Federico Jusid

David Valentín, joven detective de policía, se convierte en el relevo de Cosme Elías, al que le toca jubilarse. Lo que coincide con la actuación de un asesino en serie, que comete horrendos crímenes siguiendo las pautas de cómics de superhéroes. Es la ocasión perfecto para el hijo de Cosme, Jorge, que tiene un tienda de cómics y objetos de culto relacionados con ellos, se convierta en asesor externo de David, algo cuadriculado, y marcado por la muerte violenta de sus padres cuando era niño. Estará atenta a sus investigaciones Norma, la inspectora jefe, que es una friki de los cómics. A su pesar, David tendrá que aprender un poco del arte de las viñetas. Primer largometraje de David Galán Galindo, que adapta su propia novela con la ayuda de Fernando Navarro, que ya estuvo en un libreto relacionado con los tebeos, Anacleto, agente secreto. Tiene un buen punto de partida, que viene a ser un cruce de la siniestra y clásica cinta de David Fincher Seven –el título es citado explícitamente–, con las citas a películas de superhéroes y del mundo de la viñeta en general, que harán la delicia de los frikis, incluso con personajes que responden a los nombres de Norma y Bruguera, homenaje a dos conocidísimas editoriales especializadas. El problema es que a Galán Galindo le falta un hervor. Seguramente le encanta lo que cuenta, y ha contado con medios para un apañado diseño de producción. Pero falta alma a los personajes, que no están bien dirigidos, seguramente el que se encuentra más cómodo es Brays Efe ,convincente con su friki dueño de una tienda de tebeos; este puede ser un ejemplo de cómo el director patina, porque mostrar dos veces la ranura de la “hucha” –o sea, el trasero en román paladino– de este personaje, para mostrar lo descuidado que es en su aspecto físico, no tiene sentido, duplicidad que repite con Verónica Echegui y sus disfraces en grupos de apasionados del cómic. Javier Rey y Antonio Resines se encuentran definitivamente muy envarados. La película se ve con simpatía, pero ideas como traumas de un personaje parecidos a los de Bruce Wayne, alias Batman, no se explotan bien, y el supervillano –cuya identidad no revelaremos– está muy pasado de rosca, y no, no es el Joker ni nada que se le parezca. Quizá haya nacido una franquicia de superhéroes novedosa. Pero “necesita progresar”, apenas se llega al aprobado en lo que se diría una variación de Superlópez con mención con nombres y apellidos a los superhéroes clásicos americanos.

Dani es un joven que trabaja en una agencia de viajes en Barcelona. Es un tipo bueno y servicial, que ha cuidado durante años de su padre enfermo, pero también se nota que es un poco paradete y a veces demasiado panoli de tan bondadoso. Cuando su padre muere, su hermana le anima insistentemente para que cumpla un antiguo sueño: dar la vuelta al mundo en avión. Él no lo ve claro, duda, aunque finalmente parece decidirse. Pero, entonces, esa misma noche se le acerca una joven en apuros que le pide ayuda. Y después de pagarle él la cena, se deja convencer para acompañarla a su casa. Potente thriller del barcelonés David Victori, que confirma su buen hacer tras El pacto. Demuestra el director potencia narrativa y buen manejo del tiempo, aquí pieza clave de un relato acelerado que tiene lugar principalmente durante una sola noche. No matarás responde a la clásica película de chico bueno y formal que estaba donde no debía estar y se ve envuelto en una verdadera pesadilla, tan desquiciante que casi irá conformando en él una nueva personalidad. Acierta el director y coguionista, en colaboración con Jordi Vallejo y Clara Viola, al dibujar con esmero el tranquilo y pasmado carácter del protagonista, pieza clave para hacer creíble la insospechada peripecia límite en que se ve envuelto. Con una ambientación nocturna y turbia, la intensidad y agobio de la trama va “in crescendo” durante el metraje, en donde la cámara en movimiento acabará siguiendo al protagonista con nerviosismo realista durante las horas más ajetreadas de su vida, con una remarcada banda sonora que aporta una estresante atmósfera de fondo. Por supuesto, la violencia, a veces mostrada con bastante claridad, hará acto de presencia y también en el plano sexual Victori se muestra explícito y grosero, en la línea de la oscuridad que desprende toda su película. Mario Casas hace un loable papel como protagonista, creíble en su evolución si se asume la premisa inocente que da comienzo a su tenebrosa aventura. Además se le entiende bien al vocalizar, una asignatura que tenía pendiente el actor coruñés. Y le acompaña con solidez Elisabeth Larena en el papel de su hermana.

Primera serie documental de Netflix en España, que consta de cinco capítulos de una hora de duración. El realizador León Siminiani ha dispuesto de un presupuesto mucho más amplio que en su personalísima y sorprendente Apuntes para una película de atracos, para reconstruir a fondo uno de los asesinatos más mediáticos de la historia reciente de España. Como recordarán perfectamente la mayoría de españoles con la edad adecuada, Míriam, Toñi y Desirée, adolescentes del municipio valenciano de Alcasser, desaparecieron la noche del viernes, 13 de noviembre de 1992, cuando acudían a una fiesta en Picasent, una localidad cercana. El 27 de enero, un apicultor descubrió sus cadáveres. La autopsia puso de manifiesto que las chicas habían sufrido abusos sexuales, y aunque uno de los presuntos culpables, Miguel Ricart, fue juzgado y condenado a prisión, el principal autor de los hechos, Antonio Anglés, logró escapar y hoy en día continúa en paradero desconocido. Simiani ha seleccionado el principal material audiovisual de la época, gran parte de él prácticamente inédito, como por ejemplo algunos fragmentos del juicio, y ha entrevistado a cuantos familiares, testigos e investigadores se han prestado hoy en día a colaborar; impresionan sobre todo Fernando García, progenitor de Míriam, porque en su momento estuvo muy activo en los medios, y Kelly, hermana de Anglés, que describe muy bien a su peculiar clan. Se reconstruyen minuciosamente los hechos, con vocación de objetividad, pues aunque el propio Simiani, fiel a sí mismo, aparece en pantalla, junto al productor Ramón Campos, se limitan a hacer preguntas, a aclarar cuestiones o a recorrer con su equipo la zona donde murieron las niñas, en la parte más dura de este trabajo. No hace falta una representación con actores para hacerse una idea del terrible final de las secuestradas. Por lo general, aunque no se oculta que se trató de un asesinato bastante sórdido, se ha logrado sortear bastante bien el morbo. Y se dedica gran parte del metraje a criticar a la telebasura de la época. Salen muy malparada sobre todo Nieves Herrero, con su “De tú a tú”; las imágenes de su directo desde el pueblo la noche en que se habían encontrado los cuerpos hablan por sí solas, no se entiende cómo en la época no suscitaron un gran rechazo las preguntas malsanas a quienes acababan de perder a sus seres queridos violentamente, seguidas de cortinillas con música alegre para pasar a publicidad; en menor medida también se señala al mejor profesional Paco Lobatón, de Quién sabe dónde, si bien éste no llegó al mismo extremo, y aparece en pantalla, reconociendo que no lo hizo del todo bien. El primer capítulo, que resume los principales acontecimientos, tiene más interés que el resto. Sin embargo, los otros cuatro enganchan hasta el final, centrándose en la investigación; no se ocultan las teorías no oficiales de García, y otras personas, que han puesto en duda los datos oficiales, argumentando sobre todo una autopsia bastante dudosa, lo que podría apuntar a que se estaba protegiendo los intereses de poderosos implicados en el asunto, que podrían haber ayudado a Anglés a poner tierra de por medio o habérselo quitado de en medio. Acaba con un alegato feminista que se antoja un tanto oportunista, lo que no enturbia un trabajo memorable.

Ambiciosa serie sobre Hernán Cortés (1485-1547), producida por España y México y dirigida por Norberto López Amado de amplia trayectoria en el terreno televisivo (Tierra de lobos, El tiempo entre costuras, Mar de plástico). Sin lugar a dudas, Hernán Cortés es uno de los personajes más controvertidos de la historia, hombre de potente personalidad que para muchos es el heroico baluarte de las hazañas del imperio español allende los mares, mientras que para otros –más partidarios de la leyenda negra– encarnaría todos los males atribuidos a los conquistadores. Hernán se sitúa en un convincente equilibrio entre ambas posturas y, si acaso, se posiciona a priori más cerca de una visión heroica y ponderada de la conquista, alejado de extremismos –“la violencia no es siempre el camino”, espeta en un momento uno de sus capitanes– y siempre dispuesto a llegar a acuerdos que posibiliten la convivencia con los pueblos indígenas aunque, eso sí, siempre bajo la corona del emperador Carlos V, ante quien se sentía un completo servidor. De todas formas, nunca hay que perder de vista que hace 500 años las cosas se hacían de modo muy diferente. Huelga decir –es una obviedad– que en el siglo XVI la diplomacia a la hora de conquistar otro territorio no era una prioridad para ningún país. Contaba la fuerza. En la serie se entrevé también la ascendencia que tenía Cortés sobre sus hombres y también su paulatino acercamiento a Marina (conocida como Malinalli o Malinche), la indígena náhuatl que llegaría a ser para él más que una intérprete y consejera en cuestiones indígenas. La serie comienza con Hernán Cortés ya gobernando en Tenochtitlan, capital del imperio azteca, en donde el rey de los mexicas, Moctezuma, es retenido en su palacio. Cortés saldrá de la ciudad para combatir contra los castellanos levantados contra él a las órdenes de Pánfilo Narváez y a su vuelta en la capital se encontrará con un panorama desolador al ver las consecuencias de la llamada “Matanza del templo mayor”, cuando su lugarteniente Pedro de Alvarado decidió atacar a los dirigentes de la ciudad mientras festejaban a sus dioses, adelantándose a una posible rebelión de la cual había recibido informes por parte de sus aliados indígenas. La narración se completa y entremezcla con flasbacks que ilustran diversos episodios de la conquista de Cortés. Concebida como una serie de 8 capítulos de cerca de una hora de duración, visualmente se trata de una producción de entidad, donde vestuario, idiomas (castellano, náhuatl y maya) y escenarios naturales están bien cuidados. Cada capítulo se centra principalmente en un personaje –Olid, Bernal, Alvarado, Moctezuma, Sandoval, etc.–, cuya historia se ilustra también con hechos del pasado. Aspectos de la conquista como la presencia de la religión, la violencia o el trato carnal con las indígenas están presentes, pero sin cargar en exceso las tintas. Por lo demás, el reparto es notable, comenzando por un Óscar Jaenada que supone todo un acierto del casting. Tiene una presencia poderosa y su Hernán Cortés se aleja aparentemente de tópicos, presentado como alguien con madera de líder pero con innegables dotes de gobierno y sensibilidad. Hay también un excelente trabajo de Ishbel Bautista en el papel de Marina y destaca la presencia de secundarios de renombre, como Víctor Clavijo o Aura Garrido.

Una amable película que viene a decir que algunos ladrones sí son gente honrada. Adapta “La fábrica de la Usina”, una novela de Eduardo Sacheri que se hizo acreedora del Premio Alfaguara en 2016. Y en el seguimiento de un esquema de película de robos perpetrado por “no-profesionales”, sigue las pautas de filmes como Atraco a las tres y Granujas de medio pelo, y en su deuda a los clásicos cinematográficos del subgénero, se permite una justa cita a Cómo robar un millón y..., del gran William Wyler. En una población rural cercana a Buenos Aires, un grupo de giles –termino para designar a la buena gente, trabajadora, tal vez algo ingenua...–, liderado por Fermín Perlassi, vieja leyenda del fútbol local, suman fuerzas y dinero para formar una cooperativa agrícola aprovechando los silos e instalaciones de una explotación abandonada. Unos pocos dólares aquí y otros pocos allá devienen en cantidad suficientemente importante para ser depositada en la caja de seguridad de un banco. Cuando el director de la entidad aconseja a Perlassi ingresar el dinero en una cuenta para obtener el crédito que necesitan para realizar toda la inversión, se produce el corralito de 2001 que afectó a toda Argentina, y pierden todo lo que que tenían. No es la única desgracia que se produce, y el disgusto de todos es mayor cuando se enteran de que han sido estafados, el director del banco y uno de sus clientes más importantes, Fortunato Manzi, sabían lo que se avecinaba. Un año después, un cúmulo de circunstancias les lleva a un descubrimiento excepcional: Manzi ha excavado una cámara de seguridad en medio del campo, donde oculta todo el dinero robado. Trazarán entonces un plan para hacer justicia. Sebastián Borensztein, responsable de títulos de interés como Un cuento chino y Capitán Kóblic, dirige y coescribe el film con el autor de la novela, y volviendo a contar con Ricardo Darín como productor y en el capítulo interpretativo, aunque aquí integra un reparto bastante coral, es protagonista pero menos. La narración se hace amable de cabo a rabo gracias a la dignidad y decencia de los personajes, divertidos y con rasgos entrañables, desde los hermanos tan contentos con sus teléfonos móviles, al antiguo zapador del ejército, pasando por el hijo que necesita independizarse de la madre y volar por su cuenta, o el otro que deja sus estudios para ayudar en casa tras las crisis, o al anarquista de boquilla al que encarna Luis Brandoni. Y por otro lado, está bien trazada y explicada la peripecia de quienes, estudiando bien las cosas, roban a un ladrón y merecen lo mejor por ello.

Tras perder a su mujer, Will lucha por mantenerse a flote y acude a terapia. Su trágica historia irá entrelazándose en el futuro con personas de otros continentes. El norteamericano Dan Fogelman se ha labrado poco a poco una sólida carrera. Sus historias tocan a menudo el ámbito familiar de modo positivo, cosa que ha demostrado con los guiones de películas como Enredados o Crazy, Stupid, Love y en series como ¡Vaya vecinos! o la exitosa This Is Us. Ahora se pone también detrás de las cámaras por segunda vez (tras Nunca es tarde) para ofrecer un emotivo drama familiar, de amplio arco temporal, que nos traslada a distintas familias a ambos lados del atlántico para hablar de la tragedias de la vida, del amor y de las paradojas del destino. Fogelman estructura su narración en cuatro capítulos, cada uno de ellos centrado en las vicisitudes, a menudo dramáticas, vividas por personajes distintos. Al principio, esta opción narrativa sorprende un poco, también por el abrupto e inesperado final del primer tramo protagonizado por Oscar Isaac y Olivia Wilde, cuando el espectador todavía no se hace una idea general del film. Luego, poco a poco, se despliega el modo de proceder de Fogelman y nos vamos habituando a la visión de conjunto, al dar paso a la siguiente generación y trasladar la historia de Nueva York a tierras de Andalucía, etc. Como la vida misma resalta una idea clara y original (tomada de la tesis literaria que prepara uno de los personajes), la de que la vida es un narrador poco fiable. Esta afirmación tiene vertientes diferentes, como la de que, obviamente, lo que va a acontecer en el futuro es una incógnita; pero también la de que a menudo calificamos demasiado a la ligera a los héroes y a los villanos, percepciones subjetivas las más de las veces; o la de que la historia de cada individuo (su amor, su felicidad) es fruto de una larga cadena de sucesos anteriores, que pueden ser muy trágicos e incomprensibles pero que alcanzan sentido una vez contemplamos el conjunto. Aunque el metraje de más de dos horas quizá resulte excesivo, el film va claramente de menos a más, en cuanto a emotividad y riqueza de contenido, y el director y guionista apunta claramente a superar los traumas del pasado por medio del amor, de levantarse siempre cuando llegan inexorables los reveses de la vida. Producida por Estados Unidos y España, Como la vida misma reúne a una platea de intérpretes de renombre internacional, tanto americanos, como españoles. Todos están bien en sus roles, pero quizá destaquen, también por su peso en la trama, Oscar Isaac, Olivia Cooke y los españoles Laia Costa y Antonio Banderas.

Miniserie televisiva de Bambú para Antena 3 basada en hechos reales sobre el narcotráfico en Galicia, narrados en el libro homónimo de Nacho Carretero, generó cierta controversia su secuestro cautelar, ordenado por la jueza Alejandra Pontana a petición del antiguo alcalde de O Govre, Pontevedra, que alegaba ataques a su honor en el mismo. Sin duda que el éxito de Narcos ha propiciado su producción. Está desarrollada por Ramón Campos, Gema R. Neira, Cristóbal Garrido y Diego Sotelo, implicados en otras series de éxito como Gran Hotel, Velvet o Las chicas del cable. Arranca con la detención por la noche de cada uno de los principales contrabandistas en sus casas, el primer efecto de la conocida como Operación Nécora, ejecutada en 1990. A partir de ahí retrocedemos temporalmente a los años 80, y se nos presentan los personajes. Por ejemplo, Sito Miñanco y su padre, que están en una lancha por la noche; el primero es joven, entusiasta, con ganas de retar a los aduaneros pescando en aguas portuguesas para luego divertirse en una persecución y demostrar su maestría como piloto de embarcación, burlando a los guardias navegando entre las bateas. Accidentalmente esto va a suponer la ocasión de un cambio en la vida de Sito, porque ha boicoteado involuntariamente una operación de descarga de contrabando. La letra de la canción que suena al comenzar la acción en sí de cada capítulo resume bien el trasfondo de lo que cuenta la serie, “O que teño que facer / para non ter que ir ao mar / sobra peixe que vender / e fariña para amasar”. La actividad pesquera en Galicia está en crisis, la faena del mar es dura, los hombres se juegan la vida y poco sentido tiene si no da para comer. Muchos vieron en el contrabando de tabaco una fuente de recursos muy grande. Y así Terito (el gran patriarca de la “cooperativa”), Laureano Oubiña y Manuel Charlín son los salvadores de Cambados. Se enriquecen con el contrabando y ayudan a sus familias y a su pueblo. Sito Miñanco es el personaje principal de la serie, y representa la marcha sin retorno de una vida en la que el poder tira y tira, de una actividad delictiva se pasa a otra más grave, dejando un regusto amargo por todo aquello con lo que arrasa en el camino. Sito fue fichado por Terito precisamente por el incidente en las bateas. Le ofrece trabajar con él, y acepta. Pero pronto dejará de ser suficiente ser un subordinado, querrá ser uno más, lo conseguirá, y más adelante no le bastará con el tabaco, comenzará con el negocio de la cocaína (que recuerda a la harina, “fariña” y el hachís). Dinero fácil que puede servir para corromper a cualquiera, incluso a los que cabría suponer una integridad a prueba de bombas. Resulta tentador así autoengañarse con buenas intenciones y el inmoral lema “el fin justifica los medios”, aunque por supuesto, el precio que se acaba pagando resulta demasiado alto. En cualquier caso, la serie logra plasmar la lucha interior del protagonista, que querría evitar derramamiento de sangre, pero al que le gusta demasiado el poder que ha adquirido como para renunciar a él. También muestra cómo las mujeres de los traficantes son capaces de asumir el rol de éstos cuando la persecución les obliga a tomarse unas “vacaciones”. Por otro lado, se ofrece el punto de vista de los agentes de la ley, particularmente a través del sargento Darío Castro, y se describen las dificultades que afronta, sus enemigos están en el mismo pueblo e incuso entre los suyos, en la propia guardia civil. La serie, de cuidada factura y con valores de producción, está bien rodada, por ejemplo la banda sonora sabe crear una atmósfera inquietante con el sonido de la gaita. Llegas a conocer bien a los personajes, y hay momentos de angustia, de tensión, acción, también de alguna sonrisa por ese modo gallego tan suyo y entrañable. Una imagen muy gráfica, que llama la atención y que simboliza la “sobredosis” de dinero que padece los narcos ocurre cuando la lluvia abundante hace que los alcantarillados se inunden y salgan por las rejas de las alcantarillas, billetes y billetes que manan como el agua por la calle… En el reparto, bien conjuntado, destaca la interpretación de Javier Rey como Sito, al que da buena réplica Tristán Ulloa, el sargento. Curiosamente el traficante gallego Laureano Oubiña ha presentado una demanda reclamando un millón y medio de euros de indemnización por una escena de sexo que implica a los actores que le representan a él y a su esposa, por el "daño moral" que les produce a él y a su familia.

Película vertebrada en torno a la confesión de Leyre a un sacerdote de los crímenes que han ocurrido a su alrededor, con ocasión de la visita de su ex Cosme, corrupto empresario, que viene a su casa con intención de desahuciarles a ella y a su hijo adolescente Asier. Éste acaba matando al progenitor, y el intento de ocultar el crimen lleva a un encadenado de más muertes violentas, que parece no tener fin. Sorprende ver a la directora Gracia Querejeta embarcada con el guionista Luis Marías en esta insulsa comedia negra. La colaboración resulta completamente fallida, la película está pidiendo a gritos un alocado ritmo dinámico, pero a cambio entrega un conjunto de sinsordadas sin chispa, que no logran arrancar apenas la sonrisa. Lo mejor del film es Maribel Verdú, que inasequible al desaliento, trata de imprimir gracia a su personaje. Peor paradas salen las compañeras femeninas de reparto, Juana Acosta y Paula Echevarría no tienen las pobrecitas nada que hacer. Mientras que a los dos actores adolescentes, Asier Ricarte y Miguel Bernardeau, les tocan unos personajes bobos, el segundo resulta especialmente soso como chaval guaperas con las hormonas disparadas por la atracción que siente por la mamá de su amigo, hasta dos veces repiten la misma gracieta zafia a cuento de su incontinencia. Los otros actores masculinos de más peso son puros comparsas, Raúl Arévalo, Javier Cámara, Antonio Resines y Luis Tosar, en este último resulta especialmente patética su intervención de apenas cinco líneas, en que escuchamos salir de su boca cerca de una docena de veces la palabra "cojones".

Recreación dramática de las durísimas condiciones de reclusión entre 1972 y 1985 en Uruguay de José Mújica, Mauricio Rosencof y Eleuterio Fernández Huidobro, vinculados a los Tupamaros, guerrilla de inspiración marxista y partidarios de la lucha armada contra un gobierno que consideraban autoritario y represivo. Corre a cargo de Álvaro Brechner, que cambia de registro tras Mal día para pescar y Kaplan, aunque esta segunda ya tomaba un anclaje histórico de personaje con posible pasado oscuro nazi. Se trata de una película ambiciosa, pero de arduo visionado, que se apreciará sobre todo en Uruguay al abordar un pasado reciente, y donde se conocerá mejor la trayectoria de estos personajes reales, incluido aquel que llegó a presidente de la nación. El título que habla de una noche de 12 años ya sugiere sensaciones de tiempo interminable de oscuridad, donde nunca acaba de llegar la luz. Y en efecto, Brechner describe con pelos y señales las condiciones de aislamiento de los protagonistas, que no pueden comunicarse con nadie, tampoco entre ellos o con sus guardianes. Y abundan los pasajes de malos tratos, la tortura física o psicológica, el deterioro progresivo de su salud, los modos en que se las ingenian para tratar de mantener la cordura. Se trata, también para el espectador, de un recorrido difícil de realizar, pesado, reiterativo, agobiante. Aunque haya espacio para los flash-backs –de los que se procura no abusar–, de pasajes oníricos, o de las visitas de los seres queridos, a veces infructuosas, otras en que se produce el anhelado encuentro, aunque éste no se encuentre exento de frustraciones. Lo cierto es que el director y guionista apenas hace concesiones al espectador para que respire, por ejemplo en el pasaje en que Rosencof escribe cartas para su guardián enamorado de una mujer, su modo de proceder puede hacernos evocar a Tim Robbins resolviendo la declaración de la renta a los que le custodian en Cadena perpetua, o el estrechamiento de lazos entre Nelson Mandela y unos de sus carceleros en Adiós Bafana; pero la apuesta de Brechner ahí es de detalle, se hace más hincapié en la inhumanidad de la situación, que en los destellos de humanidad que puedan surgir, que serían muy escasos. La actuación del trío protagonista, el español Antonio de la Torre, el argentino Chino Darín, el uruguayo Alfonso Tort, es sobria y contenida, meritoria, también por el esfuerzo físico y las sesiones de maquillaje que sin duda han requerido sus caracterizaciones.

Helena es una joven que desde niña viaja en una nave espacial, sus padres se sacrificaron para ofrecerle una vida mejor en un planeta habitable como la Tierra. Ahora debe hacer escala en una estación de reparación, por un pequeño desperfecto en su nave, lo que le permitirá contactar por primera vez con otro ser humano, el mañoso y apuesto Álex. Surge la atracción, y pronto se descubrirá que las cosas no son lo que parecen. No conviene desvelar mucho más de la trama del debut en largo del antes cortometrajista Hatem Khraiche, español de ascendencia libanesa, que también firma el guión. Se agradece el esfuerzo por hacer cine de género, pues la ciencia ficción no ha sido muy visitada por los directores hispanos, aunque hay excepciones como la valiosa Eva. Aquí el arranque tiene su punto de intriga, pero una vez se pisa, por así decir, tierra firme, la cosa se vuelve bastante convencional, con persecuciones, amores apasionados y elementos conspiranoicos no demasiado originales. Nos queda claro que 2001, una odisea del espacio, sigue inspirando en lo relativo a decorados de interiores de naves, y que Clara Lago ha hecho gimnasia, luciendo tipazo y musculatura, algo que en el caso de Álex González se da más por hecho.

Cataluña, cuando pertenecía a la Corona de Aragón, en el siglo XIV. El campesino Bernat Estanyol se casa con Francesca, pero el señor feudal se pasa por el convite para reclamar el derecho de pernada. Meses después ella da a luz un niño, cuya paternidad no está del todo clara. En cualquier caso la apartan de su bebé, Arnau, para llevarla al castillo, con el fin de amamantar al hijo legítimo de su amo. Entretanto Bernat toma al hijo de su esposa, y huirá con él a Barcelona, donde si logra permanecer huido más de un año se convertirá en un hombre libre. Se aloja en el taller artesanal de su cuñado, donde crece el niño, destinado a tener gran importancia en la construcción de la Catedral del Mar de la Ciudad Condal. Serie construida sobre los cimientos de la novela homónima de Ildefonso Falcones, uno de los best-sellers patrios de mayor aceptación de los últimos años, con guión de Rodolf Sirera (Amar en tiempos revueltos) y dirección de Jordi Frades (La corona partida). Gracias a que ATresMedia ha contado con el apoyo de Netflix –que la incorpora a su catálogo– se ha convertido en uno de los proyectos de mayor presupuesto de la historia de la televisión en España, pues asciende a doce millones de euros, lo que corresponde a millón y medio por cada uno de sus ocho capítulos. Sin embargo, esto no ha permitido que la ambientación sea lo suficientemente realista; la presencia en el reparto de Michelle Jenner hace inevitable recordar que la serie protagonizada por ella, Isabel, resultaba más creíble. Por otro lado, guarda absoluta fidelidad al texto original, lo que significa que arrastra también algunos de sus defectos, o sea su recurso a elementos de folletín al estilo de Ken Follet (de hecho se inspira claramente en su obra “Los pilares de la Tierra”), unos personajes que parecen más propios del siglo XXI que de la época en la que transcurre la acción, abuso del recurso al sexo y la violencia para aumentar su comercialidad, y una visión muy tópica de la Inquisición en España. También que su supuesta crítica social se queda en la superficie, con ricos exageradamente malvados y personajes humildes bondadosos en extremo. Acierta al recortar los 70 minutos tradicionales por capítulo de las series españolas a 50, lo que le da mayor dinamismo, y el guión condensa muy bien las tramas. También por ilustrar sobre los motivos espirituales de la construcción de la catedral, pintando una interesante relación espiritual del protagonista con la Virgen. Cuenta con un buen reparto, encabezado por Aitor Luna en el rol protagonista, la citada Jenner, Nora Navas, Josep María Pou y Natalia de Molina en un papel muy breve.

La vida de la universitaria Ella Hatto cambia drásticamente cuando toda su familia es asesinada mientras ella está en el extranjero. Su vida corre ahora serio peligro, pero Stephen Lucas –asesino a su vez– ayudará a la joven. Thirller de acción servido con suficiente oficio por el notable Jonathan Mostow (Breakdown). Sin ser nada del otro mundo, la historia escritaa partir de la novela de Kevin Wignall por John Brancato y Michael Ferris, un tándem que ha dado lugar a películas como The Game o Los sustitutos, atrapa convincentemente. Y ayuda el buen hacer de un actor que siempre hace creíbles sus personajes, Sam Worthington (Avatar).

Cuando su familia le manda a una residencia de ancianos, el nonagenario sastre judío Abraham Bursztein decide abandonar Argentina para regresar a Polonia, su país natal. No ha vuelto a pisar el lugar desde 1945, pero aspira a cumplir su promesa de que algún día le regalaría un traje a un amigo, al que le debe haber podido huir del horror nazi. Segundo trabajo como realizador de Pablo Solarz, guionista de comedias ligeras de gran éxito en su país, tipo Me casé con un boludo, pero también de la memorable Historias mínimas. Aquí recupera la enorme humanidad de la segunda, para hablar de la capacidad humana para perdonar y asumir un pasado trágico, pero también de la importancia de ayudar a los demás, en mayor o menor medida, lo que tarde o temprano tendrá su premio. Rodada con corrección, el realizador le saca partido a su propio guión, lleno de diálogos memorables, como la negociación con la nieta inicial, o el de la secuencia que tiene lugar en la estación de Berlín. Se combina muy bien el drama con los golpes de humor. De esta forma, El último traje sería un film correcto y poco más, pero lo eleva a la estratosfera la interpretación de Miguel Ángel Solá, todo un prodigio a pesar de la enorme cantidad de maquillaje que ha necesitado para convertirse en el protagonista. Su estilo teatral no acaba de cuadrar bien con el de otros secundarios, por ejemplo con la espontaneidad castiza de Ángela Molina, pero da igual, cautiva al espectador, sobre todo con su mirada en un desenlace que emocionará hasta al público más duro.

Karla Dyson es feliz con su trabajo y con su pequeño hijo Frankie. Pero un día en el parque una persona se acerca a su hijo y lo secuestra. Desesperada, Karla irá pidiendo ayuda de casa en casa, y estará dispuesta a todo con tal de recuperar a Frankie sano y salvo. Thriller dramático no muy original pero correcto en su género gracias a la guía eficaz del director Luis Prieto. Protagoniza Halle Berry, en plan madre angustiada en apuros, lo que recuerda al planteamiento de muchos otros filmes de cercana factura, como Atrapada.

1983, en Colombia. Virginia Vallejo, popular presentadora de un programa televisivo, acude a una fiesta en la Hacienda Nápoles, donde conoce a su dueño, Pablo Escobar, que desde el primer momento le resulta fascinante. Acaba iniciando una aventura con él, mientras éste inunda Estados Unidos de cocaína, convirtiéndose en una de las mayores amenazas al gobierno de Ronald Reagan. Con esta adaptación del libro de la propia Vallejo “Amando a Pablo, odiando a Escobar”, Fernando León de Aranoa partía de un importante ‘handicap’: llega tarde, tras el largometraje Escobar, el paraíso perdido, y la serie Narcos, con las que no puede evitar repetirse. Aún así, el madrileño no ha podido resistirse a la oportunidad de componer un film de mafiosos, muy al estilo de Martin Scorsese, sobre la ascensión y caída de un capo del crimen, con enorme brutalidad a la hora de mostrar asesinatos. Pese a ser sobre todo escritor (modélico el libreto de Familia, su ópera prima) fracasa en el guión, que acumula diversos defectos, sobre todo una voz en off tan innecesaria como reiterativa de la protagonista, pero también se olvida de desarrollar a muchos personajes, por ejemplo al policía que interpreta Peter Sarsgaard. Pese a estar especializado en cine social e intimista, en títulos como Barrio, aquí no consigue plasmar bien las relaciones entre personajes, ni secuencias conmovedoras, pero luego compone vistosos planos de masas (atención al aterrizaje de un avión en la autopista). Y fallan detalles, por ejemplo las prótesis con las que se le da un aspecto rechoncho al protagonista. Por estas razones fue denostada por la crítica tras su paso fuera de concurso por el Festival de Venecia. Pero al fin y al cabo funciona. Sobre todo por el intenso trabajo de los protagonistas, Javier Bardem –que se transforma por completo– y Penélope Cruz, de nuevo mejor con un director nacional que con uno extranjero. Por ejemplo, ambos se han trabajado muy bien el acento colombiano, para los diálogos, que en el original son en inglés con algunas expresiones soeces en español latino. Además, la historia que relata continúa impactando aunque se conozca de sobra. Sobre todo critica la doble moral, por ejemplo de los parlamentarios que critican al narcotraficante cuando ellos ocultan corrupción, o de Estados Unidos, más permisivo con la mafia italiana porque sus beneficios se quedan en el interior del país que con los narcos, que sacan el dinero. Pero también del protagonista, por un lado benefactor de los pobres, para quien se convierte en un héroe, por construir viviendas, por otro capaz de los crímenes más horribles. De la misma forma se supone que adora a su familia pero mantiene relaciones extraconyugales, y adora a su pequeña hija, cuando practica sexo con adolescentes que ha comprado a sus familias.

Después del éxito de las series televisivas Isabel y Carlos, Rey Emperador –un meritorio esfuerzo didáctico y artístico para acercar la historia de España a un público amplio–, llega este largometraje puente entre ambas, que se estrena en cines. Una inteligente jugada, que puede atraer a la numerosa audiencia reunida por ambas series, y que está ampliamente justificada por el esfuerzo adicional en la producción, las imágenes y la dirección artística son muy vistosas, empezando por el arranque, con el cortejo fúnebre que condude los restos mortales de Isabel la Católica hacia Granada. El film que dirige Jordi Frades está estructurado en torno al relato que el cardenal Cisneros hace al infante Fernando acerca del reinado de su abuelo, también Fernando, tras la muerte de Isabel, y cuyo final se encuentra próximo. En general el ritmo narrativo es ágil, aunque a veces se produce algún salto abrupto en la narración. De esta guisa vamos conociendo la inestabilidad que sigue al óbito de Isabel la Católica: las intrigas palaciegas que se cuecen en Castilla y Flandes, en torno a la proclamación de Juana la Loca como reina, el cuestionamiento de su perdido juicio, y la lucha sobre quien debería hacer sus veces, su esposo Felipe el Hermoso, visto como un extranjero al igual que su hijo Carlos, pero que cuenta con apoyos castellanos, o Fernando el Católico, que genera rechazo y que al tiempo debe velar para que la corona de Aragón no caiga en manos no aragonesas. Aunque le falta un pelín de emoción, y acude a fáciles concesiones de alcoba, cumple con el objetivo de ilustrar este período clave de la historia de España, entre 1504 y 1516, que incluye el enlace de Fernando el Católico con Germana de Foix, y la creciente enajenación de Juana, aunque con momentos de lucidez. Rodolfo Sancho como Fernando, Irene Escolar como Juana, Eusebio Poncela como Cisneros y Raúl Mérida como Felipe están muy bien en unos papeles con entidad, pero también el resto de secundarios, incluidos los recién llegados José Coronado, Silvia Alonso y Úrsula Corberó.

Durante la dictadura argentina, el capitán del ejército del aire Tomás Kóblic se convierte en desertor tras presenciar la ejecución de varios civiles, arrojados al mar desde el aparato que pilota. Se refugia en un pueblo de la Pampa, en casa de un amigo al que ayuda fumigando su campo con una avioneta.  Se sentirá atraído por Nancy una lugareña, tratada a patadas por su marido, al tiempo que Velarde, el comisario local, se obsesiona por descubrir qué hace un porteño por allí, preocupado porque puede poner en solfa su poder en la zona. Sebastian Borensztein reconstruyó las consecuencias de la Guerra de las Malvinas, en Un cuento chino. Ahora, recupera al mismo protagonista, Ricardo Darín, en un film sobre otro asunto de la historia reciente de Argentina, los temibles vuelos de la muerte del régimen militar. Aunque se trata de un thriller dramático, parte de una estructura clara de western, con un forastero que llega a un pueblo remoto, de pocos habitantes, donde manda el sheriff… Como cabe esperar, el protagonista de El hijo de la novia está a un buen nivel, en el rol de un hombre consumido por el arrepentimiento. Cuenta con el apoyo del veterano Óscar Martínez (Relatos salvajes), transformado porque lleva peluquín y hasta dientes postizos. Tampoco desentona la española Inma Cuesta.

El parapléjico Joaquín vive solo y aparentemente amargado en un caserón, sólo le acompaña su perro, al que pronto deberá sacrificar, y mientras mata el tiempo con trabajos electrónicos en su sótano. Un día se presenta Berta con su hijita, desea alquilar el piso de la terraza, pero él prefiriría otros inquilinos, adivinamos que tal vez su estado físico se debe a un accidente donde perdió a su esposa y a un pequeño. El caso es que ella es resuelta y logra convencerle, y la presencia de las recién llegadas puede que le saque del autismo. Incluso él se muestra dispuesto a compartir con ella un secreto: el espionaje que realiza desde el sótano, pues con sofisticados métodos de escucha ha descubierto que alguien está cavando muy cerca un túnel con aviesas intenciones. Pero... El argentino Rodrigo Grande, director y guionista, cambia radicalmente de género tras las comedias amables Presos del olvido y Cuestión de principios, Al final del túnel es un thriller desasosegante, que menciona explícitamente como referente a Edgar Allan Poe, y algo hay de eso, pues tenemos la sensación de verdadera reclusión del protagonista en su casa, y espacios claustrofóbicos como el túnel del título, aunque lo cierto es que el marco de la historia es la gran ciudad de Buenos Aires. Ello se combina con una trama de robo y peculiar espionaje, de la que preferimos no dar aquí demasiados detalles, más el lado humano que invita al protagonista a recomponer de algún modo la familia que fue. Aunque el film contiene algún truco de prestidigitador que obliga al espectador a suspender en exceso su incredulidad, además de un par de excesos violentos que podían haberse obviado, en general domina la habilidad narrativa, Grande sabe dosificar la intriga e introducir algunos giros inesperados en la narración. En cambio no acaba de acertar en el uso de la partitura musical, demasiado presente, y que no siempre ayuda. Los actores están bien, el papel de parapléjico le va al pelo a Leonardo Sbaraglia, y Clara Lago exhibe un inesperado acento argentino; quizá un poco pasado de rosca está Federico Luppi como uno de los malos, en cambio Pablo Echarri convence en su brutalidad y Javier Godino en su pardillez.

Primera película española realizada en colaboración con la plataforma de streaming Netflix, y estrenada directamente allí, es la demostración de que con un presupuesto ajustado y un calendario de rodaje seguramente mínimo, se puede hacer algo muy digno. La intensa historia con el transfondo de la corrupción y la pérdida de valores éticos en tantos estratos de la sociedad, transcurre en un único escenario, el loft de una empresa tecnológica, donde se reúnen con urgencia los cuatro socios fundadores, que se enfrentan a una inminente inspección de Hacienda por una fuga de capitales a las cuentas que tiene cada uno en Suiza. El desfalco podría suponer para cada uno 7 años de cárcel, y piensan que la única solución es transferir todo a la cuenta de uno de ellos en España, de modo que cargue con la responsabilidad de todos. El problema es quién. Y para tomar una decisión acuden a un mediador, que les ayudará a consensuar los pasos a seguir. A partir de un guión de José Cabeza y Julia Fontana, con algunas frases memorables, por ejemplo las del dilema de la naranja, Roger Gual retorna a la tensión que puede cocerse en grupos en el mundo laboral vista en Smoking Room. Lo hace con una trama de escenario y tiempo únicos, que recuerda mucho al clásico Doce hombres sin piedad, o a la más reciente El método, donde los cuatro amigos y socios, con el mediador como testigo que trata de atemperar los ánimos, se tiran los trastos a la cabeza, diciéndose con amargura y resentimiento lo que nunca se atrevieron a decirse, lo que piensan unos de otros. El riesgo de que la película parezca puro teatro filmado se salva con una cámara con continuos movimientos casi de ballet, y los efectos de iluminación. Bien realizada y con puntos de interés, la visión del ser humano no puede ser más desoladora. Pues tenemos personajes que parecen preocuparse sólo de acumular dinero y poder, y vivir de las apariencias, sin importarles lo más mínimo la moralidad de sus actos, ya sea en lo referente a la fidelidad matrimonial, tener hijos –el recurso frívolo al aborto–, cuidar de parientes enfermos, o en defraudar al fisco. Están muy bien los cinco actores, tanto los socios y supuestamente amigos Paco León, Álex Brendemühl, Juana Acosta y Juan Pablo Raba, como el mediador profesional, Manuel Morón.

Reunión de amigos tras mucho tiempo sin verse. Elia cumple 40 años y literalmente ha tirado la casa por la ventana, invitando a la panda de toda la vida a celebrarlo en una lujosa casa rural con magníficas vistas al mar y alejada de la civilización. Lo que se supone debe ser motivo de alegría y servir a la anfitriona para comunicar la gran noticia de cómo acaba de sonreírle inesperadamente la fortuna, va a servir más bien para todo lo contrario: pues comenzarán a asomar resquemores y frustraciones, propiciados no sólo porque el antiguo novio que Elía deseaba recuperar se presenta acompañada por una joven actriz de deslumbrante físico, sino porque todos llevan vidas insatisfactorias, no se conforman con lo que tienen. Y aunque achacan sus penas a cuestiones económicas, por supuesto, hay algo más. Gracia Querejeta –también directora– y Santos Mercero, vuelven a firmar un guión que quiere fijarse en las personas de nuestra sociedad contemporánea y sus problemas muy enraizados en el egocentrismo, temas también muy queridos por el productor del film, Gerardo Herrero. Aunque las intenciones sean loables, y permitan al atinado reparto componer unos personajes reconocibles en sus virtudes y debilidades, bien compuestos por Maribel Verdú y compañía, el film, desgraciadamente, no es redondo ni mucho menos. El quiebro que se produce a mitad de metraje resulta demasiado artificial, y las mezquinas reacciones de unos y otros sobre cómo afrontar la nueva situación no acaban de convencer, se acaba cayendo en un bucle donde cuesta que la trama avance. Aunque aún más dificultoso es tratar de dar con una resolución satisfactoria a los dilemas planteados –que no es cuestion aquí de desvelar–, y lo cierto es que el desenlace no tiene la deseable fuerza catártica.

Millones de personas del futuro viajan al presente para escapar de un desastre planetario. Deben cumplir dos reglas básicas: no pueden hablar sobre el futuro, y no pueden relacionarse con los suyos. La familia Sanz, formada por Samuel, Emma y la pequeña Ana recibe la inesperada visita en su domicilio de uno de los visitantes, aunque desconocen cuál es su objetivo. Thriller futurista que supone la primera serie española coproducida con BBC. Al menos logra inquietar en el arranque, por lo que el espectador querrá ver más. Pero nada acaba de resultar realista, sobre todo que la acción transcurra en España, cuando la ambientación parece más propia del Reino Unido o de Estados Unidos, quizás para vender allí. O que los personajes tengan nombres que podían ser anglosajones. Y resulta agotadora la obsesión de las series españolas por exhibir cuerpos de actores, en esta ocasión a propósito de que para viajar en el tiempo se debe ir desnudo, lo que da pie a recrearse una y otra vez en hombres y mujeres. También las críticas a la familia supuestamente cristiana pero en realidad cínica resultan un tanto tópicas.

Pocos géneros cinematográficos son más difíciles y menos agradecidos que el biopic. Resumir la trayectoria de un personaje, más si es de las que pueden describirse como “bigger than life”, en menos de dos horas de metraje, suele ser tarea harto complicada. Se puede optar por colocar el foco en algún episodio concreto de su vida, con lo que parte del conjunto se pierde, o bien picotear aquí y allá, con el riesgo de ofrecer una sensación de dispersión. Si encima el personaje sujeto de tratamiento fílmico está vivo y presenta la fulgurante popularidad mundial alcanzada por el Papa Francisco, la cosa se complica. A lo que se suma en este caso el lógico deseo de agradar a los creyentes católicos, sin dejar fuera al resto del público, que podría temer algo próximo a un sermón poco inspirado. Así las cosas, gran parte del mérito de esta película hispanoargentina, escrita y dirigida por el cineasta galledo Beda Docampo, y protagonizada por Darío Grandinetti, radica en la aceptación del desafío sin complejos, una seguridad –¿o habría que decir, en este contexto, fe?– gracias a la cual el resultado es notable, dentro de que el tratamiento es muy clásico, no se inventa la pólvora. La narración está estructurada a través del personaje ficticio de la periodista Ana, que prepara un libro sobre el Pontífice. Su investigación sirve para introducir distintos flash-backs sobre el pasado de Jorge Bergoglio –el esquema recuerda a Encontrarás dragones–, desde que siendo joven entra en el seminario, hasta su dedicación sacerdotal como jesuita a los más pobres en la diócesis de Buenos Aires, donde es nombrado obispo. Ana conoció a Bergoglio con ocasión del cónclave que eligió a Benedicto XVI, y a partir de ahí se forjó una sólida amistad que incluye consejos sólidos en momentos difíciles en la vida de ella. Aunque narrativamente el film recurre con frecuencia a continuas idas y venidas temporales que rompen algo el ritmo, Docampo sabe atrapar la rica personalidad espiritual y humana de Francisco, como en la realidad, muestra a una persona que frisa los ochenta años, pero que atrae a personas de todas las edades, y particularmente a la juventud que busca respuestas a los grandes interrogantes de la vida. Éste está extraordinariamente encarnado por Grandinetti, quien logra superar el escollo de no parecerse demasiado físicamente al personaje. Rasgos como la sencillez, el espíritu de acogida, la simpatía y el buen humor, junto a la piedad, se encuentra bien recogidos, nunca parecen artificiosos. La reconstrucción de época en los flash-backs y la dirección artística son vistosas –resultan completamente creíbles los planos de los dos cónclaves, que transcurren en la Capilla Sixtina del Vaticana– y se evitan planteamientos simplificadores, dentro de lo que admite la limitación temporal del formato fílmico, al mostrar su predilección por las personas más necesitadas de las periferias, su defensa de la vida o las intrigas de los poderosos de este mundo.

Lima, Perú. Magallanes es un militar retirado que vive en un sótano mugriento y se gana la vida a duras penas trabajando de taxista y cuidando frecuentemente de su anterior superior al mando, un coronel que ahora se encuentra impedido física y mentalmente. Por casualidad, un día Magallanes recibirá como clienta en el taxi a una joven, Celina, y un cúmulo de recuerdos del pasado irrumpirán en su vida. Enterado de que la mujer necesita ayuda, Magallanes ideará un peligroso plan –que incluye extorsión y amenazas– para conseguir dinero y así ayudar a Celina. Sólido debut en la dirección del actor limeño Salvador del Solar, que entrega una película dura que habla de las dificultades de saldar las cuentas del pasado. Lo hecho, hecho está, y cruzado el límite quizá no hay redención posible. Bien contada y dosificada, el cuidadoso guión resulta creíble –muy bien secundado por una puesta en escena sucia, a pie de calle– y por eso tremendamente atroz. Pero sabiamente Del Solar logra impactar sin mostrar, incluso sin decir, de modo que en Magallanes lo más importante es lo que no se cuenta. El espectador quedará suficientemente persuadido del sufrimiento de pueblos indígenas enteros que se ven sometidos, vejados y asesinados por la ley del dinero, de las armas, de las dictaduras, de los hombres poderosos. Y que éstos pueden tener tan adormecida su conciencia que ni siquiera se percatan del mal que hacen. Ha contado Del Solar con un reparto notable, con el tipo de actores que son capaces de transmitir terremotos interiores. Ahí están principalmente el gran Damián Alcázar (Crónicas, Héctor), una vez más con un rol de hombre angustiado, asqueado, a punto de explotar, y la excelente Magaly Solier (Amador), cuya composición encoge el corazón. Para el recuerdo quedará su exasperado discurso en quechua, de fuerza tan arrolladora que no ha necesitado traducción (ni falta que hace). Y el veterano Federico Lupi demuestra en pocos minutos que sigue conservando su carisma.

Nueva apuesta española por las series televisivas de corte histórico tras el éxito de Isabel, no en balde detrás de Carlos, Rey Emperador está parte del equipo creativo de la mencionada serie. La trama arranca con la llegada a Castilla de Carlos y su hermana Leonor, donde resulta casi inevitable que sean vistos como intrusos extranjeros, pues siempre han vivido fuera de la Península. Él viene a reclamar su corona, aunque Juana todavía vive, y su hermano Fernando podría hacer también su propia reclamación, apoyos locales no le faltan. Pero Cisneros, el regente, desea que las cosas se hagan como determinó el rey católico Fernando, abuelo de Carlos, siguiendo el parecer de Isabel. Otros hilos narrativos trasladan al espectador a la corte francesa del mujeriego rey Francisco, y a Santiago de Cuba, donde Hernán Cortés se apresta para explorar y conquistar ricos territorios. Resulta muy de agradecer el esfuerzo de producción de esta serie, que ayuda a divulgar un período importante de la historia de España. El equipo dirigido por José Luis Martín, y que cuenta con cineastas solventes como Oriol Ferrer, procuran conjugar la lección de historia con el entretenimiento. El problema, al menos en lo que se detecta en el primer capítulo, es que ideas como el ataque de unos campesinos al rey por error, o los devaneos amorosos de alcoba, parecen recursos fáciles poco integrados con la mencionada lección de historia. Mientras que la decisión de no arriesgar con los idiomas quita al conjunto un poco de verosimilitud. Carlos habla un perfecto español, y se hace difícil aceptar que la corte francesa sea efectivamente francesa. Álvaro Cervantes parece demasiado joven para encarnar al futuro emperador, pero démosle un voto de confianza, por ahora se supone que es un gobernante inexperto, aunque con aptitudes, y eso, más o menos, lo transmite. Y en efecto, a medida que avanzan los capítulos, se opta por desarrollar mejor las tramas relativas a la lucha por el poder, ya sea la corona de emperador, o la conquista de México; y los personajes y lo que les mueve, una combinación de lealta, ambición y sentido del estado, que obliga a dejar los sentimientos personales en su su sitio, cobra sentido. Además, siendo conscientes de que hay un presupuesto razonable, pero limitado, se evitan los planos que requerirían masas o costosos decorados, limitando la cosa a escenas brevísimas que cumplen ese misión en América, la fugaz visión de los barcos de la expedición de Cortés y las pirámides mayas.

Una joven llamada Teresa está pasando por malos momentos en su vida, pues ha perdido a su madre hace poco y sufre ataques de ansiedad. Además es objeto de "bullying" por parte de algunos alumnos de su colegio, aunque el trato con sus profesoras es estupendo. Una tarde después de clase es acosada por tres alumnos que la encierran en un desván. Allí, sola y sin cobertura en el móvil, se decide a leer el "Libro de la vida" de Santa Teresa de Jesús, que le dejado una de las profesoras. El madrileño Jorge Dorado, director de Mindscape y de algunos episodios de El ministerio del tiempo se pone detrás de las cámaras para entregar este telefilm, una peculiar visión de una etapa de la vida de Santa Teresa de Jesús a través de la mirada de una jovencita actual, con algunos momentos emotivos y un retrato muy cercano, natural y atractivo de la santa protagonista. Producido con ocasión del 5º centenario del nacimiento de Santa Teresa, la historia se centra en las vicisitudes que vivió la santa con respecto a las acusaciones por parte de la Inquisición y la trama llega hasta la fundación de su primer convento de Carmelitas Descalzas, San José. Aunque la visión general es bastante complaciente respecto a los tópicos oscurantistas medievales, lo que resta hondura a la historia, de fondo el guión ofrece ideas contundentes, pues incide sobre todo en el carácter "indomable" de Santa Teresa, que le llevó a superar las dificultades que surgían debido a su sexo. Hay una cierta reivindicación, por tanto, de la figura de la santa de Ávila como una de las primeras feministas de la historia, en una época en que el mundo estaba dominado por hombres y las mujeres tenían escasa voz para tomar decisiones. Teresa cuenta con algunos rostros conocidos y un esforzado trabajo actoral, muy especialmente de una fantástica Marian Álvarez (La herida) en el papel de la santa.

El empresario Pedro Chazarreta aparece degollado en su espléndida casa situada en un "country", urbanización privada y cerrada al mundo exterior, con seguridad privada. Rinaldi, director del diario "El Tribuno" cuenta con que el experimentado cronista de sucesos Brena eche una mano al más bien principiante Saravia, y con que la célebre autora de novelas policíacas y ex novia Nurit Iscar, a la que cariñosamente llamaba Betibú, escriba una columna diaria sugerida por los detalles del caso. Coproducción hispanoargentina que adapta una novela de Claudia Piñeiro. Dirige Miguel Cohan, con la ayuda en el guión de su hermana Ana, y ambos confirman su maña para el thriller, demostrada en el magnífico "cuento moral" Sin retorno. Si acaso en esta ocasión sorprende la capacidad para crear una atmósfera desasosegante, a medida que se producen nuevos crímenes y descubrimientos que apuntan a una conspiración de altos vuelos, donde sacar a la luz ciertos secretos puede resultar muy peligroso, la sombra de los que controlan los mecanismos de poder es alargada. Hay momentos de gran tensión, como los ataques de los perros, y todo lo referido a la noche en que "El Tribuno" se dispone a publicar una primicia. En la narración puede haber lugar para la sorpresa, pero no se busca sorprender, y esta falta de pretensiones funciona eficazmente. La construcción de personajes es sólida, y aunque responden a arquetipos que resultan conocidos, son reveladores de la naturaleza humana y están muy bien dibujados en el guión y los interpretan con convicción Mercedes Morán –la mujer no repuesta de un desengaño amoroso, y con una gran capacidad de observación– Daniel Fanego –el veterano con recursos, que no dice todo lo que piensa–, Alberto Ammann –el novato susceptible, pero capaz de sobreponerse– y José Coronado –el director de periódico encantador con un punto canalla–.

Valeria acaba de trasladarse a Madrid con su divorciada madre Mara, y no está nada contenta con el cambio de ciudad, ahí no tiene amigos, ni con el bar con el que Mara quiere ganarse la vida. Chica de gran personalidad, al llegar a su nuevo instituto tiene un encontronazo, lo que le lleva a tener sesiones fuera de clase con un orientador, lo que le sirve para conocer a otros chicos problemáticos, Eli, Bruno, Raúl, María y Ester, con los que hace buenas migas hasta formar una simpática pandilla, el Club de los Incomprendidos. Resultan ser una auténtica piña, hasta que cada uno empieza a guardar sus particulares secretos, lo que podría dar al traste con lo que parecía un unidísimo grupo. Adaptación de la primera de las novelas de la saga juvenil “El club de los incomprendidos” de Blue Jeans, “¡Buenos días, princesa!”, se trata de una digna cinta española dirigida al público adolescente, que tiene detrás al equipo de Bambú, Ramón Campos, Gema R. Neira, Carlos Sedes y compañía, o sea, a los responsables de populares series de televisión como son Gran Reserva, Gran Hotel, Hispania y Velvet. La idea es pintar los altibajos sentimentales y falta de madurez de unos chicos y chicas de instituto, que tratan de encontrar su lugar en el mundo mientras descubren el amor y la amistad, pero también los rasgos feos que pueden estropearlos, como la deslealtad y la falta de sinceridad. El planteamiento recuerda un poco al clásico del cine “teen” El club de los cinco. Es cierto que los sentimientos pintados son algo básicos y balbuceantes, y la mirada algo superficial, cuestiones como las ganas de fiesta, la tentación de hacer el gamberrete o el gusto por el lujo se pasan de puntillas, prestando tributo a lo políticamente correcto, mientras se suman situaciones sobre emparejamientos ocultos porque afectan a un tercero, abuso de menores o algo que se le parece, confusiones sobre si te gustan o no las personas del mismo sexo... Pero en general se procura ofrecer un producto más o menos blanco e inicuo –al menos, con los baremos vigentes en la sociedad actual– para atraer a las salas al mayor número posible de espectadores. El reparto está muy logrado, entre los adultos sobresale Raúl Arévalo en su pequeño papel, mientras que el de Lluís Homar es un personaje bastante prescindible. Pero son los chicos los reyes de la función, y entre ellos destacan las naturales interpretaciones de Charlotte Vega, Jorge Clemente y Andrea Trepat; quizá sean demasiado "guapillos" para su condición de friquis o pringadillos, pero en fin, son licencias para atraer al espectador. Llama la atención el esfuerzo de producción, con Madrid muy bien fotografiado, y escenas impactantes como la del puente y la de los soterrada M-30.

Hubo un tiempo en que Manuel Gómez Pereira podía presumir de pertenecer al selecto y reducido club, junto a Pedro Almodóvar y pocos más, de los realizadores que daban dinero en las taquillas, gracias a sus comedias ligeras con cierta frescura. Pero la gran aventura de Desafinado acabó con la productora Lolafilms, y a partir de ahí, pasó a ser minoritario. El cineasta había coqueteado con el thriller en los numerosos guiños a Alfred Hitchcock de Boca a boca, y hasta rodó un film presuntamente de este género, Entre las piernas, donde como deja bien claro su título tenía más importancia el erotismo que el suspense. Ahora, lo intenta de nuevo con La ignorancia de la sangre, adaptación de la novela homónima de Robert Wilson. Javier Falcón, inspector de Homicidios que mantiene un idilio con una madre viuda, investiga la muerte en accidente de tráfico de un gángster ruso que tenía en su poder un disco duro con importante información. Dos facciones de la mafia presionan al policía para que lo entregue, hasta el punto de que una de ellas secuestra al hijo de su novia. Paralelamente, un amigo de Falcón le pide ayuda porque a su hijo quieren reclutarle para una cédula de terroristas islámicos. Tenía Gómez Pereira un presupuesto relativamente holgado y los suficientes elementos para que La ignorancia de la sangre funcionara con fluidez, pues de hecho, todo lo que tiene que ver con Juan Diego Botto tratando de rescatar in extremis al niño capta la atención del espectador, así como su dilema de renunciar a sus principios morales por amor. Si se hubiera potenciado esta parte y reducido a pavesas todo lo demás (lo que habría sido un mero ‘macguffin’ para Alfred Hitchcock) otro gallo nos cantara. Pero el productor Gerardo Herrero le ha colado a su guionista habitual, el argentino Nicolás Saad (Silencio en la nieve, Atlas de geografía humana), que en esta ocasión no realiza una eficiente adaptación del texto literario, donde su autor tenía más espacio para desarrollar subtramas que aquí poco aportan. Por ejemplo, una escultora cuya hermana desaparecida ha sido obligada a prostituirse, se podría suprimir sin que nadie lo echara de menos. Y es que parece que el libretista quiere denunciar demasiados asuntos: la trata de blancas, el crimen organizado ruso, el terrorismo islámico... Quizás por eso, sus diálogos dan la impresión de querer condensar muchas páginas de novela, y por eso resultan farragosos y poco naturales. Otras veces, los personajes lanzan grandes parrafadas en ruso o árabe sin subtítulos, como si el director odiase a los espectadores (al menos en la copia exhibida para la prensa). Por todas estas razones, el otras veces eficaz Juan Diego Botto parece más desorientado que el investigador que interpreta, y en cuanto a Paz Vega, por lo visto resulta más conveniente exhibir su anatomía que conseguir que parezca coherente su personaje de madre desconsolada porque la vida de su retoño está en juego. Además, algunos detalles de la puesta en escena de La ignorancia de la sangre resultan risibles, por ejemplo, que el móvil del protagonista le avise ‘discretamente’ con letras gigantes de que le está llamando el CNI.

Precuela de la serie Gran Reserva. En esta oasión nos trasladamos 45 años en el pasado, específicamente al año 1967, en plena época de la dictadura de Franco, con toda la implicación social y política que acarreaba vivir en aquel momento.La serie se concentra en la rivalidad de tres familias que compiten por ser los más grandes productores de vino; los Cortázar y los Reverte, de los cuales ya hemos conocido su desenlace, y otra nueva y poderosa familia que entra en escena, los Miranda. Los engaños, las mentiras y los conflictos son la trama esencial de esta producción, que engancha más o menos con la idea de un amor prohibido al más puro estilo shakesperiano de "Romeo y Julieta", además de generar intriga y tensión por conocer los caminos que llevaron a los Cortázar y los Reverte a ser las principales familias vinícolas. La serie fue cancelada debido a los bajos índices de audiencia.

¡Atraco! es una comedia que se inserta en la tradición de películas de robos más o menos sofisticados, donde tienen gran importancia los preparativos previos, y donde siempre hay algún elemento que no se ha tenido en cuenta para la ejecución del golpe, y que complica las cosas. El film parte de un atraco auténtico a una joyería, sucedido en la España de los años 50. Tal suceso se relaciona con la ficción de que el general Perón, exiliado en Panamá, hubiera empeñado las joyas de Evita para obtener algo de liquidez, depositándolas precisamente en esa joyería. Carmen Polo de Franco, la esposa del Generalísimo, tras visitar el establecimiento, se habría encaprichado con las joyas. De modo que hombres leales a Perón fingirían un robo para escamotear a la “primera dama” el “botín”, y volver a entregarlo al joyero. Eduard Cortés parece haberse aficionado a películas sobre la simulación y el engaño, piénsese en La vida de nadie y The Pelayos. Aquí entrega una entretenida película con vocación popular, a la que curiosamente le falla un tanto el arranque panameño, y un inesperado desenlace que rompe con el tono amable del film, y que se diría el típico ajuste de cuentas con el franquismo que no puede evitar acometer con demasiada frecuencia el cine español; en ¡Atraco! esto es un error, sobre todo porque la película no va por ahí, en tal sentido sería más eficaz la crítica de pasada a la posible afición de doña Carmen por las joyas gratis total, por otra parte no tan diferente de la que tienen tantos personajes cercanos al poder. El cuerpo central de ¡Atraco! es lo que mejor funciona, las dos parejas masculinas, de ladrones y policías, estupendos Guillermo Francella y Nicolás Cabré, Óscar Jaenada y Jordi Martínez, con su distinta mirada generacional y el progresivo estrechamiento de los lazos que les unen. Y el interés romántico de la encantadora enfermera, Amaia Salamanca, y la caballerosidad de Daniel Fanego que a la postre lo complica todo, del hombre leal al peronismo en una causa sin causa.

Con su madre, Isabel de Portugal, enferma, los infantes de Castilla Isabel y Alfonso son reclamados para acudir desde Arévalo hasta la corte de Castilla. Allí les espera el rey Enrique IV, su hermano. El pueblo espera que el rey dé un heredero al reino, pero éste no acaba de llegar, por lo que la reina Juana de Avis empieza a impacientarse, así como los demás nobles de la corte... Aproximación a la historia de Isabel la Católica (1451-1504), uno de los más grandes personajes de la Historia de España. La serie quiere ser una continuación de otros proyectos históricos que han tenido cierta repercusión ante el público, como Hispania, la leyenda, aportando en este caso el estilo de las intrigas palaciegas de otras series de mayor calado, como Juego de Tronos. Por supuesto, el presupuesto es infinitamente menor y en el caso de Isabel apenas hay exteriores, planos épicos o grandes movimientos de masas. La trama se centra en unos poquísimos personajes que pergeñan maquiavélicos planes en la corte de Castilla del siglo XV y, eso sí, se acerca más al estilo de la HBO al emular su atención excesiva a los explícitos comportamientos sexuales, curia incluida, no faltaba más... Por otra parte, el retrato que se hace de Isabel la Católica, aunque cuidado y muy atractivo (inteligente, enérgica, con gran personalidad), puede resultar en ocasiones un poco contradictorio pues a su enorme fe en Dios y su vida ejemplar se le unen puntuales sentimientos mezquinos, palabras falsas y afanes de venganza que no acaban de cuadrar demasiado con su temple, si bien es cierto que estamos ante una Isabel muy joven y que además tiene que enfrentarse al traicionero e implacable mundo de la corte. Atención especial merece la meritoria composición de Michelle Jenner (No tengas miedo) como la joven reina. La catalana demuestra de veras que es una excelente actriz. Y en general, aunque los actores se esfuerzan meritoriamente, la platea femenina ofrece un trabajo mejor que la masculina, con los papeles secundarios de Bárbara Lennie y Clara Sanchís.

Nos encontramos de nuevo en Tierra de lobos, donde la traición, la venganza, el amor y la muerte son ingredientes indispensables en el diario vivir. Escapes, nuevos romances imposibles y chantajes son algunos de los elementos que esta segunda temporada nos trae en trece capítulos. Como en la primera temporada en esta ocasión podremos observar la verdadera naturaleza vengativa y emocional que rodeada al ser humano: los combates y los enfrentamientos son algo habitual en la lucha que tienen nuestros protagonistas de tener lo que mas desean, el poder.  La serie se renovaría para una tercera temporada la cual fue emitida con retraso, un año después de acabada la segunda temporada.

Viriato ha dejado de ser un humilde pastor, tras convertirse en el líder de los rebeldes que se enfrentan a los invasores romanos. Aunque durante el invierno se detienen las batallas, con la llegada de la primavera se deshielan los caminos y los romanos vuelven a la guerra. Segunda entrega de la serie española que recrea libremente la historia real de Viriato.

Los hermanos César y Román Bravo huyen tras un atraco frustrado en Portugal. Acaban regresando a su pueblo natal, en busca de una nueva oportunidad. Pero el señor Lobo, el cacique local, cree que son una amenaza para su oligarquía, y les pondrá las cosas difíciles. Cuando están a punto de irse, un curioso individuo les explica que sus terrenos ocultan un manantial de agua medicinal. Drama repleto de giros folletinescos de factura correcta e interpretaciones pasables. Aunque no aporta nada nuevo, hará las delicias de los apasionados de las series españolas.

13 capítulos de esta serie española que aúna el drama, la comedia, y un puntito de thriller, y que está protagonizada por María Pujalte (En la ciudad). La inspectora Laura tendrá que hacer frente a numerosos misterios y casos singulares, al tiempo que tendrá que afrontar la separación de su marido, jacobo (Fernando Guillén Cuervo), y la aceptación de acoger a su madre Maribel (Beatriz Carvajal) en su casa. La vida de Laura no va a ser nada fácil, demasiadas complicaciones laborales y familiares...

Segundo largometraje del colombiano Andrés Baiz, tras la dura Satanás. Esta vez dirige una coproducción entre su país y España con actores de ambas nacionalidades en el reparto. El propio Baiz coescribe el guión con el cortometrajista Hatem Khraiche. Adrián, español establecido en Colombia donde dirige la Orquesta Filarmónica de Bogotá, está afligido tras la misteriosa desaparición de Belén, su novia. Encuentra consuelo en los brazos de Fabiana, una atractiva camarera con la que vive un intenso romance. Pero en el cuarto de baño de la casa de Adrián, Fabiana cree detectar la presencia de un fantasma, pues escucha ruidos extraños entre otros fenómenos inexplicables. Andrés Baiz es un director de enorme potencial visual e imprime al relato el ritmo adecuado. Además de lograr que los actores resulten convincentes, crea un enorme suspense, por lo que el espectador se sentirá bastante interesado por descubrir la explicación a la historia, y conocer el desenlace. Pero sus personajes son un tanto estereotipados, les faltan señas de identidad que les hagan más creíbles. ¿Está el protagonista masculino sólo tonteando con una música de su orquesta o ha habido algo más y es un cínico mujeriego? Por otro lado Baiz parece tan obsesionado con las secuencias de sexo y el exhibicionismo de las actrices, que cae en la reiteración y el ridículo. Tampoco ayudan a que el film resulte creíble algunas incongruencias, como unos muros que permiten a la persona que está dentro escuchar lo que se dice al otro lado, pero a ella no se le oye de la misma forma, o un espejo que mágicamente permite que si se escribe encima aprovechando el vapor de agua, se pueda leer el mensaje en el otro lado.

Siglo II antes de Cristo. La Tierra que los romanos llamaron Hispania está poblada por los iberos, gente sencilla, pastores, que viven en armonía. Pero los planes de conquista del imperio alteran su existencia, se produce un baño de sangre, con muertes de los seres queridos y bienes esquilmados. Liderados por Viriato, lucharán por su libertad. Ambiciosa serie televisiva de Antena 3, parece clara la apuesta por las distintas cadenas por vistosas producciones de época, piénsese en la exitosa “Águila roja” con la que “Hispania” tiene bastantes puntos en común. Porque está claro que el rigor histórico no es una preocupación primordial de sus creadores, sino que la cosa está más cerca del puro entretenimiento, una “de romanos” de planteamiento bastante elemental. Es decir, por un lado está la existencia idílica y pastoril de los hispanos, y por otra el afán de expansionismo y poder de los romanos, que quieren esclavizar a los otros. Se produce el inevitable choque, libertad frente a dominio, y entre medias no faltan las subtramas románticas de rigor. Está claro que se pueden sacar defectos: en los nombres de los personajes, que no pueden calificarse de iberos o lusitanos, en algunos modos de expresarse, o en acentos, piénsese en el deje de Juan José Ballesta. O que de momento –con apenas tres capítulos no se puede hacer un juicio definitivo– no hay grandes sorpresas argumentales, y que se juega de modo facilón con la violencia y la sensualidad. Pero se agradece el empeño por tratar de hacer un producto televisivo de calidad. Son un acierto de casting Roberto Enríquez como el protagonista, y Lluís Homar como decadente y morboso villano romano. Por supuesto abundan los rostros “guapines”.

Dos familias bodegueras rivales en la Rioja, los todopoderosos Cortázar, y los más modestos Reverte. El patriarca de los primeros, don Vicente, ha decidido poner al frente del negocio a Miguel, lo que provoca reacciones dispares en los otros hijos. Sabedor de se ha ido al traste un importante pedido que tenían, en favor de los Reverte, Miguel presiona al otro patriarca, don Jesús, para que le venda la bodega, a lo que el otro se niega en redondo. Misteriosamente don Jesús muere asfixiado en su bodega en lo que parece un accidente fatal. Sus hijos Daniel y Lucía, a pesar de las presiones externas, deciden seguir adelante con el negocio familiar.Ambiciosa serie televisiva producida por Bambú con Televisión Español. Su concepto podría resumirse como El padrino en los viñedos de La Rioja. Pues hay modos “padrinescos” en la relación entre don Vicente y Miguel, en sus procedimientos mafiosos y en las debilidades de algunos miembros de la familia. Lo que está acentuado por el tratamiento fotográfico de Jacobo Martínez, que se diría quiere emular al de Gordon Willis en la trilogía de Francis Ford Coppola.Se trata de una producción digna e intrigante, creada por el activo Ramón Campos, que sabe plantear y desarrollar abundantes subtramas que implican a un múltiples personajes, encarnados por un acertado reparto. Eso sí, hay algo de culebrón elemental en las infidelidades, complejos y engaños de unos y otros.

Alex es un chaval de ocho años con serios problemas. En casa sus padres no se llevan bien, y él no ha aceptado bien la venida al mundo de sus dos hermanos gemelos. Aunque tiene algún amigo en clase, su verdadero mejor amigo no existe en el mundo real, se trata del capitán Harry, un astronauta imaginario, pues tal profesión querría desempeñar de mayor. Como sus padres tienen la ocurrencia de que el chico tenga una tele y una consola de juegos en su cuarto, empieza a desarrollar un gusto morboso por todo lo relacionado con la violencia, pues consume muchas imágenes de ese tipo. De modo que surge otro amigo imaginario, el sargento Cluster, que le invita a ser un soldado despiadado. Christian Molina vuelve a colaborar con Cuca Canals, con la que hizo Diario de una ninfómana, para ofrecer una película rodada en inglés con indudables buenas intenciones pedagógicas. La idea es llamar la atención de los padres acerca de la educación de sus hijos, de la que son primeros responsables, y concretamente en lo relativo al uso de la televisión y los videojuegos. Aunque se abordan muchos más temas como la falta de confianza y la mentira que hacen inevitablemente mella en un hogar, o el acoso escolar. En este sentido es una película que al menos afronta temas interesantes y propicia el debate. Pese a todo, se trata de una película fallida. Parece como si los responsables del film hubieran oído campanas, pero no hubieran visto nunca una. La cosa no parece real, y no sólo por el recurso al amigo imaginario, que se presenta como algo absolutamente normal en cualquier niño, un apriorismo sin demasiado fundamento. También por la rápida evolución que experimenta el crío en su agresividad, borrón y cuenta nueva, y... Además una vez planteada la cuestión, todo es reiterativo: los amigos imaginarios –una especie de versión laica del demonio tentador y el ángel de la guarda–, los profes, los padres, el aluvión de imágenes violentas acompañada de la voz en off de Alex, los abusos en la escuela... La progresión sólo consiste en un paso adelante, otro atrás, por conveniencias del guión.

Benjamín Esposito se acaba de jubilar después de llevar toda la vida trabajando en el juzgado. Su nuevo estado le concede mucho tiempo libre por lo que decide escribir una novela. Enseguida tiene claro de qué irá su libro. Hace más de dos décadas trabajó en el caso del asesinato y violación de una joven, que se resolvió de una manera nada satisfactoria. La vuelta atrás de Esposito lo lleva a mirar de frente otra vez a los fantasmas del pasado que en el presente lo atormentan más de lo que le gustaría reconocer. No sólo se trata de volver para dar respuesta al caso, sino que Benjamín tiene también razones sentimentales. Resulta que lleva más de 20 años enamorado de la que fuera su jefa en el juzgado. La mirada atrás parece ser la puerta para cerrar en el presente las distintas historias que han marcado su vida. Juan José Campanella vuelve al cine después de Luna de Avellaneda (2004). En este intervalo ha hecho mucha televisión, donde ha dirigido capítulos de series como House y Rockefeller Plaza. Su vuelta a la gran pantalla nos ha traído al mejor Campanella. Se trata de una película muy suya y que a la vez poco tiene que ver con lo que había hecho hasta ahora. Es difícil de definir; en el calificativo de thriller no encaja, se aproxima más al cine negro. Pero también tiene mucho de drama, sin olvidar el importante componente romántico. La estética de la cinta está muy cuidada. Planos maravillosos en los que da gusto reposar la mirada. Algunos de estos planos tienen como protagonistas absolutos a los ojos, que para eso aparecen en el título de la película. Se nota un gran esfuerzo por parte de director y actores porque los ojos “hablen”, cosa que en numerosas ocasiones se consigue pese a la dificultad que supone. Y es que llegado este punto, toca hablar de los actores. Todos y cada uno de ellos están soberbios tanto a nivel individual como en sus interrelaciones. Benjamin y su amada de juventud Irene destilan química, confianza, cercanía, están muy bien Ricardo Darín y Soledad Villamil. El mismo Benjamin con su compañero de fatigas Sandoval -estupendo Guillermo Francella-, compone una genial pareja de “investigadores” que provoca numerosas situaciones cómicas. Y es que Campanella compagina a la perfección este sentido del humor omnipresente con el contenido tan dramático que tiene la película. Es difícil ver una cinta de este estilo tan cuidada tanto en contenido como en forma. Se atañe además a las “normas” actuales de dar una sorpresa final, que resulta adecuada y perfecta para el clima de suspense que puebla la película. Para que no todo sean flores, cabe decir que hay un momento en que la película pierde algo de fuelle. Sucede en la segunda parte, pero al final, vuelve a recuperar todo su esplendor.

1930. Alicia ha estado ingresada en un sanatorio. Ahora regresa a casa, decidida a cambiar de vida. Por su parte, Gonzalo pretende comprar unas tierras ricas en wolframio que pertenecen a la Iglesia, por lo que debe tratar con el nuevo legado Papal, que llega de Roma. Nuevos episodios de una de las series españolas con más tirón de los últimos años.

Telefilm de poco más de una hora de duración, protagonizado por Amaia Salamanca (Fuga de cerebros). Se trata de un drama duro, trágico, sobre una joven que ha sufrido una terrible relación que la ha dejado traumatizada, con violencia, abusos y celos psicóticos, de modo que ha tenido que recurrir a terapia. Dirige Carlos Sedes, con bastante realismo. Se trata claramente de una película pedagógica, que busca la concienciación social de que las mujeres tienen que denunciar a sus maltratadores. Desde luego hay momentos que ponen los pelos de punta.

Victoria sigue sin aclarar sus sentimientos. Se debate entre el amor de Gonzalo y Ángel. Hugo de Viana es nombrado delegado del gobierno, por lo que adquiere relevancia social. Sin embargo, los problemas con su esposa, Isabelita, siguen empeorando. En esta temporada de esta dramática serie el gran acontecimiento es la llegada del actor Fernando Cayo, que interpreta a Ventura, un enigmático personaje.

Laura es una mujer madura que trabaja como policía. Es una investigadora reconocida por la eficacia con la que resuelve los casos. Su éxito no se encuentra del lado de los CSI y los modernos investigadores de principios del siglo XXI, sino que está más cercano a la labor que en su día desempeñaran con pericia Jessica Fletcher y Colombo. Laura es un sabueso perfecto con un olfato envidiable. Su intuición es la que la lleva a salir airosa en tantos casos. Sin embargo, Laura no es sólo una policía, sino que también es madre y esposa. Esta serie pretende reflejar las dificultades a las que muchas madres se enfrentan al tratar de compaginar su vida laboral con la familiar. En muchas ocasiones, las cosas en casa llegan a ser tan complicadas como los casos que tiene que resolver, lo que la convierte en toda una "superwoman".

Lorenzo pasa una temporada en Canadá en un centro para superdotados. Sin su ayuda, su hermano, Daniel es incapaz de resolver casos en la policía. Daniel intenta atrapar a un peligroso asesino que ha acabado con la vida de varios sacerdotes. Pero es incapaz de estrechar el cerco, al tiempo que un periódico publica cartas que envía el asesino. Segunda y última temporada de la versión española de la serie, creada por el argentino Damián Szifrón, artífice de Los simuladores. Se incorpora Belinda Washington, como una asesora de imagen.

Como su título indica, este film reúne las historias de ocho citas amorosas de distinto porte, con nexo de unión mínimo: el temático, algún personaje que repite presencia, y el último corte de un funeral, donde un tanto forzadamente se supone que están presentes la mayoría. Escriben y dirigen la cinta los debutantes Peris Romano y Rodrigo Sogoroyen. Aunque el arranque, la historia de un tímido kioskero que no se atreve a declarar su amor a una vecina a punto de dejar la ciudad, hace suponer una visión poliédrica y fresca del amor, lo cierto es que tal previsión se queda pronto en espejismo. El resto de viñetas de la película trata de modo más previsible los celos, las familias de los enamorados, y sobre todo del sexo, que invita a hacer aquella vieja pregunta de por qué lo llaman amor cuando quieren decir sexo. Así, en cuanto a mirada antropológica, el film se queda muy pobre. En cuanto a situaciones graciosas, hay alguna, aunque a veces uno piensa que podría estar ante algún sketch de la serie televisiva Escenas de matrimonio. Tiene su gracia el ver a tantos buenos actores en una película coral, pero queda la impresión de que no se les ha sacado todo el jugo. Véanse por ejemplo a Miguel Ángel Solá y Adriana Ozores combatiendo la rutina conyugal en un fin de semana “diferente”, o la anecdótica aparición final de Belén Rueda.

Una de las series recientes españolas de mayor éxito, de formato culebrón.España, años 20. Victoria, hija de un poderoso burgués, se enamora de Ángel, hijo y hermano de mineros. Éste acaba ordenándose sacerdote, mientras que Victoria, por una serie de circunstancias, tendrá que hacerse cargo del negocio familiar. Tras el éxito de Amor en tiempos revueltos surgió este otro drama de época, que consta de 13 episodios.

El cineasta Álvaro Fernández Armero lleva años especializado en el terreno de la comedia, con títulos como Todo es mentira, Brujas y Nada en la nevera. Ocasionalmente, ha dirigido un documental (Ángel Nieto: 12+1) y una cinta de terror (El arte de morir). Ahora, vuelve a su género habitual en este título, que pone de manifiesto que su cine ha ido ganando en calidad e incluso poco a poco se vuelve menos maniqueo. El guión, coescrito por el propio Fernández Armero y por Juan Cavestany (El asombroso mundo de Borjamari y Pocholo), parte de un divertido punto de partida. Luis Ratón Pérez, que por razones obvias suele omitir su primer apellido, es un árbitro de primera división que cometió un error de apreciación importante en un partido decisivo, por lo que la prensa le odia a muerte, y la gente que le reconoce por la calle suele insultarle. El acontecimiento coincidió con el desmembramiento de su matrimonio, lo que derivó en que su mujer se separara, y acabara en brazos de otro hombre, que no es otro que Rafa, el mejor amigo de Luis y su habitual juez de línea. Aunque lleva un tiempo alejado de los terrenos de juego, Luis es designado juez de un partido que decidirá el título de liga, por lo que debe viajar a Huelva, acompañado de Luis, que decide aprovechar la ocasión para confesarle algo que éste no se espera ni por asomo: que mantiene un idilio con su ex. A pesar de su asumida ligereza, Fernández Armero ha filmado su mejor película, que se sigue hasta el final con una sonrisa, y tiene momentos divertidos, por lo que al menos al espectador no le entran ganas, como en otras producciones españolas, de ‘salir pitando’. Retrato costumbrista de la sociedad española, apasionada por el fútbol hasta el extremo, Fernández Armero acierta al centrarse en los desencuentros entre los dos protagonistas, amiguetes de toda la vida. Aunque otro director le habría sacado más jugo, de las peripecias de los protagonistas se desprende una metáfora sobre la firmeza necesaria para tomar decisiones importantes, y afrontar las consecuencias, tanto en el terreno de juego, como en la vida. Su principal defecto es que a Guillermo Toledo, en ocasiones eficaz secundario, le viene grande interpretar un papel protagonista. Con un actor más dotado para la comedia, los resultados habrían sido más redondos. Por otro lado, cabe destacar la pequeña pero divertida intervención del comentarista deportivo Manolo Lama, interpretándose a sí mismo.

Diego es un profesor de autoescuela felizmente casado, con una hija. Un día espera junto a su esposa a unos amigos a los que han invitado a comer. Pero Diego no puede resistirse y acaba confesándole a ella que le ha sido infiel. Como es de suponer, esto desencadena una crisis matrimonial. Willy Toledo protagoniza esta serie coral, con siete personajes principales –tres parejas y la hija en la ficción de Toledo–. Narra con humor problemas matrimoniales típicos de la sociedad actual.

Están pisando fuerte los debutantes en el cine español últimamente. El último talento a tener en cuenta se llama Jaime Marqués, hasta ahora director de los cortos Abierto (El eco del tiempo) y El paraíso perdido. En su puesta de largo, narra el encuentro entre dos personajes contrapuestos, a los que desarrolla con envidiable economía de medios. Álex es un ladronzuelo callejero que desde pequeño robaba carteras con su madre, de la que acaba separándose. Incapaz de superar la ausencia materna, fracasa en su intento de rehabilitarse trabajando en una peluquería, y reincide como delincuente. En unos grandes almacenes observa a una muchacha que intenta robar torpemente un CD musical, sin darse cuenta de que los guardias de seguridad se han percatado de la acción. Álex consigue ayudarla a salir del paso. Esto supone el inicio de una curiosa asociación criminal entre Álex y la chica, Sara, joven de buena familia, a la que no le falta de nada, y que estudia una carrera universitaria. Entre ambos también comienza una historia de amor abocada al fracaso. Marqués enfoca la historia con cierto fatalismo, pues desde el principio parece querer dejar claro que las posibilidades de redención de los delincuentes son remotas y en todo caso parciales. Sobre todo en el caso de aquellos que no han conocido otra forma de vida, y que parecen abocados a un trágico destino. El director compone una película de pocos diálogos y emociones soterradas, bastante realista, en la que destaca su habilidad visual para narrar casi sin palabras –la secuencia en la que se encuentran los dos protagonistas por primera vez es brillante, filmada con un modélico sentido del ‘tempo’ y del suspense–. Además hace gala de una esmerada utilización del simbolismo, incluyendo sugerentes imágenes, como una Madonna que representa la búsqueda materna. Pero el principal acierto del film es su descripción de la historia de amor, de las más emotivas del reciente cine español. A este respecto, el factor clave es el trabajo de los protagonistas. María Valverde demuestra que con el tiempo será una de las grandes actrices españolas. Y Juan José Ballesta, muy crecido desde los tiempos de El Bola, tiene un único registro, pero una vez más borda el papel de joven humilde.

Tras resolver un curioso problema numérico, cuatro matemáticos reciben una invitación para formar parte de una reunión de expertos en la que se planteará una difícil cuestión matemática. Sus nombres han de permanecer secretos y en su lugar reciben las identidades de célebres matemáticos de la historia: Fermat, Galois, Oliva, Pascal, Hilbert. Los elegidos son convocados para encontrarse en un lugar inhóspito y, a través de un rocambolesco itinerario, llegan por fin a lo que parece una granja abandonada, en donde hay una habitación especialmente preparada para ellos. Sin embargo, muy pronto se dan cuenta de que han sido engañados y de que tienen muy pocas posibilidades de salir de allí con vida. Thriller español, cuyo planteamiento –cuatro personas encerradas en una habitación– recuerda por momentos a películas como Cube o Saw, pese a que aquí no hay apenas violencia. Algunos aspectos del guión son atractivos (resolver enigmas lógicos y acertijos matemáticos para seguir viviendo) y otros no lo son tanto (la convocatoria y sus motivos son muy poco verosímiles). El tándem formado por Luis Piedrahita y Rodrigo Sopeña demuestra soltura a la hora de manejar la cámara en un espacio reducido de cuatro paredes, aunque no tanto a la hora de dirigir a unos actores que no parecen creerse lo que están viviendo. El guión, que incide en el peligro de dejarse llevar por malsanas ambiciones intelectuales, sigue con eficacia los patrones clásicos, aunque también cae en un simple y apresurado desenlace. De cualquier forma, se trata de una apuesta distinta, elogiable, más original de lo que acostumbra a ofrecer el cine español.

El padre Mariano es un cura que tiene la capacidad de sanar con sus manos. Vive en la más completa humildad y lucha junto a sus feligreses para construir una iglesia, cosa que acaban haciendo con sus propias manos. Su “milagroso” don, obliga al padre a Mariano a vivir en continua tensión con aquellos que dudan de su capacidad, al igual que con las altas esferas de poder, tanto eclesiástico como político. Peculiar drama, bastante irregular, donde se presenta a la Iglesia como institución autoritaria y poco comprensiva ante el poco ortodoxo caso del padre Mariano, con el clásico y simplista esquema de enfrentamiento entre jerarquía y bases populares.

Ópera prima del argentino Rodrigo Moreno. Realiza una apuesta radical que consiste en seguir el devenir cotidiano de Rubén, un guardaespaldas, que se pasa la vida esperando al hombre al que tiene que proteger, un importante ministro. Predominan los planos lentos de situaciones ordinarias, que presentan un retrato realista de la rutina del protagonista. Éste es un tipo con poco pelo, que se peina hacia atrás, completamente opuesto a Kevin Costner, que iba peinado hacia delante imitando a Steve McQueen en El guardaespaldas, la némesis del film que ha rodado Rodrigo Moreno. Evita incluir secuencias de acción, tramas de intriga, romances y en general que ocurran cosas. Estamos ante una obra de inspiración ‘bressoniana’, con secuencias que transcurren a tiempo real, pero a diferencia de lo que ocurre en películas como Pickpocket, en esta ocasión lo que hacen los personajes, fumarse un cigarro o comer patatas, es intrascendente para la acción. No existe un objetivo claro, por lo que en realidad la película es totalmente estática. Rodrigo Moreno habla sobre la soledad de un hombre sin perspectivas, atrapado en un trabajo que no le llena. Realiza un memorable trabajo el protagonista, el prestigioso Julio Chávez, más conocido en Argentina por sus representaciones teatrales, desde los 70, aunque también ha hecho cine, a las órdenes de directores como Adolfo Aristarain (La parte del león) y Carlos  Sorín (La película del rey). Aunque no se nos cuenta casi nada sobre su personaje, el actor sabe expresar con una envidiable economía de gestos, la humildad de un profesional que realiza su trabajo lo mejor posible, pero que sufre continuas humillaciones pequeñas, pero significativas. Especialmente llamativa es la secuencia en que el ministro le pone a dibujar a un matrimonio que ha invitado a comer, aparentemente para burlarse del propio guardaespaldas, que tiene ciertas aspiraciones artísticas. No es la única secuencia brillante, pues algún que otro momento, como el que tiene lugar en un karaoke, tiene su interés, en un panorama dominado por las secuencias premiosas o repetitivas. 

Mina, una estudiante extranjera de 22 años, pasa un verano en la casa de la familia Setién, que la acogen a cambio de impartir clases de idioma a los pequeños. Debut como directora de la veterana productora cinematográfica Pilar Ruiz. El arranque es prometedor, y cuenta con un reparto convincente. Pero abusa de unos giros de guión propios de un culebrón, a veces sórdidos y poco creíbles.

Víctor es un treintañero frustrado que vive con su madre y trabaja como acomodador en un cine que sólo proyecta películas clásicas. Un día acude a concursar a Sí al amor, un programa televisivo donde le emparejan con una aspirante a actriz. Ambos se caen bastante mal, pero deciden fingir que están enamorados, para conseguir el jugoso premio en metálico del concurso. Pero antes tendrán que convivir durante una semana como si fueran novios en un hotel de la playa, seguidos por un equipo de cámaras. Primera producción de la división española de Columbia y debut de Juan Calvo en la dirección. Se trata de una alocada comedia que parte de un esquema bastante clásico, pues el guión une a dos personajes totalmente diferentes, un chico tímido y una muchacha extrovertida dispuesta a todo por triunfar. Les interpretan respectivamente el televisivo Santi Millán, y Paz Vega en el papel inmediatamente anterior a Spanglish, su debut en Hollywood.

Inés es la protagonista de la serie. Es una joven que harta de vivir en la gran ciudad, decide cambiar radicalmente de vida y se muda al pequeño pueblo donde vive su hermana. Allí comenzará a ejercer como médico y pronto descubre que varios de los habitantes del lugar tienen una extraña enfermedad. Antena 3 emitió esta serie que no tuvo la acogida esperada. Así que tan sólo cuenta con nueve episodios y una temporada, cuando inicialmente estaba previsto rodar más.

Producción española en la línea de El arte de morir o Nadie conoce a nadie, es decir, suspense y terror protagonizado por jóvenes actores con tirón en nuestras taquillas. Un grupo de jóvenes que se conocen a través de internet se reúnen periódicamente para entrar en lugares cerrados al público. De repente, comienzan a aparecer asesinados. El debutante Jacobo Rispa dirige a Pablo Echarri (Plata quemada) y Tristán Ulloa.

Un equipo de cuatro hombres soluciona todo tipo de problemas, realizando simulaciones con un gran despliegue de medios. Remake español de una serie argentina de gran éxito, en seis capítulos.

Los experimentos, con gaseosa. Eso descubre Lucía, la mejor amiga de Uma, que tiene la ocurrencia de prestarle el novio para que vea cumplido su deseo de ser madre. En principio, debe darle un tarrito con su semen. Pero la cosa no para ahí: se enamoran y tal, de modo que todo se complica. El veterano director argentino Juan José Jusid, poco conocido en estos lares, dirige esta cinta de enredo y romanticismo.

El argentino Eduardo Mignogna nos narra la fuga de siete presos de una prisión bonaerense en el año 1928 y, sobre todo, cómo se desenvuelven una vez alcanzada la libertad. Una referencia básica la proporciona esa película mítica llamada La gran evasión. Siete presos (estupendo el reparto coral), siete historias (el siete parece remitirnos a otro clásico de John Sturges, Los siete magníficos), de las que el director (que adapta su propia novela) nos ofrece como pinceladas, breves trazos impresionistas, suficientes para completar un cuadro que presenta el inconfundible sabor de la aventura. Mignogna, que ganó el Goya a la mejor película iberoamericana con su film, sabe impregnar la historia del mismo clasicismo que bañaba su maravilloso romance Sol de otoño, pero con otro género, el de fugas carcelarias.

Pablo, un antiguo esquiador profesional, lleva a su hijo a Sierra Nevada, España, para que por fin vea en persona la nieve. Allí se reencontrará con Melina, su ex esposa y madre de su hijo, que ahora es pareja de un joven y prometedor esquiador. La estancia en la nieve hará que Pablo se cuestione sus sentimientos por su ex mujer y por el mundo del esquí. Protagonizada por Guillermo Francella (El secreto de sus ojos), se trata de una comedia argentina de corte familiar, con escenas muy divertidas y un mensaje optimista y entrañable.

Verónica, una adolescente atrevida y rebelde, decide quedarse a vivir en Nueva York, después de haber pasado una vacaciones en la ajetreada ciudad. Su padre tras la decisión de Verónica decide ir a buscarla pero pronto descubrira que su hija no era la de antes.

Argentina, 1969. El mayor Molina investiga la brutal muerte del soldado Lito en la Patagonia. Pronto advierte el tenso clima que reina en la guarnición del coronel Hellman, y que la muerte fue consecuencia de la dura disciplina. La investigación se verá obstaculizada por la llegada al poder de los militares. Sólo el posterior retorno a la democracia permitirá arrojar luz sobre el caso. Poco a poco sale a la luz que Lito fue drogado por Repetto, un compañero, y que no pudo participar en un ejercicio militar que tuvo lugar por la noche. El argumento, basado en hechos reales, recuerda al de Algunos hombres buenos. Su director, Juan José Jusid, lo ha definido como “una alegoría sobre la intolerancia y el autoritarismo”. Concebida como una película didáctica, para dar a conocer los sucesos que narra, a nivel internacional, cuenta con dos de los actores más prestigiosos de Argentina, Federico Luppi (Un lugar en el mundo, Sol de otoño) y Miguel Ángel Solá (Tango), que encabezan un reparto de primera, en el que también está presente Omero Antonutti (Padre padrone). Jusid parte del relato homónimo de su compatriota Guillermo Saccomanno, que tiene un gran renombre en el país latinoamericano, donde obtuvo el Premio Nacional de Literatura.