Michael McElhatton

Impactante miniserie de HBO y Sky, que recrea con inusitado realismo el terrible accidente nuclear de Chernobyl, acontecido en la Unión Soviética en 1986. Es encuadrable en el género catastrofista, pero con el detalle no pequeño de que esta tragedia ocurrió de verdad. Se trata de una inesperada creación de Craig Mazin, conocido sobre todo por comedias secuelas de las sagas Resacón en Las Vegas y Scary Movie; dirige los cinco episodios Johan Renck, que ha intervenido en series como Breaking Bad y Vikingos. Destaca el enorme esfuerzo de producción, de modo que parece que nos teletransportemos a la época, y resulta muy creíble el paisaje apocalíptico que rodea a la central, con los daños físicos de los afectados debido a la elevada radioactividad. Con acierto se ha evitado que el espectador se distraiga reconociendo actores, hasta los que más pueden sonar, como Jared Harris, pueden pasar inadvertidos. Sin efectismos, ni buscando culpabilizar a toda costa a la anquilosada burocracia comunista, se nos ofrece una mirada poliédrica, donde vemos lo que ocurre dentro de la central, con la reacción de los ingenieros y la incredulidad generalizada, resulta imposible aceptar que el núcleo ha explosionado, con las devastadoras y previsibles consecuencias; las reuniones de los jerifaltes, que confían en seguir protocolos poco ágiles, y en secretismos que nada favorecen a la hora de afrontar el grave problema; la acción de los bomberos y el previsible desbordamiento de los hospitales; la reacción de la gente de a pie, que sale "a ver el incendio", sin entender que ellos mismos van a ser víctimas; y en fin, el largo alcance de la nube radioactiva, que afectará a la población civil de los alrededores. Aunque vemos rostros humanos, y entendemos que hay dramas personales y vidas en juego, y un heroismo humilde, ligado al sentido del deber, hacer lo que se debe hacer, algo ligado al alma rusa, destaca un rigor casi documental, ciertamente notable, y que transmite al mismo tiempo la angustia propia de una cinta de terror.

Alaska, 1925. En el pequeño pueblo de Nome muchos niños han caído enfermos de difteria. Falta suero antitoxina, por lo que se teme por la vida de los pequeños y por tanto por el futuro de la comunidad. El alcalde y los dirigentes están desesperados y confían que les puedan enviar el suero vía aérea. Sin embargo, cuando el mal tiempo impide el desplazamiento, sólo podrán recurrir a Leonhard Seppala, un experimentado 'musher' noruego que, gracias a su trineo de perros liderados por Togo, parece ser el único capaz de atravesar cientos de kilómetros de nieve y hielo para conseguir el suero y traerlo de vuelta. Entretenida producción de Walt Disney que narra la historia de una de las proezas animales más extraordinarias de todos los tiempos, la llamada Carrera del Suero de Nome o Gran Carrera de la Misericordia. Casi todo el peso recayó en el pequeño Togo, un perro de la raza husky que guió la expedición de Seppala, que fue la que cubrió la mayor parte del recorrido (más 500 de un total de 1.085 kilómetros), realizado por etapas y en donde también intervinieros otros hombres y trineos, aunque con unas distancias infinitamente menores y menos peligrosas que las llevadas a cabo por Seppala y sus perros. El director Ericson Core (Invencible) se toma mucho tiempo en contar la relación de Togo con Leonhard Seppala y su mujer Constance. La narración, así, está contada en dos tiempos: en el presente y doce años antes, pues Togo tenía esa avanzada edad cuando emprendió la aventura. Resultan muy divertidas las habilidades del cachorro Togo para escaparse de cualquier lugar con el fin de seguir a Seppala y a su trineo. Seppala al principio no aguantaba al indomable cachorro e incluso lo regaló un par de veces. Pero la perseverancia de Togo acabó dando sus frutos cuando el musher (nombre con que se denomina a los conductores de trineos) decidió probarlo como guía, y quedó impresionado. Esa narración en dos tiempos aporta humanidad a la historia –también con la relación de Leonhard y su mujer– y concede más impacto a las escenas de acción a través de la nieve. Especialmente espectacular resulta la peligrosísima travesía de Norton Sound, una enorme bahía helada a través de la cual el equipo podía ahorrarse muchos kilómetros. Togo es una muestra más del heroísmo que es capaz de emprender el ser humano por sus semejantes y también de la especial conexión que los perros pueden tener con sus dueños, aquí inmejorablemente interpretados por Willem Dafoe y Julianne Nicholson. Sirve además como documento que cierra una cuenta pendiente con la justicia histórica. Porque el perro que se hizo célebre en el mundo entero fue Balto, el cual sólo recorrió el último y más fácil tramo de la expedición. Balto cuenta incluso con una estatua en Central Park en Nueva York y el nombre de Togo fue casi olvidado, cuando en realidad fue el husky de Seppala quien lideró la proeza a traves de más de 500 kilómetros.

Película inspirada en la misteriosa desaparición de la escritora de novelas de intriga Agatha Christie, el 3 de diciembre de 1926, tras una discusión conyugal. Nunca se aclaró lo ocurrido, que empujó a Scotland Yard a una frenética búsqueda, lo que en sí parece material adecuado para una de sus obras, y de hecho dio pie a un film, Agatha. El que aquí nos ocupa, hecho para televisión en 2018, nos muestra a Agatha Christie bloqueada creativamente con su última novela, y con un marido desconsiderado que la engaña y pide el divorcio. En esta tesitura se presenta una mujer, que le pide ayuda para resolver la muerte violenta de la mujer enfermera de la Primera Guerra Mundial, con la que tenía una relación amorosa. Y aunque al principio rechaza tan insólito encargo, acaba involucrándose con una falsa identidad y citando a los que tuvieron alguna relación con la difunta, sobre todo familiares. Dirigida por Terry Loane, la película no inventa la pólvora más allá de introducir un elemento lésbico puntual, o incluir la presencia de Arthur Conan Doyle, pero se deja ver por guiños a la obra de Christie, y la aparición de un detective que es una especie de Hercules Poirot, con el que establece cierta complicidad.

En ausencia de Superman, el mundo se ha vuelto más peligroso, como constata Batman cuando se enfrenta a una peligrosa criatura insectoide. Resulta ser uno de los sicarios del alienígena Steppenwolf, que roba a las Amazonas una poderosa caja que custodiaban desde tiempos ancestrales. La princesa de las mismas, Diana, más conocida como Wonder Woman, acude a la llamada del Hombre Murciélago, que pide ayuda para formar un equipo de metahumanos que pueda hacer frente a tan peligroso enemigo. Conseguirán fichar a Cyborg, mitad humano, mitad máquina, el atlante Aquaman y el veloz Flash. Todo indica que Liga de la Justicia iba a ser muy similar a Batman v Superman, el amanecer de la Justicia, o sea una sucesión de combates tan espectaculares como interminables con un tono dramático y trascendente muy exagerado. Tras sufrir una terrible tragedia familiar –el suicidio de su hija–, el director Zack Snyder se vio obligado a abandonar la postproducción del film, siendo sustituido por Joss Whedon, responsable del modelo a imitar, Marvel Los Vengadores, que aparece acreditado como coguionista. Pese a que no logra salvar el carro del todo, ha recortado el metraje previsto, y ha rodado nuevas escenas en las que ha introducido bastante humor. Este cambio le da un tono más luminoso al conjunto, más propio de los cómics, que le viene bastante bien. También acierta la banda sonora, en la que Danny Elfman no ha dudado en meter su propio tema de Batman de los filmes de los 90, y el de Superman, del maestro John Williams. Lo mejor del reparto es el recién llegado Ezra Miller (The Flash), en el que se centra la mayor parte de la comicidad, un poco en la onda de Spider-Man: Homecoming, así como Gal Gadot, aunque su personaje no está tan bien perfilado y aprovechado como en Wonder Woman, su film en solitario. Menos interesantes resultan Batman con una voz ronca patética, un Superman que parece eternamente deprimido, un Aquaman que sobra, y un Cyborg que habría merecido mayor atención. El guión, demasiado esquemático, sobre todo naufraga en lo relativo al estereotipado villano, sin motivación aparente para conquistar la Tierra, salvo hacer el mal. Whedon ha traído como herencia de Marvel las secuencias postcréditos, que Snyder evitaba. Aparecen dos, una al finalizar todos los letreros.

Adaptación al cine de “The Zookeeper’s Wife: A War Story”, de Diane Ackerman, que recrea la historia real de Jan y Antonina Zabinski, el director del zoo de Varsovia y su esposa, que durante la II Guerra Mundial contribuyeron a esconder en las instalaciones del mismo a numerosos judíos. La trama comienza en 1939 cuando todo parece en calma, por lo que los visitantes acuden a ver las diversas especies, y llega a la capital polaca el Dr. Lutz Heck, jefe del zoológico de Berlín. Poco después comienza la invasión nazi, los animales sufren las consecuencias de los bombardeos, por lo que Heck propondrá llevárselos a Alemania (y si puede llevarse consigo a Antonina, mejor). Al mismo tiempo, los judíos son recluidos en el guetto… La neozelandesa Niki Caro (Whale Rider, En tierra de hombres) logra que la historia funcione con una realización academicista, y hasta filma alguna secuencia impactante, sobre todo la de los animales bajo las bombas por la ciudad. Y apunta alguna idea curiosa, como la de la pureza racial de los animales, en sintonía con la consideración de los judíos como inferiores. Sin embargo, no logra capturar igual de bien las dificultades para sobrevivir de los humanos, pues pocas víctimas están bien retratadas, si acaso una adolescente. Los protagonistas no pasan de ser meros esquemas, sobre todo el marido, encarnado por el belga Johan Heldenbergh, que a pesar de sus esfuerzos por encarnar a un héroe de la resistencia no logra salvar del todo al personaje. Tampoco Daniel Brühl consigue que el suyo tenga tres dimensiones, pues su zoólogo de Hitler se queda en una especie de psicópata. A pesar de todo, se salva Jessica Chastain, que trata de suplir las carencias de su Antonina en el guión, con su enorme expresividad, y hasta se ha trabajado el acento polaco. Se convierte en la principal razón para el visionado de La casa de la esperanza.

Primera serie de ficción de National Geographic, aunque con la colaboración de productoras con amplia experiencia en este terreno, como Fox e Imagine. A la hora de acercarse a la insigne figura del científico Albert Einstein, toma como fuente principal la completa biografía de Walter Isaacson "Einstein: su vida y su universo", autor riguroso cuya obra "Steve Jobs" también sirvió para una película sobre el creador de Apple dirigida por Danny Boyle. Aquí dirige el primer episodio Ron Howard, quien ya se sumergió en la vida de un brillante matemático a la hora de entregar la oscarizada Una mente maravillosa, y está respaldado por su socio habitual, Brian Grazer. A la hora de narrar, sobre todo en el primer episodio, se diría que se desea jugar con los conceptos del espacio, el tiempo y la relatividad, pues todo arranca con un atentado terrorista antisemita en Berlín, y el anuncio a un Albert Einstein ya adulto de que su vida corre peligro ante un ambiente cargado de intolerancia y agresividad. Algunos pasajes en este momento temporal, que avanzan hacia adelante y hacia atrás, se conjugan con otros de un Eistein juvenil, en que su genio ya se hace notar, al igual que un ímpetu arrollador que puede irritar a padres y profesores. Sus primeros pasos en el mundo de la investigación se muestran al tiempo que vemos sus primeros episodios amorosos, en el entorno familiar, y con una estudiante serbia, Mileva Maric, inteligente y de fuerte personalidad. Estamos ante una serie ambiciosa, muy bien ambientada, y en que se hacen presentes ciudades reconocibles, como Berlín, Zurich, París, Praga, y también zonas rurales, o los Alpes suizos. Y hay un gran esfuerzo para dar a conocer al hombre y al científico. Y no sólo eso, también el entorno en que se está produciendo un efervescente cambio en los conocimientos y usos sociales, de modo que podemos reconocer a los Curie, Pierre y Marie, Max Plank, Philip Lenard, Carl Jung, e incluso a Franz Kafka. Lo cual es encomiable, aunque a veces se puede tener la sensación de que quien mucho abarca, poco aprieta, son un poco agotadores los saltos continuos de años y localizaciones. Son las limitaciones del medio, por ejemplo, la comparación de los revolucionarios avances en la ciencia que aporta Einstein con el cuestionamiento de pretender que el matrimonio sea para toda la vida, parece cuando menos simplista. Hay, además una descompensación entre la presencia de los elementos personales y científicos. En los primeros episodios se presta mucha atención a los primeros, incluso con insistencia en los juegos eróticos de la joven y apasionada pareja de Albert y Mileva, lo que hasta parece revelar cierto complejo de inferioridad, como si los creadores de la serie se dijeran "hemos de mostrar que los científicos no están todo el día en las nubes, también les gusta el sexo", o algo así, sino el espectador saldrá corriendo o cambiará de canal. También, curiosamente, pueden ser reiterativos algunos pasajes, Mileva frustrada, o los manejos de la madre de Einstein, por ejemplo. En cualquier caso se agradece que se preste atención a la familia de los personajes, y a las dificultades para conciliar su atención y la fidelidad con el trabajo absorbente. A la hora de explicar las teorías científicas, se juega con lo visual, y eso engancha, pero quizá también se abusa del recurso de un Einstein que escucha algo que le dice su interlocutor, y entonces salta la chispa del genio, aun concediendo que gran parte de la genialidad de Einstein provenía de su imaginación y de hacerse preguntas todo el tiempo, frente al resto del mundo que da las cosas por sentadas. Fotográficamente hay un gran trabajo, pues se juega con los primeros planos y los objetivos cortos y grandes angulares, posiciones de cámara baja, ello de modo más o menos rompedor y coherente. En cuanto al reparto, y visionados la mitad de los episodios, está mucho más entonado el Einstein maduro que compone el australiano Geoffrey Rush, que el del joven interpretado por el sudafricano Johnny Flynn, a veces algo envarado, aunque el actor sin duda se esfuerza.

Quan Ngoc Minh es un ciudadano chino que regenta un restaurante en Londres. Será testigo directo de la muerte de su única hija en un atentado terrorista, reivindicado más tarde por componentes del IRA. Su tragedia le deja muy tocado anímicamente, pero eso no impide a Minh acudir hasta la saciedad a las autoridades policiales para exigir que se haga justicia. Harto de esperar y con la sospecha de que el viceministro de Irlanda del Norte Liam Hennessy –ex miembro del IRA– sabe más de lo que dice, marchará a Belfast para hacerle una visita. Entretenida película de Martin Campbell, un director que conoce a la perfección el oficio de hacer pasar un buen rato al respetable, como ha venido demostrando en filmes como La máscara del Zorro, Límite Vertical o Casino Royale. Ofrece aquí un thriller actual, con sus buenas dosis de acción, de drama y de cierta intriga, con implicaciones políticas que actualizan la cuestión del nacionalismo irlandés, después de 20 años de paz tras la guerra terrorista abierta entre el IRA y el gobierno británico en la isla. El guión de David Marconi (Enemigo público) toma como material base una interesante novela de Stephen Leather, quien expone el doble juego emprendido por algunos políticos de Belfast. En este sentido, hay realismo en el retrato de los personajes, modelo del cual es el viceministro interpretado sólidamente por Pierce Brosnan, personas que encarnan con sus ambiguas ideas una situación social aún inestable, en donde quedan patentes las dificultades para cicatrizar heridas y restañar los daños provocados por la violencia, así como el oportunismo propiciado por el trabajo político. También destaca en esa visión seria de El extranjero el personaje interpretado por Jackie Chan, que da muestras de estar en una forma envidiable a sus 63 años. Su composición de hombre de a pie, padre desolado hasta el extremo, le aporta un tono mucho más dramático del habitual, algo que también se comprueba en la verosimilitud de las escenas de acción y las peleas cuerpo a cuerpo.

En un pequeño pueblo de Virginia, Tony Tilden y su hijo, Austin, ejercen como médicos forenses. Tras un día tranquilo, el sheriff les lleva el cadáver de una joven no identificada, por lo que la denominan Jane Doe. Aunque no presenta signos de violencia exterior, al abrirla para practicar la autopsia realizarán descubrimientos inauditos… Tras conseguir cierta repercusión internacional con su film fantástico rodado con cuatro perras, Trollhunter, el noruego André Øvredal ha dirigido en Reino Unido un film de presupuesto más desahogado que cuenta con dos protagonistas reconocidos en todo el mundo, Emile Hirsch y Brian Cox, que elevan el nivel con su buen hacer. El realizador sabe manejar el suspense, utiliza de forma modélica el sonido y controla muy bien el ritmo, con lo que consigue un planteamiento inquietante a pesar de la sencillez argumental, y de que la acción transcurre casi por completo en una sola localización. Pero a partir del segundo tramo, irrumpen de forma brusca elementos fantásticos antes ausentes, lo que desconcierta un poco al espectador. Desde ese momento abusa también de los sustos facilones. El conjunto se eleva por encima de la media de las producciones fantaterroríficas, pero podría haber sido más redondo, y además sus excesos sangrientos lo alejan de la mayor parte del público, pues… ¡no todo el mundo se anima a una experiencia de visionado que recuerda a asistir en primera fila a una autopsia!

Película basada en hechos reales, que han permanecido en la oscurida muchos años por turbios intereses políticos. Cuenta la misión de un cuerpo de cascos azules irlandeses de la ONU en el Congo, en al provincia de Katanga, en el año 1961, cuando el ministro Moise Tshombe pretende la independencia de esa zona, muy rica mineralmente. El grupo a las órdenes del comandante Patrick Quinlan se va a quedar en la estacada, sufriendo un duro asedio de soldados locales y mercenarios, y la los jefes de la ONU no se atreven a actuar por miedo a una guerra civil tras una desastrosa operación con muertos inocentes en Radio Katanga. El desconocido y debutante Richie Smyth dirige esta producción irlandesa de Netflix, la compañía no para de generar productos propios en todos los rincones del planeta. Quizá falta un poco de profundidad en los personajes, pero la acción es muy espectacular, y resulta ilustrativa de un hecho histórico poco conocido, que se vio agravado tras la muerte en accidente aéreo del secretario general de la ONU Dag Hammarskjold. Supone un reconocimiento a una acción valerosa, a la que cubrió en su día un velo por el cual los soldados irlandeses fueron tachados injustamente de cobardía. Además de las acciones bélicas, bien rodadas, hay alguna escena de confrontación de personajes, la mejor es la que acontece en la cantina entre Jamie Dornan y Guillaume Canet, que dan vida respectivamente a Quinlan y al mercenario galo René Faulques.

Tras la muerte de Tywin, su progenitor, Cersei y Jaime tratan de tomar las riendas del clan de los Lannister. Mientras, Tyrion ha huido a Pentos con Varys. Jon Nieve trata de conseguir que Mance Rayder, el Rey-Más-Allá-Del-Muro se una a Stannis Baratheon, pero éste se niega. La quinta temporada de la famosa serie sigue en su línea, mostrando las conspiraciones para hacerse por el poder de los personajes principales, contraponiendo la extrema lealtad a sus principios de algunos personajes, como Brienne de Tarth o Jon Nieve, a la extrema mezquindad de otros. A pesar del estancamiento de alguna subtrama, mantiene el nivel esperado por los numerosos fans.

Mientras, Mance Rayder y su ejército de salvajes continúan su inexorable marcha hacia el sur, más allá del muro. Por su parte, Daenerys Targaryen, al mando de tres dragones, trata de formar un ejército para reclamar el Trono de Hierro. La tercera temporada de Juego de tronos, la exitosa serie de HBO, basada en los libros de George R.R. Martin, mantuvo el nivel esperado. Destacan los esfuerzos del actor Nikolaj Coster-Waldau por humanizar a su hasta ahora maquiavélico personaje. La trama desemboca en la Boda Roja, uno de los momentos más impactantes de la reciente historia televisiva.

Coproducción angloirlandesa que evoca la guerra entre facciones católicas y protestantes en Irlanda del Norte. James Mars, su director, que se ha destacado sobre todo en el documental, se sirve del guión de Tom Bradby, que adapta su propia novela. Se trata esta vez de una producción importante que transcurre en los medios de la guerra de servicios secretos. Collette (Andrea Riseborough), una viuda joven republicana que vive con su familia y su hijo, todos activistas del IRA, es detenida tras un atentado fallido en el corazón de Londres. Mac (Clive Owen) agente secreto de los servicios británicos, ofrece a Colette una alternativa: 25 años de cárcel o la liberación si acepta informar a los servicios secretos de las acciones futuras del IRA. La joven viuda acepta colaborar, el comienzo de un largo proceso que tiene todas las características de una película de suspense, llena de falsas pistas y de apariencias engañosas. Una vez más pasamos de la realidad a la ficción, incluso si el recuerdo de la realidad no desaparece nunca. Agente doble es una película lograda, llena de sorpresas hasta el final, en la que cada espectador es invitado a rehacer el orden de los acontecimientos, lo que puede alimentar las discusiones sobre la película. Y no faltará el debate moral que este tipo de acciones suscita, puesto que se pone en juego la libertad de seres humanos.

La veterana directora canadiense Kari Skogland, forjada en series y telefilmes, lleva al cine la historia real de Martin McGartland, un hombre que logró infiltrarse en el IRA, y que hoy en día vive oculto, con otra identidad, acogido al programa de protección de testigos. La propia Skogland se ha encargado de escribir el guión, a partir de un libro sobre el personaje, escrito por Nicholas Davies y Martin McGartland. La cinta causó cierta polémica durante su proyección en el Festival de Toronto, porque una de las actrices, Rose McGowan –cuyo padre es irlandés–, realizó unas dudosas declaraciones en las que aseguraba que podía entender que la gente se volviese violenta en Irlanda del Norte. La directora y los productores de la cinta se distanciaron de estas opiniones, y aseguraron que no reflejaba lo que quieren contar. Cualquiera que vea la película puede comprobar que tienen razón. 50 hombres muertos tiene lugar a finales de los 80, en los años duros de los enfrentamientos entre católicos y protestantes en Irlanda del Norte, ocupada por el ejército británico. Por aquel entonces, Martin McGartland era un muchacho desempleado, que sobrevivía en Belfast vendiendo prendas robadas. Mientras sigue viviendo en casa de su madre, una mujer de carácter, McGartland tiene un romance con una joven a la que deja embarazada. Tras un encontronazo con la policía, Fergus, un agente especial de la policía, le propone aprovechar su potencial para contactar con el IRA, para que le pase información... A Skogland le falta la brillantez para la puesta en escena de Jim Sheridan y otros grandes directores que han tratado el tema del terrorismo irlandés. Además, no puede disimular los inevitables tópicos del género de infiltrados, que remiten a películas de Martin Scorsese y otros directores. Pero es una cinta honesta cuyo punto fuerte son las interpretaciones, sobre todo por parte de Jim Sturgess, que confirma el talento que demostró como protagonista de 21: Black Jack. Le secundan el siempre brillante Ben Kingsley –el agente que le recluta– y  la citada Rose McGowan, muy convincente –lo cortés no quita lo valiente– en su interpretación de una glamourosa pero implacable líder del IRA. Aún más interesante que la historia policíaca es la subtrama relativa a que el protagonista tenga que sacrificar el poder llevar una vida normal con su familia, para poder cumplir su cometido.

Michael McCrea es perseguido por Dublín toda la noche por los matones de un gángster para que pague una deuda. Así que se une con Perro para dar un golpe y conseguir algo de liquidez. Ello coincide con la aparición de su padre, que le asegura que padece un cáncer terminal. Brenda, una vecina de Michael que tiene problemas con su infiel novio y tendencias suicidas, mata a uno de los matones, lo que la pona a ella y a Michael en una situación muy comprometida. Cinta irlandesa y gangsteril, alocada y brutal, con algo de humor negro, en la que suceden muchas cosas en poco tiempo, punteadas de vez en cuando, sobre todo al inicio y al final, por una irónica voz en off que hace consideraciones sobre la existencia humana. Aunque irregular, La recompensa tiene cierto ritmo y, sobre todo, un estupendo reparto, donde destacan Cillian Murphy y Jim Broadbent, hijo y padre en la ficción que propone la cinta.

O'Malley y Tom son dos actores que deciden probar suerte con los negocios sucios. Las cosas no van muy bien y una serie de circunstancias les brindan la posibilidad de conocer a unos gángsters, la llave perfecta para llevar a cabo su estafa. La película nace de una historia del cineasta Neil Jordan, poco propenso, en general, a las historias cómicas.

Git Hynes acaba de salir de prisión. Su novia le ha dejado y está en deuda con el gánster Tom French, que le obliga a hacer un viajecito al sur de Irlanda para recoger a un amigo suyo llamado Frank Grogan. Durante el recorrido le acompañará Bunny Kelly, un delincuente de mayor edad que él, que tiene debilidad por las faldas y un humor de perros. Pero Git descubre que French quiere ver a Grogan muerto y se niega a realizar la misión. Su única posibilidad es llegar a un acuerdo con Bunny y Grogan, un tipo muy poco fiable. Git y Bunny tendrán que permanecer unidos si no quieren acabar bajo tierra con un disparo en la cabeza. Comedia violenta que explora con humor la bajeza de la mafia irlandesa. Las sobrias interpretaciones y la sobresaliente dirección hacen que la película quede permanentemente grabada en la memoria del espectador.