, en general, a las historias cómicas.

Catherine está tan obsesionada con la posibilidad de que su marido Bernard le engañe, que prefiere tener bajo perfecto control la posible infidelidad. Así que contrata a una prostituta, Nathalie, para que seduzca a su esposo bajo una identidad supuesta. Y periódicamente queda con ella para que le cuente cómo va la relación y sus apetencias sexuales. Pronto caerá en la cuenta de que su control no es todo lo férreo que suponía. Película francesa hasta la médula, retorcida en lo que a su retrato de los engaños y ocurrencias conyugales se refiere. Cuenta con un buen reparto, y su final sorprendente da la vuelta a todo lo que hemos visto. Pero hasta llegar a él, hay un arduo camino para el espectador.

The Kingdom Come es un pequeño y alejado pueblo minero de las montañas de California. El jefe de la población es Dillon, un irlandés seco y duro, que mantiene el orden con justicia y mano firme. Los habitantes le respetan: en realidad fue él quien tiempo atrás levantó aquella población de la nada, tras obtener la propiedad de una mina. Pero al pueblo llegarán tres personas que acabarán con la vida rutinaria y acomodaticia de Dillon: un joven trabajador de la compañía Central Pacific que estudia la posibilidad de que el ferrocarril pase por allí, y dos mujeres, madre e hija, cuya historia está inevitablemente unida al origen del pueblo. Michael Winterbottom narra un drama sin concesiones, basado en una novela de Thomas Hardy, tan gélido como las nieves perpetuas que ambientan la película. Los errores del pasado quizá nunca se borren, quizá la huella que dejaron sea inmune al paso del tiempo. El corazón humano es reacio a la humillación del perdón, a pedirlo y a otorgarlo, pero como ya dejó claro Paul Thomas Anderson en su película Magnolia, esa humildad es en realidad lo que engrandece al ser humano. Winterbottom lo dice también a su manera, pero es tan implacable que resulta brutalmente amargo. El perdón es una película magníficamente interpretada, sobria y sórdida a un tiempo, sobre la que planea también el enfrentamiento entre el áspero mundo de los pioneros, capaces de dar la vida por una onza de oro, y el avance imparable del nuevo americano moderno, a veces pragmático hasta la insensibilidad.

Año 1847. El capitán John Boyd es un capitán de la caballería de los Estados Unidos, decepcionado después de su participación en la guerra con Méjico. Sus superiores no le ven con buenos ojos y le envían a un destino situado en la otra punta del mundo: un fuerte en Sierra Nevada, California. El destacamento lo forman tan sólo cinco personas, a cada cual más chiflado. Un día se presenta Colqhoun, superviviente de una expedición que fue sepultada por una avalancha de nieve. Los pocos que sobrevivieron se refugiaron en una cueva, y ante la falta de alimentos comenzaron a devorarse unos a otros. Ahora el ejército se dispone a comprobar la historia, y a rescatar a los que queden vivos. Antonia Bird juega con el terror y la locura en este film ambientado en el viejo Oeste. Se recomienda haber hecho bien la digestión antes de enfrentarse a esta historia de canibalismo, donde se puede ver a actores de talla, como Robert Carlyle, Guy Pearce y David Arquette.

Adaptación de la celebérrima novela de Graham Greene. Situada en Londres durante los inicios de la Segunda Guerra Mundial, describe la relación adúltera entre Sarah Miles, una mujer casada y aburrida de su gris marido Henry, y el escritor Maurice Bendrix. La aventura amorosa de ambos es muy apasionada, pero el bombardeo de su nidito de amor cambiará las cosas de un modo inesperado. Neil Jordan (Juego de lágrimas, Entrevista con el vampiro) ha optado por ser muy gráfico al mostrar las andanzas de los protagonistas en la alcoba. Pese a todo, es fiel al espíritu de la novela de Greene, mostrando la fe católica atormentada de Sarah, que es testigo de un auténtico milagro que no nos parece oportuno desvelar aquí. La historia está bien narrada, y tiene un plantel de actores maravilloso: Fiennes, Moore y Rea están soberbios; además tiene la virtud de plantear con cierta hondura los dilemas morales de los personajes. 

Fin de semana londinense. Los distintos miembros de una familia: un matrimonio, instalado en la rutina, donde sólo él parece detectar que “tenemos un problema”; y los cuatro hijos. Además de Darren, que se largó sin decir adónde, hay tres mujeres: Molly, a punto de dar a luz, ignorante de los problemas laborales de su esposo; Debbie, separada, madre de un niño de nueve años; y Nadia, que vive sola, sin encontrar el amor de su vida. Michael Winterbottom (Jude, In This World) bucea en las aguas del desconcierto vital de sus personajes, con estilo ágil y audacias formales. Y da su particular visión del País de las Maravillas, referencia al mundo cotidiano que espera a Alice, nombre que recibiría el bebé de Molly si fuera niña. El film muestra los contrastes de ese mundo: deseos de ternura y amor, frente a egoísmo y soledad; pesimismo y amargura frente a humor. Aunque la historia es dura, el director sabe dotar a los personajes de una necesaria humanidad.

En los tiempos de Gattaca la genética se ha adueñado del mundo. Ahora los niños nacen tal y como sus padres los quieren: son niños a la carta. Sólo los hombres genéticamente perfectos tienen la oportunidad de conseguir los trabajos más prestigiosos. Vincent es un joven que no tiene esa suerte ya que él fue concebido de modo natural y no es perfecto. Pero eso no supondrá un problema para sus objetivos. Está dispuesto a hacer todo aquello que sea posible para poder formar parte de Gattaca y llevar a cabo su sueño: ser piloto espacial. Con unas grandes interpretaciones, entre las que destaca la de Jude Law, esta película ofrece una profunda reflexion acerca del futuro de las tecnologías y del peligro de apartarse de la naturaleza y de dar más importancia a las cualidades que a las personas. La ambientanción es tan fría como perfecta para mostrar en qué se ha convertido la tierra. Cine del bueno, con guión y dirección de Andrew Niccol, responsable también del libreto de El show de Truman.

Abel (John Malkovich) es un inadaptado social que consigue su lugar en el mundo "respetable" gracias al régimen nazi. Abel sólo se relaciona con los niños, con los animales y con los marginados. Cuando es acusado de una agresión sexual a una niña, la llegada al poder de los nazis le salva de la condena. Convertido en prisionero de guerra, su deseado destino de integración social se cumple al recibir el encargo de entrenar a 400 jóvenes que formarán parte de la futura élite del Reich. Se trata de una nueva adaptación literaria para el cine de Volker Schlöndorff, que ya rodó con éxito El tambor de hojalata, del novelista Günter Grass. En esta ocasión, se basa en "El rey de los Alisos", de Michel Tournier. Una película rodeada de polémica por el controvertido tema en el que se sumerge. Relato tenso que enseguida cautiva al espectador, en el que el director retrata a un personaje amoral sin ánimo de juzgarlo. La interpretación de Malkovich es magnífica.

Dora Carrington es una pintora que conoce un buen día al escritor homosexual Lytton Strachey. Ambos son grandes amantes del arte y de la vida bohemia y juntos pasan largas horas discutiendo sobre distintos puntos de vista culturales y sobre sus facetas artísticas. Entre los dos parece haber surgido un amor especial pero todo esto se tambaleará cuando el amante de Dora aparezca en escena. Christopher Hampton dirige esta historia basada en la novela Lytton Strachey. Dora Carrington y Lytton Strachey fueron dos artistas pertenecientes al grupo Bloomsbury, un círculo de intelectuales ingleses de principios de siglo XX. Entre ellos también se encontraba la escritora Virginia Woolf, el pintor Duncan Grant, o el crítico Roger Fry. La encantadora Emma Thompson, ganadora de un Oscar por Regreso a Howards End y nominada por Sentido y sensibilidad, encabeza el reparto junto a Jonathan Pryce, al que se le pudo ver en El mañana nunca muere o protagonizando la kafkiana Brazil, de Terry Gilliam.

Ada se traslada en barco a la selva neozelandesa con su hija de nueve años. Allí se reunirá con un hombre con el que se ha casado por poderes. Éste se niega a llevarse su voluminoso piano por la selva y lo abandona en la playa. Ella intentará recuperar el instrumento, y es ayudada por un vecino amigo de los indígenas, que le permitirá tocar en su casa. Esta co-producción entre Australia, Nueva Zelanda y Francia fue uno de los grandes éxitos de taquilla del año 1993, y consagró a los tres grandes actores protagonistas: Holly Hunter, Harvey Keitel y Sam Neill. Asimismo, la magistral partitura de Michael Nyman, compositor habitual de Peter Greenaway, se convirtió en un número uno en ventas. El film se recrea en los pasajes eróticos de la pareja protagonista. Tuvo varios Oscar, dos de ellos para las actrices Holly Hunter y la jovencita Anna Paquin.

Antoine es un hombre obsesionado por las peluqueras desde muy niño, cuando frecuentaba la peluquería local atraído por la bella mujer que la atendía, y seducido por la sugestiva forma en que esta mujer se le acercaba, su amabilidad y su voz dulce y pausada. Se imaginaba que su marido, probablemente, sería el hombre más afortunado y feliz del mundo. Desde ese momento, se hizo la promesa de que algún día se casaría con la peluquera. Muchos años después, ha perdido el contacto con aquel amor de su infancia, pero descubrirá a una mujer similar, Mathilde, de la que se enamora tras un corte de pelo. Poco tiempo después se casan y ella se convierte en su confidente, amante y en el estímulo que le mantiene vivo. Su vida parece ir tranquila hasta que aparecen los primeros problemas. Uno de los títulos más exitosos del cine francés, que lanzó internacionalmente a Anna Galiena, una actriz que en este papel se encuentra en su salsa, y que posteriormente protagonizó títulos como Jamón, jamón. Junto a ella, Jean Rochefort representa de forma notable al ciudadano medio francés. Patrice Leconte (La maté porque era mía) consiguió una obra sensual, aderezada con una magnífica banda sonora del compositor habitual de Peter Greenaway, Michael Nyman (El vientre del arquitecto, El piano).

En un restaurante de lujo, un cocinero observa impasible la relación entre los componentes de un triángulo amoroso, formado por un ladrón, su mujer y su amante. En un principio se mantiene distante, pero poco a poco decide intervenir en los acontecimientos. La historia desembocara en la más absoluta violencia. El mayor éxito comercial del peculiar realizador Peter Greenaway (El vientre del arquitecto, Conspiración de mujeres), considerado por parte de la crítica como uno gran artista de cine, moderno y precursor de lo que este arte será en el futuro. En España se mantuvo durante años en algunas carteleras. De su cine destaca, sobre todo, el aspecto visual, formado por unas impactantes imágenes que, a veces, homenajean famosos cuadros de la historia de la pintura y, otras, se permiten extraños experimentos o juegos visuales. Este título basa su argumento en una extraña mezcla de erotismo y un humor un tanto macabro. Su mayor cualidad es que está impecablemente interpretado por Richard Bohringer y la veterana Helen Mirren.

Monsieur Hire (Michel Blanc) es un hombre solitario al que no le gusta la gente y que se dedica a espiar a su vecina, Alice (Sandrine Bonnaire). Tras un asesinato, él se convierte en el principal sospechoso. Patrice Leconte cuenta a su modo y con una atmósfera intrigante la historia de un amor prohibido, con un personaje a simple vista parece extraño, pero que termina conmoviendo. Destaca la actuación de Blanc y una buena banda sonora.

Una mujer asesina a su marido adúltero ahogándole en la bañera. El forense del pueblo le encubre, a condición de que la mujer se case con él, pero ella no accede. Posteriormente, su hija y su nieta deciden acabar con sus respectivos maridos. El forense continúa ayudándoles. Los familiares y los amigos de las tres mujeres se aliarán para averiguar lo que ha ocurrido. Curioso experimento visual de Peter Greenaway (El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante, El vientre del arquitecto, El contrato del dibujante) que consiste en mostrar en diferentes partes del decorado todos los números desde el uno hasta el cien.

Uno de los habituales filmes retorcidos del británico Peter Greenaway. Siglo XVII. Un pintor acepta de una mujer el encargo de unos cuadros, a cambio de ser retribuido con sexo. La hija de ella se sumará a tan demencial acuerdo, para realizar los “pagos”.

Inspirado retrato de la cotidianeidad de la ciudad de San Petersburgo. Amante del constructivismo y el futurismo, el ruso Dziga Vertov rodó este fascinante documental junto a su hermano Mijail Kaufman. Y se empeña en mostrar con frecuencia al operador trabajando y logra un increíble dinamismo gracias a un brioso montaje. Poesía en imágenes, puede disfrutarse con dos bandas sonoras musicales distintas, una clásica, otra más moderna.