Ramón Barea

Correcta serie televisiva que reconstruye los inicios de ETA, desde que era una simple organización juvenil que lanzaba petardos en los primeros años 60 contra el régimen franquista y predicaba la lucha obrera hasta que cruzó la línea y se convirtió en una execrable organización terrorista que con el paso de los años llegó a asesinar a casi 900 personas hasta su definitiva disolución en 2018. La línea invisible cuenta hechos reales y los principales personajes son verídicos, aunque la narración haya sido en parte ficcionada para desarrollar un hilo coherente. Creada por Abel García Roure, cuya escasa trayectoria hasta el momento pasa por haber dirigido el estimable documental Una cierta verdad, la serie presenta a unos pocos personajes de clase media, jóvenes idealistas universitarios que sienten la necesidad de combatir a Franco. Destacan de entre ellos los dos hermanos Etxebarrieta, José Antonio y sobre todo Txabi, éste brillante estudiante de cuarto de carrera y que pronto tendrá las ideas muy claras acerca de lo que quiere que sea la organización. En el lado opuesto se situará el comisario Melitón Manzanas, implacable perseguidor de cualquier elemento subversivo contra el régimen y que pronto estará en el punto de mira de ETA.  Es un lugar común decir que ETA nació en un seminario y aquí eso se corrobora con creces, aunque más bien cabría decir en una casa parroquial (de Getaria, para más datos), auspiciada por parte del clero. Es creíble por otra parte el bosquejo que se hace de los personajes jovenzuelos claramente exaltables y manipulables, quizá no especialmente inteligentes pero altamente influidos por las ideas políticas y revolucionarias del momento. Por eso, más allá de luchas sociales e injusticias contra la clase obrera, fue la simplona apelación al sentimiento de la identidad vasca el detonante suficiente para llegar a la barbarie. La serie está producida por Movistar+ y consta de seis capítulos dirigidos todos ellos por Mariano Barroso (Todas las mujeres). El director catalán logra una convincente reconstrucción de época, donde se ha puesto especial cuidado en el vestuario, y, aunque en ciertos momentos quizá se nota la escasez del presupuesto, los contados efectos especiales no cantan demasiado. Entre el reparto destaca sin duda un verosímil Àlex Monner como Txabi Etxebarrieta, el cual está acompañado de secundarios de renombre como Antonio de la Torre (Melitón Manzanas), Asier Etxeandia (llamado “el inglés”, en clara referencia a Julen Madariaga), Anna Castillo (en el papel de la etarra Txiki) o Patricia López Araniz como la amante del policía.

Adaptación de la primera de las novelas de Eva García Sáenz de Urturi que componen una trilogía sobre su “ciudad blanca” natal, Vitoria. Describe la investigación policial en torno a los macabros crímenes cometidos por un psicópata, que mata a sus víctimas por parejas, con distintas edades separadas por cinco años de distancia, y que se recrea en la composición del escenario con los cadáveres: los cuerpos desnudos, con sus partes íntimas tapadas con motivos florales, un telón de fondo histórico ligado a Vitoria. Se suponía que el asesino –el arqueólogo Tasio Ortiz de Zárate– ya estaba encerrado en prisión hace tiempo, pero un nuevo crimen –aparecen los cadáveres de dos jóvenes en la cripta de la catedral vieja– dispara las alarmas. Podría tratarse de un fan de Tasio en las redes sociales, motivo por el que el inspector Unai López de Ayala –conocido en su cuadrilla como Kraken– va a visitarle a la cárcel, con su ayudante, la inspectora Estíbaliz Ruiz de Gauna, mientras recibe presiones de la recién llegada subcomisaria Alba. Thriller inquietante que sigue la estela marcada tan brillantemente en los 90 por El silencio de los corderos. Es posible que la obra original tuviera más consistencia, pero la adaptación de Roger Danès y Alfred Pérez Fargas, ejecutada por Daniel Calparsoro, tiene bastantes agujeros y avanza a indeseables trompicones, con reiteraciones tontas, como el “running” de madrugada donde coinciden Unai y Alba. Y es una lástima, porque la apuesta de producción de Atresmedia es ambiciosa, el reparto es correcto, y el marco de la ciudad de Vitoria resulta sencillamente fantástico, por ejemplo con la persecución nocturna en el tejado de la catedral. El caso es que las muertes se suceden caprichosamente, y sin que ayuden verdaderamente a la progresión de la narración, y los detalles escabrosos, como las abejas que han sido una tortura para los asesinados, son puro morbo, en realidad importan un bledo; las inserciones de programas televisivos, o la explicación ancestral de unos frescos del jardín del Edén, con Adán y Eva, serían otros ejemplos de información mal integrada, que pide a gritos su omisión o una correcta conexión con la narración. Además, conocer pronto la identidad del asesino, y su cercanía a algunos personajes, no ayuda al deseado efecto de dar más emoción a la trama.

La pequeña Mar ha dejado de creer en los cuentos de hadas; piensa que su abuelo le ha engañado cuando le dijo que todo lo que podía imaginar existe en algún lugar, así que decide deshacerse de todos los volúmenes con sus historias preferidas. Empezará a pensar que quizás ha tomado una decisión precipitada cuando tiene que ayudar a sus compañeros de clase más queridos, los Lunnis, con los que se verá transportada al Libro Mágico, que contiene todas las historias inventadas a lo largo de la Historia, para evitar que lo destruyan el malvado Crudo y sus servidores. Los títeres creados por Carmina Roig y Daniel Cerdà en 2003 pasan a la gran pantalla, de la mano del argentino Juan Pablo Buscarini, responsable de Pérez, el ratoncito de tus sueños, personaje que aquí no sólo reaparece, sino que acaba teniendo una importancia decisiva en la trama, como si se tratara de una especie de secuela. Por su encanto le roba el protagonismo a las marionetas famosas por cantar “Los niños y los Lunnis nos vamos a la cama”, para la hora de apagar las luces. Quizás al film le falte una vuelta al guión, para hilar mejor las diferentes escenas. Pero por lo demás resulta mejor de lo esperado, por el tono familiar, la imaginativa recreación del mundo de los cuentos, y la acumulación de momentos divertidos como el encuentro con Pinocho, reconvertido en vendedor de coches. Pero también por la excelente labor del realizador a la hora de mezclar actores reales, con muñecos y personajes creados en animación digital, lo que no resulta demasiado habitual. Sus temas musicales quizás no sean redondos, pero rebosan simpatía, y cuenta con actores carismáticos como la cantante Lucrecia, habitual compañera de los protagonistas, Pablo Carbonell, que parece habérselo pasado como un niño con su alocada interpretación de Merlín, Bruno Oro como un villano a la altura de lo que se espera, y la joven debutante en el largometraje Carla Chiorazzo, bastante expresiva. Además, tiene buen fondo, al reivindicar para el público infantil la importancia de la fantasía y de la imaginación, y poner de manifiesto la necesidad de leer libros.

Helga Pato ingresa a su marido en una institución mental tras comprobar en él un comportamiento desequilibrado. Un día de vuelta coincidirá en el tren con un médico de la institución que empezará a contarle el extraño caso de Ángel Sanagustín, uno de los internos más extraños que tuvo... El donostiarra Aritz Moreno debuta en el largometraje con esta comedia rarita, rarita, basada en una novela de Antonio Orejudo supuestamente igual de estrambótica: "Imaginemos a una mujer que al volver a casa sorprende a su marido inspeccionando con un palito su propia mierda", así comienza. Como se ve, el esqueleto del film es muy simplón (un viaje en tren en donde charlan dos pasajeros), simple excusa para introducir cada una de las historias de que se compone la película, a cada cual más retorcida y peculiar, por lo que podrían haberse añadido más y más relatos sin que se modificara el planteamiento, porque trama propiamente dicha no hay. Y porque muy pronto nos damos cuenta de que aquí lo único que importa es la singularidad de cada historieta, da igual si es la de Helga y su marido, la que cuenta (o inventa) el doctor en el tren o la que puede leerse en la carpeta roja sobre los internos del hospital. La cosa es epatar al espectador. Hay que reconocer originalidad de las narraciones, todas bastante descacharrantes. Sin embargo, los responsables de Ventajas de viajar en tren denotan tal gusto exagerado por lo bizarro y morboso que pueden echar para atrás a parte del público, hasta el extremo de generar repulsión. Aunque el episodio más explícito y redondo es el de la mujer-perra, una especie de fábula cercana al terror que bien podría entenderse como una metáfora del abuso machista, lo cierto es que las demás historias, claramente inferiores, son igual de surrealistas, insólitas y tendentes a lo desagradable. La sensación es que el novelista Orejudo y el guionista Javier Gullón (Invasor) han dado rienda suelta a su imaginación más calenturienta y enfermiza y… ¡hala, a ver qué sale! Que el conjunto resulte confuso y sin orden interno no les importa lo más mínimo. De hecho, Aritz Moreno afirma explícitamente por medio de un personaje que “la realidad y la verosimilitud están sobrevaloradas”. Toda una declaración de intenciones que también funciona como parapeto de trampas e incoherencias. Pese a tratarse de una comedia, no estamos ante una película para todos los paladares. Se abusa de muchas y grotescas situaciones sexuales, así como de ciertos momentos que lindan con el gore. Se agradece que el director no se recree demasiado en las imágenes y que muchas veces decida mantenerlas fuera de campo. Pero eso no impide que sobrevuele en el conjunto un tufo bastante insano. El reparto es fenomenal y variado, también con algunos rostros muy conocidos que apenas cuentan con unos minutos en pantalla. Todos ellos hacen un trabajo notable, desde el divertidísimo Ernesto Alterio (magnífico su arranque) hasta la esquizoide pareja formada por Pilar Castro y Quim Gutiérrez, pasando por un Luis Tosar muy pasado de rosca.

Isidro está jubilado pero siente que aún puede hacer mucho más que gastar sus días como canguro de su nieto. Acude con ilusión a entrevistas de trabajo pero pronto se da cuenta de que ése no es ya el camino hacia su futuro. Desesperado, tendrá por fin una lúcida idea: la de fundar su propia empresa con ayuda de sus dos inseparables amigos, Desiderio y Arturo. El objetivo será crear una guardería. Magnífico debut en el largometraje del extremeño Santiago Requejo (1985), que cuenta con una larga y exitosa trayectoria en cortometrajes y piezas audiovisuales. Ofrece con Abuelos una mirada divertida, fresca y reconfortante a la edad madura, en tiempos en los que las virtudes propias que da la experiencia están rebajadas por el predominio tecnológico y la inmediatez de los negocios. Requejo enseña en este film que la juventud y el éxito no dependen tanto de la edad como de las ganas de emprender nuevos caminos y desafíos, no sólo profesionales, sino sobre todo interiores, personales, esos retos que precisamente los años y las dificultades nos pintan por imposibles. Hay que tener empuje para asumir ese planteamiento, sí, quizá haya que tomar decisiones arriesgadas y las dificultades –tedio, rutina, falta de autoestima, cansancio, escasez económica, familia– no se van a esfumar, pero hay que lanzarse y está en la mano de cada uno llevarlo cabo. El guión de Javier Lorenzo y el propio Santiago Requejo no da puntada sin hilo. Se ve que hay detrás una labor depurada de precisión, donde los diálogos nunca suenan a relleno, ayudan al avance de la narración, enriquecen la trama. Pero aquí interesan las personas y sobre todo se percibe un encomiable trabajo a la hora de perfilar a los personajes, muchos y muy variados. Resulta especialmente llamativo que hasta los más secundarios –el matrimonio de Carlos y Lola, la hija de Arturo, la mujer de Isidro- tienen su tiempo y su arco de evolución, nada se olvida. Y no digamos ya los tres amigos protagonistas, cada uno con sus cuitas y dudas, sus miedos y cobardías, sus afanes y alegrías, donde la fuerza de la amistad siempre ejerce de tapiz de fondo. La narración se desarrolla con soltura y, aunque los conflictos poseen entidad dramática, la historia se disfruta constantemente con una media sonrisa, si bien es cierto que en algún momento puede asomar la carcajada. Rodada con corrección y cierto clasicismo, el film está acompañado de un aparato técnico a la altura, con tonalidades cromáticas elegidas sin arbitrio en la fotografía de Ibon Antuñano y con la excelente música de Íñigo Pirfano, que envuelve de sentido las imágenes en escenas escogidas. Todo el reparto brilla en su trabajo, pero quizá destacan especialmente los españoles Ramón Barea, Ana Fernández y Roberto Álvarez y la argentina Clara Alonso.

El pueblecito de Tellería es un pequeño enclave castellano en tierras vascas, algo que la mayoría de los lugareños quiere cambiar: su sueño es convertirse en vascos de hecho y de derecho. Pero el día indicado para ello reciben un jarro de agua fría: su petición oficial ha sido rechazada. Sin embargo, ¿y si Tellería es en realidad un pueblo de origen suizo? Es lo que vendrán a pensar las fuerzas vivas cuando en los subterráneos de la iglesia se descubre por casualidad la tumba de Guillermo Tell. Ni cortos ni perezosos ahora los habitantes de Tellería emprenderán el camino para convertirse en el cantón suizo número 27. Vulgar comedieta española que coge el testigo de Ocho apellidos vascos y aledaños para rizar el rizo en torno a los regionalismos. Hay que reconocer que el peregrino punto de partida tiene cierta gracia: que un pueblecito del País Vasco reivindique su pertenencia helvética. El argumento del guionista y director Kepa Sojo (El síndrome de Svensson) sirve lógicamente para estirar el tema de las diferencias regionales –vascos, castellanos, suizos, ¿qué más da?–, con alguna ocurrencia simpática, como la de esos dos vecinos siempre enfrentados (el vasco y el castellano) que ahora harán causa común contra la idea de ser suizos y terminarán siendo inseparables. Y funciona el personaje de Ramón Barea cuando rinde su homenaje berlanguiano al más ilustre de los alcaldes de España, el José Isbert de Bienvenido Mister Marshall. Otros tópicos agotan por lo chusco, como el del cura vendiendo armas y comportándose en la mesa como un cerdo. La clara idea de fondo de que los extremismos nacionalistas son ridículos es elogiable, pero en conjunto La pequeña Suiza es fallida. Todo es tontorrón y ligero hasta el exceso, hay poca gracia e inspiración en los gags y prácticamente ningún actor parece creerse lo que está haciendo, especialmente quizá las dos actrices de mayor lustre, unas desubicadas Ingrid García Jonsson y Maggie Civantos. Por su parte, Secun de la Rosa está totalmente pasado de vueltas como cura, y Jon Plazaola resulta muy, muy soso. Se salvan algo de la quema los irascibles y exagerados Kándido Uranga y Enrique Villén. Mientras que la presencia de actores como Karra Elejalde o Antonio Resines no pasa del simple cameo.

Con motivo de la boda de su hermana Ana, Laura regresa desde Argentina a su pueblo natal en una zona vinícola española, la acompañan sus dos hijos, el marido Alejandro se quedó allá por trabajo. Se produce el gozoso reencuentro con padres y hermanos, y con Paco, del que anduvo enamorada en su juventud, ahora casado con Bea. Y tras el enlace, al que asisten muchos invitados, sigue la animada fiesta. Pero de pronto... Desaparece Irene, la hija mayor de Laura. Mensajes en el móvil de Laura apuntan a un secuestro por dinero, con la amenaza de hacer daño a la adolescente si denuncian los hechos a la guardia civil. La vida con frecuencia nos somete a duras pruebas. La alegría pronto se troca en dolor y sufrimiento, y puede costar recuperar la confianza en las personas. El iraní Asghar Farhadi, director y guionista, demuestra su enorme talento para contar historias de alcance universal, no importa tanto que sitúe las historias en su país de origen (Nader y Simin, una separación, El viajante) o que estén “coloreadas” por el telón de fondo parcial o total de Occidente (El pasado y Francia, Todos lo saben y España y Argentina), lo decisivo es la hondura con que atrapa las interioridades del ser humano, lo mejor y lo peor: el amor, el sacrificio, los padecimientos, los rencores soterrados, la soberbia, la ambición, asoman en cada uno en mayor o menor medida, mientra se teje un elaborado cuadro de complejas relaciones, donde cuenta lo ocurrido y lo que se piensa que ha ocurrido, la suposición de intenciones en el otro, y los secretos del pasado que acaban saliendo a la luz. Cuenta con un magnífico reparto coral, donde ocupan lugar prominente Javier Bardem, Penélope Cruz y Ricardo Darín, convincentes al exhibir las fragilidades de sus personajes, pero donde también sobresalan Bárbara Lennie, Inma Cuesta, Elvira Mínguez, Eduard Fernández, Ramón Barea, por citar a unos pocos. Farhadi es un cineasta con mayúsculas. Sabe dar el salto mortal del costumbrismo festivo inicial, a la angustia de la tragedia y las dudas sobre qué ha ocurrido, y quién está detrás, un cambio de tono perfectamente ajustado. Y sí, hay un punto de intriga, pero puede permitirse el lujo de satisfacer la curiosidad sobre la identidad de los secuestradores sin jugar a sorprender, poniendo el acento en que lo importante, lo que le interesa, son las personas, sus heridas existenciales, las cicatrices indelebles. Da gusto ver una película donde no hay espacio para la frivolidad, en que se puede abordar temas como la familia, el aborto o la intervención de Dios en la vida de los hombres, sin caer en el cliché. Y en donde las imágenes pueden sustituir con éxito a las palabras, pero sin desdeñar el poder de éstas para expresar los sentimientos.

A Juan sus hijos le dejan en una residencia de ancianos donde le deja deslumbrado una de las internas, Laurie Amnesia, antigua figura del rock español, ahora jubilada, que no tiene dónde ir. Ésta sigue manteniendo la actitud rebelde de sus años mozos, así que por ejemplo anima a otras compañeras a fumar con ella a escondidas marihuana que le pasa Jaime, su joven nieto, que también lo sería del mismísimo Jimmy Hendrix, con quien Laurie tuvo un escarceo amoroso a finales de los 60. Debido a sus conocimientos musicales, Ramón entra en un grupo que Laurie forma entre otros con Jaime, que consigue que les clasifiquen para un festival de rock. 2018 será recordado como el año en que el cine español se apuntó mayoritariamente a la comedia amable, alejada de los excesos groseros de antaño, con títulos como La tribu, Mi querida cofradía o Campeones, que han funcionado bien en taquilla. Se suma a esta lista Oh! Mamy Blue, que llega a las carteleras el mismo día que Formentera Lady, con la que comparte muchos elementos, sobre todo que tiene como protagonista a un veterano del cine español –allí José Sacristán, aquí Carmen Maura–, que en ambos casos interpretan a una vieja gloria de la música de los 60. Con su naturalidad de siempre, Carmen Maura le saca mucho partido a su peculiar personaje, una anciana que se comporta como una rockera subversiva, gracias a que está rodeada de una pléyade de actores con carisma, pues se lucen Ramón Barea (el recién llegado), María José Alfonso (una anciana del lugar) o María Pujalte (la estricta directora de la institución). Los temas musicales, sobre todo la interpretación final del que da título a la cinta, despiertan la nostalgia, y hasta cuenta con un cameo de Phil Trim, autor del mismo. Podría haber dado más de sí de no ser por la plana realización del veterano desconocido Antonio Hens, que pese a todo ha mejorado bastante respecto a títulos como Clandestinos, pero al que aún le falta camino por recorrer. Y también porque el guión resulta demasiado complaciente con los excesos de la contracultura, sólo se mira hacia ella con nostalgia, y sin minusvalorar a la familia tradicional, ni cargar las tintas, se viene a sugerir que se tiene una vida más emocionante si uno se deja llevar por los excesos.

Adaptación de la primera de las tres novelas de la llamada “Trilogía del Baztán”, que han dado justa fama en el género del thiller policíaco a Dolores Redondo, luego flamante ganadora del Premio Planeta. Sigue los pasos de Amaia Salazar, inspectora de la policía foral de Navarra, a la que encargan la investigación del asesinato de una adolescente, cuyo cuerpo desnudo ha sido hallado en el bosque, a orillas del río Baztán. Para la joven, que vive con su novio americano, artista, y que se ha formado en las más sofisticadas técnicas de la investigación forense con el FBI americano, supone el regreso a Elizondo, el pueblo que la vio nacer. Lo que, junto al reencuentro entrañable con su tía, que la aloja, supone también volver a ver a sus hermanas y reavivar capítulos del pasado que tenía muy enterrados en su psique, ligados a sus padres y al negocio familiar, una fábrica de dulces. Lograr el equilibro entre la investigación para dar con un asesino en serie, y su vivencia personal, supondrá un verdadero reto. Fernando González Molina es un director curtido en la televisión, profesional competente, capaz de sacar adelante exitosamente los trabajos que se le proponen de índole comercial, y además con gran acogida de público, como prueban los filmes Fuga de cerebros, 3 metros sobre el cielo o Palmeras en la nieve, los dos últimos basados en best-sellers, uno del género romántico juvenil, el otro del folletinesco exótico. Sin embargo, es ahora, con este “noir” nórdico, pero del norte de España, no de los países escandinavos, donde da la medida de lo que puede hacer con una trama medianamente interesante, convertida en buen guión por Luiso Berdejo. La puesta en escena no es perfecta, quizá algún flash-back de la infancia de Amaia chirría, pero el conjunto ofrece un saldo muy positivo. Porque el film combina sabiamente lo universal y lo particular. Por un lado tenemos una intriga policíaca de creciente presencia en la cultura contemporánea, que sirve para hablar con pesimismo de un mundo en decadencia, donde se han perdido los referentes morales, y los jóvenes no cuentan con la orientación de los adultos, temas vistos en cintas como Seven y El silencio de los corderos, o en sagas literarias, televisivas y fílmicas, las andanzas de Kurt Vallander, Lisbeth Salander y compañía, a la que ahora se suma Amaia Salazar, bien compuesta por Marta Etura. Circunstancias que propician que policías e investigadores también se enfrenten a sus propios fantasmas, nadie es perfecto. Y, elemento novedoso, bien plasmado en la pantalla, atrapa el exotismo que supone que la trama transcurra en una Navarra boscosa, envuelta en niebla y lluviosa, con parajes de belleza incomparable, y con un folclore propio que se inserta en lo que se cuenta de un modo contenido y misterioso, con la presencia justa para picar la curiosidad del espectador. El modo en que atrapa la luz la fotografía de Flavio Martínez Labiano y la música de Fernando Velázquez intensifican la experiencia, que cuenta además con una mezcla de sonido, con elementos naturales, muy trabajada.

Carmen y Carlos están casados, y tienen una hija adolescente. Ella es ama de casa de vida gris, sensible y con capacidad de aguante, que se conforma con lo que le ha tocado; él maneja una grúa en la construcción, y es tosco y desconsiderado, sólo vibra con las hazañas futbolísticas del Real Madrid, no parece capaz de cambiar. En el banquete de una boda a la que acuden invitados, algo extraño ocurre. Carlos acepta participar en una sesión de hipnosis que dirige Pepe, primo de Carmen, más que nada para burlarse de él. Inesperadamente, un espíritu que pululaba por ahí posee a Carlos, y de vez en cuando se manifiesta transformándole en alguien encantador. ¿Podrían quedarse las cosas tal y como están ahora? ¿O habría que recuperar la normalidad? Una propuesta demasiado audaz de Pablo Berger, un cineasta al que le gusta el riesgo, como ha demostrado con Torremolinos 73 (un matrimonio gris protagoniza cintas caseras eróticas para salir adelante) y Blancanieves (cinta muda en blanco y negro con enanitos toreros). Mezcla tonos y géneros, logrando algunos pasajes brillantes, que parecen arte de magia, pero falta equilibrio, y su discurso feminista, explícito en el tramo final, no resulta demasiado convincente. Berger, director y guionista, combina escenas de auténtica comedia, donde aporta mucho el especialista José Mota, con otras de gran tensión, la función hipnótica, acompañada de música de Mike Oldfield, acción surrealista, la grúa con un mono salido de no se sabe dónde, e incluso de algo parecido al terror, una casa desocupada donde ocurrió un terrible crimen. Y los actores, Maribel Verdú y Antonio de la Torre, además del mentado Mota, tienen el mérito de saltar de unas a otras sin despeinarse, aportando algo de credibilidad a lo que resulta increíble. Visualmente colorista en unos momentos, en penumbra otros, con fondo absolutamente blanco en un tramo final, los sucesivos vaivenes resultan excesivos y descolocan, porque muchas situaciones no tienen explicación ninguna, y ni siquiera se busca. El conjunto parece un atrevido número circense sin red, y aunque no haya aparatoso batacazo, sí deja un poso de irritante insatisfacción.

Comedia para Netflix de Borja Cobeaga con guión de Diego San José, que se arriesga a hacer risas con el tema del terrorismo de ETA, cuestión de alta hipersensibilidad, todo resulta aún muy cercano, con heridas todavía no cicatrizadas del todo. Los responsables del film, son lo bastante conocedores de la realidad de su tierra, y tienen la suficiente elegancia y sentido común para guardar cierto equilibrio, pero en este caso moverse en el filo de la navaja es muy complicado. Su película describe la espera de un comando etarra para cometer un atentado en una innombrada ciudad de provincias, y entretanto deben aparentar normalidad con los vecinos, en plena efervescencia del Mundial de Fútbol de Sudáfrica, donde inesperadamente España está haciendo un buen papel. La película, de actores muy graciosos, Javier Cámara, Julián López, Miren Ibarguren, Gorka Otxoa, contiene algunos buenos gags desternillantes, en el fondo los que más se alejan de ETA y se acercan al humor de Ocho apellidos vascos. El final, humor negro, deja un poco perplejo y se presta a diversas interpretaciones, pero se diría que es el modo de expresar el rechazo de la violencia y el asesinato para defender las ideas que pueda tener uno sobre el País Vasco.

En los años finales de la Guerra Civil un grupo de falangistas disfruta saliendo todas las noches para limpiar (“purgar”, dicen ellos) de rojos el pueblo de Getxo y sus alrededores. En una de esas salidas, Rogelio, uno de los asesinos, queda “tocado” por la intensa mirada de un niño de diez años que presencia como él se lleva y ejecuta a su padre y a su hermano adolescente. Desde ese momento la vida del falangista cambia y tras saber que el propio niño enterró los cadáveres y plantó un hijuelo de higuera en la tierra, Rogelio decide dedicar su vida a regar ese árbol. Una marcianada. La directora Ana Murugarren (Tres mentiras) adapta una novela del bilbaíno Ramiro Pinilla, autor que acostumbraba ambientar sus historias en su Getxo natal. Pero no por provenir de un material escrito previamente deja de ser descabellado el guión de la propia Murugarren, que abusa agotadoramente de los clichés de la España de la Guerra Civil, de falangistas de cabeza hueca, de la cortedad del pueblo llano, todos ellos una panda borreguillos a la hora de admirarse y postrarse religiosamente ante un cúmulo de paparruchadas que consideran algo extraordinario. El protagonista se convierte así en una especie de ermitaño laico de tres al cuarto, molesto para unos y santurrón para otros, cuando en realidad es simplemente un pobre tipo desarrapado al que se la ido un poquito la cabeza. En medio de un conjunto que va adquiriendo poco a poco un tono surrealista, de relato berlanguiano, no parece haber un sentido oculto, aunque quizá se esconda alguna metáfora sobre el mal y su castigo, digo yo. Pero en fin, quién lo sabe, porque el espectador buscará en vano un motivo del actuar del protagonista, cuyo peregrino personaje le va al pelo a Karra Elejalde.

Martinón, trampero que vive en las montañas, sólo tiene ocasionales contactos con otros humanos cuando bajan las nieves, para comerciar con las pieles de lobos que ha logrado abatir, y proveerse de algunos útiles. Un día se lleva consigo a la molinera Joxepi, a la que trata con extrema rudeza, que le sirve para satisfacer sus instintos más primarios, pero resulta estar embarazada y enferma, y muere al dar a luz. Tras acusar al padre de la fallecida de haberle ocultado la verdad, éste propone que tome a su otra hija, como sustituta. Ambicioso debut de Samu Fuentes, asistente del director en diversas series, y películas como La torre de Suso o El secreto de Marrowbone. Parece haberse propuesto rodar una versión de Las aventuras de Jeremiah Johnson, en Asturias, pero las comparaciones son odiosas. Pese a lo arriesgado de la propuesta, que se distingue por su escasez de diálogos, consigue interesar en el arranque, sobre todo por sus impresionantes secuencias de parajes montañosos. Pero al final su ritmo premioso acaba agotando. Pese a su esfuerzo interpretativo, Mario Casas gruñe demasiado a la hora de reflejar el salvajismo de su personaje, y sigue demostrando graves problemas de dicción. Le supera con creces Irene Escolar, muy expresiva a pesar de que tampoco tiene muchas frases, y tampoco decepciona Ruth Díaz, pese a la brevedad de su aparición.

A punto de cumplirse el 80 aniversario del bombardeo de Guernica (Gernika en euskera), durante la guerra civil española, llega esta película para recordar que aquella fue una de las primeras ocasiones en que se arrojaron bombas sobre la población civil. Aunque las víctimas no fueron numerosas –unas 160, lejos de las alcanzadas posteriormente en la Segunda Guerra Mundial, con los trágicos récords de Hiroshima y Nagasaki–, el ataque se convirtió en emblemático de cómo el horror bélico podía cebarse sobre los no combatientes, en acciones que no tenían interés táctico o estratégico, sino que se dirigían únicamente a minar la moral de enemigo. De hecho el film incide en que los bandos contendientes se convirtieron en poco menos que marionetas en manos de los totalitarismos –nazi y fascista de un lado, soviético del otro–, que ensayaron en España sus nuevas armas. Esto podía haber servido un poco para superar el habitual maniqueísmo del subgénero bélico de la guerra civil española, aunque no se acaba de lograr del todo este objetivo, la ideología sigue pesando lo suyo. Estamos ante un notable esfuerzo de producción, manejado por Koldo Serra con ciertos medios y rodado en inglés, sin duda con la sana intención de hablar de modo didáctico del bombardeo a un público internacional amplio. Pero desgraciadamente el film acaba convertido en un encadenado de clichés, por culpa de unas situaciones demasiado folletinescas y estereotipadas, por las que pululan unos personajes de cartón piedra. Todo transcurre alrededor de la oficina de prensa en Bilbao durante la guerra, donde ejerce Henry, un periodista que fue una especie de Hemingway en su día, pero que se ha convertido en un cínico que inventa sus crónicas; por ahí también anda una fotógrafa que se juega la vida cada vez que toma una instantánea. A la idealista Teresa le toca la ingrata tarea de manejar la censura informativa, aunque a la vez desea que el mundo conozca la verdad de la contienda. Un comisario político ruso la pretende románticamente, pero ella se verá atraído por Henry. Como cabe imaginar, la peripecia periodística y romántica es una excusa que debe llevarnos a las escenas del bombardeo, lo mejor del film. Pero entretanto hay momentos obvios de promoción turística, como el publirreportaje –no se nos ocurre una descripción mejor– de las escenas del País Vasco y la vida rural, con la excusa de que la oficina de prensa se lleva a los chicos de la prensa a hacer un tour: de modo que ven el árbol de Guernica, y puede disfrutar del aurresku.

Después del éxito de las series televisivas Isabel y Carlos, Rey Emperador –un meritorio esfuerzo didáctico y artístico para acercar la historia de España a un público amplio–, llega este largometraje puente entre ambas, que se estrena en cines. Una inteligente jugada, que puede atraer a la numerosa audiencia reunida por ambas series, y que está ampliamente justificada por el esfuerzo adicional en la producción, las imágenes y la dirección artística son muy vistosas, empezando por el arranque, con el cortejo fúnebre que condude los restos mortales de Isabel la Católica hacia Granada. El film que dirige Jordi Frades está estructurado en torno al relato que el cardenal Cisneros hace al infante Fernando acerca del reinado de su abuelo, también Fernando, tras la muerte de Isabel, y cuyo final se encuentra próximo. En general el ritmo narrativo es ágil, aunque a veces se produce algún salto abrupto en la narración. De esta guisa vamos conociendo la inestabilidad que sigue al óbito de Isabel la Católica: las intrigas palaciegas que se cuecen en Castilla y Flandes, en torno a la proclamación de Juana la Loca como reina, el cuestionamiento de su perdido juicio, y la lucha sobre quien debería hacer sus veces, su esposo Felipe el Hermoso, visto como un extranjero al igual que su hijo Carlos, pero que cuenta con apoyos castellanos, o Fernando el Católico, que genera rechazo y que al tiempo debe velar para que la corona de Aragón no caiga en manos no aragonesas. Aunque le falta un pelín de emoción, y acude a fáciles concesiones de alcoba, cumple con el objetivo de ilustrar este período clave de la historia de España, entre 1504 y 1516, que incluye el enlace de Fernando el Católico con Germana de Foix, y la creciente enajenación de Juana, aunque con momentos de lucidez. Rodolfo Sancho como Fernando, Irene Escolar como Juana, Eusebio Poncela como Cisneros y Raúl Mérida como Felipe están muy bien en unos papeles con entidad, pero también el resto de secundarios, incluidos los recién llegados José Coronado, Silvia Alonso y Úrsula Corberó.

Debut en el largometraje documental de Javier Balaguer, que debutó en el campo de la ficción dramática con el film sobre los malos tratos Sólo mía. Con un par de cámaras y escaso presupuesto, ha recogido fílmicamente el proceso de búsqueda de los restos mortales de Miguel de Cervantes Saavedra, que se sabía que fue enterrado en el madrileño Convento de las Trinitarias, cercano a su residencia. Su trabajo se estrena coincidiendo con el cuarto centenario de la muerte del autor de “El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha” (el mismo 23 de abril fue emitido por algunos canales autonómicos y posteriormente se ha estrenado en cine). Comienza criticando la falta de apoyo y el desinterés de las instituciones con el proyecto puesto en marcha por un grupo constituido por forenses, geólogos, historiadores e investigadores, que han obrado sin ánimo de lucro económico, y sólo han contado con la ayuda del Ayuntamiento de Madrid, y de las madres trinitarias, que han permitido el acceso a sus instalaciones. Resultan descorazonadoras por contraste sus imágenes del parlamento británico, donde no existe división alguna a la hora de apoyar cualquier reivindicación de William Shakespeare. Documenta también la búsqueda de la casa natal del dramaturgo, de la que los ingleses han hecho una cuestión de estado, y han gastado siete millones de euros… ¡a pesar de que ellos ya tenían localizados sus restos mortales! En España lograr 100.000 euros, una cifra muy reducida, ha sido complicadísimo. A continuación, se muestran con pelos y señales las fases de la excavación. El realizador logra hacer todo interesante, incluso para quienes desconozcan cómo se llevan a cabo este tipo de indagaciones tan complejas (en el lugar yacen los huesos de numerosas personas, sepultadas allí a lo largo de los siglos). El conjunto está ilustrado por secuencias en las que el actor Ramón Barea se convierte en un convincente Cervantes, para dar su punto de vista.

Una película de sentimientos y sensaciones, que trata de plasmar en la pantalla lo inefable. Sigue a una joven, June, que regresa del extranjero a su pueblo natal, en el País Vasco. Detectamos en ellas heridas sin cerrar, cuya envergadura iremos conociendo gradualmente. Pasa ante un portal donde un tal Diego no le abre. Recala en la casa familiar, donde su hermano pequeño le abraza afectuosamente. El padre no está en casa, y algo en la relación padre-hija no debe marchar, seguramente. June volverá a la carga al día siguiente con Diego, su marido al que dejó, y que parece que se niega a salir de su piso. June se reencuentra con una amiga, embarazada, y empieza a dar clases de francés, es un decir, a un chaval, para ganarse la vida. La trama, de algún modo, es lo de menos. De hecho la directora y guionista, Lara Izagirre, explica que su deseo sobre todo era "comunicar cosas que eran importantes para mí de una forma inconsciente". Así que tenemos huecos que se pueden intuir y el espectador puede rellenar parcialmente, acerca de los motivos de la separación, y la dificultad paa aceptar una muerte. El problema es que junto a los huecos que la cineasta deja conscientemente hay otros menos nítidos, que de algún modo desvelan la inmadurez de la protagonista y su pareja, su condición de náufragos existenciales que no tienen ni un trozo de madera al que agarrarse, si acaso el cariño de unos pocos seres queridos, e incluso éste a veces puede rechazarse estúpidamente. En cualquier caso, en su debut en el largo, Izagirre apunta maneras en lo que se refiere a ritmo narrativo, dibujo de personajes, y creación de una atmósfera lánguida, de impasse vital, en el que no se puede permanecer eternamente. La protagonista, Irene Escolar, hace un buen trabajo, combinando el carácter animoso de su personaje con cierta angustia interior.

Nueva apuesta española por las series televisivas de corte histórico tras el éxito de Isabel, no en balde detrás de Carlos, Rey Emperador está parte del equipo creativo de la mencionada serie. La trama arranca con la llegada a Castilla de Carlos y su hermana Leonor, donde resulta casi inevitable que sean vistos como intrusos extranjeros, pues siempre han vivido fuera de la Península. Él viene a reclamar su corona, aunque Juana todavía vive, y su hermano Fernando podría hacer también su propia reclamación, apoyos locales no le faltan. Pero Cisneros, el regente, desea que las cosas se hagan como determinó el rey católico Fernando, abuelo de Carlos, siguiendo el parecer de Isabel. Otros hilos narrativos trasladan al espectador a la corte francesa del mujeriego rey Francisco, y a Santiago de Cuba, donde Hernán Cortés se apresta para explorar y conquistar ricos territorios. Resulta muy de agradecer el esfuerzo de producción de esta serie, que ayuda a divulgar un período importante de la historia de España. El equipo dirigido por José Luis Martín, y que cuenta con cineastas solventes como Oriol Ferrer, procuran conjugar la lección de historia con el entretenimiento. El problema, al menos en lo que se detecta en el primer capítulo, es que ideas como el ataque de unos campesinos al rey por error, o los devaneos amorosos de alcoba, parecen recursos fáciles poco integrados con la mencionada lección de historia. Mientras que la decisión de no arriesgar con los idiomas quita al conjunto un poco de verosimilitud. Carlos habla un perfecto español, y se hace difícil aceptar que la corte francesa sea efectivamente francesa. Álvaro Cervantes parece demasiado joven para encarnar al futuro emperador, pero démosle un voto de confianza, por ahora se supone que es un gobernante inexperto, aunque con aptitudes, y eso, más o menos, lo transmite. Y en efecto, a medida que avanzan los capítulos, se opta por desarrollar mejor las tramas relativas a la lucha por el poder, ya sea la corona de emperador, o la conquista de México; y los personajes y lo que les mueve, una combinación de lealta, ambición y sentido del estado, que obliga a dejar los sentimientos personales en su su sitio, cobra sentido. Además, siendo conscientes de que hay un presupuesto razonable, pero limitado, se evitan los planos que requerirían masas o costosos decorados, limitando la cosa a escenas brevísimas que cumplen ese misión en América, la fugaz visión de los barcos de la expedición de Cortés y las pirámides mayas.

Después del éxito espectacular e inesperado de Ocho apellidos vascos, se aguardaba con verdadera expectación el nuevo proyecto de Borja Cobeaga como guionista y director, pues la temática es todavía más delicada a la hora de levantar ampollas entre los espectadores, la negociación siempre negada –simple diálogo, era el eufemismo que se debía utilizar– entre el gobierno español y la organización terrorista ETA. El hilo narrativo no puede ser más elemental. En 2005, cuando gobierna José Luis Rodríguez Zapatero, Manu, un vasco que se siente también español, ha tendido cables para hablar con el entorno terrorista, no en balde algunos etarras fueron compañeros de pupitre, y éstos han aceptado mantener una reunión en Francia. A lo largo de un mes, en un retirado hotelito, Manu negocia oficiosamente –o dialoga– con Jokin, representante del mundo etarra, un primer documento que pueda sentar las bases del final de la violencia. Entre ellos hay un mediador británico con una traductora, que toman buena nota de todo para tratar de llegar a un entendimiento. Negociador es una producción modesta económicamente, rodada con pocos actores y los escenarios imprescindibles. Cobeaga, consciente de la gravedad del tema que tiene entre manos, opta con inteligencia por la modestia abarcadora, pasajes divertidos de tipismo muy vasco y muy español –ese miedo exacerbado al ridículo que tan bien nos define–, pero que no conviertan el film en un despiporre poco adecuado. El laconismo de Ramón Barea y Josean Bengoetxea ayuda, mientras que los modos más exagerados de Carlos Areces, resultan medidos. La cinta funciona en líneas generales, aunque esa necesidad de acelerar y pisar el freno no deja de pesar un poco. Así que el director concibe momentos surrealistas, las cosas discurren suavemente, se plantean las contradicciones y las coincidencias entre las partes enfrentadas. No cae en la equidistancia, sabe poner banderillas en los momentos adecuados, la inesperada escena del restaurante con el camarero de Logroño; pero a la vez señala la necesidad de hablar, de acercarse, de conocerse, y esto sin ingenuidades, con sutileza no se evita la mención del miedo al tiro en la nuca, el luto o las acciones policiales. La estructura circular, el film acaba como empieza, subraya que cualquier avance, por pequeño que parezca, es algo.  

Ana tiene 28 años y trabaja de auxiliar en una ambulancia. No acaba de superar la ruptura con su novio, y las personas que tiene alrededor no acaban de ser conscientes de su enorme padecimiento interior. Sus padres están separados, ella vive con su madre, con la que no hay conexión. Habla con sus colegas, va a algunas fiestas, está atento a un paciente, pero... Su única forma de desahogarse es precaria: mantener un chat en internet con un desconocido, ante el que admite sus numerosos intentos de suicidio, aunque no ha sido capaz de reunir la fuerza suficiente para llevarlos a cabo hasta el final. Deprimente película del debutante Fernando Franco, que presenta con gran realismo el estado anímico de la protagonista (la esforzada Marian Álvarez, premiada en San Sebastián con la Concha de Plata), que padece sin saberlo bien un trastorno límite de la personalidad o síndrome borderline. El planteamiento del director, que coescribe el guión con Enric Rufas, consiste en meter al espectador dentro de la cabeza de Ana y hacer que de este modo sufra con ella y la comprenda. El problema es que La herida no deja ni un instante de respiro, ni es capaz de abrir mínimamente una ventanita a la esperanza, de modo que todo es dar vueltas y más vueltas a lo que se diría una situación sin salida. Ella está fatal, la gente que tiene alrededor va a lo suyo, la vida es un asquito, no hay alicientes, y poco más. Aunque pueda ser encomiable describir el estado mental extremo de quien está a punto de hacer “crack” –no infrecuente en los países opulentos en crisis de la sociedad contemporánea–, para concienciar del problema, Franco no ofrece el mejor enfoque para vender entradas y que el espectador salga mínimamente estimulado, pensando “qué bello es vivir, a pesar de todo”, o algo así. Se diría que el simple pintar un cierto estado de las cosa no es suficiente.

Película muda, y en blanco y negro. Basada en Blancanieves, el clásico de los hermanos Grimm. Pese a que todo suene, no hablamos de The Artist, la gran triunfadora de los Oscar 2012, ni tampoco de las dos versiones hollywoodienses del cuento que han protagonizado Julia Roberts y Charlize Theron, sino de Blancanieves, de Pablo Berger, una joyita con Maribel Verdú. Sin duda la mejor Blancanieves del trío, que se atreve a llevar un poco más lejos la propuesta de Michel Hazanavicius. Porque aquí no existe el recurso de cine dentro del cine, ni tampoco la tragedia, para algunos, del paso del mudo al sonoro. No faltan guiños cinéfilos abundantes, por supuesto, con audaces variaciones de tono, pero aquí tenemos el cuento de Blancanieves en clave melodramática -nada de comedia o planteamientos épicos tipo Juana de Arco-, la acción se traslada con enorme inteligencia a la Sevilla de los años 20 y el mundo de los toros. Y tiene gracia que se juegue con la idea de que la realidad de la historia va imitando al popular cuento de Blancanieves, con la pobre Carmencita que se queda huérfana, con su padre torero impedido y una madrastra absolutamente odiosa. Porque la cosa funciona, lejos de ser una ocurrencia exótica, todo está perfectamente insertado en Blancanieves, de Pablo Berger, y resulta muy visual, piénsese en el blanco vestido de primera comunión convertido en ropa de duelo. Hay emociones genuinas, risas, tono sombrío... La madrastra, los enanos, la manzana, etcétera, se introducen sin fantasía para sorpresa de propios y extraños, y nada chirría, dando pie a una historia nueva y perenne, en que bastan las imágenes fotografiadas por Kiko de la Rica y la estupenda banda sonora de Alfonso Vilallonga para contar la historia. Pablo Berger (Torremolinos 73) demuestra ser un director a tener muy en cuenta, que tiene muy en cuenta a los clásicos del cine mudo, Griffith o Murnau. Destacan obviamente los toros, ingenioso marco del que no hace falta ser experto para advertir que confiere a importantes escenas un tono épico que pone la carne de gallina, hasta el punto de que el film bien podría crear afición entre los no conocedores del mundo de la arena, tan genial resulta el entrelazado con la tauromaquia. Mientras que conferir a un cortijo el aire siniestro propio de una película gótica tiene su mérito, y en los pasajes en la solitaria casa de Antonio Villalta, él Blancanieves niña, la madrastra y el gallo Pepe hay momentos magníficos. Por no hablar de las escenas feriales finales, muy, muy emocionantes. Sobresalen en Blancanieves, de Pablo Berger un puñado de personajes memorables. Es curioso porque ninguno de los actores puede proclamarse protagonista absoluto del film, no hay quien deje de descollar, es de esas películas que merecería un premio al mejor reparto. Pues son estupendos Blancanieves-Carmen adulta (Macarena García) y niña (Sofía Oria), su padre célebre torero (Daniel Giménez Cacho), su madre cantaora, Carmen de Triana (Inma Cuesta), la abuela (Ángela Molina), la enfermera convertida en madrastra (Maribel Verdú), los seis enanos (¿quizá no hay siete porque Mudito ya está suficientemente representado?), el apoderado (José María Pou), el chófer (Pere Ponce)...

Cuidada miniserie que recrea el terrible bombardeo sufrido por Gernika el 25 de abril de 1937 a manos de la alemana Legión Condor, en los años de la guerra civil española. Con estilo coral se describen los avatares de personajes históricos y de ficción. Tiene las limitaciones típicas de un producto televisivo, pero se agradece el esfuerzo de contar las cosas con cierta objetividad y desapasionamiento, por ejemplo mediante la figura de un periodista.

Tres mujeres, tres épocas, tres historias tamizadas por el dolor en tierras de Aragón. En la montaña, junto a Canfranc, en los años 20, una frágil e inocente Violeta vive con su abuelo; en los 40, en el campo de las Cinco Villas, a Inés le toca padecer las consecuencias de la represión política, de que es víctima su marido; finalmente en los 70, en que se adivina el cambio de régimen, a la apocada Luisa, que reside en Zaragoza, le diagnostican un cáncer, puede ser la ocasión de descubrir lo que es la libertad. Debut en el largometraje de la zaragozana Paula Ortiz, guionista y directora, que aborda una ambiciosa trama donde se entrelazan las vicisitudes de las tres protagonistas, con continuos saltos temporales, “de una ventana a otra”. De tu ventana a la mía es un film introspectivo, que busca atrapar el alma femenina, demasiado autoconsciente de su búsqueda de la belleza a lo Víctor Erice o al temprano Juanma Bajo Ulloa, abundan en él los silencios y los cuidados planos sostenidos que invitan a la contemplación, el paisaje, rural y urbano, es un personaje más en la historia. Con un magnífico elenco de actores, que saben lo que es la contención, Ortiz tiene la virtud de ser evocadora de las penalidades femeninas, una mirada al dolor y a la fuerza de la mujer sin grandes alharacas ni reivindicaciones chirriantes, aunque quizá lo que cuenta acaba siendo demasiado leve, le falta un punto de la buscada emoción.

Robinson salva la vida de un naufragio en su viaje de la África negra a la vieja Europa. Arribado a las costas de Almería, comienza a trabajar en un invernadero, pero pronto se desplaza al norte, y se gana la vida en una fábrica de explosivos, mientras se aloja en una pensión familiar. En todo su periplo le guían sus creencias animistas, mediante unas piedras mágicas se comunica con su padre, que espera de él que cumpla una misión que tiene forma de venganza. Singular película del donostiarra Pedro Aguilera (La influencia). Combina lo experimental con cierto tono documental para dibujar lo que podríamos denominar “hombre primitivo”, que sería no sólo Robinson, sino los personajes con los que se relaciona. El bruto padre machista que blasfema y le invita a cazar, el hijo con instintos homosexuales, el compañero de fábrica que le invita “a follar”, el matón del trabajo que se mete con todo el mundo, la parca en palabras pero más o menos acogedora madre, el “brujo” blanco que vive en el bosque con extraños amuletos y musitando palabras en lenguas extrañas… Se trata de una película “heavy”, muy “heavy”, en la que el director y guionista consigue crear una extraña y atávica atmósfera, con bellos encuadres incluso en su insistencia en inclinar la cámara, e inteligente uso del sonio y la música. El reparto está bien, incluido el protagonista Solo Touré, presente en prácticamente todos los planos.

Sergio se dispone a viajar en avión con su novia Bea ante la atenta mirada de su padre, que ha ido a despedirles. No tan atenta, en realidad, pues Bea es ex novia, circunstancia que Sergio no se ha atrevido a contar, obligándola a ella a mantener la ficción de que las cosas van bien. Debido a un temporal de nieve sus respectivo y distintos aviones no pueden despegar, tendrán que pernoctar en un hotel. Puede ser la ocasión de recomponer la relación. Y para ello está Juancarlitros, el típico graciosete antiguo compañero de pupitre de Sergio, que casualmente viajaba en el mismo avión. Aspirante a humorista profesional, decide poner todos los medios para ayudar a su amigo, lo que incluye la complicidad de otros viajeros, una azafata y un empleado del hotel ecuatoriano. Borja Cobeaga sorprendió hace año y medio con Pagafantas, una comedia juvenil, fresca y desenfadada, con personajes y situaciones reconocibles por el público, buen timing y ocurrentes gags. Ahora repita fórmula con No controles, y a juzgar por el resultado obtenido, se posiciona en primera línea del género en el panorama hispano, lo que podría ser decir poco en el mediocre paisaje del cine patrio, pero que en realidad, digámoslo claro, es mucho. Cobeaga, director y coguionista, logra algo complicado y vital para el comediante, que es la complicidad con el espectador, la respuesta a sus guiños. De nuevo tenemos a un tipo inseguro y temeroso en sus cuitas amorosas –Unax Ugalde, en el reverso ‘humoroso’ del papel que entrega en la casi simultánea Bon appétit–, un ‘pringadillo’ gracioso y pesado pero leal a machamartillo con sus amigo –el divertido Julián López–, más una galería de personajes que cumplen bien sus respectivos cometidos, de apoyo al enamorado, o en el otro campo, de insoportable e insincero novio rival, o de chica a recuperar. El tono de las bromas es elegante, al menos dentro del panorama basto de otras comedias españolas, y la ristra de chistes que cierra el film durante los títulos de crédito son el perfecto colofón para salir de la sala con una sonrisa de oreja a oreja.

Adaptación cinematográfica de la novela de Unai Elorriaga "Un tranvía en SP", que fue Premio Nacional de Narrativa en 2002. Lucas acaba de salir del hospital y acompañado de su hermana María se dispone a proseguir con su vida apacible en un pueblecito costero de Bilbao. Al entrar en su casa se dan de bruces con Marcos, un completo desconocido que se les ha metido dentro. Pero, salvado el estupor inicial, Lucas y María invitan a quedarse al recién llegado, que resulta ser un joven simpático, de pocas palabras, que ha dejado atrás a su familia y ha recalado allí con lo puesto, únicamente acompañado de su acordeón. La película es por encima de todo una mirada dulce a la última etapa de la vida, encarnada en la figura de Lucas, un anciano entrañable que en medio de los coletazos que la demencia o el Alzheimer empiezan a ocasionar en su cerebro, conserva una alegría de vivir contagiosa y un afinado tino para vislumbrar el interior de los demás. Llama la atención la carga de nostalgia de la historia, pues los personajes parecen vivir siempre del pasado, un territorio poblado por los seres queridos muertos hace tiempo. En claro contraste con Lucas y María se sitúa Marcos, quien rejuvenecerá el ambiente que reina en la casa de los dos hermanos, aprenderá alguna valiosa lección y a su vez vivirá una historia de amor situada en el presente. También resulta bella la metáfora del viaje en tranvía al Shisha Pangma –montaña mitificada en el corazón de Lucas (y de ahí el “SP” de la novela)–, quizá como un trayecto vital y definitivo hacia el objetivo anhelado de la felicidad. En el apartado artístico destaca, como no podía ser menos, la actuación de Héctor Alterio, un gran actor que logra hacer atractivo y creíble un papel difícil. Se diría que se cree a pies juntillas su personaje. Julieta Serrano (La moños) está igualmente notable como hermana abnegada, mientras que los que más cojean son Daniel Brühl y Bárbara Goenaga, quizá simplemente porque sus personajes son los peor trazados en el guión. La música de Bingen Mendizábal brilla especialmente. Se nota de todas maneras que estamos ante un debut tras las cámaras. Aitzol Aramaio intenta transmitir a las imágenes el aire de realismo mágico de la obra literaria. Pero no lo consigue del todo, y en todo caso al conjunto le falta mordiente. Aunque en ocasiones logra la conjunción perfecta –las apariciones de la idealizada Rosa en el tranvía– muchas otras no aportan demasiado e incluso parecen rebuscadas, como el caminito de velas encendidas o el idílico y felliniano colofón. Por otra parte, tampoco funciona el personaje de Roma, pues en ningún momento resulta convincente, desde su forzada aparición y fijación por Marcos, hasta el inconsistente romance. De cualquier forma la levedad y dulzura de todo lo que se cuenta resta importancia a estos defectos. Todo es demasiado emotivo, optimista y poco problemático en esta agradable y costumbrista mirada a la ancianidad.

Un hombre usa sus habilidades para atracar bancos. Es camaleónico. Cambia su estilo de vida después de cada robo y tiene una forma de llevar a cabo sus actos muy fría, de ahí el nombre de El Solitario. Miniserie inspirada en hechos reales sobre los delitos, la investigación y posterior detención de uno de los atracadores de bancos más famosos de España, de nombre Jaime Giménez Arbe. Los productores estuvieron asesorados por la Policía y la Guardia Civil. Protagonizan Pepo Oliva y Emilio Gutiérrez Caba, pero también están presente nombres de calado como Raúl Arévalo o Roberto Enríquez.

Pintoresca película de Diego Fandos, rodada en San Sebastián. Su punto de partida es sugestivo. Un empresario vasco secuestrado por ETA en 1991, liberado tras nueve meses de cautiverio, siente cierta afinidad con un cosmonauta atrapado en el espacio por las discusiones entre los nuevos países nacidos de la disgregación de la Unión Soviética. No obstante, se nota en Fandos los defectos del debutante: muchas subtramas y personajes, algunos claramente prescindibles, un preciosismo que se hace notar demasiado, varios pasajes muy discursivos, sexo gratuito, una música de misterio que despista, y la inesperada aparición de un ángel, cruce entre los que nos mostró Wim Wenders en El cielo sobre Berlín y ¡Tan lejos, tan cerca! y el calvo de los anuncios de lotería de Navidad. Trabajo esforzado, pero fallido.

Un humilde vendedor de enciclopedias recibe una inusitada proposición por parte de su empresa, que le ofrece actuar en una enciclopedia de sexualidad, que se venderá en los países escandinavos, donde el material erótico hace furor. Para ello, debe rodar cintas caseras protagonizadas por él mismo y Carmen, su esposa. El matrimonio acepta empujado por las necesidades económicas, por lo que Carmen se convierte en una estrella del porno en Holanda, mientras que Alfredo se aficiona al cine de Bergman mientras sueña con rodar una película seria. Tanto Candela Peña como Javier Cámara demuestran espontaneidad en esta tragicomedia que describe la España de los 70. El color, tratado digitalmente, recuerda al de las películas de super 8 o a las fotos de la época. Aunque se apoya en gran parte en el típico humor de las comedias ligeras del cine español, el debutante Pablo Bergés describe de forma realista a los protagonistas, con especial acierto en el despertar artístico de Alfredo, y en el anhelo de Carmen de tener por fin un hijo por encima de cualquier otra aspiración.

Sonia y Javier: son novios, y llevan varios años viviendo juntos. Se supone que son grandes amigos de otra pareja de novios, Pedro y Paula. Pero lo cierto es que Javier se ha liado con Paula; ésta querría que la cosa se hiciera pública, pero Javier teme las iras de su amigo Pedro, y hacer daño a su novia de siempre, Sonia. Nuevas amistades enamoradizas complicarán aún más estas relaciones contruidas sobre el resbaladizo terreno de la mentira. Emilio Martínez Lázaro parece especializado en comedias de jóvenes desorientados, que pasean sus amores y desamores sin llegar a conocer nunca el valor de la palabra compromiso. La prueba, Los peores años de nuestra vida y Amo tu cama rica. En esta ocasión cuenta con el libreto de un joven guionista, David Serrano, que aporta buenas dosis de humor a la desencantada y cínica trama. Un reparto juvenil bien conjuntado, y la idea (vista en títulos célebres como Magnolia) de poner a cantar a los actores en medio de una escena (bien escogidas las canciones, cuidada coreografía de Pedro Berdäyes) hicieron de este film la película española más taquillera de 2002.

Año 1944. La guerra civil española terminó hace años. ¿Seguro? En las montañas del Pirineo navarro, el maquis libra su particular batalla con el régimen de Franco. En tal contexto llega la joven Lucía a pasar una temporada a un pueblo de estas montañas. Allí descubre su primer amor, el idealista y algo ignorante herrero del pueblo. Pero también descubre la división que existe entre la gente, dos bandos irreconciliables. Y el silencio de unas personas que no se atreven a hablar, y que cuando lo hacen pueden producir las más terribles heridas en el alma. El director navarro Montxo Armendáriz (Tasio, Secretos del corazón) hurga sin miedo en nuestro pasado: “La película no trata de posicionarse o valorar los comportamientos de quienes participaron en la trágica contienda en que se sitúan los hechos que se relatan, ni pretende reabrir viejas rencillas: su finalidad es recuperar un trozo de nuestra memoria histórica y reflejarla con toda la objetividad posible.” En el reparto destacan más los veteranos que los jóvenes, unos inspirados Mercedes Sampietro y Álvaro de Luna.

Una apasionada esposa se lía la manta a la cabeza cuando decide alejar a su marido definitivamente de la cárcel. Para la huida, secuestra a un joven matrimonio. El argumento regala momentos de auténtico desmadre y el final resulta inesperado. Road movie la española con actores de garantía para pasar un buen rato. 

El futuro. España es una república federal. Lola Otero, la mujer más fea del mundo, fue criada por una monja ciega. Conocedora de lo que es el desprecio, la humillación y los fracasos amorosos, se somete a una complicada operación para convertirse en una hermosísima chica. El film, curiosa mezcolanza de esperpento, romanticismo y gore, sacude sin piedad al mundo de las top model y las pasarelas. Los efectos especiales y ambientación están cuidadísimos, aunque la pretendida reflexión de Miguel Bardem sobre la belleza interior se queda un pelín en la superficie. La peli supone el descubrimiento de una nueva actriz, Elia Galera.

Ha pasado el tiempo. Tres hermanas se reúnen con motivo de la muerte de su madre. El cumplimiento de su último deseo –la división de sus cenizas en tres partes, que deben entregarse a distintos destinatarios–, sirve para que Gloria (Mercedes Sampietro), Ana (Adriana Ozores) y Lidia (Rosa Mariscal) buceen en su pasado familiar, en el que hay oculto más de un secreto. Cuando vuelvas a mi lado es una película llena de sensibilidad. Su directora, Gracia Querejeta, sabe penetrar en el alma femenina, y dibuja varios e interesantes personajes femeninos. Las tres hermanas protagonistas son muy distintas, cada una ha seguido un rumbo distinto en la vida. Pero aunque se dicen verdades hirientes, el cariño perdura, como podrá comprobarse. La directora utiliza una estructura original, pues combina la narración en tiempo presente, con "flash-backs" que nos introducen en el momento en que los padres de las tres hermanas se conocieron, y en diversas escenas de su infancia. El reparto es de primera magnitud. Además de las tres ya mencionadas, que dan vida a las tres hermanas, podemos ver en acción a Marta Belaustegui y a Julieta Serrano.

Un pueblecito de la provincia de León está a punto de ser engullido por las aguas de un recién construido pantano. Es la excusa que aprovecha Manuel Perea, un autoexiliado voluntario en Argentina, para volver a una tierra que le trae muchos recuerdos. Entre ellos el de un amor que no pudo ser con una antigua novia. Película nostálgica a tope, protagonizada por ese pedazo de actor llamado Federico Luppi. Enrique Gabriel capta a la perfección el tono de añoranza por unas casas y tierra a punto de desaparecer, y que han sido el centro vital de muchas personas. Aún con lo dicho, Gabriel deja que aflore algún que otro desahogadero humorístico, bien insertado en la trama.

Atilano es un peculiar político que, de un modo innovador, se propone combatir los problemas de corrupción que asolan a España. El dúo La Cuadrilla completa su trilogía "España por la puerta de atrás" tras Justino, un asesino de la tercera edad y Matías, juez de línea con esta sátira política que protagoniza Manuel Manquiña.

Un hombre de cuarenta años y un viejo poeta mantienen una curiosa relación amistoso-laboral que se ve alterada por unas fotos con la que chantajean al primero, al pescarle en la cama con una mujer. Aparecerán por ahí también un adolescente, un robo, un chapero, etc. Producto español poco atractivo, inspirado en la novela "Diario de un jubilado" de Miguel Delibes. Lo mejor es quizá el trabajo del veterano José Sazatornil en el papel del poeta venido a menos.

En la guerra civil española, un joven de 15 años va en busca de su madre, que está al otro lado de las lineas enemigas. Pero a medio camino, un grupo de milicianos le corta el paso y le recoge poniéndole bajo su tutela. En el campamento se inicia en el erotismo, y mujeres de todo tipo se sucederán en la vida del muchacho. De todas ellas aprenderá la madurez, la tolerancia, y la confianza necesarias para dominar su vida. Ambicioso proyecto, que trata de dibujar el difícil paso de la adolescencia a la madurez, con el telón al fondo de la guerra civil. La sexualidad se convierte en verdadera obsesión en el joven protagonista, que alcanzará algo de paz cuando conoce a una mujer con el rostro de Faye Dunaway.

Un carnicero (Antonio Resines) recoge a una chica (Maribel Verdú) que está siendo golpeada por su novio (Jordi Mollà). Se quedan a vivir juntos, pero el novio acecha. Duro enfoque del amor y sus peligros, con un soberbio guión dramático y unas intensas interpretaciones, que fue recompensado con 5 Goyas por la Academia española.

Marrubi, miembro de un comando terrorista de ETA, duda a la hora de apretar el gatillo ante una potencial víctima. De resultas muere uno de sus compañeros, a la vez que ella comienza a sufrir una persecución interna por sus deseos de abandonar la banda. Como intento de ahondar en las motivaciones del terrorista, el film es una nulidad; en lo concerniente al sufrimiento de las víctimas, ni siquiera se prueba fortuna; y si se contempla como mero thriller, la cosa tampoco funciona. Alguna secuencia vigorosa –véanse los enfrentamientos callejeros de alborotadores con las fuerzas del orden– no evita el mediocre tono general. Clamoroso es el caso del secuestro de Marrubi a su jefe en la vida civil, tras ser ella primero la retenida: produce vergüenza ajena por lo inverosímil, además de propiciar algún pasaje de tosca zafiedad.

Una de las películas españolas de mayor éxito popular en los últimos años. Juantxo es un joven perteneciente a la alta sociedad y lo tiene todo: dinero de sobra, una carrera universitaria, un magnífico trabajo y una novia guapa y bastante rica. Sin embargo, Juantxo es a todas luces un perfecto pardillo. Durante su despedida de soltero en un local de mala reputación pierde su anillo de compromiso. Tras la desaparición, él y sus amigos, Paco y Konradin, se lanzan a la búsqueda desesperada de la joya en un viaje trepidante y alocado lleno de corrupción, vicio y delirio. Juanma Bajo Ulloa, uno de los directores españoles más personales, juega en esta película con temas serios y logra obtener algunas secuencias llenas de negra comicidad dentro de esta película extraña y desconcertante. Los actores están perfectos, en especial la fantástica actriz portuguesa María de Medeiros.

Andrés, es un participante de un concurso de la TV, que se ha hecho muy famoso al quedar imbatido semana tras semana, pues contesta correctamente a todas las preguntas que se le hacen. La dirección del programa sospecha que hace trampas. Para demostrarlo contrata a un curioso equipo formado por Raul Gamboa, un detective ciego, Roberto, un motero siempre de mal humor, Vicky, la secretaria, y Yimbo, un perro ladrador pero poco mordedor. Juntos se adentran en una complicada trama, donde se citan peligro, corrupción y alta tecnología. Fernando Guillén Cuervo y Karra Elejalde protagonizan esta tonta comedia dirigida por Rafael Alcázar. Suspense, comedia e informática aparecen correctamente combinados para producto diseñado únicamente para entretener al espectador.

Crónica de la transición española vista a través de los ojos de un adolescente que imita la personalidad de su hermano mayor, que pertenece a la tribu urbana de los Mods. Tiene una relación especial con su abuelo, un viejo militar ya retirado que conserva el coche oficial. Sin muchas pretensiones, Santiago Matallana consiguió un interesante filme sobre la juventud que él mismo escribió y realizó.Los actores resultan excelentes, tanto los veteranos Manuel Aleixandre y Amparo Soler Leal como el joven Zoe Berriatúa.

Matías (Carlos de Gabriel) es un profesional, y esa profesionalidad le lleva a pitar un penalty inoportuno contra España, durante un partido de los mundiales de fútbol. De la noche a la mañana, se convierte en el hombre más odiado y buscado del país. Huyendo de los salvajes aficionados, se refugia en su aldea natal, en la costa gallega. Para protegerle, su padre hace creer a los vecinos, que su hijo no es juez de línea, sino simplemente juez. El problema es que toda la aldea vive en torno al contrabando de alcohol. Después del gran éxito conseguido con Justino, un asesino de la tercera edad (1994), La Cuadrilla entrega una divertida y original película. En su ambicioso proyecto de diseccionar la España profunda a lo cómico, basándose en un realismo esperpéntico, introducen al espectador en la vida de un curioso pueblo. Hay verdaderos momentos de hilaridad, donde todo se caricaturiza.

Marta (María Barranco), es concejala de Bienestar Social, idealista, y defensora de los más debiles. Roberto (Imanol Arias) es un joven especulador. Un día su destino se cruza, al caer juntos de un puente colgante de la ciudad. Desde entonces Roberto no dejará de pensar en Marta. Mientras, ella pone todo su empeño en detener un proyecto especulativo, que deterioraría gravemente a su ciudad. Joaquín Trincado se estrenó con este film en el mundo de los largometrajes. Lo hizo con una historia que mezcla temas tales como política local, ecologismo, corruptela política y romanticismo. En ocasiones el film parece emular, aquellas comedias norteamericanas de los años cuarenta y cincuenta, cuyo máximo exponente es Frank Capra. Aunque, hay que decirlo, el resultado final no es tan brillante. Destaca    la colaboración especial de Antonio Resines.

Serie española de éxito que supuso un ligero paréntesis en las típicas comedias realizadas para el formato televisivo. Y es que Pepa y Pepe está inspirada en la estupenda Roseanne norteamericana. Esto es lo mismo que decir que se trata de una familia un tanto atípica. En vez de ser la clásica familia ideal de las comedias de situación estadounidenses, la familia que encabezan Pepa y Pepe tiene poco de idílico. Aún así, tienen todos un corazón de oro, el problema es que sus formas de ser chocan a menudo y ponen de manifiesto que la convivencia puede ser todo una odisea. Esta serie de dos temporadas dio la fama a una jovencita Silvia Abascal que interpretaba a Clara, una adolescente rebelde e insatisfecha con el mundo.

Cuando Guillermo Carrión, ex-policía y proxeneta, sale de la cárcel, lo primero que hace es buscar a Bruno, con la intención de que vuelva a trabajar para él. Angel, un médico forense, es el reciente amigo de Bruno. En extrañas circunstancias, Angel se ve envuelto en un oscuro asunto que acaba con la vida de Guillermo. Angel tendrá que utilizar sus conocimientos profesionales para simular el suicidio, pero Bruno no se quedará tranquilo hasta aclarar las cosas. Por su parte, el comisario Montero tiene indicios de que se trata de un asesinato. Un thriller extraño en el cine español por la complejidad de sus personajes. Narra, siguiendo las pautas del género policíaco, una turbia trama que gira en torno a la prostitución. Una película turbadora y dura, con unos actores correctos.

Alberto y Roberto son dos hermanos muy diferentes entre sí. El primero es feúcho y atolondrado, mientras que el segundo es atractivo y tiene éxito con las chicas. El problema entre los dos surge cuando la novia de Alberto empieza a sentirse atraída por Roberto. Comedia al más puro estilo ochentero español, donde se muestra a unos personajes vacíos que se mueven únicamente por el interés sexual. La película carece de ritmo, guión y dirección de actores, y en general, la historia es pesimista y vulgar en bastantes escenas de la acción. A pesar de todo, cuenta con un buen reparto que no suele decepcionar: Gabino Diego, Ariadna Gil y Jorge Sanz.

Ismael es un ladrón que asesina a una mujer que ha sido testigo de su acto, pero lo hace delante de su hija, que tras el suceso queda muda y trastornada, con lo que es llevada a un centro psicológico. Años más tarde, Ismael ve a la chica y teme que la reconozca, por lo que se obsesionará con quitarla del medio sea como sea. Con la ayuda de Maite, una perturbada asesina con la que vive, ismael iniciará una serie de crímenes por todo el sanatorio. Se le acusa a Juanma Bajo Ulloa de copiar aquí estilos de otros directores cinematográficos, con lo que envuelve la película de un ritmo y unos encuadres correctos, pero pobres en contenido y falta de fondo en la historia. La película, con gran carga de violencia la protagoniza Karra Elejalde (Los sin nombre, Airbag). A pesar de todo, el film recibió un Goya en 1993 por los efectos especiales y una medalla del CEC a la mejor música.

Años 40 en San Sebastián, España. Itziar, una niña de ocho años, sufre las heridas de la posguerra en su propia familia y en la escuela. El ambiente es difícil, a veces humillante, por cuestiones ideológicas tras la Guerra Civil Española. Cuidado debut de la guionista y directora Arantxa Lazkano, quien se detiene en la contemplación al narrar este relato, rodado originalmente en vasco, con momentos visualmente logrados.

Tras atracar un bingo, la novia de uno de los ladrones logra escapar y junto con otra mujer intentarán por todos los medios recuperar el dinero. Tendrán un serio obstáculo: una serie de policías corruptos también quieren hacerse con el botín para poder financiar sus tropelías. Segundo largometraje del bilbaíno Enrique Urbizu, que sin llegar a sus mejores obras, como La vida mancha o No habrá paz para los malvados, ya empezaba a mostrar sus señas de identidad y su talento para el cine negro y policiaco. El plantel de actores está muy bien.

Pleno siglo XVII en España. En Madrid reina un ambiente distendido en el que la gente hierve en las representaciones teatrales de Lope de Vega. Acaba de subir al trono el rey Felipe IV (Gabino Diego), un personaje inepto y bobalicón sin ninguna actitud política ni capacidad para gobernar. A este joven rey no le gusta la idea de quedarse encerrado en su palacio, escuchando los consejos y las adulaciones de su corte. Quiere descubrir el mundo por sí mismo: el amor, el sexo, la juerga... Así conoce a Marfisa, la prostituta más bella de la corte. El rey se queda embobado con Marfisa, y no quiere ni oír hablar de sus deberes y de sus supuestas obligaciones como monarca. Pronto se conoce en la corte el enamoramiento del rey. Nadie se atreve a mofarse en la cara del rey, y tratan de convencerle de que debe separarse de Marfisa. Adaptación de la novela de Gonzalo Torrente Ballester "Crónica del rey pasmado". Es una notable recreación histórica, que cuenta con brillantes interpretaciones, en especial la de Gabino Diego en el papel del monarca. Ganadora de 8 premios Goya de la Academia de Cine Español. Interesante.

Amaia es una joven que se dedica al mundo de la publicidad. Es desenvuelta, activa y atractiva. Mikel, su novio, lo tiene difícil con ella porque a él no le van bien las cosas y su novia llama la atención que no es normal. Todo se complicará cuando un actor se enamore de ella. Comedia alocada, que quiere ser un poco como la "screwball comedy" norteamerica, aunque a la española, al estilo de Mujeres al borde de un ataque de nervios o a las primeras películas ligeritas de Fernando Trueba y Fernando Colomo. Rodada con pocos medios, tiene algún momento logrado y el reparto humorístico es de renombre. Dirige Enrique Urbizu, quien años después se haría director célebre de cine negro, con títulos como La caja 507 o No habrá paz para los malvados.

Ander sale de la cárcel en donde ha estado preso por tráfico de drogas. Al volver a su ciudad se encuentra con que su mejor amigo, compañero de seminario, ha ingresado en ETA, y precisamente los comandos terroristas han recibido la misión de enfrentarse a los traficantes de droga. Drama poco reconfortante escrito y dirigido por Ana Díez (Algunas chicas doblan las piernas cuando hablan), quien presenta una oscura visión costumbrista del País Vasco y sus gentes. Cuenta, eso sí, con unos actores notables.

Begoña trabaja de camarera en un elegante club bilbaíno, en donde conoce al naviero Don Javier. La joven, conociendo el atractivo que ejerce sobre el empresario, consigue que éste coloque a su padre como capitán del barco mercante Urkia, en donde también viaja un ladrón amigo de Begoña. pronto se conoce que las intenciones reales del barco no son juego limpio. El bilbaíno Pedro Olea (El maestro de esgrima) escribe y dirige este drama salpicado de intriga, en donde contó con el actor Alfredo Landa como protagonista. Éste se esfuerza por dar hondura a su personaje, a las relaciones con su hija, etc. Sin embargo, no funciona la película debido a la falta de garra de la historia, apolillada y simple, narrada con insuficiente ritmo.

Imanol Uribe es sin duda uno de los directores más célebres de la cinematografía española. En esta película explora un peligroso territorio, muy marginal y arriesgado, con pulso y sabiduría. La película trata sobre la vida trágica de Mikel (Imanol Arias), un joven vasco, farmaceútico y militante político de izquierdas. Su vida, aparentemente normal, da un giro radical y definitivo el día en que descubre sus tendencias homosexuales. Este hecho determinará entonces cada uno de sus actos y tras una serie de episodios le conducirá definitivamente a un solitario final. Es ésta una película dura, bien rodada e interpretada. Para interesados en temas espinosos.

En el siglo XVI el rey Carlos II de Navarra envía a su hermano Don Luis de Beaumont a tierras albanesas para reclamar el trono que le corresponde por herenecia de su esposa. Pero el viaje es difícil, largo y peligroso. ¿Vale la pena ese esfuerzo? Esforzada crónica de esos hechos históricos narrados con pocos medios por Alfonso Ungría.

Basada en hechos reales, la película narra la fuga de 29 presos de la cácel de Segovia el 5 de abril de 1976, 24 de cuales eran terroristas de ETA. Lograron la hazaña a través de un túnel que conectaba con un colector de aguas fecales. El reputado Imanol Uribe –que ha tratado de ETA en otras estimables películas como Días contados– recrea con oficio esta historia a partir del libro escrito años después por Ángel Amigo, uno de los fugados de ETA que más tarde se reinsertó en la sociedad civil. Destaca la presencia de actores como Xabier Elorriaga o Álex Angulo.