Isabella Rossellini

Desde hace mucho tiempo el mundo de la cultura ha convertido en icono feminista a la escritora Virginia Woolf y por extensión a sus obras, que gozan de un prestigio que se diría semejante al de Shakespeare, quién sabe por qué. En el cine, ahí están Las horas y Orlando, por ejemplo. No hay duda de que la angustiada personalidad de la escritora ha contribuido a crear en torno a ella un aura de misterio y conmiseración. Esta película viene a engrosar esa visión mitificada de Woolf y lo hace a través de una de las facetas más significativas de su vida, la de su relación lésbica con la también escritora Vita Sackville-West. La londinense Chanya Button se encarga de rodar la historia escrita por Eileen Atkins, actriz de renombre con algunos pinitos como guionista y que, curiosamente, también escribió años atrás Mrs. Dalloway. Atkins se inspira en el epistolario real entre Virginia y Vita para pergeñar un mínimo argumento que mantenga en pie la película. El problema es que el resultado es tremendamente soso: narra la fascinación de Vita por Virginia y cómo ésta, una vez atrapada, se siente ninguneada por la viveza de Vita, que se diría no sabe amar con la profundidad de Virginia y tal. Hay mucha tristeza, palabras y una autocompasión agotadora, mientras que una historia con una mínima hondura brilla por su ausencia. La pelicula presenta un ambiente cultural (estamos en los años 20 de Inglaterra) en donde reina la disipación, sobre todo abundan la homosexualidad y el lesbianismo, que parecen ser aquí las señas de identidad del grupo de Bloomsbury, aunque tales realidades fueran entonces camufladas en matrimonios (tanto Virgina como Vita estaban casadas, y esta última además tenía dos hijos). Entre el reparto, las dos protagonistas están correctas, aunque destaca más la frescura de Gemma Arterton por su papel de Vita, que Elizabeth Debicki como la sufridora y deprimida Virginia.

Historia inspirada con algunas licencias en la vida de Joy Mangano, inventora de una "fregona milagrosa", retráctil y con su cabeza desmontable y lavable en la lavadora, que popularizó a través de un programa de teletienda. La película describe a una familia italoamericana verdaderamente disfuncional, cuya alma es Joy: separada y con dos niños, el ex marido venezolano Tony, cantante frustrado, vive en el sótano; con ellos vive también la abuela y la madre, ésta en la cama todo el día y pegada a la televisión donde está viendo todo el tiempo culebrones; y viene a vivirse el padre, Rudy, separado de la madre, que compartirá temporalmente el sótano con Tony. Joy ha trabajado de todo para sacar a la familia a flote, pero la ocurrencia feliz un día de la mentada fregona, le anima a tratar de hacer realidad sus sueños. Para ello pedirá ayuda a su padre, que ha encontrado una nueva novia, una viuda adinerada que podría financiar el invento. La cinta podía haber derivado en mejunje intragable, por la mezcla diversa de tonos, pues conviven drama y humor, el dibujo de una singular aventura empresarial, y un tono reivindicativo del papel fundamental que la mujer juega y debe jugar en la sociedad. Por fortuna, el guionista y director es el solvente David O. Russell, que sabe manejar y cohesionar rítmicamente todos los elementos, que casi nunca chirrían (alguna excepción hay, pero, ya se sabe, nadie es perfecto, e incluso las alabanzas a Darryl F. Zanuck, legendario jefe de la Fox, compañía productora de la cinta, son aceptables). En el buen funcionamiento del film, tiene buena parte Jennifer Lawrence, gran actriz y creíble como mujer de carácter, ocurrente y con personalidad, pilar de la peculiar familia cuyas andanzas seguimos. Momentos como el de su primera incursión en el programa de teletienda dan la medida de su enorme talento. El resto de personajes pueden considerarse como secundarios, y todos funcionan bien, por supuesto los otros actores russellelianos, Robert De Niro y Bradley Cooper; quizá la que chirría un poquito es Isabella Rossellini, porque a veces es realista, y otras tiene un punto algo caricaturesco. Los obstáculos que debe superar, incluso los propiciados por sus parientes, están bien integrados en el hilo narrativo y mantienen el interés.

Coproducción española, en la que ha intervenido Televisión Española, y que cuenta con un guión de Javier Gullón (El rey de la montaña, Invasor), que adapta la novela del Nobel portugués José Saramago “El hombre duplicado”. El hombre duplicado al que sigue Denis Villeneuve en Enemy tiene el rostro de Jake Gyllenhaal. Un anodino profesor de universidad, que convive sin grandes ilusiones con una mujer de la que espera un niño, y que se deja llevar por sus pulsiones sexuales, descubre en una película de vídeo, El que la sigue, la consigue, que uno de los actores con un minúsculo papel de botones es idéntico a él. Aquello acrecienta su ya habitual angustia vital, y trata de contactar con el otro, que también se agobia bastante con la insólita situación. Película difícil y críptica, se supone que se trata de una exploración de la identidad humana y los mecanismos del subconsciente, los enfrentamientos de corte esquizofrénico que experimentamos contra nosotros mismos, aquello que apuntaba san Pablo de que hay una ley en mis miembros por la que hago lo que no quiero, de modo que queremos ser nosotros mismos, pero de otra manera, nunca estamos satisfechos en la situación actual. Lo cierto es que la trama de que somos nuestro peor enemigo, no parece conducir a ninguna parte, con la idea de aproximar de algún modo orden y caos. Como el director de Incendies y Prisioneros es un auténtico especialista en la creación de atmósferas opresivas, sí que consigue transmitir incomodidad, el ambiente de la ciudad con unos edificios que parecen aprisionarte. Uno puede pensar un poco en Enemy, al enfrentarse a determinados elementos surrealistas, en el David Lynch más delirante. Pero todo esto no basta para entregar una película suficientemente sólida, queda la sensación de arriesgado experimento no satisfactorio.

Nono es un niño de 13 años que admira a su padre y quiere ser como él: el detective más famoso del mundo. Antes de su decimotercer cumpleaños, su padre lo envía con su tío, pero en el trayecto a Nono se le presenta la oportunidad ideal para demostrar que él también puede ser detective. Sus aventuras no han hecho más que empezar. Simpática coproducción europea para disfrutar por toda la familia que ofrece un guión agradable, compatible con las consecuentes dosis de humor, amor y aventura. Destaca la presencia de intérpretes de renombre como Isabella Rossellini.

Segunda cinta de ficción de la realizadora Julie Gavras, hija del reputado realizador Costa-Gavras, y anteriormente autora de La faute à Fidel!, poco conocida, y de un documental. Mary, una mujer madura, abandonó su carrera para dedicarse por completo a su marido, Adam –prestigioso arquitecto–, sus tres hijos y su madre, una extravagante y divertida anciana. Cuando Mary y Adam están a punto de cumplir los 60 años atraviesan una crisis en su matrimonio, al tiempo que tratan de hacer frente a su edad. Tres veces 20 años cuenta con un buen trabajo de Isabella Rossellini y William Hurt, bien escogidos, pues han rodado la cinta cuando tienen más o menos la edad que se les supone, por lo que el espectador que les recuerde de sus películas más conocidas, notará rápidamente en su aspecto la evidencia del paso del tiempo. Los personajes están bien construidos, algún secundario tiene su gracia –especialmente la madre de la protagonista– y algunas situaciones son divertidas. Además, trata de forma positiva la necesidad de afrontar la realidad y la edad de cada uno, y denuncia la tendencia de la sociedad moderna a ocultar a los ancianos. Tiene en su contra que algún pasaje, sobre todo la parte de la infidelidad, no acaba de encajar, y finalmente queda la sensación de que se le podía haber sacado más partido.

Segundo largometraje del tándem formado por el francés Vincent Paronnaud y la francoiraní Marjane Satrapi, que ya adaptaron la novela gráfica de la segunda Persépolis. En Pollo con ciruelas adaptan otro cómic de Satrapi, con la diferencia de que esta vez convierten las viñetas en imagen real. Pollo con ciruelas transcurre en Teherán, a finales de los 50. Nasser Ali Khan, un músico al que se le ha roto su violín, trata de sustituirlo, pero no encuentra ningún otro que suene lo suficientemente bien. Desesperado, decide meterse a la cama a aguardar la muerte durante unos días en los que conversa con Azrael, el ángel de la muerte, y también rememora su juventud y la intensa historia de amor que ha marcado su vida. Los directores buscan en cada plano una riqueza visual que en algunos momentos intenta recordar al Jean-Pierre Jeunet de Amelie, y aunque no consiguen estar a la altura logran hallazgos imaginativos. Han juntado a un reparto de primera, y si bien algunos actores, como Jamel Debbouze (el frutero del film citado) resultan claramente exagerados, otros cumplen, como la portuguesa Maria de Medeiros, tan singularmente expresiva como siempre, y sobre todo el protagonista, Mathieu Amalric, recordado por su papel en Munich. También está a la altura la iraní Golshifteh Farahani, conocida por sus trabajos en películas como Red de mentiras y A propósito de Elly. Pollo con ciruelas acusa demasiado el hecho de que se ha tenido que alargar la trama del cómic, para dar pie a un largometraje. Como consecuencia, tarda en arrancar, y se detiene en elementos que no aportan nada al conjunto. Sin embargo, adquiere ritmo hacia el final, cuando llega a su apogeo la trama romántica,

La soledad de los números primos adapta la novela homónima, todo un fenómeno internacional, sobre todo en Italia. Supuso la ópera prima del físico teórico Paolo Giordano, que desarrolla la curiosa amistad y atracción entre dos personajes asociales, que se compara con dos números primos gemelos, como el 5 y el 7, cercanos pero separados. Mattia, muy tocado por un incidente traumático de la infancia, es un estudiante con gran potencial para las matemáticas que sin embargo tiene poca capacidad para relacionarse en sociedad. En una fiesta conoce a Alice, una marginada que no puede andar con normalidad por algo que le ocurrió cuando era niña. En pantalla, La soledad de los números primos carece de la capacidad de emocionar del libro original. A pesar de que el propio Giordano aparece acreditado como guionista, con Saverio Costanzo, también director, la adaptación traiciona por completo al original al cambiar el tono dramático por otro más propio del thriller y el giallo italiano. Por momentos se acerca al cine de terror, pues tiene secuencias que recuerdan a Carrie –el acoso a la protagonista en los vestuarios y en un baile– y al cine de Dario Argento. El film juega al suspense con elementos –lo ocurrido en la niñez de los protagonistas– que en la novela se relatan en las primeras páginas. Gracias a esto, el primer segmento de La soledad de los números primos se sigue con cierto interés e intriga. Pero el tramo final, en torno al reencuentro tras un tiempo sin verse de los personajes centrales desinteresa por completo al espectador, pues carece por completo de fuerza, como si ya no hubiera más que contar. Alba Rohrwacher y Luca Marinelli interpretan con convicción, aunque no acaban de darle humanidad a sus 'raritos' personajes. El reparto incluye a la veterana Isabella Rossellini, un tanto sobreactuada.

Es muy posible que, más allá de su argumento y calidad, este film sea recordado como el último que dijo que rodaría Joaquin Phoenix, ya que tras su conclusión, en octubre de 2008, el actor anunció que sería su canto del cisne frente a las cámaras. Luego se supo que esa retirada formaba parte de un montaje... Se trata de su tercera colaboración con el director James Gray, con quien antes había rodado La otra cara del crimen y La noche es nuestra, dos películas que, como Two Lovers, reflejan un mundo poco esperanzado, con personajes atormentados que viven crisis de identidad. Leonard padece un estado semi depresivo e inestable, desde que él y su prometida se separaron porque eran incompatibles genéticamente para tener hijos. Es un tipo muy sensible, que disfruta haciendo fotografías artísticas en blanco y negro, pero que, como consecuencia de su desarreglo emocional, ha intentado suicidarse más de una vez. La vida con sus padres dista mucho de ser alegre en su casa de Brooklyn, con la única compañía de algunos amigos judíos de sus padres y el empleo poco halagüeño en el negocio de tintorería familiar. Un día conoce a Sandra, hija de un amigo de su padre. Ambos se atraen y se diría que forman una pareja perfecta. Sin embargo, una tercera variable entra en liza cuando Leonard se enamora de su atractiva vecina Michelle, que está atormentada por su relación con un hombre casado. Película tristona, de argumento poco atractivo y cuya evolución dramática resulta tópica y no acaba de ser muy satisfactoria. Gray ofrece una puesta en escena muy urbana, casera, llena de intención en sus encuadres cerrados en interiores, luz mortecina, y con ambiente exterior apagado, neblinoso. La propia historia y el estado interior del protagonista hacen el resto. Se trata, sobre todo, de un film de actores, de primeros planos. Por eso, quizá, lo único que mantiene el interés del conjunto es el trabajo del espléndido reparto, en donde sobresalen el atormentado Phoenix, sus dos amores Vinessa Shaw y Gwyneth Paltrow, y la veterana Isabella Rossellini en una comedido y efectivo papel de madre.

La doctora Emma Lloyd tiene un consultorio sentimental en la radio, "Real Love", donde se permite dar todo tipo de consejos siguiendo la divisa de que en el amor hay que tener los pies en el suelo y no dejarse guiar por el romanticismo. Patrick, un bombero en vísperas de casarse, ve cómo su novia rompe con él por culpa de un consejo inoportuno de la "experta". Decidido a vengarse, gracias a un hacker logra que los archivos matrimoniales de la ciudad de Nueva York aseguren que él es el marido de Emma. Ello ocurre justo cuando la misma doctora se disponía a casarse con Richard, un novio la mar de sensato que verá puesta su paciencia a prueba. A priori ésta debería ser una simpática comedia romántica de enredo, que con los gags adecuados y un buen timing tendría que funcionar. No es así, y eso que cuenta con un estupendo reparto. Hay que atribuir gran parte del desaguisado a Griffin Dunne, actor y ocasional director, que tras la cámara jamás ha brillado, títulos como Adictos al amor y Prácticamente magia son perfectamente prescindibles. Así que el film no tiene otro atractivo que ver a Uma Thurman y Colin Firth en acción, a los que se suma un actor como Jeffrey Dean Morgan, que se diría la versión risueña de Javier Bardem, tal es su notable parecido físico con el actor español.

Liz Lemon intenta superar la ruptura con Floyd, su novio. Mantiene un encuentro con Jack Donaghy, que le informa de su nuevo proyecto. Jack se plantea lanzar en antena SeinfeldVision, un programa protagonizado por el famoso Jerry Seinfeld, a través de imágenes de archivo. Pero Seinfeld se ha enterado de sus planes y acude a visitarle. Segunda entrega de una de las comedias más exitosas y premiadas. Tiene más protagonismo Kenneth Parcell, chico para todo y botones de la cadena, interpretado por Jack McBrayer (Arrested Development).

Nuevo acercamiento a la figura del novelista Truman Capote, prácticamente simultáneo al del film Truman Capote, que le valió a su protagonista Philip Seymour Hoffman el Oscar al mejor actor. Justamente éste es el principal handicap de la interesante película escrita y dirigida por Douglas McGrath (Emma): que había una demasiado próxima en el tiempo, lo que hacía difícil que entre los espectadores hubiera avidez por tomar "doble ración" del escritor. Porque aunque los enfoques pueden ser diferentes (la fuente de Bennett Miller era la biografía de Gerald Clarke, la de McGrath la de George Plimpton), ambos filmes se estructuran, como no podía ser de otra manera, alrededor de la confección de la obra maestra de Capote, su libro "A sangre fría", sobre el horrible asesinato de una familia de granjeros en Kansas a mano de dos tipos que acabaron siendo condenados a la pena capital. Partiendo de ahí, se insertan elementos que ayudan a conocer la biografía de Capote, proporcionados por el propio personaje, o por sus conocidos, en forma de declaraciones a un supuesto programa televisivo, una novedad esto último en el film que nos ocupa. Hay que subrayar el maravilloso reparto de este film, con un Toby Jones verdaderamente transfigurado en Capote, una inteligente Sandra Bullock como su amiga Harper Lee, y un sorprendente Daniel Craig como uno de los asesinos. McGrath subraya convenientemente el marcado narcisismo de Capote, pero al tiempo se esfuerza en humanizarlo para que el espectador empatice mejor con él. Acierta al describir sus numerosas extravagancias y su irresistible afición al cotilleo, y el modo en que finalmente se gana la confianza de un cerrado entorno rural con sus anécdotas de Hollywood, una de las mejores escenas del film. Hay detalles finos, como aquel en que el sheriff recibe la noticia de que han atrapado a los dos asesinos: el egocéntrico Capote se alegra por sí mismo y su libro, pero él mismo detecta lo mezquino de su reacción espontánea y, maravilloso matiz, rectifica al felicitar al que ya puede llamar su amigo. Como ocurría en el film de Miller, se subrayan ciertos paralelismos biográficos entre Capote y Perry Smith, uno de los asesinos. Pero la impresión es que McGrath se toma excesivas licencias al pintar su relación, como la del supuesto enamoramiento homosexual entre ambos, y una agresión física en la celda, a punto de transformarse en violación. De alguna manera parece querer justificar la posterior sequía creativa de Capote con lo que sería un amor truncado, lo que no deja de ser, como mucho, una hipótesis.

Adaptación de la novela de Mario Vargas Llosa, a cargo de su sobrino, Luis Llosa. Cuenta el regreso de Urania a su Santo Domingo natal, donde vive su padre anciano, mudo e inmóvil. Pronto se agolpan en su cabeza los traumáticos recuerdos del pasado, cuando su progenitor era la mano derecha del dictador de la República Dominicana, Rafael Leónidas Trujillo. Ella era una joven guapa, inteligente e ingenua, que acabó sintiendo en su propia piel, de la mano de quien más quería, los abusos intolerables del régimen trujillista. Aquí Llosa ofrece una película correcta, en la que se agradecería un punto más de dinamismo.

Cinco personajes, veinticuatro horas, la Gran Manzana neoyorquina. Ellos son Isabel y Jonathan, joven pareja a punto de casarse; Diana, madre de la novia y célebre actriz; Alec, aspirante a actor; y Peter, que prepara un reportaje sobre una exposición fotográfica. Todos están conectados: unos lazos son visibles desde el principio, otros se descubren más tarde. Adaptación de la obra teatral de Amy Fox por ella misma, producida por la compañía de James Ivory, donde el desconocido Chris Terrio cuenta con un gran reparto. Es de esas películas de aire independiente y `casual', que aborda las perplejidades afectivas actuales, también de índole homosexual. La escena de arranque, el ensayo de Macbeth en un teatro, supone toda una declaración de intenciones: en efecto, Diana recrimina a sus alumnos de la escuela de interpretación la poca pasión que ponen, que relaciona con las estrechas miras de nuestro tiempo. Y es que los vaivenes de los personajes, sus sentimientos no expresados, tienen mucho que ver con esa situación de almas empequeñecidas. Los dilemas son los de siempre, pero se diría que los recursos para afrontarlos se han agotado, o se desconocen.

Extraña historia sobre una mujer llamada Lady Helen Port-Huntley, que decide organizar un concurso para descubrir la música más triste del mundo. La ocasión servirá para conocer a los más peculiares y excéntricos personajes. Se trata de una anacrónica y algo libre adaptación de una novela de Kazuo Ishiguro, autor responsable de "Los restos del día". Protagoniza Isabella Rossellini y dirige Guy Maddin.

Inclasificable film del “moderno” Greeneway, que nos hace seguir las andanzas en 1928 de Tulse Luper, legendario personaje que va con su maleta y arte a cuestas de prisión en prisión.

Víctor es un hispano, camello en el Bronx. Vendiendo un poco de droga aquí, otro poco allá, ha hecho todo un capitalito. Tiene una novia a la que quiere mucho, y que está esperando un crío. Debería ser el momento de soltar el lastre de una vida sórdida, y tratar de apuntarse a la “normalidad”. Aunque suponga dejar fuera a los “colegas” del barrio. La oportunidad surge cuando conoce a un “blanquito”, broker en Wall Street, que podría colocar los ahorros de la pareja en un paquete de valores seguros. ¿Alguien ha dicho seguros? Acostumbrados a ver en las películas USA a gángsters de todos los pelajes (italianos, negros, irlandeses…), la novedad del film consiste en mostrar a hispanos dedicados al viejo y lucrativo oficio. John Leguizamo compone al creíble protagonista, que trata de salir de un mundillo sucio, para descubrir a la postre que el exterior no es mucho más pulcro. La idea funciona, deparando alguna que otra sorpresa; entre medias, no se escatima violencia y música rap.

Miniserie dividida en cuatro capítulos basada en la novela de Max Gallo y dirigida por Yves Simoneau, que cuenta una parte de la vida y el mandato político de Napoleón Bonaparte. Comienza en 1818, cuando un maduro general recuerda sus años de juventud y su encuentro con su amada Josephine, y a partir de ahí, la serie retrocede en el tiempo para contar los diferentes acontecimientos que le rodearon y los distintos personajes que influyeron en su gobierno. La serie, coproducida nada menos que por nueve países está protagonizada por Christian Clavier, en la piel de Napoleón, Isabella Rossellini, como Josephine, Gérard Depardieu, como el político Fouché y John Malkovich, como el ministro Tayllerand.

Cuidada miniserie de la productora británica Hallmark, que adapta la inmortal obra de Cervantes. John Lithgow es un inesperado don Quijote, mientras que a Bob Hoskins le va al pelo su papel de Sancho Panza. De nuevo asistimos a la complementariedad de estos dos tipos humanos, uno idealista que no está en sus cabales, que sale al mundo a ‘desfacer entuertos’; el otro práctico, demasiado práctico, que sueña con ganar una ínsula. Ambos aprenderán de su mutua compañía.

Chaja es una estudiante de filosofía, judía liberal; la experiencia de sus padres, supervivientes de los campos de concentración, le ha marcado. Necesitada de dinero, entra a trabajar como niñera de la familia Kalman, judíos hassidic muy estrictos. Cuando conoce al pequeño Simcha, un crío de cinco años que se niega a hablar sin aparente motivo, algo se conmueve en su interior. Comienza una aventura vital, en la que aprenderá a querer a los distintos miembros de la peculiar familia a la que sirve. El actor Jeroen Krabbé debuta tras la cámara con este interesante drama familiar, donde se aprende a conocer las tradiciones judías. El mismo Krabbé se reserva un pequeño papel, a la vez que acude a actores conocidos como Isabella Rossellini y Maximilian Schell. A destacar Laura Fraser, como la niñera. La película fue multipremiada en el Festival de Berlín.

Un anciano mago Merlín, recuerda la historia de su origen y como tuvo que luchar contra Mab, la malvada Reina de la Oscuridad. Mab enseñó a Merlín todo lo necesario sobre la magia con la intención de aliarse y encabezar las fuerzas del mal, pero el joven Merlín quiso llevar un camino distinto. Cuando comprobó que el rey Vortingern no era un buen soberano, decidió hacerse cargo de Arturo, hijo de Uther, para educarle y hacer de él un muchacho inteligente y audaz. El joven Arturo sería el único capaz de sacar la espada Excalibur de la piedra y convertirse en el rey de Camelot. Fantástica miniserie sobre el mago Merlin en otra de las versiones que se han hecho para la pantalla. La historia, dirigida por Steve Barron está muy bien ambientada y ha ganado varios premios Emmy y ha sido nominada a los Globos de Oro. Entre el reparto aparecen actores como Sam Neill, haciendo de Merlín; Helena Bonham Carter, como Morgana; Miranda Richardson, como Mab; o Isabella Rossellini, como Nimue, la enamorada de Merlín. Las diferentes tramas épicas cuentan con los requisitos clásicos del género; aventuras, princesas, amor, magos, brujas y fantasía.

Coproducción televisiva internacional que narra la aventura clásica de Ulises contada por Homero. Ulises debe ir a luchar a Troya, dejando atrás a su pequeño hijo Telémaco y a su amada esposa Penélope. Tras conquistar Troya, Ulises regresa a Itaca, pero en su camino deberá superar numerosas dificultades. Título de aventuras en toda regla, donde el director ruso Andrei Konchalovsky (Siberiada) trata con fidelidad el texto clásico. Aunque los efectos especiales no son demasiado memorables, el reparto artístico es muy notable.

Dos hermanos italianos tratan de sacar adelante un típico restaurante con comida de su país, en Nueva Jersey. Las cosas no van bien del todo, pero podrían mejorar si una comilona que están organizando, y que contará con la presencia de una célebre estrella de jazz, sale como Dios manda. Película encantadora, recuerda a otros grandes films de banquetes como el de El festín de Babette.

El joven Johnny Tempio ha sido asesinado por Gaspare Spaglia, el mayor enemigo del clan. Toda la familia se reúne en el funeral y deciden vengar la muerte del muchacho. Sus hermanos Ray y Chez se encargarán de hacer justicia. Intenso y violento drama dirigido por Abel Ferrara y ambientado en el mundo de la mafia. El reparto es de lo mejor, encabezado pro Christopher Walken y seguido por Annabella Sciorra, Isabella Rossellini o Benicio del Toro.

El Dr. Jeffrey Geiger es un cirujano del hospital Chicago Hope, que intenta superar la muerte de su hijo. Éste fue ahogado en la bañera por su esposa, que sufre graves problemas psiquiátricos. Su mejor amigo también trabaja en el hospital, el Dr. Aaron Shutt, esposo de la enfermera Camile Shutt. Juntos intentan sobrellevar el día a día de los pacientes del hospital. Una de las series hospitalarias de mayor éxito en Estados Unidos. Estrenada allí justo antes que Urgencias, compitió con ésta durante mucho tiempo en el horario estelar, por el favor de la audiencia.

Lawrence Kasdan ya dio muestras de su interés por el western al dirigir Silverado en 1984, momento en que el género parecía muerto. Kasdan revisitó luego al legendario personaje de Wyatt Earp, casi al mismo tiempo que George P. Cosmatos en Tombstone. La leyenda de Wyatt Earp. El film se inicia de modo inteligente, con el anuncio del inminente enfrentamiento de los Earp y Doc Holliday con los Clanton en el O.K. Corral. A partir de ahí se retrocede en el tiempo para trazar un amplio arco que comprende la mayor parte de la vida de Wyatt Earp. Esta es una de las novedades de la película. El deseo de abarcar, de dar un pasado a su personaje, que explique su comportamiento como duro sheriff en Dodge City y Tombstone. Ello se hace a veces de un modo fragmentado, aunque las piezas terminan finalmente encajando con bastante coherencia. Kasdan y Kevin Costner ‑éste productor, además de protagonista‑ consiguen una película paradójica. Mitificadora y desmitificadora, realista y legendaria, y ello no de forma inconsciente. Kasdan parece tener como referencia a Clint Eastwood y Sin perdón, pero a la vez se siente demasiado cautivado por la leyenda de Earp. El epílogo del film apuesta por ella, aunque antes se haya contribuido a demolerla un poco. Pues trata de ofrecerse un relato complejo de Wyatt Earp. Los pilares de su vida se los enseñó su padre: la familia y la ley. Pero fuerzas exteriores e incontrolables echan sus planes abajo. Muere la mujer a la que amaba, y se desespera. Trata de ser refugio para otra mujer de la que no está enamorado, y cuando aparezca otra en su vida, su corazón se desgarra. Lucha por mantener unida a la familia, pero a un precio demasiado caro. Y la ley que representa no siempre ayuda a hacer justicia. La misión del sheriff que defiende a los ciudadanos está bastante oscurecida. Los motivos se diluyen en la violencia y el resentimiento que existe entre los Earp y los Clanton. La venganza será motivo suficiente para matar a un hombre. En este mundo desencantado sólo brilla el cariño entre los hermanos Earp, el amor de los esposos, y la sólida amistad entre Wyatt y el tuberculoso Doc Holliday. En los momentos en que Wyatt está a punto de derrumbarse, Doc le sostiene. Y al revés sucede cuando el tuberculoso, al que la vida se le escapa, discute con Big Nose Kate. La película está magníficamente ambientada. Algunas secuencias son de gran intensidad, especialmente las que comparten Wyatt y Doc, éste muy bien interpretado por Dennis Quaid. Pero algo le pasa a este pulcro e irreprochable film. Le falta un poco de alma. O tal vez lo que pesa es que, a pesar de las novedades, la historia de Wyatt Earp se ha contado muchas veces.

Viena, 1870. Ludwig Van Beethoven (Gary Oldman) acaba de fallecer. Su amigo Anton Schindler (Jeroen Krabbé), intrigado por un testamento en el que lega sus bienes a una anónima "amada inmortal", inicia una investigación para averiguar su identidad. La única pista es una carta dirigida a la misteriosa dama. Schindler se entrevistará con aquellas mujeres que significaron algo en la vida de Beethoven. Como en Ciudadano Kane de Orson Welles, el guión se articula sobre las pesquisas que tratan de descubrir el significado de las palabras postreras de un moribundo. Bernard Rose despliega una historia compleja y fragmentada, en la que una serie de 'flash-backs' quiere completar el perfil de genial compositor. El problema reside en que Rose no es Welles; los peligrosos saltos que da para retratar a su personaje son embarullados, lo definen poco, y terminan en una pirueta especulativa final bastante poco creible. Algunas concesiones eróticas tampoco ayudan al relato. En un film de estas características preguntarse por el rigor histórico es casi obligatorio: Rose se ha tomado algunas libertades, sobre todo en lo que concierne a la relación de Beethoven con su sobrino Karl. El director y guionista hace demasiado hincapié en mostrar, como él dice, a un Beethoven "irascible, a veces malo, casi siempre desagradable": se señala como única explicación su sordera, dolorosa sin duda para un creador musical. El personaje resulta contradictorio, pues otras veces es risueño y jovial con sus hermanos o audaz conquistador de damas. Escudarse en que los genios son raros por definición, y por tanto difíciles de entender, parece un tópico simplista de dudosa validez. Pese a todo el film tiene algunos momentos conseguidos, que le hacen aupar el vuelo: ayuda la genial música del compositor, que ha seleccionado Georg Solti. Es un hábil recurso hacer participar al espectador de la sordera de Beethoven. Y es sugerente la idea, expresada por Beethoven a Schindler y por desgracia no demasiado trabajada, de que el artista trata de trasladar a su obra su estado mental o emocional: "Con una marcha militar has de desfilar, con una Misa has de tomar la Comunión...". Precisamente en torno a esto se estructura la hermosa secuencia de la presentación de la Novena Sinfonía.

Un maizal. Un hombre con un bebé en brazos. Detrás un niño le sigue. Hay algo de humo. La escena tiene algo de irreal. ¿Qué sucede? El hombre sale del campo, y empieza a vislumbrarse que un accidente ha tenido lugar. Finalmente los restos de un avión destrozado indican lo ocurrido. Con una brillante apertura el australiano Peter Weir inicia su film acerca de las secuelas psicológicas que una catástrofe aérea produce en una serie de personas. Y se centra en dos: Max Klein, que tiene un comportamiento ejemplar durante el accidente, al salvar a varios pasajeros, pero que acarrea consigo un extraño complejo de superioridad; y Carla Rodrigo, que perdió a su bebé en la tragedia, y se encuentra sumida en una profunda depresión. La historia se basa en una novela de Rafael Yglesias, responsable también del guión. Sin miedo a la vida es una película original y arriesgada, que se desmarca del típico film de cataclismo. Apuesta por meterse en sus personajes, por mostrar su drama interior. Y así el accidente se utiliza de un modo poco convencional. Es una especie de memoria omnipresente en Max y Carla, cuyos fragmentos se reparten a lo largo de la historia para vertebrarla. Pese a todo no faltan los altibajos en la narración, y resulta difícil de creer el personaje de Max, a pesar de la buena actuación de Jeff Bridges. Parece creerse un semidios, que al haber vencido a la muerte ya no teme a nada. Más cercano es el drama de Carla, quien se ha venido abajo ante lo incomprensible. Rosie Perez imprime a su personaje una gran dosis de convicción. A los actores principales se añade un buen elenco de secundarios, entre ellos John Turturro, que protagoniza como psiquiatra con Pérez una de las secuencias más electrizantes del film: la sesión de terapia con un grupo de supervivientes. Con este film, Weir persiste en el retrato de familias en descomposición, y así los problemas de los Klein y los Rodrigo continúan una tradición reflejada en Único testigo, La costa de los mosquitos y El club de los poetas muertos. Está lograda la descripción del desconcierto de Laura, la mujer de Max, y de su lucha por superar la crisis familiar. Algún matiz necesitaba el personaje de Manny, marido de Carla, más interesado en la indemnización por la muerte del bebé que por su mujer. A la actitud de ser superior de Max se quiere dar un aire místico, con tratamiento parecido al del protagonista de Encuentros en la tercera fase, que también conocía la ruptura de su hogar ante su obsesión por los extraterrestres. Seguramente no es coincidencia que Allen Daviau, director de fotografía habitual de Spielberg, asuma aquí esta función y recurra, casi al final, a una fotografía de luz deslumbrante en la que se recorta la figura de Max, al estilo de Encuentros... Aun así se aprecian limitaciones en Weir a la hora de retratar lo espiritual, quizá porque no sabe aprehender esa realidad. Esto se hace patente en el personaje católico de Carla, en la que su supuesta "honda religiosidad" no está tan clara. Weir parece además inclinarse por pensar que las personas, más que Dios, son las que ayudan a superar los problemas.

Basada en el relato de Ian McEwan, El inocente narra la historia de un hombre que se ve envuelto en una trama urdida por los americanos para intervenir el sistema de comunicaciones de la Alemania del Este durante la Guerra Fría. Tras un apasionado romance, se ocultan los más diversos intereses políticos. Espionaje, traición y asesisnatos en un Berlín aún dividido. John Schelesinger (Cowboy de medianoche, Marathon Man, El día de la langosta) dirige esta bien llevada historia de espías, que cuenta con un completo reparto entre los que destacan Anthony Hopkins, (El silencio de los corderos, Lo que queda del día, Tierras de penumbra), Isabella Rossellini, en el papel de mujer fatal y Campbell Scott.

Original y maravillosamente interpretada película dirigida por uno de los mejores directores del momento, Robert Zemeckis (Regreso al futuro, Forrest Gump). La actriz Madeline Ashton tiene como hobby particular quitarle los novios a su amiga Helen Sharp, hasta que una de las veces se casa con su prometido, el doctor Ernest Menville. Siete años después Madeline sólo vive para su físico, Helen se ha convertido en una gorda inmensa y Ernest es un borracho empedernido. Pasan otros siete años y marido y mujer reciben una invitación para ir a la presentación del libro de Helen "Siempre joven". Para horror de Madeline, Helen ha vuelto a ponerse delgada y guapa y se pone a flirtear descaradamente con su marido. Madeline acudirá entonces a la ayuda de una pócima que tendrá como resultado la recuperación de la juventud, pero también otros efectos insospechados. Comedia loca que en ningún momento pierde frescura y que tiene unos meritorios y sorprendentes efectos especiales. Meryl Streep vuelve a demostrar una vez más que es una auténtica maga de la interpretacion.

Recién salido de la cárcel, Sailor se reúne con su amada Lula. Ambos emprenden un viaje por carretera, aunque la psicópata madre de Lula no aprueba la relación y contrata a un asesino para acabar con Sailor. Y no son los únicos personajes algo mal de la cabeza que pululan por el film... Atípica y salvaje historia de amor, con formato de ‘road movie’ basada en una novela de Barry Gifford, vista por el siempre personal prisma de David Lynch, plagado de situaciones absurdas y fantásticas, humor negro, violencia, sexo y planos impactantes. Palma de Oro en Cannes. Gran reparto y música de Angelo Badalamenti. Resulta impagable la interpretación de Nicolas Cage, con su sempiterna chaqueta de piel de serpiente, susurrando la canción "Love Me Tender" al oído de una joven y bella Laura Dern.

Larry y Maria son primos lejanos. Cada uno, por separado está casado y tiene hijos pero sus vidas están vacías. Para castigar a sus cónyuges se hacen pasar por amantes, pero nada de esto es cierto. Con el tiempo, surge entre ellos una amistad más especial que poco a poco se tornará en amor. Los problemas surgirán en seguida pues tendran que enfrentarse a su vida y al deseo de estar juntos. A pesar de intentar evitar la relación, su amor será mucho más poderoso. Ted Danson (Cheers) y la encantadora Isabella Rossellini (Corazón salvaje, El inocente) son la pareja protagonista en este drama romántico dirigido por Joel Schumacher (El cliente, Última llamada). El tono cómico lo pone Lloyd Bridges (Aterriza como puedas) que aporta frescura y momentos hilarantes en algunas de sus escenas.

Ryan O'Neal es un escritor con un pasado criminal que se obsesiona con resolver una serie de misteriosos asesinatos y crímenes. Al actor le viene que ni pintado el papel de atormentado con un oscuro pasado pero que aún así, lucha por lo que cree que es justo y trata de poner fin al sinsentido de la violencia. Se trata de uno de los primeros títulos como actriz de la italiana Isabella Rossellini.

La calma del idílico pueblo de Lumberton se rompe cuando Jeffrey Beaumont descubre una oreja humana en su jardín. Con ayuda de Sandy, la dulce hija del policía local que investiga el caso, Beaumont descubre que el macabro hallazgo está relacionado con Dorothy Vallens, cantante atormentada por un sádico gángster. Nada es lo que parece. Para el personalísimo director David Lynch, bajo la cómoda existencia cotidiana existe un submundo turbio e irreal. Esta premisa, también presente en otras de sus obras, como Corazón salvaje o la serie Twin Peaks, aparece por primera vez en este film, la película de culto por excelencia de los 80, y la que consagró a Lynch. El insano cineasta despliega sus toques surrealistas habituales, sin que esto impida que se pueda seguir claramente la trama central, a diferencia de algunas de sus obras posteriores. Protagoniza el film uno de sus actores fetiche, Kyle MacLachlan.

Rodada en los tiempos de la "guerra fría", el film narra la historia de Nikolai Rodchenko, uno de los mayores bailarines de ballet rusos, que desertó hace diez años de la Unión Soviética. Durante un vuelo a Tokio su avión se ve obligado a hacer un aterrizaje de emergencia en Siberia. Circunstancia que aprovecharán los servicios secretos soviéticos parta tratar de que vuelva al "redil". Tratarán de utilizar para ello a un bailarín norteamericano de raza negra, que en su día pidió refugio en la Unión Soviética. No obstante, entre ambos bailarines surge una gran amistad, y ambos urdirán un plan para abandonar el llamado "paraíso comunista". Taylor Hackford dirige este film que se ve con interés en todo momento. El reparto está encabezado por Mikhail Baryshnikov y Gregory Hines. Excelentes secuencias de ballet, una magnifica coreografía de Thwyla Tharp, así como las magníficas canciones "Say You Say Me" de Lionel Richie y "Separate Lives" de Phil Collins y Marilyn Martin, hacen aún más atractiva la película.

San Gimignano, en la Toscana, a finales de los 70. En tiempos turbulentos de rebeldía juvenil, Giovanni, un magistrado en plena crisis existencial, se enamora de Eugenia, animadora de teatro infantil. Sus ideales les hacen involucrarse en una comuna agraria impulsada por Enzo, que también verá despertar su amor por Eugenia. Después de entregar Padre Padrone, los hermanos Taviani lo tenían difícil para volver a dar en el clavo. Aquí indagan en la utopía marxista de la reforma agraria, con historia romántica de por medio. Confirman su calidad de cineastas, aunque el resultado es inferior. Destaca una juvenil Isabella Rossellini.

En Roma, una joven llamada Nina entra a trabajar al servicio de la anciana condesa Sanziani, que ha perdido las ganas de vivir. Entre las dos compartirán entrañables momentos que enriquecerán sus vidas. Tras Cabaret, Liza Minnelli se puso a las órdenes de su padre en este drama interesante, pero que no alcanza las expectativas deseadas. A pesar de todo, cuenta con la estimable presencia de otras estrellas de la talla de Ingrid Bergman y su hija Isabella Rossellini.