Ludwig Göransson

Tras un rifirrafe con unos matones, el cazarrecompensas conocido como el Mandaloriano captura en una cantina a Mythrol, fugitivo por el que un tal Greef Karga, que gestiona los pagos de este tipo de encargos para el gremio, le abona una buena cantidad de créditos. Necesitado de muchos más, le pregunta por su trabajo mejor remunerado, por lo que éste le ofrece ponerse en contacto con “El cliente”, misterioso individuo que le hará de oro si le trae a un objetivo del que sólo tiene dos datos: su edad –50 años–, y su última posición. Walt Disney sigue dispuesta a sacarle todo el jugo a la saga de Star Wars, por lo que lanza The Mandalorian –primera serie de imagen real de la saga galáctica– como reclamo para Disney+, su nueva plataforma de ‘streaming’. La factoría le ha encargado ponerse al frente como creador y guionista a uno de sus principales activos, Jon Favreau, que ha dirigido filmes de superhéroes como Iron Man, y adaptaciones fotorrealistas de los clásicos animados de la casa, como El rey León. Quizás se le puede reprochar a Favreau que no aporta sustanciales novedades al universo creado por George Lucas, con una historia que transcurre después de El retorno del jedi, que recupera los bajos fondos por los que se movían personajes como Han Solo o Jabba el Hutt; y de hecho el protagonista lleva el mismo casco que Bobba Fett, personaje de sobra conocido por los fans de la franquicia. Pero su tono cercano a los westerns de Sergio Leone, que incluye acertados golpes de humor, y su ritmo dinámico, captan al espectador, y se acierta al partir de personajes recién llegados, sin conexión –al menos en un principio– con los sobreexplotados Skywalker y demás. Como protagonista, Pedro Pascal no muestra mucho su cara, y tiene un personaje atormentado por lo que le ocurrió en su infancia, en el fondo sencillo de interpretar. Destaca el trabajo de algunos secundarios, sobre todo del habitual realizador Werner Herzog, como el misterioso “El cliente”, o Carl Weathers, que fue Apolo Creed, en Rocky, en una breve intervención. También tiene mérito el trabajo del sueco en alza Ludwig Göransson (autor precisamente de Creed: La leyenda de Rocky) en la banda sonora, pero se echa un poco de menos que se escuche –aunque sea brevemente– alguno de los acordes clásicos de John Williams.

Nuevo laberinto serpenteante escrito y dirigido por Christopher Nolan, producido por su esposa Emma. Sin el concurso de su hermano Jonathan en el guion. Visualmente deslumbrante, con la buena mano de Hoyte Van Hoytema. Apabullante en su adrenalítico ritmo, que no deja un minuto de respiro. Y mareante, la música de Ludwig Göransson cumple con su cometido, pero no tiene la belleza de la de Hans Zimmer. Intentas entender la trama. Te esfuerzas en comprender la propuesta nolaniana. Y no puedes. Quizá lo consigas en un segundo, tercer, cuarto visionado. Tal vez esta sea la forma de salvar el verano del Covid-19 en los cines. Entregar una película hipnótica y que el espectador se sienta desafiado a entenderla, de modo que vuelva a la sala una segunda, tercera, cuarta vez. Como si tuviera entre las manos un cubo de Rubik, y no se sintiera tranquilo hasta que logre resolverlo con sus manos. Incluso puede que a pesar de todo no entienda nada, pero hará mecánicamente los 40, 50 movimientos necesarios para dar con la solución. No es fácil hablar de Tenet. Título que es un palíndromo, se lee igual del derecho que del revés, y que está integrado en uno mayor, 'Sator arepo tenet opera rotas', frase latina que significa 'El sembrador Arepo mantiene las ruedas con destreza', y en efecto, uno de los juegos de la película, además de aplicar su concepto, es jugar con las palabras de esa frase, por ejemplo el personaje de Kenneth Branagh se llama Sator, o sea, es el sembrador. Pero en fin, es de suponer que esto no es importante, o sí, o quizá lo que es importante en la película es poco, y la mayor parte de lo que vemos carece de importancia. O sea, es un espectáculo circense asombroso, que se disfruta en pantalla grande, donde debería verse el cine, nos dice Nolan. El emperador quizá esté desnudo, y cueste reconocerlo, aunque cabe la otra posición, exclamar simplemente, qué cuerpazo, madre mía. Puede que el Goya de la película sea una falsificación, pero... ¡vaya falsificación! Estamos en una trama de espionaje internacional y de asaltos terroristas. El personaje protagonista sin nombre al que da vida John David Washington es un agente que se enfrenta a los villanos de turno, y que es introducido en arcanos secretos ligados a la resolución de un algoritmo que permite realizar inversiones basadas en la entropía, retroceder a partir de un punto en el tiempo. Lo que da pie a pinzas temporales, en que se acercan los que avanzan temporalmente y los que marchan hacia atrás. Tal hallazgo científico es un peligro, y más en las manos de Sator, traficante de armas ruso y terrorista millonario, que enfermo de cáncer piensa que el mundo sin él no merece existir, y quiere destruirlo. Por otro lado, quizá al final lo que cuentan son el amor que conlleva sacrificio y las personas concretas. Lo que permite entender la fijación del protagonista por evitar la muerte de Kat, la esposa de Sator, y madre de un hijo al que cuida con esmero. Quien salva un alma, salva al mundo entero. En cualquier caso, lo dicho. Obtusa argumentalmente, aunque se nos trate de ofrecer alguna explicación “científica”, probablemente en la mente de Nolan todas las piezas encajan, en las del espectador medio dan lugar a una nebulosa que pide algo así como 'relájate y disfruta de la función'. Y en efecto, las escenas de acción son asombrosas, con las paradojas de rigor y el movimiento de personajes y vehículos hacia adelante y hacia atrás. De todos modos, el conjunto es cerebral y no se logra la conexión emocional con los personajes. Aunque sí acierta Nolan en un reparto de poderosa presencia, lo que sirve para esconder las vergüenzas de los escasos trazos de casa uno, están estupendos, además de Washington, Branagh, Robert Pattinson y Elizabeth Debicki, e incluso aunque lo suyo sea casi puro cameo, Michael Caine, Martin Donovan, Aaron Taylor-Johnson, Dimple Kapadia...

Película de Marvel con superhéroe de origen africano -prácticamente casi todo el reparto del film lo es, además del protagonista Chadwick Boseman, están Michael B. Jordan, Lupita Nyong'o, Danai Gurira, Daniel Kaluuya, Angela Bassett y Forest Whitaker-, que engancha su trama con los acontecimientos más recientes narrados en la saga de los Vengadores, tras la muerte del rey de Wakanda en un atentado contra Naciones Unidas. Le sucede en el trono de este pequeño país teóricamente subdesarrollado -en realidad es una especie de Shangri-La, un lugar idílico que vive en armonía, con avances tecnológicos punteros gracias a los yacimientos mineros de vibranium- su hijo T'Challa, destinado por tanto a ser el poderoso Black Panther, que deberá enfrentarse a unos misteriosos villanos, que roban un utensilio de Wakanda que se exhibe en un museo de Gran Bretaña, por siniestras razones. Sorprende la entusiasta acogida de la crítica a este film en Estados Unidos, sin duda que la cuestión racial y cierta mala conciencia por las desigualdades sociales tienen que ver con ello. Lo cierto es que, siendo entretenida la trama, como casi todas las de superhéroes, resulta también algo cansina: a la postre, tenemos ideas propias de una cinta de aventuras de Tarzán con protagonismo negro en los ritos ancestrales, las tribus perdidas y las misteriosas hierbas, que sirven para apuntalar el empeño marveliano de crear una mitología de nuevo cuño a partir de problemas del mundo real, combinando rencillas y errores de familia, con los distintos modos de encarar las discriminaciones y explotación del hombre blanco. Es una lástima que el resultado no sea más brillante, pues Ryan Coogler, director y coguionista afroamericano, había dado mayores pruebas de talento en Fruitvale Station, inspirada en disturbios raciales auténticos, y en su incorporación a la saga pugilística de “El potro italiano” con Creed: La leyenda de Rocky. La mezcla de aventuras, drama y parábola política, con desahogos puntuales de humor, no acaba de funcionar. Pesan la excesiva acción, poco imaginativa, y unos efectos visuales donde se nota demasiado el recurso a la parafernalia digital. Tampoco ayuda un actor blanco, Martin Freeman, más perdido que un pulpo en un garaje como agente de la CIA descubriendo las maravillas que encierra Wakanda, lo mucho que podría aportar a la humanidad si descarta la rabia o el aislacionismo, y busca lo que une y no lo que separa, el esperanzador mensaje del film, que se agradece en tiempos de cinismo, pero que resulta demasiado obvio; en tal sentido resulta más convincente, en sus trazos caricaturescos, el villano encarnado por Andy Serkis, un actor que estamos demasiado acostumbrados a verlo con la cara de Gollum o de un simio, cuando también puede trabajar a rostro descubierto.

Paul Kersey es un cirujano de prestigio en Chicago, una ciudad que tiene los índices de criminalidad disparados. Precisamente, una noche en que está trabajando en el quirófano, es testigo de cómo llegan hasta allí su mujer y su hija malheridas, después de que hayan sido atacadas en su propia casa. Su mujer muere y su hija queda en coma. Durante días Kersey será incapaz de remontar anímicamente, también porque la policía no es capaz de seguir ninguna pista. Se le ocurrirá entonces adquirir un arma... Remake de la emblemática película setentera El justiciero de la ciudad, basada en la novela de Brian Garfield protagonizada por Charles Bronson, y cuyo éxito propició la creación de una saga que llegaría hasta los cinco títulos. Muchos pensarán que es innecesario, y con razón, este nuevo film que recupera al personaje original, Paul Kersey, ya que en el fondo no aporta nada relevante al planteamiento: un hombre que decide tomarse la justicia por su mano. Lógicamente hay algunos detalles que cambian –Kersey es ahora cirujano, no arquitecto; la acción tiene lugar en Chicago, no en Nueva York– junto a la razonable puesta al día de varios elementos, como el uso de internet para formarse en el uso de las armas, por ejemplo. Pero el resultado suena a ya visto. El director Eli Roth (Cabin Fever, Hostel) deja de un lado por primera vez el género del terror gore para contar otro tipo de historia, esta vez de acción y venganza, pero no se olvida del todo de su origen y ofrece algunos momentos especialmente sangrientos y desagradables, tortura incluida, que delatan su sello personal. El film, por lo demás, tiene un buen ritmo y se sigue como entretenimiento de pura evasión, más si cabe cuando al frente del reparto tenemos a un correcto Bruce Willis que vuelve a trabajar en una película de cierto presupuesto, tras algunos subproductos. Por lo demás, es una pena que no se le saque partido a Vincent D'Onofrio, cuyo papel de hermano carece por completo de importancia, algo que sí adquiere Elisabeth Shue en los pocos minutos que aparece en pantalla.

San Francisco. Al reportero Eddie Brock le despiden por tratar de sacar los trapos sucios de Elon Musk-ian, megalómano magnate que en teoría investiga el remedio contra el cáncer y las peores enfermedades humanas con la Fundación Vida, corporación farmacéutica que preside. En realidad, este individuo sin escrúpulos ha enviado unas cápsulas al espacio que han recogido unos terroríficos simbiontes alienígenas, que utiliza en sus terribles experimentos para que se fusionen con vagabundos a los que ha engañado. Uno de ellos acabará invadiendo el cuerpo de Brock… Creado como villano para los comics de Spider-Man, Venom aparecía en Spider-Man 3, de Sam Raimi, donde Topher Grace interpretaba a Brock, el humano que lo albergaba. El siempre resultón Ruben Fleischer (Bienvenidos a Zombieland) redefine al personaje, dándole una historia propia desvinculada del superhéroe lanzarredes, y distinta a la de los comics. Aunque no hace gala de ideas revolucionarias, y el desarrollo resulta un tanto convencional, el realizador acierta por su falta de pretensiones, y aunque al principio parece que va a ir en la línea del cine de terror, mezclando la saga de Alien con David Cronenberg, acaba derivando hacia un tono desenfadado, añadiendo mucho sentido del humor, para contar una historia muy clásica, en torno al peligro de la falta de ética en la innovación científica, al estilo de “Frankenstein”. Sus efectos visuales no hacen historia pero convencen, y no falta entre las escenas de acción una persecución que aprovecha las calles en cuesta de la ciudad en la que transcurre la ficción, en la línea de Bullitt. Sorprende para bien el trabajo del reparto, pues aunque algunos pensarán en Tom Hardy como demasiado actor para tan poca película, el protagonista de Mad Max: Furia en la carretera se ha entregado al personaje, y brilla en los momentos más cómicos, pues sus diálogos con el ente que tiene en su interior son con mucho lo mejor del film. Por su parte, Michelle Williams logra más o menos remontar el inconviente de que su personaje tiene poca presencia y resulta un poco tópico, al igual que Riz Ahmed (qué bien estaba en Nightcrawler), que logra salvarse pese a que su villano sea sobre el papel un mero estereotipo. Como es habitual en las películas de Marvel, conviene quedarse hasta el final de los larguísimos títulos de crédito, por un avance de la producción animada Spider-Man: Un nuevo universo que promete.

Filadelfia. Adonis Creed continúa su carrera triunfal en el ring, venciendo a Danny ‘Stuntman’ Wheeler, lo que le convierte en el Campeón Mundial de los Pesos Pesados. Está a punto de pedir en matrimonio a su novia, Bianca, que quiere que ambos comiencen una nueva vida en Los Ángeles para progresar en su carrera como cantante, lo que implicaría alejarse de Rocky Balboa, mentor de Adonis. Inesperadamente entra en escena Viktor Drago, hijo de Ivan Drago, el púgil que mató a su padre más de tres décadas atrás, que le desafía a medirse con él en el ring. Tras rejuvenecer la saga de Rocky con Creed. La leyenda de Rocky, Ryan Coogler no pudo ocuparse de la siguiente entrega porque prefirió rodar la superheroica Black Panther. Así que pasa el testigo de la realización al jovencísimo Steven Caple, Jr., hasta ahora autor de un único largometraje, el drama ‘indie’ The Land. Quizás el film no sorprende tanto como su predecesor, y abusa de repetir elementos ya conocidos de la saga, y de Rocky IV en particular.   El recién llegado Caple, Jr. ha rodado muy bien los combates, situando la cámara muy cerca de los combatientes, por lo que el espectador se ve involucrado. Pero se acierta al priorizar el interés dramático de los personajes por encima de una mera sucesión de peleas. Se habla sobre todo de relevo generacional, pues desarrolla más la relación casi paternofilial entre el icónico personaje de Sylvester Stallone y el de Michael B. Jordan, pues se ha convertido más que en un entrenador en un asesor para la vida. Pero al mismo tiempo el primero echa de menos a su hijo auténtico, del que se ha distanciado. Por otro lado, Drago utiliza al suyo para vengarse de la derrota sufrida en el pasado. Se reflexiona también sobre la necesidad de levantarse en los momentos en los que la vida se cae como un castillo de naipes, cuando resulta determinante el apoyo de las personas adecuadas. Como se espera, realizan un convincente trabajo de nuevo Michael B. Jordan y Tessa Thompson, y por supuesto Sylvester Stallone en un rol que no sólo lleva interpretando desde 1976, sino que es un trasunto de sí mismo. Pero sorprende en especial Dolph Lundgren, pues contra todo pronóstico el sueco aprovecha muy bien que el libreto humaniza a Ivan Drago, hasta ahora una especie de monstruo de Frankenstein, entendiéndose muy bien sus motivaciones, lo que da una nueva dimensión al film.

Robby Wierdich tiene la sensación de haberse estancado en la vida, pues antaño fue el chico más popular y prometedor del instituto, pero ha terminado convertido en un aburrido contable. Un día contacta con él a través de las redes sociales Robby Wierdich, que por contra en los viejos tiempos tenía sobrepeso, lo que hizo de él un habitual objeto de burlas. Pero ahora se ha transformado en un musculoso agente de la CIA… Nada bueno prometen hoy en día las comedias de Hollywood, mucho menos si tienen como director a Rawson Marshall Thurber, autor de ‘joyitas’ como Somos los Miller o Cuestión de pelotas. Peor si desde el principio dejan claro que su humor va a basarse en los estereotipos (el friki, el chico más popular del instituto, etc.), y en un aluvión de groserías, sobre flatulencias, etc. Pero aunque se trata de un producto de consumo rápido, Un espía y medio funciona, sobre todo por el buen hacer de Dwayne Johnson, ejemplo de superación que parece esforzarse por quitarse el sambenito de luchador de wrestling reconvertido en actor. Aunque parezca increíble, lo cierto es que dota de cierta tridimensionalidad a su personaje, marginado reconvertido en héroe, y tiene buena química con el cómico que demuestra cierta gracia Kevin Hart, especialista en este tipo de comedietas, pues tiene en su haber títulos como Dale duro, El gurú de las bodas o Vaya patrulla. No les van a nominar al Oscar, pero… Ambos actores están rodeados de secundarios solventes (Amy Ryan como la agente Pamela Harris, Aaron Paul en la piel de Phil, compañero de la CIA de Johnson, Jason Bateman de acosador, y Melissa McCarthy en un rol de ex compañera de los personajes centrales. Mezcla de risas y acción, en la línea de grandes éxitos de Eddie Murphy (Superdetective en Hollywood) y Will Smith (Dos policías rebeldes), cuenta con persecuciones y tiroteos resueltos con dignidad. Y puesto que la banda sonora evoca los 90, y el montaje tiene el suficiente ritmo, se puede decir que el balance es positivo, o que en la temporada veraniega se perdona todo.

La mejor película de la saga de famoso boxeador Rocky Balboa, junto a la primera, rodada 40 años atrás. Sabe tomar algunos de los mejores elementos del original, pero introduciendo una inteligente trama, completamente nueva, y muy adecuada para un Rocky avejentado, sencillo y cordial como siempre, pero solitario, las personas que más apreciaba ya no están en este mundo. Un día se presenta en el restaurante Adriane's de Filadelfia un joven negro, hijo ilegítimo del antiguo rival y amigo de Rocky, el gran Apollo Creed. Adonis atraviesa una verdadera crisis de identidad: está agradecido a la esposa de Apollo por haberle acogido en su casa generosamente tras fallecer su padre antes de que él naciera, cuando era un chico destinado al correccional. Pero ya adulto se debate entre la duda de dedicarse al mundo de los negocios y llevar una vida cómoda, o desarrollar un talento de púgil que está en sus genes. Decantado por la segunda opción, aunque rechazando que le liguen a su padre, acude a Rocky pidiéndole que le entrene para llegar a ser un día campeón. Estamos ante el primer film de Rocky no escrito por Sylvester Stallone, que fue nominado al Oscar por el inicio de la saga en las categorías de guión y actor. Pero sus sucesores en la tarea de guionistas, el casi debutante Aaron Covington, y el también director Ryan Coogler –formidable en su debut en el largo, la muy recomendable y no estrenada en España Fruitvale Station–, han capturado las esencias rockysticas: cambiando el color de la piel del tipo inadaptado que podría llegar a ser campeón de boxeo, pasamos del potro italiano a un joven negro, que conoce lo que es la calle, pero también la otra cara de la moneda, una vida acomodada. Al renunciar a esto último, los pasos de Adonis de entrenamiento en gimnasios modestos, el noviazgo con una chica encantadora, Bianca, cantante que se está quedando sorda, los trucos para mejorar la forma física como capturar gallinas, retrotraen por supuesto al original. Pero al tiempo tenemos muchos otros hilos narrativos bien desarrollados, no siendo el menor el de papel de mentor de Rocky, que concede al film un emotivo tono crepuscular, que invita a reflexionar sobre el sentido de la vida y las metas que merecen la pena. En tal sentido, está muy bien desarrollada la relación maestro-discípulo, resultando muy natural el joven Michael B. Jordan, que trabajó con Coogler en su anterior film, y Stallone, soberbio y creible al encarnar al hombre siempre dispuesto luchar. También Tessa Thompson atrapa el encanto de su personaje, la novia. No falta además el aire épico, de modo especial en el clímax, pero también en los entrenamientos, aunque justo es reconocerlo, Coogler no busca mimetizar lo antes hecho, y sabe entregar estos elementos típicos del subgénero con gran fuerza y personalidad. Igual ocurre con la partitura musical, Ludwig Göransson le da aires nuevos sin renunciar a lo que ya es un clásico, gracias a Bill Conti.

Hollywood. Stretch aspiraba a ser actor, pero se ha quedado en conductor de limusinas, apadrinado por otro profesional del sector, que acabó pegándose un tiro, y que de vez en cuando se le aparece en curiosas alucinaciones. No cree en el destino, sino en el estar ahí, las casualidades, lo que le permitió por ejemplo conocer a una espectacular mujer, y romper luego con increíble facilidad. Pero el caso es que la telefonista de la empresa está atenta para darle las carreras que mayores ganancias pueden reportarle, algo que se hace acuciante un día en que una deuda de juego, recomprada por los chinos, le obliga a saldarla en menos de 24 horas. Hacer una serie de servicios a un excéntrico millonario puede quizá darle los 6.000 dólares que necesita ya, sí o sí, pero ignora que el tipo está siendo investigado por el FBI. Disparatada y alocada cinta de acción con puntos de comedia surrealista, narrada por el protagonista con voz en off atravesada de ironía, confirma cierto deslizamiento hacia abajo de la carrera de un cineasta que prometía, Joe Carnahan, que aquí también firma el guión. El planteamiento sigue el esquema de títulos como Jo, ¡qué noche! de Martin Scorsese, en que al protagonista le ocurren todo tipo de cosas, a cada cual más disparatada. El resultado es irregular, pues junto a algún momento más o menos brillante, o al menos impactante, se imponen los pasajes tediosos que quieren sorprender o "epatar", que cada cual decida, pero que lastran el film con su pretendido toque "moderno".

Los especialistas en comedia Jason Sudeikis y Jennifer Aniston vuelven a coincidir tras Cómo acabar con tu jefe, muy representativa de la clase de películas ligeras y alocadas que ambos suelen protagonizar. Somos los Miller tiene poco que ver con la española Familia, de Fernando León de Aranoa, a cuyo planteamiento recuerda lejanamente. En Somos los Miller David Burke (Sudeikis) es un traficante de medio pelo que para saldar una deuda con un capo de la droga acepta transportar un importante alijo desde México. Como cobertura, contrata a una stripper (Aniston), a una punk callejera (Emma Roberts) y a su joven amigo Kenny (Will Poulter), para que se hagan pasar por su mujer y sus dos hijos, con la esperanza de aparentar ser una familia normal. Este tipo de productos de pocas miras pueden tener un pase si al menos el desarrollo funciona, y cuenta con un par de gags inspirados. Pero no es ni de lejos el caso de Somos los Miller, filmada sin mucha convicción por Rawson Marshall Thurber, autor de Cuestión de pelotas, otra prescindible muestra del género que al menos tenía algo más de gracia. El guión de los especialistas en risas fáciles Bob Fisher y Steve Gaber (De boda en boda) y Sean Anders y John Morris (Jacuzzi al pasado) acusa una absoluta falta de inspiración a la hora de plantear alguna secuencia que funcione humorísticamente. Acaban recurriendo a la sal gruesa en busca de la risa fácil, con 'perlas' como la picadura de tarántula que sufre uno de los personajes en un lugar poco apropiado, o el momento en el que el prolífico secundario Luis Guzmán interpreta a un policía corrupto mexicano que pide a cambio de hacer la vista gorda una felación. Se nota que los protagonistas han escogido este proyecto para trabajar poco. Sudeikis sobreactúa en su línea de siempre, Aniston sale del paso con su encanto habitual pero sin que tenga ni una sola secuencia en la que haya debido esforzarse, y Emma Roberts resulta más o menos convincente a pesar de la poca entidad de su personaje. El film juega a dar la típica visión cínica de la familia para que a lo largo del metraje los personajes vayan dándose cuenta de la necesidad de tener a alguien al lado. Pero todo suena tan falso como mil veces visto. Lo mejor de Somos los Miller es una de las ridículas tomas falsas que se incluyen durante los títulos de crédito, en la que a Jennifer Aniston le recuerdan su pasado en Friends.

  Segundo trabajo para la gran pantalla de Ruben Fleischer, que debutó con Bienvenidos a Zombieland, un inspirado film de muertos vivientes con muchos elementos de comedia. Continúa en el terreno del humor con esta nueva cinta, que ahora parodia el cine de atracos y que cuenta de nuevo como protagonista con Jesse Eisenberg. Nick ha dejado sus estudios universitarios y trabaja como repartidor de pizzas. Debe llevar los pedidos a toda velocidad, pues en caso de no llegar antes de 30 minutos, el cliente tiene derecho a no pagar, como se anuncia en televisión. En plena faena, le secuestran dos tipos que le colocan un chaleco repleto de explosivos del que sólo se puede librar con una clave. No se la facilitarán si no accede a atracar un banco. En esta ocasión, el realizador cede demasiado a las supuestas exigencias del público juvenil al que va dirigida la cinta, y abusa del humor cuartelero, y del lenguaje soez. No es de extrañar que cosechara malas críticas, algunas muy sarcásticas, como la de Kirk Honeycutt en The Hollywood Reporter, que asegura que "aunque hubiera durado 30 minutos o menos sería excesivamente larga". Es una auténtica lástima, pues a pesar de todo, a Fleischer se le da bien el género, y logra alguna que otra sonrisa, y el ritmo dinámico que la historia pide. Además, le saca tajada a Jesse Eisenberg, un buen actor en un registro muy diferente al de La red social, film al que debe mucho, aunque se permite una broma sobre él, ya que su personaje dice que no usa Facebook, porque es una porquería.  

Tras seis años de relación, Jess pilla a su novio con otra en la cama y decide acabar con todo y empezar de nuevo. Buscando en internet conoce a tres amigos que comparten piso y buscan un compañero más. Así se convierte en la cuarta en discordia en una casa en la que un grupito de treintañeros pasan los días intentando salir adelante con sus vidas, sus ligues, sus miedos, sus dudas y sus divertidísimas experiencias. Zooey Deschanel ((500) días juntos, El incidente) es joven pero tiene ya una larga carrera tanto en cine como en televisión a sus espaldas. Sin embargo muchos la descubrirán en esta disparatada comedia televisiva en la que es la protagonista absoluta. El peso de la serie recae en ella al completo. Es la chica de la casa que llega con todos sus problemas a un mundo de hombres en donde desentona por completo y no sólo por ser mujer, sino por ser un miembro del género femenino muy especial. Y es que Jess es un poco “payasa” en el sentido más cómico de la palabra. Está un tanto chalada, se pasa el día inventando canciones sobre lo que está viviendo, no para de hacer muecas, llora constantemente con películas como Dirty Dancing y es incapaz de pronunciar la palabra “pene”. Pero a pesar de que su extravagante comportamiento trae de cabeza a sus amigos (en una de las suyas, le da por jugar al basket en casa con consecuencias desastrosas), también se le coge cariño fácilmente y sus nuevos compis harán todo lo posible por ayudarla cuando lo necesita (bastante a menudo). Sin pretensiones de ahondar en cuestiones fundamentales de la vida y de las relaciones, los guiones abordan temas como la soledad, la madurez y el paso del tiempo desde una óptica muy divertida, con diálogos afilados y precisos ajustados como un guante a la personalidad de Jess. Humor inteligente al poder de la mano de personajes frescos y originales, lejos de los prototipos de muchas comedias actuales.

Jeff Winger (Joel McHale), un abogado que se ve obligado a volver a la universidad porque el Colegio de Abogados ha invalidado su título. En el campus se enamora de Britta Perry, una antigua anarquista que intenta poner su vida en orden. Para intimar con ella monta un grupo de estudio de la lengua española. También entabla amistad con Pierce Hawthorne, un maduro magnate que ha estado casado siete veces, y con Troy Barnes, un quaterback fracasado. Comedia televisiva creada por Dan Harmon, que se basó en su propia experiencia universitaria. Cuenta con actores que saben desenvolverse en el género.