IMG-LOGO

Biografía

Andrés Herrera

Andrés Herrera

Andrés Herrera

Filmografía
Nieve negra

2017 | Nieve negra

Oscura historia de familia, cuyo pasado revive tras la muerte del progenitor. Este deja unas tierras a sus hijos en la Patagonia, y Marcos trata de convencer al hosco Salvador, que vive ahí solo, para vender y renunciar a su cabaña, lo que supondría pingües beneficios para todos, incluida la necesaria atención médica de la hermana con problemas mentales. En un paraje solitario y con las nieves del invierno, al que Marcos ha acudido para enterrar las cenizas de un hermano muerto en accidente, y persuadir a Salvador de la venta, saltan los rencores propiciados por hechos dolorosos difíciles de olvidar. Una década ha tardado el cineasta argentino Martin Hodara en dirigir su segunda película, ahora en solitario tras firmar La señal con el actor Ricardo Darín. Antes había sido ayudante de dirección del prematuramente fallecido Fabián Bielinsky en Nueve reinas y El aura. Como en su debut, el resultado no pasa de discreto, a pesar del esfuerzo de producción en los bellos parajes patagónicos. La trama acumula elementos típicos de historias con familias desestructuradas: ausencia de la madre, no sabemos por qué, padre maltratador y abusivo, rencores fraternales. El tempo narrativo es de una lentitud exasperante, y las “sorpresas” que reservan los hechos ocurridos tiempos atrás se dirían trucos de prestidigitador de un mago tramposo, incluidas casualidades, accidentes, errores y pistas dejadas por ahí, que los personajes descubren porque así lo manda el guión. La estructura narrativa del guión de Hodara y Leonel D'Agostino juega continuamente con los flash-backs, en que se nos entregan retazos sueltos de la cacería en que los cuatro hermanos participan con su padre. El efecto de pasar del presente al pasado en el mismo plano tiene su encanto en ocasiones, aunque no es algo novedoso, lo hemos visto usado con más talento en títulos como la espléndida Lone Star. Las interpretaciones son correctas, dentro de lo que los actores pueden hacer. Quizá destaca Ricardo Darín como hermano hosco, un registro diferente a lo que nos tiene acostumbrados.

5/10
La higuera de los bastardos

2017 | La higuera de los bastardos

En los años finales de la Guerra Civil un grupo de falangistas disfruta saliendo todas las noches para limpiar (“purgar”, dicen ellos) de rojos el pueblo de Getxo y sus alrededores. En una de esas salidas, Rogelio, uno de los asesinos, queda “tocado” por la intensa mirada de un niño de diez años que presencia como él se lleva y ejecuta a su padre y a su hermano adolescente. Desde ese momento la vida del falangista cambia y tras saber que el propio niño enterró los cadáveres y plantó un hijuelo de higuera en la tierra, Rogelio decide dedicar su vida a regar ese árbol. Una marcianada. La directora Ana Murugarren (Tres mentiras) adapta una novela del bilbaíno Ramiro Pinilla, autor que acostumbraba ambientar sus historias en su Getxo natal. Pero no por provenir de un material escrito previamente deja de ser descabellado el guión de la propia Murugarren, que abusa agotadoramente de los clichés de la España de la Guerra Civil, de falangistas de cabeza hueca, de la cortedad del pueblo llano, todos ellos una panda borreguillos a la hora de admirarse y postrarse religiosamente ante un cúmulo de paparruchadas que consideran algo extraordinario. El protagonista se convierte así en una especie de ermitaño laico de tres al cuarto, molesto para unos y santurrón para otros, cuando en realidad es simplemente un pobre tipo desarrapado al que se la ido un poquito la cabeza. En medio de un conjunto que va adquiriendo poco a poco un tono surrealista, de relato berlanguiano, no parece haber un sentido oculto, aunque quizá se esconda alguna metáfora sobre el mal y su castigo, digo yo. Pero en fin, quién lo sabe, porque el espectador buscará en vano un motivo del actuar del protagonista, cuyo peregrino personaje le va al pelo a Karra Elejalde.

3/10
Secuestro

2016 | Secuestro

Patricia de Lucas, implacable abogada, consigue que absuelvan a su dudoso cliente. Pero recibe una llamada de la policía que le advierte de que su pequeño hijo, Víctor, que debería estar en el colegio ha aparecido perdido en medio de una carretera. Al parecer, un desconocido le secuestró, pero consiguió escapar. La policía le enseña unas fotos en las que reconoce al culpable… Segundo largometraje, filmado veinte años después de la desconocida Mor, vida meva, de Mar Targarona, que se ha dedicado sobre todo a ejercer como productora en cine de género español de calidad, con títulos emblemáticos como El orfanato, Los ojos de Julia y El cuerpo. El guionista de estas dos últimas y director de la tercera, Oriol Paulo, se ha ocupado del libreto. Digno intento de rodar cine negro a la española con tirón comercial, tiene a su favor que aprovecha la historia policíaca para describir la corrupción, el mundillo de los desfavorecidos, las peleas de perros ilegales y otros elementos de las cloacas de la sociedad. Además, cuenta con logradas interpretaciones, sobre todo por parte de Blanca Portillo, abnegada madre capaz de llegar a lo que sea necesario para proteger a su hijo. No desmerecen José Coronado (un antiguo amor), Antonio Dechent (el policía que investiga el caso), Macarena Gómez (esposa del sospechoso) ni el niño Marc Domenèch. Aunque se sigue con interés, desentona alguna casualidad forzada. Por otra parte, sus giros  –aunque funcionan– dan lugar a alguna explicación un tanto difícil de creer. En cualquier caso, se agradece que el cine español siga esta línea.

5/10
Vulcania

2015 | Vulcania

En un pequeño pueblo de las montañas vive una comunidad de trabajadores en torno a una fábrica de hierro. Son hombres y mujeres clasificados en dos grandes grupos, entre los que no hay relación. El régimen de vida en el villorrio es estricto, casi de esclavitud: trabajo en la fábrica y regreso a sus casas, sin posibilidad de salir del estrecho cerco que los rodea, denominado “la frontera”. Pero un trabajador, Jonás, empezará a indagar sobre su situación cuando un accidente cuesta la vida a su mujer y su hijo. Interesante film español de planteamiento sumamente atractivo, escrito y dirigido por el debutante argentino José Skaf. Los primeros minutos atrapan sobremanera, marcados por la atmósfera opresiva del lugar, donde hombres y mujeres pululan cual muertos vivientes, sin iniciativa, sin alegría, al tiempo que reciben las consignas de una especie de gobernador. La sensación es que estamos ante una especie de secta cuyo líder –qué enorme presencia tiene José Sacristán– mantiene bajo su bota a unos súbditos sometidos intelectualmente que sólo funcionan como peones para servir a ocultos propósitos. Las gentes de esa pequeña localidad viven perpetuamente asustados de lo que sea que haya tras la enigmática “frontera” y se mueven por una especie de kantiano deber ancestral del que no dudan ni un momento y que escuchan cada día una y otra vez: mantener el fuego, es decir, dedicar su vida a trabajar el hierro en la fundición. Pero qué lástima. Podíamos haber estado ante un film brillante, inolvidable, muy de acuerdo con los tiempos distópicos, pero con el paso de los minutos se van simplificando las cosas y deja finalmente un regusto a decepción. Porque desde luego Vulcania daba para mucho más. Incomprensiblemente el guión no aprovecha los puntos calientes que se han ido sugiriendo –la libertad, la búsqueda de la verdad y, el más importante de ellos, la capacidad magnética del protagonista que le permite dominar el hierro– y el desenlace es excesivamente precipitado, casi un bosquejo. Parece como si al término del primer acto las ideas se hubieran esfumado, de modo que apenas hay avance ni en la trama ni en las relaciones entre personajes –tenue esbozo el de la relación entre Jonás y Marta–, de manera que se desemboca directamente, torpemente, en el final del tercer acto. Con todo, Vulcania es un film meritorio, original, con algún giro logrado, y que entretiene sin duda gracias a su planteamiento intrigante al estilo El bosque y a la intensidad mantenida durante todo el metraje por el equipo artístico. Miquel Fernández (Fin) aprueba con nota en su papel protagonista, y no le van a la zaga la atemorizada Aura Garrido (qué gran actriz) y el siempre estupendo Ginés García Millán.

5/10
Menú degustación

2013 | Menú degustació

El barcelonés Roger Gual debutó como realizador cinematográfico junto al argentino Julio D. Wallovits con la imaginativa Smoking Room, de 2002. Desde entonces sólo ha entregado un largometraje como director en solitario, Remake, de 2006. Esta vez se pone al frente de una coproducción hispano-irlandesa. Menú degustación hace honor a su título porque es una película muy coral y por tanto ofrece una agrupación de pequeños platos. Mar, una prestigiosa chef, ha decidido cerrar su restaurante en la cima de su éxito. A la última cena del local acude un variopinto grupo de comensales que tuvieron que reservar mesa un año antes. En ese tiempo, una condesa anciana ha enviudado, mientras que Marc y Rachel –un médico y una novelista de éxito– se han divorciado. También están presentes un editor prepotente que va con unos amigos, dos empresarios japoneses que pretenden fichar a la cocinera, acompañados de su asistente española, y un extraño individuo que cena solo y no para de hablar por el móvil. Inspirada en el cierre de El Bulli, de Ferrán Adrià, el célebre cocinero ha ejercido como asesor culinario del film. Tragicomedia que sorprende por su optimismo y sus dosis de romanticismo, quizás Menú degustación podría haber dado más de sí, pues promete reflexiones más sólidas sobre el paso del tiempo y las relaciones matrimoniales (dos personas pueden encajar o no, al igual que los ingredientes de una receta), que se quedan finalmente en poca cosa. Pero Menú degustación se sigue con enorme interés, y cuenta con acertados trabajos del conjunto del reparto, del que destacan los veteranos Stephen Rea (el solitario) y Fionnula Flanagan (la condesa), así como la española Vicenta N'Dongo (la chef). Incluso la siempre provocativa Marta Torné está contenida por una vez y tiene su gracia. El film cuenta también con pequeñas apariciones de Santi Millán, como presentador televisivo y de Nancys Rubias, el conjunto musical liderado por el popular Mario Vaquerizo.

5/10
Isabel (2ª temporada)

2013 | Isabel

Tras proclamarse reina de Castilla en Segovia a la muerte de su hermanastro el rey Enrique IV de Castilla, Isabel tendrá que ganarse junto a su marido Fernando de Aragón la lealtad y el apoyo de los nobles para consolidar su reinado. Sin embargo, un grupo de nobles contrarios a ella defenderá los derechos sucesorios de Juana, conocida como la Beltraneja.
Para ello, acudirán a Portugal, cuyo rey, Alfonso V, establecerá una alianza y declarará la guerra contra el bando isabelino. Comienza así lo que se conoce como la Guerra de Sucesión Castellana.
Tras ella, Isabel y Fernando, ya reyes de Castilla y de Aragón, se embarcarán en la Guerra de Granada, que durante diez años tendrá ocupados los esfuerzos militares del reino. El objetivo es conquistar -reconquistar, desde el punto de vista castellano- el Reino Nazarí.

6/10
El precio de la libertad. Mario Onaindía

2011 | El precio de la libertad. Mario Onaindía | Serie TV

Serie sobre la historia reciente de Euskadi y de España vista a través de la figura del político socialista, intelectual y exmiembro de ETA Mario Onaindía que fue "condenado a muerte por Franco" y "acabó condenado a muerte por ETA por defender la democracia, el Estado de derecho y la libertad". Onaindía fue activista de ETA en los años sesenta y tras la escisión se integró en ETA político-militar. Detenido en abril de 1969, fue condenado a muerte en el proceso de Burgos en 1970, pena que le fue conmutada. Tras varios años en prisión y después de abandonar ETA, ingresó en la vida política y fundó Euskadiko Ezkerra (EE), partido que se fusionó en 1992 con el entonces Partido Socialista de Euskadi-PSOE. En 1993, Onaindía fue elegido vicepresidente del nuevo Partido Socialista de Euskadi-Euskadiko Ezkerra (PSE-EE) y en el año 2000 fue presidente del PSE-EE de Álava, entre otros cargos que ocupó. Fallecido el 31 de agosto de 2003, Onaindia escribió varias novelas y relatos y participó como guionista en películas y documentales.

Pan negro

2010 | Pa negre

Agustí Villaronga es un gran creador de atmósferas, y vuelve a demostrarlo en Pan negro. La trama de su película, que maneja un buen plantel de actores, se sitúa en la Cataluña posterior a la guerra civil, en un pueblo de montaña, y adopta el punto de vista de un niño, Andreu, cuyo padre, Farriol, de modesta condición, está mal visto por las fuerzas vivas, por haberse significado en el pasado como hombre de izquierdas, o sea, del bando de los perdedores. Un día el chaval descubre en el bosque los cadáveres de un hombre y su hijo, amigo suyo. No está claro que haya sido un accidente su caída por un barranco, y podría ser la excusa perfecta para colgar los muertos al padre de Andreu. El director adapta una desesperanzada novela de Emili Teixidor y entrega imágenes brutalmente poderosas, de modo especial en el arranque. Hay que reconocer cierta originalidad en la trama, donde se da una vuelta al habitual victimismo de las películas sobre la contienda fraticida, siempre empeñadas en "ganar la guerra" al menos en el cine. Los grandes ideales pueden que no lo sean tanto, y las miserias humanas vienen a ser las de siempre, no hay nada nuevo bajo el sol en los secretos de la España profunda, o la Cataluña profunda si se prefiere. La mirada del director es oscura, muy oscura, no hay espacio para la luz. Ya lo dice el título, con la metáfora del pan negro. La película sigue el esquema habitual de las narraciones sobre la pérdida de la inocencia en la infancia, eso sí, sin resquicio para la esperanza, no hay nadie capaz de iluminar la pantalla. La única salida es el pragmatismo cínico, adaptarse a las circunstancias como un camaleón, tragar lo que haya que tragar, tratando de seguir siendo uno mismo. Porque en el fondo el desenlace no muestra más que a un personaje que va a seguir los pasos de sus padres -que dentro de su supuesto idealismo han tenido que optar por la supervivencia- o de su prima Núria, una niña que no duda en acostarse con su maestro si eso le reporta alguna ventaja, aunque en el fondo ansía escapar. Asumido su amargo pesimismo, puede decirse que Villaronga no logra el deseable equilibrio en su película. En cierto momento las cosas se le van de las manos, pierde las riendas en los contradictorios laberintos de los distintos personajes, su tupida red de mentiras y excusas, que se acumula caóticamente; no casa bien esta parte dramática con la atmósfera algo terrorífica de algunos pasajes, ni tampoco es acertado el modo de desvelar cierta acción brutal que descalifica a sus protagonistas y conduce al final del film. Hay una denuncia de la mentira, pero en realidad nadie parece interesado en la verdad, falta el necesario referente ético.

5/10
V.O.S.

2009 | V.O.S.

En su nuevo trabajo, el barcelonés Cesc Gay adapta una obra teatral de Carol López, que le va al pelo al director de En la ciudad y Ficción. Y es que, nuevamente, los protagonistas son treintañeros desorientados, representativos de una sociedad caótica con carencias afectivas. Pero esta vez el tono es más ligero, como si Cesc Gay quisiera tomarse un descanso temporal, y alejarse de la tensión dramática de sus anteriores trabajos. Manu va a tener un hijo con Clara, una amiga de toda la vida. En una cena le anuncian la feliz noticia a sus amigos, Ander y Vicky, a quienes les pilla de sorpresa que vayan a ser padres sin mantener una relación sentimental. En realidad entre Manu y Clara ha surgido la pasión. V.O.S. propone una especie de juego que recuerda en cierta manera a Melinda y Melinda, de Woody Allen, citada expresamente en una escena. Y es que Ander, uno de los personajes, está escribiendo lo que estamos viendo en la pantalla para el cine, y discute con Vicky si está siendo fiel a la realidad o no. Esto le da cierta frescura al film, ya que los personajes salen a veces del decorado, pues lo que el espectador ha dado por real, resulta ser un rodaje. También es cierto que el recurso a veces agota, y le resta mucha sensación de verosimilitud al film. Gay ha vuelto a confiar como actriz en su esposa, Ágata Roca –con la que tiene dos hijos–, y tira de los actores que interpretaron el texto en los escenarios, poco conocidos a excepción de Vicenta N’Dongo, la que compone el personaje más creíble, y que también repite con el cineasta.  Aunque el conjunto acaba siendo inferior a los otros trabajos de Cesc Gay, mantiene el interés porque trata sobre la paternidad, el miedo y la rutina en las relaciones de pareja, asuntos muy propios de su cine.

5/10
Hierro

2009 | Hierro

María es una joven trabajadora de Faunia, parque zoológico de Madrid. Es soltera y madre de Mateo, un chavalín de unos cuatro cinco años, a quien adora. Madre e hijo planean realizar un viaje de vacaciones a la inhóspita isla de El Hierro. Sin embargo, durante el viaje en ferry, el pequeño Mateo desaparece. No aparece por el barco y al término del viaje la policía es incapaz de dar con el paradero del niño. La joven regresará a Madrid en un estado de shock, desgarrada de dolor. A los pocos días la policía solicita de nuevo su presencia en isla, pues han encontrado un cadáver y la madre ha de reconocerlo... Debut en el largometraje del madrileño Gabe Ibáñez, que había trabajado anteriormente como técnico de efectos visuales en películas como El corazón del guerrero o Perdita Durango. Esta faceta se nota en Hierro, pues lo más destacado de este film es su fotografía sombría y su ambientación inquietante, a ratos onírica. La isla de El Hierro, perteneciente al archipiélago de las Islas Canarias, se convierte en personaje principal, de aire amenazante, y el director sabe sacarle partido a las extensas tierras volcánicas, negras y desérticas, a la presencia del sempiterno viento, a los raros lugareños... Toda esa desolación viene a ser una metáfora del estado lamentable de la protagonista, interpretada por una Elena Anaya desmejorada, triste. Pero lo malo de Hierro es que aporta poco más que este apañado envoltorio externo, entre el thriller y el terror, apenas sostenido por un guión simplón y poco atractivo.

4/10
Las 2 vidas de Andrés Rabadán

2008 | Les 2 vides d'Andrés Rabadán

En el año 1994 Andrés Rabadán saltó a las páginas de los periódicos por hacer descarrilar tres trenes y matar a su padre con una ballesta. Posteriormente se entregó a la policía y confesó todo lo ocurrido. Desde entonces está en el ala psiquiátrica de un centro penitenciario. La película está inspirada en su vida y transcurre once años después de que cometiera los crímenes. Un momento crucial de su existencia, pues fue entonces cuando conoció a una enfermera con la que inició una relación. A pesar de ser una dramatización y no un documental, la película está hecha de una manera tal que resulta completamente realista. El director Ventura Durall no cae en sentimentalismos en su narración. De hecho, tampoco ofrece respuestas a la situación de Andrés, sino que plasma los datos y hechos que se conocen sobre el personaje y su situación de manera muy objetiva. Esto hace que surjan las dudas en el espectador, que parece que nunca acaba de conocer a Andrés, algo a lo que se enfrentan casi todos los que lo han tratado en la vida real. Pero aún así, se nota que Durall siente simpatía por este personaje y al público le será difícil juzgarlo exclusivamente como a un criminal, ya que, inevitablemente, hay que volver los ojos sobre el sistema judicial y la situación de este tipo de presos, no sólo para criticarlo, sino porque también se puede llegar a entender la difícil situación en la que están –como demuestra el caso del joven violador que es puesto en libertad y reincide–. Además, la estética de la película resulta sombría pero con un punto atractivo, gracias a que Durall se sirve de algunos de los dibujos hechos por el propio Andrés, como sucede en los títulos de créditos iniciales. Álex Brendemühl está fantástico como Andrés en esta película que supone el debut como realizador de Ventura Durall. Al cineasta le fascinó el personaje y se pasó seis años visitándolo en la cárcel. De sus conversaciones nació esta película, así como de uno de sus libros “Historias desde la cárcel”. Tan fascinado quedó con él, que también lo eligió como protagonista indiscutible del documental El perdón.

4/10
Pretextos

2008 | Pretextos

Se nota que no es exactamente una ópera prima, pues aunque se trata del primer largo de ficción como cineasta de la actriz Silvia Munt, lo cierto es que ha adquirido poco a poco una gran experiencia como directora. Ganó el Goya al mejor corto con Lalia, y además tiene en su haber varios telefilmes y el documental Elena Dimitrievna Diakonova “Gala”. Y su amplia experiencia como intérprete se refleja en las intensas interpretaciones de un reparto que ha sabido escoger muy bien. Munt se ha reservado también el papel protagonista, Viena, directora teatral que sufre una crisis en su matrimonio con Daniel, médico de un geriátrico. Ambos tienen la necesidad de estar juntos, pero no pueden evitar continuas discusiones. Mientras que Viena toma como confidente al actor principal de la obra que está a punto de estrenar, Daniel se refugia en sus conversaciones con Eva, una de las enfermeras que trabajan con él. El personaje central, Viena, que tiene una madre cinéfila, se llama así en honor de Vienna, interpretada por Joan Crawford en Johnny Guitar, el gran clásico del cine, al que Munt cita en varias ocasiones. Incluso se permite incluir en un par de ocasiones el célebre tema central de la banda sonora. Estas referencias no son casuales, pues Munt comparte temas con la inmortal cinta de Nicolas Ray, como la necesidad de sentirse amado como pieza clave de la búsqueda de la felicidad. También recuerda al estilo de Ray la sutilidad con que la directora dibuja los conflictos de los personajes, a través de miradas, de gestos, de detalles. Munt logra secuencias muy llamativas, de enorme intensidad, y bastante originalidad, como cuando su personaje pone un disco en el que su hijastro ha grabado conversaciones de diferentes personas, que en conjunto resumen todo lo que el espectador ha visto hasta entonces. Se pueden sacar ‘defectillos’, pues el hijastro de la protagonista sirve de contrapunto dramático pero se antoja desdibujado. Además, algunas escenas son tan excesivamente teatrales, que parece que estamos ante la filmación de un montaje escénico. Pero sin duda estamos ante una nueva componente del valioso grupo de directoras femeninas que actualmente rueda en España, integrado por cineastas tan valiosas como Icíar Bollaín y Gracia Querejeta.

6/10
El perfume

2006 | Perfume: The Story of a Murderer

Adaptación del célebre best-seller de Patrick Süskind. El film, ambientado en la Francia del siglo XVIII, comienza con la inminente ejecución de Jean-Baptiste Grenouille. Se inicia entonces un largo flash-back donde la voz de un narrador (John Hurt en la versión original) nos pone en antecedentes. Jean-Baptiste es un ser excepcional por su asombroso sentido del olfato, que le permite detectar e identificar los olores que desprenden todas las cosas. Tras una vida de penalidades –nació bajo el tenderete de un pescadero–, ingresa en el mundo de la confección de perfumes. Pero anda tras la idea de atrapar el olor que le parece más extraordinario de todos: el de las mujeres. Y con tal propósito se convierte en un asesino de féminas, de las que pretende extraer sus esencias olorosas. La trama suena a disparatada, y es disparatada. La excusa de que estamos ante un cuento o parábola no parece válida, y comparar los olores con el alma, pues vaya, que no cuela. El mérito de Tom Tykwer –y antes de Süskind, se supone– es vestir su “desnudez”. Así que, un poquito de alimentar el morbo por aquí, otro despliegue apabullante de producción por acá, un algo más de cinismo y humorada negra con la muerte accidental de los jefes de Jean-Baptiste más allá, permiten ocultar lo que no deja de ser una película de personajes desalmados, esto es, sin alma. Estamos ante un truculento guiñol con muñecos de trapo, donde sólo la aceptación ciega de la premisa argumental permite entregarse al juego del suspense, cuántas mujeres matará este hombre antes de que le detengan, y si el balance incluirá a la más guapa. En cuanto a lo que ocurre una vez termina el flash-back… sin comentarios. Es de imaginar que conviene no desvelar la sorpresa. Pues sólo lo aparatoso y obsceno de ésta tapa (es un decir), y no del todo, lo ridículo de la misma.

5/10
Golpe maestro

2004 | Art Heist

Los servicios de Sandra, una experta en arte, son requeridos tras un audaz robo en una galería situada en Barcelona, España. Pueden ser una ocasión de respirar un poco tras divorciarse de Bruce, un policía neoyorquino. El caso es que Abe, otro experto en arte y antiguo pretendiente de Sandra, la ayuda en el caso; y Bruce, al que aquello no le gusta, se monta en un avión y se va para España. Curiosa peli policíaca de serie B, coproducida por Estados Unidos y España. Su trama adocenada no engancha demasiado, pero permite ver a Ellen Pompeo antes de que saltara a la fama con Anatomía de Grey.

3/10

Últimos tráilers y vídeos