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Biografía

Shirley Henderson

Shirley Henderson

54 años

Shirley Henderson

Nació el 24 de Noviembre de 1965 en Kincardine, Fife, Escocia, Reino Unido
Filmografía
El nido

2020 | The Nest | Serie TV

Dave y Emily son un potentado matrimonio, con un fantástico casoplón cerca de Glasgow, que lo tienen todo... menos un hijo. Ella no puede gestar a su bebé, y su último intento de un vientre de alquiler, la hermana de él, no prospera. Pero el atropello casual de Kaya, una joven de 19 años huérfana y al cuidado de protección social, podría darles la madre de alquiler que necesitan para el último embrión de que disponen. ¿Suena a disparate confiar en esta chica para que lleve en el vientre a su hijo? Un poco sí, pero son tales los deseos de tener prole, que lo hacen. Nicole Taylor, guionista de Wild Rose, demostró en este título su interés por las cuestiones sociales al seguir a una madre soltera de dos niños que soñaba con triunfar en el mundo de la canción, aunque parecía imposible la conciliación. Aquí, en esta miniserie, a priori maneja un tema interesante y polémico, el de los vientres de alquiler, con todas las cuestiones éticas que suscita: el derecho a tener un hijo de los padres a cualquier precio, la fecundación in vitro y la situación de los embriones, los lazos que surgen con la madre subrogada, etcétera. Y al principio logra intrigar, jugando con la idea de algunos de que el dinero lo puede comprar todo, o la facilidad con que se puede cerrar los ojos a que un pasado conflictivo marca a las personas, aunque siempre se puedan superar esas circunstancias, o al menos aprender a vivir con ellas. Sin embargo, no se evita cierto aire de folletín, sobre todo por el afán de acumular situaciones complicadas que enredan la madeja, posibles crímenes, o aventuras sentimentales pintorescas y difíciles de creer. Llama la atención especialmente el infantilismo de los ricachones Dave y Emily, resulta difícil de creer que el primero sea un gran empresario inmobiliario, con lo ingenuo y torpe que se muestra en determinadas acciones. De todos modos, si uno suspende la incredulidad todo el tiempo, tal vez disfrute con la propuesta. En el reparto hay buenos actores como Martin Compston, visto en la serie policial Line of Duty, y sorprende la jovencita Mirren Mack, componiendo un personaje roto por dentro, frágil y manipulador, que quiere una vida mejor.

5/10
Star Wars: El ascenso de Skywalker

2019 | Star Wars: The Rise of Skywalker

La película que cierra la tercera trilogía de la saga Star Wars, La guerra de las galaxias. Georges Lucas triunfó en 1977 con el título con que arrancó todo, y tras su éxito aseguró que aquello estaba concebido como tres trilogías, luego se desdijo diciendo que eran dos, ocupándose de hacer tres películas precuelas de la original, y al final, ya cansado y jubilado, y dueño Walt Disney de los derechos galácticos, J.J. Abrams dirigió El despertar de la fuerza, comienzo de la tercera trilogía que él mismo se ha ocupado de rematar con El ascenso de Skywalker. La dificultad de la empresa era grande, pues se trataba de culminar una saga muy amada por los fans, y donde las expectativas se encontraban particularmente altas. Y aunque el nuevo film consigue ser muy entretenido y no deja un minuto de respiro, la acción es trepidante, y el cambio de escenarios, apabullante, también se tiene la sensación de que no se desea dar tregua al espectador al estilo de las películas de Indiana Jones con el objetivo inconfeso de que no se ponga a pensar un poco y descubra que le ofrecen mucho ruido y pocas nueces. Figuran acreditados en el guion y argumento original de la película cuatro nombres, de los cuales tres –Chris Terrio, Derek Connolly y Colin Trevorrow, están recién llegados a Star Wars, sólo Abrams tenía experiencia en la saga, y con un libreto donde contó nada menos que con Lawrence Kasdan –que estuvo en la trilogía original– y Michael Arndt. O sea, se ha optado por inyectar savia nueva para imaginar algo novedoso, aun con el riesgo de que las ideas propuestas no acabaran de encajar del todo con lo que resulta familiar y se da por sentado. Espero que el lector impaciente perdone todo el preámbulo anterior, pero lo considero necesario para poner las bases de mi juicio acerca de un resultado que no resulta del todo satisfactorio, tal vez porque con frecuencia se producen en la trama situaciones y avances de la narración un tanto arbitrarios y hasta desconcertantes, con supuestas revelaciones sorprendentes y amagos para no dar, e incluso apariciones de personajes varios que no aportan mucho a la trama, pero que se supone que quedan “cool”, concesiones a la galería. Y encima, te encuentras con que Disney, te ruega, te pide, te implora, que no desveles las sorpresas, por favor, nada de “spoilers” –quién se inventaría la maldita palabreja–, algo bastante difícil de cumplir para el cronista, cuando ya en las tradicionales letras flotando en el espacio con que se inicia el film, se nos plantea una sorprendente e inesperada premisa, un tanto gratuita, conejo en la chistera algo traído por los pelos. De modo que sin destripar la trama demasiado, digamos que la galaxia podría correr más peligro que nunca, y que si nadie lo remedia la Primera Orden restaurará el Imperio, más poderoso y malvado que nunca, pues invocaría a los muertos recurriendo al ocultismo. Por lo que Rey, impaciente, interrumpirá su aprendizaje de jedi, y con sus fieles amigos Finn y Poe, intentará dar respuesta a una misteriosa grabación que apunta a una amenaza muy seria, el resurgir de los sith. En el camino se topa con los esfuerzos de Kylo Ren por atraerla al lado oscuro de la fuerza, mientras se acerca cada vez más a resolver el misterio de sus orígenes. Y es que en efecto, todo se estructura en torno a este triple interrogante. ¿Quién es Rey? ¿Es recuperable el hijo de Han Solo y la princesa-generala Leia? ¿Se salvará la galaxia del amenazante opresivo dominio del lado oscuro de la fuerza? Y alrededor tenemos todo lo demás, a la carrera, vistosos fuegos de artificio, algunos golpes de humor (los mejores alrededor de C3PO), e invitaciones a pensar que a partir de determinados personajes se podrían armar más historias del universo Star Wars. El visionado se hace largo, sin lograrse toda la implicación emocional que sería de desear, también por la paradoja de querer aplaudir la importancia en la lucha galáctica de la unión del pueblo, la visión buenista del esfuerzo colectivo, cuando en realidad, todo acaba dependiendo de las acciones de una o dos personas, no más... El film vuelve a jugar con los sentimientos nostálgicos del espectador talludito, con muchos guiños a las películas precedentes, incluida la partitura de John Williams, que cuando mejor suena es con los acordes de antaño, aunque hay algún tema nuevo en torno a Rey y a la oscura oscuridad. Al mismo tiempo introduce nuevas criaturitas digitales sorprendentes y hasta un droide bastante artesanal. E igual nos paseamos por una pintoresca feria interplanetaria, que nos hacen navegar un rato por un proceloso y agitado océano, o se nos ofrecen imágenes propias de una cinta de brujas y magos en el enfrentamiento decisivo con el Villano con mayúscula, casi como si estuviéramos en el Monte del Destino de El Señor de los Anillos, la idea consiste en ofrecer algunas imágenes nunca vistas en este lado de la galaxia; y aquí se lleva la palma el modo en que Rey se enfrenta por primera vez con un Kylo que viene volando en su nave espacial. Con la confirmación de que Daisy Ridley aguanta los primeros planos como nadie, transmitiendo su sufrimiento interior, y que Adam Driver igual hace de sufrido marido en Historia de un matrimonio que de torturado hijo de sus padres en la saga galáctica, mientras que John Boyega sigue siendo el pánfilo ex soldado imperial buenazo, enamorado de Rey, pero al que se le apunta un posible nuevo interés romántico, mientras que el piloto y pronto general carismático de Oscar Isaac apunta en la dirección de un nuevo Han Solo.

6/10
Ambición

2019 | Greed

En la isla griega de Mykonos, el magnate del mundo de la moda en decadencia Sir Richard McCreadie prepara una suntuosa fiesta, inspirada en la película Gladiator, para celebrar su sesenta cumpleaños, y demostrar a los medios de comunicación que todavía le queda mucha cuerda. Pero se complica la preparación del evento, que incluye construir un anfiteatro a imitación del Coliseo, y traer un león, a lo que se suma la tensión con la madre de su hijo, a la que ha sustituido por una joven, y con su controladora madre. Además, han empezado a investigarle por la forma fraudulenta con la que consolidó su imperio, lo que provoca que algunos invitados cancelen su asistencia. Como su personaje, el británico Michael Winterbottom anda algo de capa caída, quedan lejos el Oso de Oro por In This World, de 2003 y el Oso de Plata al mejor director en Berlín por Camino a Guantánamo, de 2006, y la Concha de Plata al realizador en San Sebastián por Génova, de 2008, y otros títulos de enorme interés, como Wonderland (1999) y El perdón (2000). Así que trata de dar un golpe de efecto con una disparatada sátira del mundo empresarial, un tanto facilona y tópica, de denuncia de los excesos que pueden cometer los poderosos, lo que a ratos trae a la memoria El lobo de Wall Street, pero sin lograr el mismo resultado. Parece que el realizador ha perdido algo de la chispa que tenía antaño, y el metraje resulta excesivo. Al menos se salvan algunos momentos divertidos, tienen gracia los chistes sobre el film de Ridley Scott. Y también sale airoso Steve Coogan, de nuevo a las órdenes de Winterbottom tras buenos trabajos en 24 Hour Party People, Tristam Shandy y la serie iniciada con The Trip. Demuestra ser un buen actor que imprime humanidad a su exagerado personaje, empresa en la que fracasan con los suyos Isla Fisher (la ex) y Asa Butterfield (su retoño). El título original, Greed, se corresponde con el de Avaricia, el clásico de Erich Von Stroheim, así que usarlo resulta una decisión un tanto codiciosa, porque no resiste las comparaciones.

5/10
El Gordo y el Flaco (Stan & Ollie)

2018 | Stan & Ollie

1937. En la cima de su popularidad, Laurel y Hardy están peor pagados que otros cómicos. El primero amenaza con dejar la productora de Hal Roach, seguro de que su compañero seguirá sus pasos, pero éste no lo hace. Dieciséis años más tarde, ambos están en decadencia y sufren problemas financieros, así que aceptan una gira por Reino Unido, que les servirá para apoyar su nuevo proyecto de película, una parodia de Robin Hood. Cinco años después de la prometedora pero no del todo redonda Filth, el escocés Jon S. Baird firma un retrato crepuscular de una de las grandes parejas cómicas del cine, a partir del libro “Laurel and Hardy: The British Tours”, adaptado para la pantalla por Jeff Pope, guionista de Philomena, que contaba también con Steve Coogan como protagonista. Describe sobre todo el lado trágico de la pareja, oculto tras sus hilarantes trabajos, Laurel no le ha perdonado a su socio lo que considera una traición que les ha perjudicado gravemente, mientras que Hardy tiene problemas con el juego, y con su salud, pero ambos están unidos por una enorme amistad, que por mucho que se ponga a prueba parece subsistir siempre. También se trata la fugacidad de la fama, en el caso concreto de estos intérpretes, conocidos en España como El Gordo y el Flaco, debió resultar duro –como se comprueba en un momento clave del film– que el público les sustituyera por Abbot y Costello, que aparentemente trataban de imitar su estilo de humor, pero con mucho menos talento. El director logra un film conmovedor, al tiempo que se luce con algunos segmentos destacados, como el travelling inicial en un estudio de cine, que recuerda a El juego de Hollywood, o cuando repite alguna secuencia con pequeñas diferencias y logra dar a entender que los protagonistas se han pasado de moda o que lo que resulta hilarante en pantalla, puede resultar dramático en la vida real. Con ayuda de los diseñadores de prótesis y un excelente maquillaje, el citado Coogan –en su mejor trabajo– y el camaleónico John C. Reilly –en un nuevo acierto– se mimetizan, parecen realmente los biografiados, y son capaces de dar humanidad a dos personajes que para la mayor parte del público son iconos. Pese a su buen hacer, consiguen robarles puntualmente la función Nina Arianda y Shirley Henderson, que encarnan respectivamente a la enérgica y descarada Ida, esposa de Laurel, y a la minúscula mujer de voz chirriante Lucille, señora de Hardy. Lo describe muy bien uno de los personajes del film, en una escena en la que al verlas sentencia: “tenemos dos parejas cómicas por el precio de una”.

7/10
Okja

2017 | Okja

2007. Lucy Mirando, CEO de la megacorporación Mirando, anuncia que su compañía creará genéticamente en unos años una especie de cerdo gigantesco. Una década más tarde, la pequeña huérfana Mija, que vive en las montañas en Corea del Sur con su abuelo, pasa todo el día en compañía de un ejemplar de estos nuevos animales, Okja, que le guarda una extrema lealtad. Pero éste resulta ser sólo un préstamo temporal, así que cuando los representantes de la compañía se lo lleven, pues tienen planes poco ortodoxos para su futuro, la niña decide viajar a Seúl para recuperarlo. Brad Pitt produce a través de su compañía, Plan B, un film para Netflix que generó una polémica cuando el Festival de Cannes lo seleccionó para competir en la sección oficial de 2017, junto con The Meyerowitz Stories, de Noah Baumbach, también destinado a su estreno directo en la popular plataforma de ‘streaming’. Ha sido la primera vez que el certamen incluía entre los candidatos a la Palma de Oro producciones que, salvo en el caso de alguna sala aislada coreana, no van a pasar por los cines. Coescribe el guión y dirige el surcoreano Bong Joon-ho, que sigue la línea de sus filmes más conocidos, The Host y Snowpiercer (Rompenieves), pues se adscribe al género fantástico, logra un frenético ritmo narrativo, filma eficaces secuencias de acción, y añade toques de humor bizarro, aquí a veces un poco tontorrón. Sigue el esquema de E.T., el extraterrestre y otras cintas de amistad entre infante y monstruo, con elementos del cine de aventuras. Pero el realizador se distingue sobre todo por incluir crítica social, y en esta ocasión, con un tono cercano a la sátira, pone en solfa los excesos de la industria alimentaria, que lanza alimentos transgénicos movida únicamente por el afán de aumentar sus beneficios. Contra lo que se puede suponer, Joon Ho no se muestra complaciente con los animalistas en contra de este tipo de prácticas; el realizador –que recuerda en algunos momentos, sobre todo los más corales, al cineasta español que posiblemente ni conozca Luis García Berlanga– también la emprende contra ellos. Aquí no queda títere con cabeza, y éstos parecen más ingenuos que idealistas, y pese a su amor por las bestias, no dudan en golpear a humanos, sin consideración alguna. Amena, visualmente brillante, con una utilización inteligente de los efectos especiales, sobre todo a la hora de crear al expresivo marrano, Okja cuenta con un reparto internacional de altura. Repite con Joon Ho tras el film sobre el tren futurista Tilda Swinton, que esta vez compone muy bien una villana exagerada de cómic; está acompañada por un histérico Jake Gyllenhaal, como presentador televisivo, una correcta Lily Collins como activista, en el rol de líder de esta última el siempre sorprendente Paul Dano, y el carismático Giancarlo Esposito en el papel de un sicario de la malvada, que recuerda a su creación más inolvidable, Gus Fring, en Breaking Bad. Soporta la mayor parte de la trama la talentosa Ahn Seo-Hyun, que pese a su juventud tiene una vasta experiencia en series y largometrajes coreanos.

6/10
T2: Trainspotting

2017 | T2: Trainspotting

Tras pasar unos años en Amsterdam donde huyó con el dinero de un alijo de heroína que pertenecía a sus amigos, Mark Renton regresa a los suburbios de Edimburgo, en apariencia renovado, pues dejó la heroína, se ha casado y ha sido padre. Allí se reencontrará con sus antiguos camaradas Daniel “Spud” Murphy y Simon “Sick Boy” Williamson, y también con el violento “Franco” Begbie, que le guarda un gran resquemor, poco después de salir de prisión. Más vale tarde que nunca. 20 años después de Trainspotting, Danny Boyle retoma a los personajes de aquel film, que supuso su consagración. No sigue la trama de “Porno”, la secuela literaria de Irvine Welsh, aunque se inspira en algunos pasajes del texto. Recupera al elenco, formado por el ahora reconocidísimo Ewan McGregor, el un tanto de capa caída Robert Carlyle, un Jonny Lee Miller que se mantiene con la serie Elementary, y Ewen Bremner que nunca consiguió despegar. El cuarteto sabe abordar la madurez de sus personajes, que siguen siendo perdedores en un mundo marcado por las drogas, la violencia y el sexo, si bien el panorama que se pinta no es tan oscuro como el del film original. Está claro que Boyle tiene una enorme fuerza visual, con efectos frescos, como rótulos impresionados, o alguna secuencia onírica, al estilo del original, que sirve como metáfora de lo que está ocurriendo. Pero llega un momento en que al espectador no le interesa nada ni la historia, ni los personajes, pues el guionista, de nuevo John Hodge, abunda en secuencias que o bien se limitan a rendir tributo a lo ya conocido o parecen no añadir nada, una mera distracción que no va a ningún puerto. Alguna de ellas tiene cierta gracia, como la improvisada canción anti-católica, que emociona a los ‘hooligans’ protestantes, pero al final el conjunto aburre. Para pasar un rato de nuevo con los viejos personajes, casi merece más la pena revisar el material antiguo. En el ranking de secuelas tardías está más cerca de Psicosis 2: El regreso de Norman, Tron Legacy o La familia bien, gracias, que de Mad Max: Furia en la carretera.

4/10
Bridget Jones' Baby

2016 | Bridget Jones' Baby

Han pasado quince años desde que El diario de Bridget Jones irrumpiera en las pantallas por primera vez. El impacto fue enorme, como era de prever tras el éxito comercial de la novela de Helen Fielding en que se basaba. Sólo tres años más tarde llegó la secuela, Bridget Jones: Sobreviviré, que mantuvo más o menos el nivel original. Ambas películas narraban las dificultades amorosas de la protagonista, una dulce muchacha que buscaba el amor romántico, aunque su vida emocional era infantil, sus ademanes adorablemente torpes y su actitud exterior desembocaba en cierto desenfado sexual, donde el compromiso era poco más que una palabra. Dos hombres se disputaban su corazón, una competencia con claras referencias a “Orgullo y prejuicio” de Jane Austen. Bridget Jones’ Baby retoma la historia años después de que Bridget y su adorado Darcy fracasaran en su relación, pues los compromisos laborales de él hicieron trizas la convivencia. Ahora, mientras que Darcy se ha casado, Bridget sigue viviendo sola, en un pisito cursi y femenino, y goza de prestigio en su trabajo en una televisión, en donde comparte risas con su amiga Miranda. Con ella precisamente irá a desfasar un poco en un concierto y Bridget pasará la noche con un apuesto desconocido, que resultará ser un tipo la mar de simpático además de multimillonario. Días después, con motivo del funeral de quien fuera su otro conquistador, Daniel Cleaver (Hugh Grant), Bridget se encontrará con Darcy, con quien la chispa volverá a surgir y acabarán en el dormitorio. Así las cosas, cuando al poco tiempo Bridget descubre que está embarazada, ignorará por completo quién es el padre, si Jack o Darcy. La directora Sharon Maguire ha conservado las constantes del primer film, dirigido también por ella: soltería de Bridget, infantilismo emocional, competición masculina, buenismo bobalicón de los padres, etc., al tiempo que moderniza aún más las actitudes de los personajes, que dan tumbos entre el romanticismo y la frivolidad más absoluta. En este sentido la superficialidad del guión supera con creces a la mostrada en las precedentes, tanto en el lenguaje y las conversaciones como en los planteamientos sociales de los que alardea. Aunque sigue manteniendo el humor tontorrón y eficaz de las otras películas, ciertamente se deja tan de lado el “estilo Austen” que llegan a resultan ridículos los acaramelados roles masculinos de Jack y Darcy. Por otras parte, aunque hay una trabajada labor actoral, faltan en el film escenas memorables y algunos golpes de humor parecen reciclados y ya no surten el efecto deseado (véase a la madre de Bridget por ejemplo). Además Colin Firth ha perdido llamativamente su frescura y las arrugas tampoco le hacen ningún favor, algo parecido a lo que le sucede a Renée Zellweger, aunque ésta siga conservando su dulzura innata y el atractivo de sus característicos mohínes. Sí funcionan en cambio dos nuevos personajes: la amiga gamberra de Bridget en la televisión, interpretada con mucho desparpajo por Sarah Solemani (quizá gracias a ella la primera parte de la película es la más llevadera); y el papel de sarcástica doctora interpretada por Emma Thompson, quien además es coguionista del film junto con Helen Fielding y Dan Mazer.

4/10
Urban Hymn

2016 | Urban Hymn

Alpha House es un centro de menores en Londres. Ahí se agrupan jóvenes de diferentes edades, personas indisciplinadas, sin estudios, con vidas a la deriva que juguetean con la criminalidad y los ambientes turbios. Entre ellas están Jamie y Leanne, amigas inseparables, a punto de cumplir los dieciocho se dedican a pasarlo bien, robar y desperdiciar las horas. La llegada al centro de Kate Linton, una nueva trabajadora social, puede suponer su última oportunidad de enderezar sus vidas. No importa lo bajo que se haya caído, es posible cambiar de vida si se cuenta con la ayuda necesaria y se mantiene una firme decisión de hacerlo. El itinerario puede ser muy complicado, con dolorosas consecuencias, hace falta dejar el pasado atrás y eso cuesta. El director Michael Caton-Jones (Memphis Belle, Disparando a perros) que últimamente había caído muy bajo, con bodrios como Instinto básico 2, recupera el nivel de su filmografía y nos sumerge en una historia de redención, de corte social y realista, que se apoya en la música como herramienta de liberación. Tiene a su favor un guión convincente de Nick Moorcroft, con luces y sombras, y que está rodada con agilidad y realismo visual. El director escocés no pinta para nada un idílico centro de menores. La labor encomiable de los trabajadores de Alpha House se muestra de modo convincente, nada buenista, lo llevan a cabo con la frialdad de quien sabe la dificultad de educar a esos jóvenes indisciplinados y sin educación. Esa visión contrasta, claro, con la ilusión de la recién llegada, que se entrega a un trabajo muy ingrato con admirable tesón. Ese fresco social de quien no ve un problema simplista en la delincuencia antisocial de la juventud es probablemente el mayor logro del film. Pero, quizá en su afán de no pecar de optimista, Caton-Jones también deriva hacia un cierto fatalismo que parece innecesario, dado el cariz de la historia que desea narrar. Hay que hacer mención en Urban Hymn en la ajustada definición de personajes. Todos ellos han de lidiar con traumas y tristezas hondas, pero el film habla de que nos estamos solos, y de que a la postre somos libres de elegir, para bien o para mal, bajo nuestra única responsabilidad. Y también de que hay que dejar que los demás tomen sus propias decisiones. Todo el reparto hace una gran trabajo, aunque destacan sin duda la educadora Shirley Henderson y la joven Letitia Wright en el papel de Jamie.

6/10
El cuento de los cuentos

2015 | Il racconto dei racconti

Los reyes de Longtrellis desean tener descendencia, por lo que siguen los consejos de una especie de mago que recomienda la captura de una bestia marina, y que la reina se coma su corazón, cocinado por una virgen. El rey de Strongcliff, mujeriego sin escrúpulos, conoce el amor cuando queda deslumbrado por el canto de quien él cree que es una bella dama. Y el monarca de Highhills organiza una competición para conceder la mano de su hija a quien adivine de qué animal es una extraña piel, que en realidad pertenece a su querida mascota, recién fallecida, una extraña pulga gigante. Matteo Garrone, director de las crudas Gomorra y Reality, se evade de la 'reality' con este film, en que da un giro de 180 grados con respecto a su trayectoria anterior, también porque rueda por primera vez en inglés. Adapta libremente tres relatos cortos del siglo XVII del napolitano Giambattista Basile, entrecruzando las historias, sin conexión aparente entre ellas, salvo porque parece que ocurren en reinos vecinos. El realizador, que hasta ahora trabajaba con actores no profesionales, recurre por primera vez a figuras conocidas, como Salma Hayek, Vincent Cassel, Toby Jones y John C. Reilly, que sacan mucho partido a sus personajes. Partiendo de elementos de los cuentos clásicos, el realizador desarrolla historias un tanto sórdidas y sombrías, quizás con algunos puntos excesivamente grotescos. Que nadie piense que estamos ante un film para el público infantil, ni mucho menos, pues aquí nadie come perdices. Aparecen ogros y princesas, pero no existe una línea clara que separe a los héroes de los villanos, como en la vida misma. Todo resulta increíblemente real, pues Matteo Garrone dirige con su habitual estilo cercano al neorrealismo. Aún así se trata de un film de enorme potencia visual, por su cuidado diseño de producción, lleno de secuencias de altura, y que desarrolla cuestiones que ya estaban en el texto original, y que nunca se quedarán obsoletas, como sus críticas a la obsesión por la belleza eterna y el sexo.

6/10
Southcliffe

2013 | Southcliffe

Un año después de los terribles asesinatos en Southcliffe, David Whithead, el periodista que cubrió la noticia, recibe un mensaje aparentemente del asesino, diciéndole que la espiral de violencia está a punto de volver a empezar.

Everyday

2012 | Everyday

La isla del tesoro

2012 | Treasure Island

Vibrante versión de una de las aventuras de piratas más célebres de la historia, base de adaptación de numerosas películas. La historia, pergeñada por el gran Robert Louis Stevenson, cuenta las peripecias de Jim Hawkins, un despierto jovenzuelo que trabaja en la pensión de su madre. Hasta allí irá a parar un extraño huésped, que oculta un valioso mapa con la ruta marítima hacia la isla en donde está el famoso tesoro del Capitán Flint. Por casualidad el mapa irá a parar a manos de Hawkins y junto con otros compañeros se alzarán a la mar. Entre los marineros se encuentra Long John Silver, un cocinero cuya benevolencia con Hawkins oculta en realidad otras intenciones. Aunque se trata de una producción televisiva, llama la atención la cuidadosa puesta en escena, el trabajo fotográfico y la elección de las localizaciones. A su vez la película sorprende por su atmósfera realista, incluso con un toque tenebroso muy atractivo, que se puede apreciar especialmente en la primera parte. Entre el reparto hay nombres especialmente conocidos –Elijah Wood, Donald Sutherland– aunque todo el reparto cumple.

6/10
Pétalo carmesí, flor blanca

2011 | The Crimson Petal and the White | Serie TV

Sugar tiene diecinueve años y ejerce la prostitución desde los trece. William Rackham es un caballero de treinta y un años, educado en Oxford, condenado a suceder a su padre en la industria familiar, pero que siempre ha deseado llevar una vida de goces refinados e intelectuales. Su hermosa (y blanca) esposa, que odia el sexo y abomina de la maternidad, vive encerrada en un mundo de anorexia y terrores. Un día William llega a un famoso prostíbulo de Londres donde conoce a Sugar, que jamás se niega a nada. Se produce el encuentro, y la jovencita seduce a William con su nada convencional belleza, su cultura, su absoluta disponibilidad. Y él decide no compartirla con nadie, aunque para eso tenga que dividirse entre el pétalo carmesí y el blanco...

Meek's Cutoff

2010 | Meek's Cutoff

1845. Un grupo de pioneros que viajan hasta Oregón procedentes del estado de Virginia. Son tres matrimonios y el hijo pequeño de uno de éstos, junto con un rudo pero presumido guía que han contratado, el señor Meek, pero del que no acaban de fiarse. Por el camino se quedarán sin agua y tendrán que confiar en llegar a su destino gracias a la ayuda de un indio al que han capturado. Lo más llamativo del film es su austeridad y su retrato de un paisaje hostil e inmanejable por el ser humano, de modo que la directora norteamericana Kelly Reichardt (Old Joy, Wendy and Lucy) recuerda de algún modo el mundo agreste descrito en las novelas de McCarthy. Con su guionista habitual, Jonathan Raymond, recrea Reichardt un episodio dentro del marco histórico real del éxodo a Oregón acontecido a mitad del siglo XIX, la aventura de los pioneros hacia uno de los últimos territorios inexplorados de la parte más occidental Estados Unidos, cuando Oregón ni siquiera era aún un estado del país recientemente creado. Meek's Cutoff (algo así como "el atajo de Meek") se centra en unas pocas personas que han desviado su ruta de la caravana principal, y cómo esa decisión se revela arriesgada ante el vastísimo e ignorado desierto que tienen ante ellos. Western singular, de remarcada identidad “indie”, contemplativo, sin arranque ni desenlace, donde lo que impera es el día a día del viaje sin fin de los protagonistas, a través de un desierto desolador, inhóspito, polvoriento y con la única y obsesiva esperanza de encontrar agua. El film retrata a mujeres y hombres de una fortaleza y determinación enormes, capaces de sobrevivir con lo mínimo en terrenos hostiles, que hacen casi imposible la supervivencia. Es obligado mencionar filmes de referencia, como Caravana de mujeres, Camino de Oregón y, sobre todo, la fordiana Caravana de paz, con la que este film guarda más de una similitud. La fotografía y las localizaciones son muy bellas, pero también tan estables que son reiterativas, porque hay que decir que prácticamente no sucede nada de renombre, todo en la historia es caminar de día y descansar por la noche. Estamos ante el puro realismo de la conquista del oeste en sus primeros años. Cine pausado, sin altibajos, con reparto exquisito, en donde se lleva la palma la actriz Michelle Williams, alma de la película.

5/10
La vida en tiempos de guerra

2009 | Life During Wartime

Uno de los cineastas más prestigiosos del cine independiente estadounidense, Todd Solondz (Bienvenidos a la casa de muñecas) prosigue en su afán de mostrar su partícular visión deprimente de la vida. Para Solondz, las personas parecen ser sólo pozos de podredumbre, hervideros de secretos malsanos y perversiones patológicas. Y a él le gusta chapotear en esas almas enfermas y dejar claro que las cosas son como son, sin posibilidad de cambio o redención posible. Tan sólo cabe tragarse el sufrimiento, sobrevivir a duras penas a la propia miseria y a los traumas causados por los demás... No se puede ser más nihilista. Tres hermanas: Trish, Joy y Helen. Trish es madre de tres hijos y está divorciada de su marido Bill, encarcelado por pedofilia. Acaba de conocer a Harvey, que podría convertirse en un padre “normal” para los dos hijos pequeños que aún viven en casa, Timmy y Chloe. Entretanto, Bill saldrá de la cárcel e irá a visitar a su hijo mayor en la universidad. Joy, por su parte, es una joven angelical e ingenua, que trabaja con ex presos en un correccional de New Jersey. Lo malo es que mantiene relaciones con esos hombres desequilibrados con la esperanza ilusoria de que puedan sanar de sus perversiones. Sus fracasos han hecho mella en su delicada naturaleza y ahora empieza a ver los fantasmas de sus amantes muertos. Por último, se presenta a Helen (aunque muy brevemente), neurótica escritora triunfadora en Hollywood. Nada nuevo bajo el sol. Solondz lleva haciendo lo mismo desde Happiness, su obra más celebrada. También en ese film había un pedófilo y un niño tenía que soportar el conocimiento de los hechos paternos con una crudeza muy desagradable (se podría pensar en una inquietante obsesión del cineasta por este tema y por sus consecuencias en el desarrollo infantil, precozmente seccionado...). Por lo demás, se ofrece una galería de seres que sufren y sufren y sufren, y que no pueden perdonar ni olvidar, y cuyos insuperables traumas provocan que también sean incapaces de sembrar alegría y amor en los demás. En otro plano, el de la envoltura, Solondz crea imágenes impactantes y sabe darles magnetismo, a menudo con una excepcional fotografía y una música evocadora: la secuencia inicial, el sueño recurrente de Bill, el paseo sonámbulo de Joy, etc. Y, como suele ser habitual, ha contado con un excelente reparto.

5/10
Miss Marple (4ª temporada)

2009 | Agatha Christie's Marple | Serie TV

Cuatro episodios componen la cuarta temporada de esta serie protagonizada por Miss Marple, célebre personaje creado por Agatha Christie. En esta temporada Geraldine McEwan fue sustituida por Julia McKenzie en el papel protagonista, que repetiría como Marple hasta la sexta y última temporada de las serie. En "Un puñado de centeno" Marple tendrá que investigar el asesinato de un detestable hombre de negocios, en cuyos bolsillos han aparecido puñados de centeno; en "Matar es fácil" numerosas muertes aparentemente accidentales están ocurriendo en un pueblo, pero Marple cree que pueden estar siendo provocadas; en "El truco de los espejos" Marple investiga los hechos sucedidos –envenenamiento, incendios, asesinato– en un reformatorio de jóvenes delincuentes regentado por un amigo suyo; y en "Trayectoria de Boomerang" unas misteriosas palabras pronunciadas por un moribundo ponen a Marple tras la pista de unos secretos ocuros ocultados por una familia.

6/10
Un gran día para ellas

2008 | Miss Pettigrew Lives for a Day

Londres, vísperas de la Segunda Guerra Mundial. Miss Guinevere Pettigrew es una institutriz sin empleo, en plena recesión. Además, se diría que la mala suerte se ceba con ella todo el tiempo. En una ocasión en que está en la oficina de empleo, escucha que una conocida actriz está buscando una secretaria; sin que la encargada lo advierta, birla la tarjeta y se presenta en casa de la famosa Delyssia Laffosse. Ésta es una mujer tremendamente superficial, que simultanea relaciones con tres hombres: el hijo de un empresario teatral que le podría conseguir un importante papel en un musical; el dueño de un club nocturno, que la mantiene; y un joven pianista, que es realmente el hombre al que ama. Miss Pettigrew va a demostrar una gran habilidad para sacar a Delyssia de situaciones embarazosas, gracias a lo cual consigue el empleo. Esto le supone abandonar sus vestidos harapientos para introducirse en un estilo de vida sofisticado y frívolo; ella seguirá manteniendo los pies en el suelo, procurando enderezar a la despistada Delyssia. Al tiempo va a conocer a un famoso modisto, del que podría enamorarse, aunque éste a su vez acaba de romper su compromiso con una experta en moda algo arpía. Una sorprendente y divertida comedia, que se inscribe en la tradición del cine de Frank Capra y de la “screwball comedy” de Howard Hawks, Preston Sturges y compañía; lo que no impide que su clasicismo conviva con bromas sexuales más “actuales”. Se basa en una novela de Winifred Watson, escrita en 1938, o sea, muy cercana a los hechos narrados. La acción abarca apenas 24 horas en que los encuentros y desencuentros entre personajes se suceden a velocidad de vértigo, con diálogos ingeniosos y muy acelerados. Su desconocido director Bharat Nalluri, de origen indio, define el film como “un cuento de hadas para adultos”. Y en efecto, en dicho cuento hay toques a lo Cenicienta, y además a miss Pettigrew le toca ejercer de “ángel de la guarda” (una idea subrayada con los ángeles ornamentales del apartamento de Delyssia) o “hada madrina”, templando gaitas con los tres hombres que hay en la vida de su jefa. Hay un gran acierto en la película en lo referente al reparto, sobre todo femenino: Frances McDormand y Amy Adams demuestran dotes excepcionales para la comedia, mientras que entre sus compañeros masculinos hay que destacar la clase que Ciarán Hinds imprime a su personaje, y la presencia de un Mark Strong que bien podría decir que el 2008 está siendo su año, véasele también en Rocknrolla y Red de mentiras.

6/10
Megapetarda

2008 | Wild Child

Comedia ligera al más puro estilo americano, con claras influencias de otras películas de estudiantes, al estilo Chicas malas o la muy superior Una rubia muy legal. Aquí la protagonista es una jovencita absolutamente malcriada, llamada Poppy. La chica tiene de todo pero es una egoísta de tomo y lomo, y una consentida a la que dan ganas de dar un cosqui. Así que su padre decide mandarla a un internado en Inglaterra para que la enderecen. Aunque previsible, la película es agradable, tiene buenos sentimientos y está interpretada con gracia por Emma Roberts. Aparece la actriz Natasha Richardson (1963-2009) en su último papel.

4/10
María Antonieta

2006 | Marie Antoinette

Vuelve Sofia Coppola a indagar en el eterno femenino, algo que a todas luces se ha convertido en su especialidad. Pero si sus anteriores filmes -Las vírgenes suicidas, Lost in Translation- acontecían en la época actual, ahora da un salto hacia atrás en el tiempo y nos sumerge en la corte francesa del siglo XVIII, para ofrecernos su personal visión de una de las más famosas reinas de la historia: María Antonieta, casada a los 15 años con Luis XVI y reina de Francia durante 19 años. Para componer el film, la guionista y directora rechazó la famosa biografía escrita por Stefan Zweig, ya que consideró que trazaba a una María Antonieta demasiado responsable y juiciosa en su comportamiento. Coppola prefirió basarse en la versión ofrecida por Antonia Fraser, y narrar una historia acerca de una joven desenfadada, jovial, caprichosa y despilfarradora, con las despreocupaciones de la juventud muy agudizadas y con poca conexión con la realidad. En definitiva, una joven normal que sin ser consciente de su situación, se encontró desgraciadamente en el ojo del huracán de la convulsa revolución francesa. No cabe duda de que el film pone en la picota la decadencia de la monarquía francesa previa a la revolución. Toda la vida de la corte es frívola, tediosa, vacía hasta lo absurdo, llena de gente y costumbres ridículas ("esto es Versalles", explica irónicamente un personaje). Kirsten Dunst hace un trabajo realmente notable, pleno de naturalidad, y diríase que se ha convertido ya en la actriz fetiche de la directora, tras su estupendo y primerizo papel en Las vírgenes suicidas.

6/10
Harry Potter y el cáliz de fuego

2005 | Harry Potter And The Goblet Of Fire

Harry Potter asiste con sus amigos al Campeonato Mundial de Quidditch, donde aparecen los mortífagos, crueles seguidores de Lord Voldemort, que proyectan en el cielo la marca de su señor. Poco después, los chicos vuelven a Hogwarts, donde empieza el curso académico. Y el profesor Dumbledore anuncia una novedad: este año Hogwarts es el escenario elegido para el Torneo de los Tres Magos, una competición tradicional entre hechiceros. Con ayuda de un oficial del ministerio de Magia, Dumbledore pone en marcha un curioso objeto, el cáliz de fuego, que elige tres estudiantes (uno de Hogwarts y los restantes de otras escuelas de magia) para participar en una sucesión de pruebas. Curiosamente, escoge a Harry Potter, a pesar de que tiene sólo catorce años y se supone que los participantes deben tener diecisiete. Las pruebas consisten en eludir a un dragón que escupe fuego, sumergirse en un lago para rescatar a un ser querido y entrar en un misterioso laberinto. Pero Harry se enfrenta a una prueba que para él será aún más difícil: pedir a Cho Chang, una encantadora estudiante que le hace ‘tilín’, que sea su pareja en el baile de Navidad. La cuarta entrega del mago más famoso del mundo, con permiso de Tamariz, suponía un reto sin precedentes. Por un lado, el listón estaba muy alto, y aunque Mike Newell, director de Cuatro bodas y un  funeral, ha demostrado ser un correcto artesano, parecía menos indicado para este proyecto que sus predecesores, el director de Solo en casa y el de La princesita. La novela de J.K. Rowling no sólo está considerada de los mejores, sino que es una de los más cruciales. Y su argumento es tan complejo, que se suponía una enorme dificultad condensarlo en un film de unas dos horas y media. De hecho, Newell barajó dividir la historia en dos películas distintas, aunque esta idea se desechó, porque chocaba con la intención inicial de los productores de rodar una película por libro. Tan oscura como la entrega anterior, trata sobre el fin de la inocencia de los personajes, su iniciación amorosa y las inseguridades propias de esta etapa. También gira en torno a la superación personal y el mantenimiento de la amistad por encima de las adversidades. El desarrollo de la trama sorprenderá a quienes no hayan leído el libro, pero el punto fuerte son las espectaculares recreaciones de escenarios y criaturas, y sobre todo, las vistosas secuencias de acción, como el impagable partido de quidditch.

6/10
Tristram Shandy: a Cook and a Bull Story

2005 | A Cock and Bull Story

Tristan Shandy es un clásico de la literatura británica, de Laurence Sterne, prácticamente imposible de adaptar al cine por su caótica estructura. El director Michael Winterbottom en realidad no lleva al cine la obra, sino que la toma como excusa para una comedia ligera, rodada entre 9 Songs y Camino a Guantánamo, sobre un grupo de intérpretes y cineastas que ruedan una adaptación de la obra de Sterne. La trama se centra sobre todo en el actor Steve Coogan, perseguido por un periodista que quiere publicar una historia escandalosa sobre él, al tiempo que su novia llega inesperadamente con su hijo de seis meses. Winterbottom compone una película experimental, como lo era en buena medida la novela citada. Así, algunos pasajes parecen improvisados, o dos personajes discuten en qué orden deben aparecer sus nombres en el reparto, justo antes de los créditos. Winterbottom suele entregar películas redondas (Wonderland, Jude) y otras que no lo son (9 Songs, Contigo o sin ti). En esta ocasión se queda a medio camino, pues compone una obra menor, pero que se sigue con interés, con bromas eficaces.

4/10
Bridget Jones: sobreviviré

2004 | Bridget Jones: The Edge Of Reason

Por fin, Bridget ha conseguido comprometerse con el abogado Mark Darcy, el hombre de sus sueños. Aparentemente, es el hombre ideal: atractivo, inteligente, tolerante con las acciones de Bridget, etc. Pero esta insufrible mujer ve amenazas por todas partes, pues siente celos de cualquier fémina que se acerque a su amado. Sobre todo, de la nueva ayudante de Mark, una atractiva y alta mujer que parece querer alejarla de él. Para colmo de males, reaparece el mujeriego Daniel Cleaver, antiguo jefe de Bridget con el que mantuvo una horrible relación. Vuelve la treintañera más neurótica y exageradamente llena de complejos de la pantalla, interpretada por Renée Zellweger, en una secuela en que también reaparecen Colin Firth y Hugh Grant. La directora Sharon Maguire ha sido sustituida por el cineasta británico Beeban Kidron, correcto autor de cintas como Antonia y Jane o A Wong Foo, gracias por todo, Julie Newmar. Y bien, lo que podía haber sido un sainete actualizado, una especie de retrato de costumbres, que hubiera convertido a su protagonista en todo un icono generacional, en realidad se queda en una comedia ligera, y en ocasiones algo gamberra. Eso sí, la risa está asegurada con gags sencillos pero efectivos al estilo de las telecomedias. Además, Kidron le saca jugo a las múltiples y sonoras canciones de la banda sonora. Versiona muy libremente la segunda novela sobre el personaje, de la periodista Helen Fielding, en la que Bridget convivía con Darcy para constatar que el hombre de sus sueños era también un ser humano con algún defectillo. Lo único que ha quedado en su traslación a la pantalla ha sido el título y el viaje a Bangkok.

6/10
Intermission

2003 | Intermission

Film independiente irlandés, con múltiples personajes. Por el metraje pululan un ladrón con pinta de skin head (Colin Farrell), bruto y sin escrúpulos; el policía duro que sueña con ser protagonista de un documental; dos amigos que trabajan en un hipermercado, con un jefe que les agobia: al primero su novia le ha dejado por un hombre casado, y el otro es hipertímido, obsesionado con el sexo, que acaba teniendo una relación con una mujer madura; finalmente, la chica que se ha ido con el hombre casado tiene una hermana que odia a los hombres tras una mala experiencia, descuida su aspecto externo (tiene un bigote a lo Burt Reynolds), y sólo caerá en la cuenta al verse en televisión, entrevistada para un reportaje... Y hay más, más gente, además de un chapucero secuestro de por medio. El desconocido debutante John Crowley une con habilidad las distintas historias, no hay confusión posible. Además, y ahí reside su principal mérito, llegas a conocer a los personajes, entiendes sus fobias y filias, sus frustraciones. El film tiene un aire moderno y desinhibido, algo iconoclasta, y se ha rodado cámara en mano, suelta, lo que transmite espontaneidad. Y se logra un punto gracioso, cachondo: te ríes, aunque los personajes insatisfechos tengan su parte de patetismo.

6/10
Wilbur se quiere suicidar

2002 | Wilbur Wants to Kill Himself

No es una película Dogma, pero la directora danesa Lone Scherfig vuelve a retratar el mismo tipo de personajes insatisfechos, buscadores de la felicidad o agotados por una existencia a la que no encuentran sentido, que ya mostró en Italiano para principiantes, la exitosa película que la situó entre los valores más sólidos del cine nórdico. Esta vez traslada su historia a Escocia y narra las diferentes actitudes vitales de dos hermanos treintañeros. Wilbur sólo piensa en el suicidio. Es un tipo listo y despierto, con éxito entre las mujeres, pero su desidia vital le empuja constantemente a desear acabar con su vida. Harbour, por el contrario, es un optimista nato, con una ingenuidad infantil y un corazón de oro que le lleva a pensar continuamente en los demás, especialmente en Wilbur. Tras su enésimo intento de suicidio, Harbour propone a su hermano que se vaya a vivir con él a la librería que regenta. Un día una madre soltera aparece en la tienda y conectará a la perfección con los dos hermanos. Scherfig cuenta en realidad una historia dura, con personajes solitarios, sin horizonte trascendente y donde el sufrimiento y la muerte son pieza principal. Sin embargo, la directora cifra la esperanza en el amor y rebaja la tensión trágica –marca de la casa del cine nórdico– con situaciones entrañables (la niña está sublime) o verdaderamente cómicas, siempre servidas con una asombrosa naturalidad. Gran mérito del buen resultado final es la interpretación del reparto, en especial de Jamie Sives y Shirley Henderson.

7/10
24 Hour Party People

2002 | 24 Hour Party People

Manchester, años 70. Un presentador de televisión, inspirado por Sex Pistols, crea un sello discográfico, Factory Records. Lo que sirve para repasar esos moviditos años de sexo, drogas y música cañera. El ecléctico Michael Winterbottom (western en El perdón, drama familiar en Wonderland, adaptación literaria de Thomas Hardy en Jude, la ciencia ficción en Código 46, el alegato antibélico en Camino a Guantánamo) sorprende con otro cambio de tercio, de ritmo e imaginería envidiables, el mundo de la música con aires de documental.

5/10
Érase una vez en los Midlands

2002 | Once Upon a Time in the Midlands

Dos pobres tipos ingleses buscan amor. Amable comedia romántica, con punto dramático y llena del costumbrismo propio del director británico Shane Meadows (This Is England). Aquí cuenta la historia de un delincuente de poca monta que decide intentar recuperar a su mujer y a su hija tras presenciar cómo ha declinado la oferta de amor de un pobre tipo en televisión. Protagoniza Robert Carlyle.

4/10
Doctor Sleep

2002 | Doctor Sleep

El diario de Bridget Jones

2001 | Bridget Jones's Diary

El diario de Bridget Jones nació como una columna de la periodista Helen Fielding, donde con ácido humor describía lo que se suponía era el punto de vista de una mujer treintaañera que todavía no ha dado con su lugar en el mundo. El éxito condujo a una novela aún más exitosa; el salto a la pantalla era un paso cantado, que se ha saldado igualmente con una calurosa acogida. El diario es la excusa para articular los pensamientos de Bridget Jones, quien es joven, niña y avejentada al tiempo; joven por edad física, niña por su frecuente comportamiento pueril, y avejentada por la desilusión que a menudo le domina. Muchos espectadores de su edad pueden verse reflejados en el personaje, bordado por Renée Zellweger. Superados por los altibajos emocionales, las ilusiones (a veces pura imaginación, sin visos de realidad) apenas les duran unos instantes. Sin una visión trascendente en la que anclar su vida, andan a la deriva, movidos por los volubles vaivenes de sus sentimientos. Estamos ante un film hijo de su época. Frívolamente divertido, con buenos gags y un triángulo amoroso donde Bridget, finalmente, encontrará a su príncipe azul. La desconocida Sharon Maguire dirige con oficio, y, entre bromas y veras, deja caer, aunque sea en forma de leves apuntes, algunas ideas críticas acerca del tonteo erótico en la oficina o la incapacidad de expresar los propios sentimientos.

6/10
El perdón

2000 | The Claim

The Kingdom Come es un pequeño y alejado pueblo minero de las montañas de California. El jefe de la población es Dillon, un irlandés seco y duro, que mantiene el orden con justicia y mano firme. Los habitantes le respetan: en realidad fue él quien tiempo atrás levantó aquella población de la nada, tras obtener la propiedad de una mina. Pero al pueblo llegarán tres personas que acabarán con la vida rutinaria y acomodaticia de Dillon: un joven trabajador de la compañía Central Pacific que estudia la posibilidad de que el ferrocarril pase por allí, y dos mujeres, madre e hija, cuya historia está inevitablemente unida al origen del pueblo. Michael Winterbottom narra un drama sin concesiones, basado en una novela de Thomas Hardy, tan gélido como las nieves perpetuas que ambientan la película. Los errores del pasado quizá nunca se borren, quizá la huella que dejaron sea inmune al paso del tiempo. El corazón humano es reacio a la humillación del perdón, a pedirlo y a otorgarlo, pero como ya dejó claro Paul Thomas Anderson en su película Magnolia, esa humildad es en realidad lo que engrandece al ser humano. Winterbottom lo dice también a su manera, pero es tan implacable que resulta brutalmente amargo. El perdón es una película magníficamente interpretada, sobria y sórdida a un tiempo, sobre la que planea también el enfrentamiento entre el áspero mundo de los pioneros, capaces de dar la vida por una onza de oro, y el avance imparable del nuevo americano moderno, a veces pragmático hasta la insensibilidad.

6/10
Wonderland

1999 | Wonderland

Fin de semana londinense. Los distintos miembros de una familia: un matrimonio, instalado en la rutina, donde sólo él parece detectar que “tenemos un problema”; y los cuatro hijos. Además de Darren, que se largó sin decir adónde, hay tres mujeres: Molly, a punto de dar a luz, ignorante de los problemas laborales de su esposo; Debbie, separada, madre de un niño de nueve años; y Nadia, que vive sola, sin encontrar el amor de su vida. Michael Winterbottom (Jude, In This World) bucea en las aguas del desconcierto vital de sus personajes, con estilo ágil y audacias formales. Y da su particular visión del País de las Maravillas, referencia al mundo cotidiano que espera a Alice, nombre que recibiría el bebé de Molly si fuera niña. El film muestra los contrastes de ese mundo: deseos de ternura y amor, frente a egoísmo y soledad; pesimismo y amargura frente a humor. Aunque la historia es dura, el director sabe dotar a los personajes de una necesaria humanidad.

7/10
Topsy-Turvy

1999 | Topsy-Turvy

Arthur Sullivan y W.S. Gilbert forman un tándem artístico casi perfecto, sus obras musicales cómicas siempre tienen una buena acogida en la escena londinense de finales del siglo XIX. Pero su última producción “La princesa Ida”, ha recibido críticas negativas, y Sullivan tiene la sensación de que las historias que le ofrece su compañero son repetitivas: el modelo estaría agotado, y cree que debería concentrar sus energías en una ópera que sería su obra maestra, lo que pasaría por la ruptura con Gilbert. Sin embargo, una exposición sobre Japón podría inspirar una nueva obra y evitar la disolución de la compañía. Puede resultar sorprendente que el británico Mike Leigh, un cineasta conocido por sus películas contemporáneas y su dibujo de personajes corrientes en situaciones reconocibles, opte por un inusual biopic sobre los populares Arthur Sullivan y W.S. Gilbert, en una película con un cuidado diseño artístico, que le dio dos Oscar, en los apartados de vestuario y maquillaje. Sin embargo el film le sirve para abordar el mundo del teatro y la creación artística, que al fin y al cabo es el suyo, y los personajes que pinta, aunque figuren en enciclopedias, no dejan de ser gente corriente, a la que Leigh, por así decir, nos presenta “en zapatillas”, por ejemplo en la intimidad del hogar, debatiendo con la esposa, etc. Hay una buena selección de pasajes musicales y un buen trabajo actoral, y de nuevo destaca el guión, que estuvo nominado al Oscar.

6/10
Trainspotting

1996 | Trainspotting

Las drogas según Danny Boyle. La voz en off de Mark con que empieza el film, propone una curiosa disyuntiva: escoger una vida rutinaria ("escoge la vida, escoge el trabajo, escoge una carrera...") o el vértigo irracional de las drogas. El trío Boyle (director)-Andrew Macdonald (productor)-John Hodge (guionista), que adapta la impactante novela del vitriólico Irvine Welsh, ofrece una visión muy descarnada de la drogadicción, donde sentido del humor y hallazgos visuales (como la célebre y alucinante escena de la taza del váter) no ocultan la sordidez del tema, y los peligros reales a donde lleva.

7/10

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