Pablo Derqui

Correcta serie televisiva que reconstruye los inicios de ETA, desde que era una simple organización juvenil que lanzaba petardos en los primeros años 60 contra el régimen franquista y predicaba la lucha obrera hasta que cruzó la línea y se convirtió en una execrable organización terrorista que con el paso de los años llegó a asesinar a casi 900 personas hasta su definitiva disolución en 2018. La línea invisible cuenta hechos reales y los principales personajes son verídicos, aunque la narración haya sido en parte ficcionada para desarrollar un hilo coherente. Creada por Abel García Roure, cuya escasa trayectoria hasta el momento pasa por haber dirigido el estimable documental Una cierta verdad, la serie presenta a unos pocos personajes de clase media, jóvenes idealistas universitarios que sienten la necesidad de combatir a Franco. Destacan de entre ellos los dos hermanos Etxebarrieta, José Antonio y sobre todo Txabi, éste brillante estudiante de cuarto de carrera y que pronto tendrá las ideas muy claras acerca de lo que quiere que sea la organización. En el lado opuesto se situará el comisario Melitón Manzanas, implacable perseguidor de cualquier elemento subversivo contra el régimen y que pronto estará en el punto de mira de ETA.  Es un lugar común decir que ETA nació en un seminario y aquí eso se corrobora con creces, aunque más bien cabría decir en una casa parroquial (de Getaria, para más datos), auspiciada por parte del clero. Es creíble por otra parte el bosquejo que se hace de los personajes jovenzuelos claramente exaltables y manipulables, quizá no especialmente inteligentes pero altamente influidos por las ideas políticas y revolucionarias del momento. Por eso, más allá de luchas sociales e injusticias contra la clase obrera, fue la simplona apelación al sentimiento de la identidad vasca el detonante suficiente para llegar a la barbarie. La serie está producida por Movistar+ y consta de seis capítulos dirigidos todos ellos por Mariano Barroso (Todas las mujeres). El director catalán logra una convincente reconstrucción de época, donde se ha puesto especial cuidado en el vestuario, y, aunque en ciertos momentos quizá se nota la escasez del presupuesto, los contados efectos especiales no cantan demasiado. Entre el reparto destaca sin duda un verosímil Àlex Monner como Txabi Etxebarrieta, el cual está acompañado de secundarios de renombre como Antonio de la Torre (Melitón Manzanas), Asier Etxeandia (llamado “el inglés”, en clara referencia a Julen Madariaga), Anna Castillo (en el papel de la etarra Txiki) o Patricia López Araniz como la amante del policía.

Ambiciosa serie sobre Hernán Cortés (1485-1547), producida por España y México y dirigida por Norberto López Amado de amplia trayectoria en el terreno televisivo (Tierra de lobos, El tiempo entre costuras, Mar de plástico). Sin lugar a dudas, Hernán Cortés es uno de los personajes más controvertidos de la historia, hombre de potente personalidad que para muchos es el heroico baluarte de las hazañas del imperio español allende los mares, mientras que para otros –más partidarios de la leyenda negra– encarnaría todos los males atribuidos a los conquistadores. Hernán se sitúa en un convincente equilibrio entre ambas posturas y, si acaso, se posiciona a priori más cerca de una visión heroica y ponderada de la conquista, alejado de extremismos –“la violencia no es siempre el camino”, espeta en un momento uno de sus capitanes– y siempre dispuesto a llegar a acuerdos que posibiliten la convivencia con los pueblos indígenas aunque, eso sí, siempre bajo la corona del emperador Carlos V, ante quien se sentía un completo servidor. De todas formas, nunca hay que perder de vista que hace 500 años las cosas se hacían de modo muy diferente. Huelga decir –es una obviedad– que en el siglo XVI la diplomacia a la hora de conquistar otro territorio no era una prioridad para ningún país. Contaba la fuerza. En la serie se entrevé también la ascendencia que tenía Cortés sobre sus hombres y también su paulatino acercamiento a Marina (conocida como Malinalli o Malinche), la indígena náhuatl que llegaría a ser para él más que una intérprete y consejera en cuestiones indígenas. La serie comienza con Hernán Cortés ya gobernando en Tenochtitlan, capital del imperio azteca, en donde el rey de los mexicas, Moctezuma, es retenido en su palacio. Cortés saldrá de la ciudad para combatir contra los castellanos levantados contra él a las órdenes de Pánfilo Narváez y a su vuelta en la capital se encontrará con un panorama desolador al ver las consecuencias de la llamada “Matanza del templo mayor”, cuando su lugarteniente Pedro de Alvarado decidió atacar a los dirigentes de la ciudad mientras festejaban a sus dioses, adelantándose a una posible rebelión de la cual había recibido informes por parte de sus aliados indígenas. La narración se completa y entremezcla con flasbacks que ilustran diversos episodios de la conquista de Cortés. Concebida como una serie de 8 capítulos de cerca de una hora de duración, visualmente se trata de una producción de entidad, donde vestuario, idiomas (castellano, náhuatl y maya) y escenarios naturales están bien cuidados. Cada capítulo se centra principalmente en un personaje –Olid, Bernal, Alvarado, Moctezuma, Sandoval, etc.–, cuya historia se ilustra también con hechos del pasado. Aspectos de la conquista como la presencia de la religión, la violencia o el trato carnal con las indígenas están presentes, pero sin cargar en exceso las tintas. Por lo demás, el reparto es notable, comenzando por un Óscar Jaenada que supone todo un acierto del casting. Tiene una presencia poderosa y su Hernán Cortés se aleja aparentemente de tópicos, presentado como alguien con madera de líder pero con innegables dotes de gobierno y sensibilidad. Hay también un excelente trabajo de Ishbel Bautista en el papel de Marina y destaca la presencia de secundarios de renombre, como Víctor Clavijo o Aura Garrido.

Cataluña, cuando pertenecía a la Corona de Aragón, en el siglo XIV. El campesino Bernat Estanyol se casa con Francesca, pero el señor feudal se pasa por el convite para reclamar el derecho de pernada. Meses después ella da a luz un niño, cuya paternidad no está del todo clara. En cualquier caso la apartan de su bebé, Arnau, para llevarla al castillo, con el fin de amamantar al hijo legítimo de su amo. Entretanto Bernat toma al hijo de su esposa, y huirá con él a Barcelona, donde si logra permanecer huido más de un año se convertirá en un hombre libre. Se aloja en el taller artesanal de su cuñado, donde crece el niño, destinado a tener gran importancia en la construcción de la Catedral del Mar de la Ciudad Condal. Serie construida sobre los cimientos de la novela homónima de Ildefonso Falcones, uno de los best-sellers patrios de mayor aceptación de los últimos años, con guión de Rodolf Sirera (Amar en tiempos revueltos) y dirección de Jordi Frades (La corona partida). Gracias a que ATresMedia ha contado con el apoyo de Netflix –que la incorpora a su catálogo– se ha convertido en uno de los proyectos de mayor presupuesto de la historia de la televisión en España, pues asciende a doce millones de euros, lo que corresponde a millón y medio por cada uno de sus ocho capítulos. Sin embargo, esto no ha permitido que la ambientación sea lo suficientemente realista; la presencia en el reparto de Michelle Jenner hace inevitable recordar que la serie protagonizada por ella, Isabel, resultaba más creíble. Por otro lado, guarda absoluta fidelidad al texto original, lo que significa que arrastra también algunos de sus defectos, o sea su recurso a elementos de folletín al estilo de Ken Follet (de hecho se inspira claramente en su obra “Los pilares de la Tierra”), unos personajes que parecen más propios del siglo XXI que de la época en la que transcurre la acción, abuso del recurso al sexo y la violencia para aumentar su comercialidad, y una visión muy tópica de la Inquisición en España. También que su supuesta crítica social se queda en la superficie, con ricos exageradamente malvados y personajes humildes bondadosos en extremo. Acierta al recortar los 70 minutos tradicionales por capítulo de las series españolas a 50, lo que le da mayor dinamismo, y el guión condensa muy bien las tramas. También por ilustrar sobre los motivos espirituales de la construcción de la catedral, pintando una interesante relación espiritual del protagonista con la Virgen. Cuenta con un buen reparto, encabezado por Aitor Luna en el rol protagonista, la citada Jenner, Nora Navas, Josep María Pou y Natalia de Molina en un papel muy breve.

Una singular, inclasificable e irritante mirada al poeta chileno Pablo Neruda, donde repiten colaboración Pablo Larraín y Guillermo Calderón tras El club. Centra su mirada en la actividad política de Neruda pocos años después de concluir la Segunda Guerra Mundial, cuando es senador de la república. Su adscripción al partido comunista y las denuncias fuertes que lanza contra el presidente Gabriel González Videla le han puesto en el punto de mira de la persecución policial, junto a sus compañeros de la misma adscripción política. De modo que se oculta junto a su esposa Delia, con intención, tal vez, de abandonar el país. La anterior descripción de la narrado no hace justicia al contenido del film, que está vertebrado por una voz en off, la del policía Óscar Peluchonneau, al que han encomendado la captura del poeta. Y en la sensibilidad que se desata en su interior mientras acomete la búsqueda de su hombre, se produce una suerte de juego metaliterario, donde se diría que Óscar es un personaje de ficción, que sólo cobra aliento de vida gracias al perseguido Neruda, cuando le considera con su alma de artista, la vulgaridad se transforma entonces en curiosa épica. En tal sentido, la estructura de persecución, el ratón y el gato, cobra acentos nuevos, no es fácil saber quién es en realidad el ratón y quién el gato. El objetivo es muy ambicioso, y los logros parciales. Suena terrible, pero tal vez al film le sobra poesía, en sus intenciones oníricas hay un engolamiento esteticista que acaba cargando, y eso que escuchar logrados versos bien declamados siempre es satisfactorio. Hay momentos bellos –quizá el más logrado, el del travesti hablando con el policía, explicando lo que significó su encuentro con Neruda–, pero otros algo pasados de rosca, con la pintura de una rancia decadencia que quita fuerza a las denuncias políticas del poeta. Aunque los actores están bien –Luis Gnecco, Gael García Bernal, Mercedes Morán...–, hay algo artificioso en sus composiciones que les resta cercanía y humanidad.

Sólida primera película de Nely Reguera, formada en la Escac (Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña), y coautora también del guión. Ofrece una atinada radiografía de la sociedad española actual a través de la mirada de su protagonista, María, y sus alrededores, familia, amigas, novio, jefe. Ella, soltera y ya con una edad en que se le puede pasar el arroz, trabaja en una pequeña editorial y viene cuidando desde hace años de su padre, viudo, que recibe quimioterapia por un cáncer, que parece está remitiendo. Una reunión familiar a la que acuden sus dos hermanos (uno casado, que espera un niño, el otro con pareja, que vive en Londres) es la ocasión de un anuncio inesperado: el padre da la noticia de que se va a casar con Cachita, su enfermera. Esta noticia junto a los preparativos de la boda, el deseo de afianzar su relación con Dani, separado y con tres niñas, y la aspiración de publicar su primera novela, ponen a María en ebullición, se convierte en un manojo de nervios. María (y los demás) transmite autenticidad, las situaciones pintadas son reconocibles y creíbles, y Reguera sabe combinar el dramatismo con los momentos de humor, dando al conjunto un aire tragicómico que funciona muy bien. Ello para pintar "El desconcierto" a que alude el título de una novela que toca a María presentar, se trata justamente de la situación vital en que ella se encuentra. Tiene la directora además la suerte de contar con una gran actriz, Barbara Lennie, capaz de asumir el papel de columna vertebral de la narración, a veces con planos sostenidos muy meritorios, donde ella está sola y logra comunicar múltiples y contradictorias emociones, como ocurre en el desenlace. El resto de personajes son secundarios, lo que no significa figuras desdibujadas o vacías de contenido, cada uno tiene sus rasgos y sirven para encarnar actitudes muy familiares, tipo "no sé por qué te pones así", "¿quieres que te ayude?" (y por supuesto no mover un dedo), "a ver si te mueres" (aunque luego te arrepientes de semejante pensamiento), "era una broma" (no lo era), "ah, ¿pero no lo sabías?" (ya sabías que no lo sabía), etcétera.

Cuidada miniserie televisiva, estrenada en dos capítulos y producida por Televisión Española y TV Brasil, que narra la vida de Pedro Casaldàliga, claretiano que con 40 años marchó de misionero a Brasil, más exactamente a una remota zona del Mato Grosso. Allí poco a poco fue acercándose a los más pobres y dándose cuenta de las tremendas injusticias a que se les sometía por parte de los dueños de esas inmensas tierras, personas sin escrúpulos que bajo el auspicio del gobierno militar de entonces, trataban a los lugareños como esclavos. La muerte, la enfermedad y las vejaciones estaban a la orden del día. Esta situación llevó Casaldàliga a liderar en aquel lugar lo que luego se llamó Teología de la Liberación, una visión marxista de la religión, que en términos de lucha de clases reivindicaba una Iglesia de los pobres, en contra de los ricos y del capitalismo, visto por Casaldàliga como el gran pecado social. La opción preferencial por los pobres, algo siempre promovido por la Iglesia católica, distaba sin embargo mucho de los planteamientos marxistas de la Teología de la Liberación, doctrina condenada por la Iglesa. Pero Casaldàliga veía las cosas de modo distinto, y poco a poco se fue radicalizando hasta llegar a ser partidario de promover una revolución eclesial que se oponía a la tradición en otros muchos temas, como la ordenación de mujeres, el celibato de los sacerdotes, etc. La extensa película, basada en un libro de Francesc Escribano y dirigida con ritmo por Oriol Ferrer (Isabel), está lograda en su faceta formal y el guión tiene la suficiente enjundia para atrapar porque las problemáticas importan. El protagonista es en gran medida un hombre absolutamente ejemplar, hombre de fe recia, heroico en su lucha contra la injusticia y coherente con sus ideas, aunque éstas acaben chocando con la doctrina católica. Ideológicamente el film está cerca de Casaldàliga y hay un sesgo nada conciliador al mostrar el Vaticano y su política de acoger a todos y no sólo a los pobres. El entonces Cardenal Ratzinger (entonces Prefecto para la Doctrina de la Fe) está dibujado con un aire de desagradable superioridad, como una eminencia insensible e incluso sibilinamente distante de los problemas que le plantea el ya obispo Casaldàliga. Por lo demás, Descalzo sobre la tierra roja destaca por el trabajo actoral, con un gran Eduard Fernández, aunque en algún momento resulte quizá un poco afectado. Le acompaña un notable Pablo Derqui.

Con su madre, Isabel de Portugal, enferma, los infantes de Castilla Isabel y Alfonso son reclamados para acudir desde Arévalo hasta la corte de Castilla. Allí les espera el rey Enrique IV, su hermano. El pueblo espera que el rey dé un heredero al reino, pero éste no acaba de llegar, por lo que la reina Juana de Avis empieza a impacientarse, así como los demás nobles de la corte... Aproximación a la historia de Isabel la Católica (1451-1504), uno de los más grandes personajes de la Historia de España. La serie quiere ser una continuación de otros proyectos históricos que han tenido cierta repercusión ante el público, como Hispania, la leyenda, aportando en este caso el estilo de las intrigas palaciegas de otras series de mayor calado, como Juego de Tronos. Por supuesto, el presupuesto es infinitamente menor y en el caso de Isabel apenas hay exteriores, planos épicos o grandes movimientos de masas. La trama se centra en unos poquísimos personajes que pergeñan maquiavélicos planes en la corte de Castilla del siglo XV y, eso sí, se acerca más al estilo de la HBO al emular su atención excesiva a los explícitos comportamientos sexuales, curia incluida, no faltaba más... Por otra parte, el retrato que se hace de Isabel la Católica, aunque cuidado y muy atractivo (inteligente, enérgica, con gran personalidad), puede resultar en ocasiones un poco contradictorio pues a su enorme fe en Dios y su vida ejemplar se le unen puntuales sentimientos mezquinos, palabras falsas y afanes de venganza que no acaban de cuadrar demasiado con su temple, si bien es cierto que estamos ante una Isabel muy joven y que además tiene que enfrentarse al traicionero e implacable mundo de la corte. Atención especial merece la meritoria composición de Michelle Jenner (No tengas miedo) como la joven reina. La catalana demuestra de veras que es una excelente actriz. Y en general, aunque los actores se esfuerzan meritoriamente, la platea femenina ofrece un trabajo mejor que la masculina, con los papeles secundarios de Bárbara Lennie y Clara Sanchís.

Guillermo del Toro tiene muy buena vista a la hora de apadrinar a jóvenes talentos. En esta ocasión avala al cineasta barcelonés Guillem Morales, responsable de El habitante incierto, un film prometedor lleno de imágenes surrealistas potentes. El film va muy en la línea de otra producción de Del Toro, El orfanato, pues de hecho repiten varios miembros del equipo, como el director de fotografía Óscar Faura y la actriz Belén Rueda, que vuelve a ser protagonista. En esta ocasión, la actriz encarna a Julia, una mujer que tiene que aceptar la muerte de Sara, su hermana gemela, que según todos los indicios se ha suicidado. Ambas hermanas sufren una enfermedad genética degenerativa que les provoca la pérdida progresiva de la visión. Julia cuenta con el apoyo de su marido, pero no acaba de aceptar que su hermana se haya quitado la vida voluntariamente, por lo que realiza ciertas pesquisas. Unas ciegas que conocían a la fallecida le cuentan que ésta tenía una relación con un hombre muy peculiar. Aunque Sara estuvo con él en un hotel, nadie que le haya visto recuerda sus rasgos, casi como si fuera un hombre invisible. Los ojos de Julia se puede “ver”, algo no muy frecuente en el cine español. Que en España se ruede un thriller que no tenga nada que envidiar a sus equivalentes americanos es un lujo que hasta hace poco era difícilmente alcanzable. El guión crea bastante intriga, a través de una serie de elementos que encajan de forma modélica. El film tiene incluso cierto fondo, en torno a la dificultad para aceptar las desgracias que sobrevienen en la vida. Morales demuestra su imaginación visual en secuencias muy logradas, como la persecución en el túnel en la que se van encendiendo las luces, sin que se pueda ver el rostro del perseguido. A veces tiene ideas brillantes, como no mostrar el rostro de las personas que la protagonista no ha podido ver, o en la línea de Alfred Hitchcok, dar protagonismo a un objeto, un misterioso llavero. Pero al director se le puede reprochar la crudeza de una secuencia con una aguja que hará apartar la mirada hasta a los espectadores más duros, y también que alarga demasiado el suspense de forma innecesaria hacia el tramo final, que se inspira claramente en la cinta Sola en la oscuridad, pero no llega a la altura. Además su epílogo referente al universo se antoja un tanto pretencioso y fuera de lugar.

Documental de ficción impulsado por la Casa Árabe en España para conmemorar el cuarto centenario de la expulsión de los moriscos en España, durante el reinado de Felipe III. Con carácter buscadamente divulgativo, la trama arranca en la actualidad, cuando Juan, joven profesor de historia en un instituto, encuentra en la casa de su pueblo, Almonacid de la Sierra (Zaragoza), oculto tras un tabique, un viejo libro en árabe. Se trata de las memorias de Diego Aziz, que narra en esas páginas el destino de su familia, donde unos forzados a la conversión al cristianismo, y otros sinceramente creyentes, son víctimas de la injusticia del decreto de expulsión. La trama va al pasado en una serie de flash-backs, mientras en el presente el protagonista comparte su descubrimiento con su abuelo, e investiga los hechos con distintos académicos e historiadores de la Universidad Autónoma de Barcelona y otras instituciones académicas. El equipo de especialistas que ha asesorado el film, liderado por José María Perceval, se esfuerza en ser pedagógico, y ha buscado el equilibro a la hora de analizar una decisión injusta que afectó a unas 300.000 personas que fueron obligadas a exiliarse. De modo que no se cae en simplismos culpabilizadores, sino que se pinta la intolerancia, y la facilidad con que se puede alimentar el odio del pueblo, a la vez que se busca contrapesar comportamientos inquisitoriales con actitudes de la Iglesia que reflejan bien lo que es la caridad cristiana. Quizá la parte de ficción es un poquito elemental, pero se apuntan varios dramas de entidad, al parecer inspirados en personajes reales, como es el caso del capitán Miguel de Larrasoana, que acompaña a la familia morisca protagonista que va a ser expulsada de la Península. El hecho de utilizar a los mismos actores en la parte contemporánea y en la del pasado invita a pensar que son sus descendientes, perfectamente integrados en la sociedad española, de donde nunca se debió buscar su extirpación.

Bienintencionada opera prima de Jaume Mateu Adrover, que ha escogido un asunto tan sugestivo como los centros tutelares de menores. Estos lugares sustituyen en buena parte a los antiguos reformatorios, salvo en los casos de chicos potencialmente peligrosos que son recluidos en lugares cerrados. Juan Diego, un actor siempre eficaz, cumple con profesionalidad con su papel de Toni Darder, educador solitario que se considera un fracasado. A pesar de todo, Darder se deja la piel en su trabajo, confiando en alumbrar a sus pupilos. Un día queda al cargo de Tario, un niño magebrí avispado y apacible que, si pone de su parte, podría tener un brillante futuro. El director filma en un tono cercano al documental, a veces cámara en mano, y parece haberse documentado exhaustivamente sobre los problemas de los tutores de los centros de acogida, desmoralizados por la falta de recursos. Aunque no oculta realidades tan duras como la drogadicción y la delincuencia, el film se muestra positivo en cuanto a la posible reinserción de chicos marginales con actitudes para convertirse en ciudadanos respetables. Pero el reparto es desigual, y algunos actores parecen forzados en ocasiones. El film acusa además demasiados bajones de ritmos y no todas las situaciones resultan creíbles.

Un matrimonio mayor decide despedir a los inquilinos alquilados en su casa de Barcelona. El motivo es que él está enfermo y desea pasar sus últimos momentos en soledad, con la sola compañía de su mujer. De este modo, ambos hablarán, uno a uno, con sus huéspedes: la profesora de francés, el guardia de seguridad y la emigrante argentina. De las conversaciones saldrán a la luz diversas historias y demás. El desigual Ventura Pons (Actrices) dirige una película intimista, teatral, rodada casi completamente en interiores, con tonos pastel y luces artificiales de hogar rancio, antiguo. Cuenta con dos grandísimos intérpretes como protagonistas, y tanto José María Pou como Núria Espert logran que nos interesemos por sus vidas, por su pasado. Sin embargo, poco a poco Pons va derivando su guión y sus imágenes hasta derroteros cada vez más sórdidos, en donde salen a relucir secretos inconfesados y situaciones grotescas, que incluyen travestismo, adulterio, homosexualidad e incesto. Y no hay más en esta especie de mirada atrás de sus personajes: la visión existencial de Pons, muy material y pobre, transmite al espectador una honda tristeza ante la esterilidad de las vidas que presenta. Al final sólo se salvan las buenas actuaciones y una dirección competente.

Raquel y Juan son novios. Él se dedica profesionalmente al atletismo y ella acaba de encontrar un trabajo de locutora nocturna en una radio. Raquel ignora que Juan la engaña con una compañera de entrenamiento, y le propone que se vayan a vivir juntos. Juan acepta. Sin embargo, la vida de ambos sufre un vuelco cuando a él le diagnostican una grave hepatitis. Si no evoluciona favorablemente en un breve plazo, sólo salvará la vida con un transplante de hígado. Debut en la dirección de la catalana Roser Aguilar. La historia, escrita también por ella, es un drama tristón con una puesta en escena correcta pero poco agradecida, pues se localiza durante la mayor parte del metraje entre las paredes de un hospital. Hay una exploración acerca de lo que es realmente el amor, y de hasta dónde estamos dispuestos a arriesgar por él, pero el resultado no es del todo satisfactorio. Juan Sanz (La vida mancha) hace un buen trabajo, aunque la que brilla más es Marian Álvarez, cuya interpretación va de menos a más, como si salvados los primeros minutos de desconcierto hubiera ido creyéndose más y más la vida y los sentimientos que invaden a su personaje.