Tim Roth

Desde que era un niño prodigio, Dovidl Rappoport se ha preparado para su gran momento de debutar tocando el violín en un prestigioso escenario londinense. Pero esa gran noche de 1951 no aparece, desaparece sin dejar rastro dejando colgada a la familia que le acogió, y al que era su gran amigo, Martin Simmonds. Con un juego narrativo de flash-backs y flash-forwards, se nos cuenta la infancia de Dovidl, cuando su padre judío residente en Varsovia lo dejó a cargo de los Simmonds, que prometen respetar sus creencias religiosas. El chico tiene un gran talento, pero es de carácter difícil, y el estallido de la Segunda Guerra Mundial y el incierto destino de su familia le hacen mella. El canadiense François Girard vuelve a abordar una trama donde tiene importancia primordial la música, como lo hiciera anteriormente en El violín rojo y El coro. En esta caso adapta una novela de Norman Lebrecht, que convierte en guión Jeffrey Caine, responsable de los libretos de El jardinero fiel –otra adaptación– o Exodus: Dioses y reyes, trama judía por excelencia, la bíblica historia de Moisés y el éxodo del pueblo de Israel. Girard acierta al crear intriga, y funciona la estructura narrativa de indagación sobre el paradero de Dovidl por parte de un Martin adulto, que le lleva a viajar a lugares diversos como Varsovia y Nueva York, y los recuerdos del pasado y de cómo se forjó la amistad de los dos protagonistas. Aunque hay algún momento más forzado, o del que se habría agradecido un mejor desarrollo –las mujeres en las vidas de ambos, apenas esbozadas, el otro músico polaco que perdió la cordura–, capta la atención del espectador, y se acepta el momento-revelación que tiene lugar la noche del concierto perdido, hay que decir que a partir de ese momento la película se eleva, con grandes momentos musicales. Y dejando espacio para las ideas de rechazo y aceptación de la voluntad de Dios ante las desgracias y el sufrimiento, siempre entretejidas en la historia del holocausto, el destino terrible de tantísimos judíos en los campos de exterminio como el de Treblinka. Los actores están muy bien, tanto en la versión adulta de sus personajes –Tim Roth y Clive Owen–, como en los que interpretan su infancia y adolescencia, estos absolutos desconocidos.

Lena es una adolescente colombiana que está ahorrando dinero para emigrar a Estados Unidos. Como es menor, se encuentra con dificultades, pero cree detectar a un posible aliado en un tipo vestido de cura, en realidad un estafador, cuya cabeza tiene precio, y que es conocido como "El Padre". Este hombre es perseguido por un antiguo juez, Randall, a quien acompaña un secuaz, se trata de razones personales, que más adelante se esclarecerán. Curiosa película canadiense, dirigida por un tal Jonathan Sobol, que nunca tiene un punto de vista nítido, de modo que su interés es muy parcial. Nos cuentan, por ejemplo, que Lena quiere reunirse con su hermana pequeña, adoptada por un matrimonio de Minnesota, que lo compró a una iglesia vía internet. Pero ni este aspecto dramático, o la venganza que ha tramado contra los que vendieron a su hermana, conforman una trama o subtrama consistente, son como versos sueltos, sin ningún interés. Igual ocurre con el alcoholismo de "El Padre", y los motivos que tiene contra él su perseguidor, que carecen de fuerza y emoción. Así que queda un reparto apañado, Nick Nolte y Tim Roth tienen carisma, y la chavalilla Valeria Henríquez da bien ante la cámara. Y una bonita fotografía. Pero ahí queda todo, estamos ante un film del montón, que no resiste el análisis. Lo que debería ser una relación del tipo paternofilial entre precisamente, El Padre, y la huerfanita, no funciona en absoluto.

Al final de la segunda temporada de Twin Peaks, serie que revolucionó la televisión, el espírituestrenaida real ese tiempo televaje resulte lo suficientemente perturbador, que se ve que es el objetivo.revolucionaron la telev de Laura Palmer le decía al agente Cooper “nos veremos dentro de 25 años”. Transcurrido en la vida real ese tiempo se estrena la tercera, que tiene de nuevo al frente a sus creadores, Mark Frost y David Lynch. Ambos escriben los guiones, mientras que el segundo dirige los 18 capítulos, tras más de una década retirado de la ficción dramática, porque después de Inland Empire, de 2006, se ha dedicado en exclusiva a los documentales. Han recuperado a la mayoría de actores originales, y a parte del equipo técnico, por ejemplo al compositor Angelo Badalamenti. La onírica trama de la nueva entrega se despliega en tres escenarios distintos. En Nueva York, un muchacho ha sido reclutado por un millonario para vigilar en todo momento una inquietante caja de cristal, de gran tamaño, donde se espera que algo aparezca. El agente Cooper ha sido dado por desaparecido, aunque en realidad permanece atrapado en la Logia Negra, escenario de sus alucinaciones del pasado, donde conversa con peculiares personajes, como el gigante, el hombre manco y la propia Palmer. Mientras su doppelganger –el doble malvado al que llaman Mr. C– se pasea por el mundo real con aspecto amenazador, reclutando a dos compinches en Dakota del Sur. Allí, la policía detiene a Bill Hastings, director de un instituto, por el asesinato de Ruth Davenport, una mujer que ha aparecido decapitada, y aunque no recuerda haber sido el culpable, sí que soñó con la escena del crimen. Por último, en la localidad de Twin Peaks, el jefe de policía Hawk recibe una llamada de la mujer del leño. Le comunica un enigmático mensaje del madero en cuestión, que le aconseja buscar algo escondido, relacionado con Cooper. La madre de Laura Palmer ha sucumbido al alcoholismo. Jacoby pone en pie una misteriosa construcción en el bosque. En 1990, los primeros episodios cautivaron al público a nivel masivo porque aparentemente mantenían el realismo, pese a sus elementos fantásticos. La serie acabó retirándose de la programación porque sólo una minoría continuaba enganchada, en parte por la bajada de calidad, pero también porque sus tramas se volvieron cada vez más delirantes, únicamente asequibles a los apasionados del director de Terciopelo azul. Para el ‘revival’ se podría esperar que Lynch y Frost buscaran de nuevo llegar al máximo número de espectadores, y sin embargo, han tomado el camino contrario, cerrando filas. El nuevo material sólo convencerá a los ya apasionados, o a una nueva generación de seriéfilos de mentalidad muy abierta. Su trama resulta críptica y hasta difícil de describir incluso para quienes tengan fresco lo ocurrido hasta ahora, por lo que resulta impensable que capte a neófitos. A veces se tiene la sensación de que se contemplan secuencias aisladas, con la única función de inquietar al espectador, pero que no aportan gran cosa a nivel narrativo. Se diría que el ya maduro David Lynch se homenajea a sí mismo, como si hubiera rodado su testamento audiovisual. Esto incluye imágenes que parecen sacadas de su etapa como director de videocreación, de enorme potencia, gracias también a una estudiada utilización de los sonidos o los silencios. En el amplio reparto destaca de nuevo Kyle MacLachlan, su actor fetiche, en un papel doble, y algún recién llegado como Matthew Lillard, el desorientado acusado del crimen. Por lo demás nadie desentona, cada actor consigue que su personaje resulte lo suficientemente perturbador, que se ve que es el objetivo. Si el Twin Peaks de antaño no se parecía a ningún otro producto televisivo, la nueva tanda de capítulos logra la misma hazaña. Poco tiene que ver con ninguna de las numerosas series que triunfan en la actualidad.

El cyborg Henry despierta desmemoriado en un laboratorio. Estelle, que asegura ser su esposa, le ayuda a instalarse un nuevo brazo y una pierna, al parecer perdidas por causas desconocidas. Pero sufren un ataque, por lo que deberán huir de numerosos enemigos… El ruso Timur Bekmambetov, responsable de la nueva versión de Ben-Hur, produce la ópera prima de su compatriota Ilya Naishuller, una coproducción con Estados Unidos, que cuenta con actores de renombre internacional en el reparto. A Sharlto Copley (District 9) le va al pelo un villano caracterizado por su humor sarcástico y negro. Está acompañado por la actriz en alza Haley Bennett (La chica del tren), correcta como Elle, y Tim Roth, que se limita a un cameo. Esta gamberra y salvaje propuesta, de violencia cercana al gore, está rodada en cámara subjetiva. Acusa la influencia de los numerosos videojuegos de moda en primera persona, a cuyos apasionados se diría que va dirigida casi en exclusiva. De hecho, un sector joven ya la califica como cumbre de la modernidad y le augura un status de película de culto. Técnicamente sorprendente, acumula secuencias de acción imposibles, bien logradas, que se suceden a buen ritmo, algunas tan adrenalíticas como el numerito del enfrentamiento del personaje central con un helicóptero. Por el contrario se ha descuidado el guión, coescrito por el propio realizador, que no se ha despeinado mucho. Además, tanto movimiento de cámara puede resultar mareante para un sector del público, sobre todo los que van teniendo una edad.

Desencantada por una ruptura amorosa, la joven Martha emprende unas vacaciones. Conocerá por casualidad a Francis, aparentemente el tipo ideal, del que se enamora. Ignora que en realidad es un asesino a sueldo, con un particular código ético, pues acaba con la vida de los tipos sin escrúpulos que le han contratado. Tras la discutible cinta española Carne de neón Paco Cabezas fue contratado para dirigir en Hollywood la cinta de acción Tokarev, que tampoco acababa de funcionar. Ahora le dan una segunda oportunidad con Mr. Right, una mezcla de comedia romántica y thriller que cuenta con un bajo presupuesto, a pesar de la presencia de rostros conocidos. Por desgracia, el realizador andaluz no es capaz de remontar la evidente falta de medios, ni las numerosas carencias del guión de Max Landis (Chronicle, American Ultra), con personajes planos y diálogos de cómic de segunda fila, y que tras el enamoramiento fulgurante de los protagonistas no avanza hasta el enfrentamiento final. Lo intenta imitando como puede el cine de Quentin Tarantino, combinando violencia con humor surrealista, pero por muy pegadizos que sean los temas musicales que añade, no logra ni por asomo la potencia del autor de Pulp Fiction. Por otro lado, el español tiene poca habilidad para dirigir a los actores. Así lo atestiguan unos Anna Kendrick y Sam Rockwell potenciales candidatos a los Razzie, y unos secundarios a la misma altura. Cabe salvar a Tim Roth, gran actor capaz de tomarse en serio incluso un despropósito como éste. Un novio perfecto, quizás, sí, pero una película totalmente equivocada.

Debut en el largometraje del mexicano Gabriel Ripstein, hijo de Arturo Ripstein, el veterano diretor. Con tono casi documental, sigue los pasos del joven y algo ingenuo Arnulfo, que hace con frecuencia viajes en la frontera entre su país, México, y Estados Unidos, para traer ocultas en su vehículo armas a pequeña escala para su tío, ligado al narcotráfico. Para ello está conchabado unos jóvenes estadounidenses que se aprovechan de la permisividad en el control de las armas, para adquirirlas en tiendas o a través de internet. Hank, un veterano agente federal, anda tras lo pasos de los delincuentes connacionales, pero por circunstancias del destino termina convertido en rehén de Arnulfo. No es 600 millas un policíaco convencional. Ripstein ofrece un retrato certero de cierta juventud que no se cuestiona la moralidad de sus acciones, y a la que le importan más las apariencias, lo que los demás piensan de él, en particular su tío, al que ve como un hombre poderoso al que debe impresionar. Frente a esa figura "fantasma" y poco ajustada a la realidad, comienza a tomar forma real de persona concreta el policía al que retiene contra su voluntad, que se convierte para él en una suerte de padre, y al que aprende a apreciar y a compadecer, por hechos como el de que enviudó recientemente. La cinta de Ripstein no es nada complaciente. Destaca su realismo y la violencia que contiene es seca y nada complaciente. De todos modos no se libra de un regusto cínico en el desenlace. Grandes trabajos interpretativos de Kristyan Ferrer y Tim Roth.

Largo spaguetti-western, más de tres horas, a cargo de Quentin Tarantino, con su toque especial de largos y estudiados diálogos, y para el cual ha contado por fin con una banda sonora original de Ennio Morricone, que hizo la música para los filmes del género de Sergio Leone. Está estructurado en seis capítulos, dos en la diligencia, dos en la casa de postas de la "Mercería de Minnie" a la que arriban los viajeros de la diligencia, un quinto, flash-back, que explica ciertos acontecimientos mientras viajaba la diligencia, más uno último climático. Y aunque es un film dinámico y con formidables exteriores, bien podría concebirse como una obra de teatro, tan importantes son los intercambios dialécticos. Situada la narración en los años posteriores de la guerra de secesión, arranca con el encuentro de dos cazarrecompensas: John Kurz, que lleva consigo a una prisionera para la horca, Daisy Domergue, y el mayor negro Marquis Warren, que prefiere entregar cadáveres para evitarse problemas y combatió por el norte. En medio de una terrible ventisca en los nevados parajes de Wyoming, van camino de Red Rock y se topan con Chris Mannix, el futuro sheriff de la localidad, sureño. No desean otra cosa que poder refugiarse de las inclemencias del tiempo en la "Mercería de Minnie", pero en dicho lugar aguardan bastantes sorpresas. Con su octava película Tarantino confirma lo que todos sabemos: es un gran contador de historias y un gran director, que sabe imprimir ritmo a la narración, sin temor a agotar con las largas parrafadas que sueltan sus personajes, o con sus gamberradas violentas, de modo especial el último tramo del film, un festival casi gore, no faltan disparos a la cabeza y desparrame de sesos. El plano de apertura, que arranca en un crucificado de piedra para abrirse y mostrar cómo se acerca la diligencia, demuestra su maestría. Y sabe definir a sus personajes, concediendo a cada unos los rasgos precisos –la película es un regalo para los actores, por supuesto para el más protagonista Samuel L. Jackson, pero también para Kurt Russell, Walton Goggins, Tim Roth, Jennifer Jason Leigh, etc–, y contraataca de algún modo a los que le tachan de racista porque repita hasta la saciedad la palabra despectiva "nigger", de modo especial con el obsceno relato ligado al hijo de un general sudista, acudiendo a la ironía de ida y vuelta, una especie de curioso juego de ping-pong que le funciona. El antiguo empleado de videoclub supura cinefilia por todos los fotogramas de este film rodado en celuloide en 70 milímetros. Y se entrega a un ejercicio donde, el título lo deja claro, los personajes son odiosos: inmorales y con escasos escrúpulos, cada uno busca su propio beneficio, buscando para ello los necesarios aliados y manteniendo las lealtades mínimas que aconseja el instinto de supervivencia. Quizá el que al final sea todo un cínico juego de "niño travieso" es lo que pesa a un cineasta que con un poco más de peso específico en sus propuestas podría ser genial.

La actriz hollywoodiense Grace Kelly está viviendo su particular cuento de hadas tras contraer matrimonio con el príncipe Rainiero de Mónaco. Ha tenido dos hijos, Carolina y Alberto, deberían ser felices y estar comiendo perdices todo el tiempo... Pero las cosas no son tan sencillas. Grace no se adapta al rígido protocolo de palacio, y no ha logrado ganarse a su pueblo. Y le tienta volver a actuar, ahora que tiene entre sus manos el guión de Marnie, la ladrona, el nuevo proyecto de Alfred Hitchcock. El distanciamiento con su esposo, y una grave crisis con Francia por el especial estatus de Mónoco como paraíso fiscal, llevarán a Grace de Mónaco a replantearse cuál es el papel que debe interpretar en la película de su vida. “Una ficción basada en hechos reales”. Así se describe en un letrero inicial lo que cuenta Grace de Mónaco, de Olivier Dahan, quien ya siguió antes a otra celebridad en la pantalla en La vida en rosa, la inolvidable cantante Édith Piaf. En efecto, la familia real monaguesca, o sea, los hijos de Grace, no han quedado muy satisfechos con lo que cuenta la película, que no se ajustaría a la realidad. Y esa sensación también la puede tener el espectador, pues la mezcla entre la peripecia de Grace para hacerse a su nueva vida, y su intervención para superar la crisis diplomática con Francia, no acaban de casar bien. Entendámonos. La película es entretenida, se sigue con agrado su oferta de amor y lujo. Pero se diría que en los últimos tiempos las princesas no tienen suerte ante la crítica, pues Diana fue vapuleada recientemente, y Grace de Mónaco parecer estar corriendo idéntica suerte. Sea como fuere, Nicole Kidman logra hacerse pasar por Grace Kelly, lo que no es poco, y resulta convincente tratando de aprender el papel de princesa, con las distintas máscaras que debe aprender a llevar. Pero a veces da la sensación de que ciertos pasajes no están bien engrasados, como los referentes a las diferencias con Rainiero, o la última y brusca escena con el padre Tucker, su consejero espiritual. Y la parte que podríamos describir como detectivesca, aunque tenga la buena intención de homenajear a Hitchock, resulta un tanto postiza. En cualquier caso se puede decir a favor del film que presenta a un Hitchcock normal y agradable, casi paternal con su actriz, todo un logro sin comparamos con la imagen casi de psicópata que dieron las recientes películas Hitchcock y The Girl.

Vibrante película nominada al Oscar, que cuenta con el apoyo en la producción de nombres como Brad Pitt y Oprah Winfrey –ésta también con un pequeño papel–, y que llega a los cines cuando se cumplen 50 años de las históricas marchas de Selma a Montgomery, Alabama, reclamando el derecho al voto para los negros en Estados Unidos. Aun reconociendo lo justo de la demanda, teóricamente ya una realidad, pero que está lejos de serlo en los estados del Sur, el presidente Lyndon B. Johnson no quiere tomar en sus manos esta “patata caliente” y legislar, sobre todo cuando ocupan su mesa otros graves problemas de los cuales no es el menor la Guerra de Vietnam. El carismático Martin Luther King, cuyo prestigio se acaba de acrecentar con el Premio Nobel de la Paz, establecerá en Selma la base de operaciones de esta nueva lucha pacífica por el voto. Mientras, el gobernador del Estado George Wallace no quiere dar su brazo a torcer, incluso recurriendo a la violencia, y el FBI de J. Edgar Hoover espía los movimientos de King, aireando sus problemas conyugales. Buena muestra de cine histórico, que evita los clásicos buenismos y didactismos en que resulta fácil caer cuando se retrata a gigantes en la lucha por las libertades. La afroamericana Ava DuVernay, que ya llamó la atención con una interesante muestra de cine “indie”, Middle of Nowhere, maneja bien el sólido guión del primerizo Paul Webb, que está punteado con breve frases sobreimpresionadas en la pantalla, como si formaran parte de los informes que el FBI elabora sobre King, e incluye múltiples personajes y grupos en la narración, con el mérito de lograr que el espectador no se pierda, sin ser pesado. El film combina los tintes épicos de ciertas escenas de muchedumbres, o la brutalidad de la represión en el puente Edmund Pettus, con el intimismo de los “tête à tête” entre los personajes, sus intercambios verbales con diferentes puntos de vista, y la soledad del líder, Martin Luther King, que se ha ido dejando en el camino la felicidad del hogar, que desearía recomponer, y cuyo principal guía es su fe en Dios, la oración unida a la convicción de la justicia de su causa. Resulta sugerente la idea de que la población de Selma fue escogida como catalizador ideal de un movimiento que corría el riesgo de no lograr avances considerables, y se hace justicia señalando las adhesiones de numerosos miembros de distintas confesiones a la marcha. Sobre el rigor histórico, hay quien considera que se arroja una imagen algo negativa del presidente, demasiado pragmático y complaciente con los métodos de Hoover, cuando habría sido un sólido apoyo de King, en cualquier caso su apoyo de fondo a las metas que persigue el otro quedan fuera de toda duda. Ésta es una de esas películas que merecería un premio al conjunto del reparto, todos los actores insuflan alma a sus personajes, hasta los que tienen una presencia mínima, como las niñas del atentado de una iglesia en Birmingham. Aunque por supuesto sobresale David Oyelowo que entrega a un inolvidable Martin Luther King.

Robert Miller es un poderoso hombre de negocios, casado y con hijos situados en altos cargos de su holding familiar. Pero el momento actual es apurado para Robert, ya que está a punto de cerrar el traspaso de una de sus empresas. En realidad, todo su negocio depende de esa operación, pues ha falsificado las cuentas y el comprador ignora el vacío de capital existente. A la espera de esa importante transacción que lo salve a él y a sus inversores, Robert se relaja a menudo junto a su amante francesa. Sin embargo un serio percance provocará que la policía empiece a investigarle. El fraude es una película más que urde su argumento al amparo de la crisis económica mundial. El director y guionista Nicholas Jarecki, debuta en el largometraje poniendo una vez más sobre el tapete el tema de la doble moral, de la vida falsa de tantos magnates, para quienes las empresas son sólo sus herramientas para adquirir poder, donde el dinero es el ídolo que manda sobre cualquier otra cosa, ya sea la verdad, las personas o la propia integridad. No está demás dejar claro que es esa falta de ética –“así son los negocios”, dice el protagonista– lo que ha llevado a la ruina a países enteros. Funciona en El fraude este tono dramático, con un empresario que se siente entre la espada y la pared, pero también el equilibrado enfoque de thriller policiaco, con esa especie de perro de presa personificado en el detective interpretado con gran soltura por Tim Roth. Por otra parte, el inteligente guión de El fraude se esfuerza por mostrar a un protagonista genuino, muy verosímil, hombre cuyo comportamiento no resultará nada anormal al espectador (casi sentimos pena por él y por lo que le sucede), cuando en realidad debería producir extrañeza y un severo rechazo. En honor a la verdad Richard Gere compone a la perfección el papel de hombre agobiado, de picatoste en horas bajas que casi sin querer se ha ido convirtiendo en un egocéntrico manipulador. Espléndida resulta la escena de la discusión matrimonial (grande Susan Sarandon en el pocos minutos que tiene), donde el cinismo entre la pareja llega al culmen y donde se acaba revelando la inmunda falsedad de tantas vidas que relumbran bajo el oropel del triunfo material.

Adam es un chico problemático y rebelde; el novio de su madre, Peter, es un impetuoso gánster que le asignará un importante trabajo: ser el conductor de su más talentoso y letal sicario. Ahora serán las 24 horas más intensas del joven inglés, llenas de asesinatos, secuestros, venganzas y tráfico sexual al lado de un frio y metódico asesino. Con la participación del nominado al Oscar Tim Roth (Reservoir Dogs), esta película mezcla intensas escenas de violencia y acción con un ligero toque sarcástico sobre los inicios de un joven en el mundo del crimen. Incluye apañadas interpretaciones del resto del reparto.

El psicólogo Cal Lightman está considerado un detector de mentiras andante. Se ha convertido en todo un experto en detectar engaños. Cuando analiza la voz, los movimientos y los gestos de las personas es capaz de determinar si mienten. Con ayuda de la doctora Gillian Foster, Lightman colabora en la investigación de casos criminales. Tim Roth (Pulp Fiction) protagoniza esta serie. Se inspira libremente en el caso real de Paul Ekman, psicólogo que está considerado por la revista Time una de las 100 personas más influyentes del mundo.

Miniserie de tres horas de duración que adapta la célebre novela de aventuras marinas "El lobo de mar", escrita por Jack London. Protagoniza Sebastian Koch (La vida de los otros), a quien acompañan Tim Roth y Neve Campbell. La producción está muy cuidada, los personajes altamente trabajados y la historia atrapa, por lo que el resultado es bastante entretenido. La dirección corre a cargo de Mike Barker, que dio muestras de su talento tras las cámaras en la película de época A Good Woman. El argumento se centra en el capitán Wolf Larsen, llamado "El lobo de mar". Larsen gobierna su barco, el Ghost, con mano muy dura, que a menudo le hace enfrentarse a la tripulación. Durante una travesía rescatará a un escritor, Humphrey, que acabará trabajando para él. Pero la vida a bordo será una pesadilla y los enfrentamientos con el capitán serán constantes.

Los responsables de Marvel, editorial que publica las aventuras de Hulk, no quedaron satisfechos con la adaptación al cine que hizo Ang Lee en 2003, porque recaudó menos que las películas sobre otros personajes de la casa, como Spider-man o X-Men. De ahí que hayan lavado completamente la cara a la franquicia, al colocar a otro director al frente del proyecto, y a un nuevo reparto encabezado por Edward Norton, que también figura acreditado como guionista. Norton retoma el personaje de Eric Bana, Bruce Banner, un científico que tras verse expuesto a una radiación de rayos gamma, cada vez que se enfurece se convierte en el monstruoso Hulk. Banner huye de los militares que le buscan, dirigidos por el general Thaddeus Ross, padre de su amada, Betty, de la que ha tenido que apartarse porque teme hacerla daño. En su periplo, ha llegado a Brasil, donde consigue un trabajo en una fábrica envasadora de bebidas, investiga en busca de una cura y recibe clases de autocontrol y relajación a través de ejercicios respiratorios. Por desgracia, Banner sufre un pinchazo en el dedo, y una gota de su sangre cae sobre una botella, causando estragos al tipo que lo consume. Esta pista llevará a Brasil al general Ross, que cuenta con la ayuda de Emil Blonsky, un despiadado soldado. Al contrario que a Ang Lee, al cineasta Louis Leterrier (Transporter, Danny the Dog) le tira más la acción que los conflictos dramáticos, y compone eficaces secuencias de enfrentamientos entre Hulk y sus perseguidores. Todo desemboca en el clímax final, en Nueva York, que no decepciona, con el protagonista enfrentándose a otra gigantesca criatura que causa todavía más destrucción que él. Parte además de un guión muy bien desarrollado, en el que se nota el toque de Edward Norton, una estrella con muy buen criterio, a juzgar por los filmes en los que se involucra, y que descontento con el montaje final, se ha negado a participar en la promoción. Muy posiblemente, Norton es el responsable de que se enfaticen las críticas a la falta de ética en las investigaciones científicas, de que la tragedia de su personaje esté muy bien desarrollada, y de que se le saque bastante jugo al trasfondo romántico. La historia de amor entre el monstruo y su prometida sigue las líneas del mito de 'La bella y la bestia' y de King Kong y da lugar a los momentos más emotivos. A los aficionados al cine les costará ver a Liv Tyler sin recordar a Arwen, su personaje en El Señor de los Anillos. Pero es una actriz competente que no desmerece frente al todoterreno Edward Norton. La pareja está rodeada de secundarios tan competentes como el veterano William Hurt (general Ross), Tim Roth (el soldado Blonsky) y Tim Blake Nelson (un científico que ayuda a Banner).

El alemán Michael Haneke dirigió en 1997 su obra más conocida, Funny Games, transgresor, provocador y sórdido thriller. Diez años después, se hace cargo del remake estadounidense, una reproducción clónica del original, con otros actores, tan excelentes como ya eran los originales, pero más conocidos a nivel internacional. Repite el arranque, que resume muy bien lo que quiere contar Haneke. Ann y George –un matrimonio burgués– se dirigen en coche con su hijo Georgie hacia su lujosa residencia veraniega, mientras juegan a colocar CDs de opera en el reproductor e intentan adivinar quién es el autor de cada pieza. La música armónica relaja y prácticamente hipnotiza al espectador, hasta que Haneke cambia de banda sonora y sustituye la ópera por un durísimo tema de rock muy poco armónico que produce el efecto de un elefante en una tienda de piezas de porcelana. Adelanta lo que va a ser el argumento: la plácida vida de una familia feliz se ve arrastrada al caos tras la irrupción brusca en su casa de dos jóvenes psicópatas que les retienen contra su voluntad, les someten a vejaciones y les avisan de que les van a asesinar. El aspecto más polémico de aquella obra sobre el sinsentido de la violencia era que sus jóvenes asesinos hacían daño sin ninguna motivación aparente, por pura diversión. Se incluyen guiños a La naranja mecánica, cinta con la que está muy estrechamente relacionada. Haneke va un paso más allá de lo que ofrecía Kubrick, pues sus asesinos parecen gozar de absoluta impunidad. Llama la atención que Haneke repita algunos juegos de cine vanguardista más usuales en el cine europeo que en el americano –como el personaje que habla a la cámara o aquel ‘rewind’ que dio mucho de que hablar–. Estos elementos desconcertarán al público que busque un thriller más convencional y a veces se hacen un poco cargantes. Por lo demás, y a pesar de sencillas variaciones, Haneke repite prácticamente los mismos planos –hasta los personajes se llaman igual–, por lo que gustará más a los espectadores que desconozcan la anterior versión. Naomi Watts y Tim Roth realizan interpretaciones tan realistas que parecen estar pasándolo bastante mal, mientras que Michael Pitt da vida a un psicópata que transmite una demencia infernal.

Tras diez años de ausencia, Francis Ford Coppola elige para volver a la dirección y escritura de guiones una historia hermética, adaptación de una novela del rumano historiador de las religiones Mircea Eliade. La acción arranca con lo que parece un anciano senil, el profesor Dominic Matei, quien en la Navidad de 1928 recorre las calles nevadas de una ciudad rumana en pijama y zapatillas. De ahí pasamos a Pascua, con el mismo personaje que es alcanzado y casi fulminado por un rayo. Ingresado en un hospital, en vez de morir o quedar inválido, un extraño fenómeno le ocurre. Recobra la perdida juventud, y a partir de ese momento el paso de los años no le va a afectar, un caso que estudia su médico, el profesor Stanciulescu. Y que despierta el interés de los científicos nazis, e incluso del mismísimo Adolf Hitler. A veces Dominic tiene la sensación de desdoblarse, de poder verse desde fuera de sí mismo, lo que le empuja a reflexionar sobre sus recuerdos, y a emprender una exhaustiva investigación acerca de los orígenes del hombre y el lenguaje. Los años pasarán hasta 1968, y en ese lapso conocerá a una joven, Veronica, que parece aún más anciana que él, y que a veces cae en trance y se pone a hablar lenguas extrañas. Resulta difícil saber qué rayos (nunca mejor dicho) se ha propuesto Coppola con este film, que bien puede calificarse de experimental, como lo fuera en su día Corazonada. Ciertamente la trama le sirve para reflexionar sobre el paso del tiempo, un tema que le apasiona, y que ha tratado en clave más o menos fantástica en Peggy Sue se casó y Jack, y de un modo más realista en la saga de El padrino. Lo que no ayuda es el cripticismo que domina el film, cuando no pura confusión o verborrea, donde no faltan extrañas consideraciones sobre la transmigración de las almas y la diosa Shiva, referencias religiosas que contrastan con las imágenes cristianas que abren (Navidad y Pascua) y cierran (la cruz de una iglesia en invierno) la narración. La historia de amor, en que el dilema fáustico del protagonista es la investigación de su vida, o la pérdida de la amada, recuerda un tanto a otra película fallida del mismo corte, La vida interior de Martin Frost, de Paul Auster. Se encuentran presentes a lo largo del metraje discursos y conversaciones a lo coronel Kurtz de Apocalypse Now, pero sin la lucidez alocada y poderoso vigor de aquellos. Las imágenes poseen una cualidad hipnótica, donde además de aprovecharse las posibilidades de las nuevas tecnologías, se juega con las tonalidades ocres “padrinescas” o con el claroscuro a lo Rembrandt o Caravaggio de muchos de los filmes coppolianos. Y ese gran montador e ingeniero de sonido que es Walter Much contribuye poderosamente a la hermosa estética del conjunto. A veces el espectador conocedor de Coppola puede verse dominado por la nostalgia, pues muchos elementos de la película retrotraen a la filmografía anterior del cineasta, como la interpretación y look del protagonista, un Tim Roth que recuerda, y mucho, a Al Pacino. Pero los aciertos de la película no ocultan un tono pretencioso y hueco, la mirada de un poeta que no sabía qué mirar.

Siglo XIV. Lorenzo de Lamberti, un joven pícaro perseguido por Gerbino de la Ratta, un noble al que ha agraviado, finge ser sordomudo para que le acojan las monjas de un convento. Allí, ejerce como jardinero, al tiempo que encandila a las religiosas más jóvenes. También se oculta en el mismo lugar Pampinea Anastagi, una rica heredera cuyos padres murieron como consecuencia de la peste negra que asoló Florencia. Pampinea también ha huido de De la Ratta, que ha confiscado todos sus bienes para cobrarse la deuda que contrajo con el padre de la muchacha, y que pretende casarse con ella. David Leland (Amores en tiempos de guerra) dirige y escribe esta fallida comedia, inspirada libremente en las historias que componen ‘El Decameron’ de Giovanni Bocaccio, que en su momento fue adaptado nada menos que por Pier Paolo Passolini. Por desgracia, el tal Leland no tiene ni de lejos el talento del cineasta italiano, ni su sentido del humor, por lo que la comparación sería bastante odiosa. Se limita al humor soez, a las secuencias irreverentes y a situaciones absurdas muy subidas de tono, como en las peores películas españolas de la transición, o las comedietas eróticas italianas de los 70. Los diálogos son torpes, muchas veces se nota que son una excusa para el exhibicionismo de las actrices. Poco puede hacer el reparto para dotar de credibilidad a sus acartonados personajes, pero se salva parcialmente Tim Roth, que tiene una gran habilidad para componer a malvados, como demostró en Rob Roy. La pasión de un rebelde.

El 26 de diciembre de 2004 un tsunami arrasó el sudeste asiático. Esta ambiciosa coproducción televisiva de HBO y BBC recrea los trágicos sucesos que sucedieron al fenómeno natural que se llevó por delante la vida de más de 250.000 personas.La película sigue a distintos personajes ficticios cuyas vidas quedaron transformadas después de tan magna catástrofe, y aunque es inevitable plegarse a ciertos esquemas del cine de catástrofes hay un esfuerzo claro para huir de los estereotipos y evitar las sensiblerías facilonas.Entre los dramas personales descritos se encuentra el de un matrimonio negro, Ian y Susie, que trata de dar con el paradero de su hijita Martha; el del camarero local Than, cuyo pueblecito de pescadores ha sido arrasado y se ha quedado sin familia; el de la familia Peabody, donde las dificultades para evacuar a un hijo podría obligar a amputarle la pierna. También se describen las actuaciones de la prensa (el veterano periodista Nick de Tim Roth), una ONG cristiana (a la que dedica su vida la Kate Toni Collette), o la empresa propietaria del hotel, que sólo piensa en reconstruirlo y volver a ganar dinero. Y se especula acerca de si se podía haber evitado la catástrofe, de cuya posibilidad había advertido años atrás un prestigioso metereólogo. Actores de la talla de Toni Collette, Sophie Okonedo, Tim Roth y Chiwetel Ejiofor ponen rostro a las miles de personas anónimas afectadas.

Interesante producción de Danny DeVito de aires trágicos, ambientada en el mundo del juego, cuyo mayor gancho es sin duda el espectacular reparto, plagado de rostros conocidos. La película sigue a varios personajes. Carolyn Carver (Kim Basinger) es una escritora con una seria adicción al juego, que lógicamente acaba conduciéndola hacia el desastre. La ruptura con su familia, amigos y demás gente querida es algo que parece inevitable. Lo único que Carolyn podrá hacer en su lamentable situación será pedir ayuda, pero ¿a quién? y ¿a qué precio? Quizá podría echar una mano Walter, un mago con mucha labia. Por otro lado Clyde está entrampado en el mundo de las apuestas, por lo que pide a su hermano, prometedor base de baloncesto, que los resultados de los partidos de su equipo se acomoden a las necesidades que le imponen unos matones. Mark Rydell, el director de En el estanque dorado, logra un film interesante, que habla de sueños y ambiciones, y de los riesgos y precios que pagamos por hacerlos realidad. Con buena mano artesana dibuja los conflictos de los numerosos personajes, y sus diferentes destinos. Tal vez quiere abarcar demasiado, pues hay espacio para un toque cínico, pero también para el amor, el sacrificio y el arreglo de las desavenencias conyugales.

Kathy, una joven viuda, vive despreocupadamente en una enorme mansion con sus tres hijos. Necesitada de dinero, alquila una de las habitaciones, que servía  como consulta a su marido, a un atractivo arquitecto francés. Desde ese día, empieza a recibir misteriosas llamadas telefónicas a la misma hora y a ver misteriosas señales que le hacen sospechar que detrás puede estar su difunto marido. La muerte no parece haber separado al matrimonio protagonista de esta inquietante cinta de terror. Tim Roth se luce interpretando al villano de la función, el fantasma del marido, que en vida era un maltratador con problemas con el alcohol. Andie MacDowell trata de recuperar el terreno cinematográfico perdido, pues desde Las flores de Harrison, se la ve mucho más como modelo publicitaria.

Howard Spence, actor de westerns, en tiempos fue una celebridad, pero su vida estaba marcada por escándalos y líos de faldas. Ahora, ya cincuentón, tiene problemas con la bebida y sobrevive rodando subproductos de tres al cuarto. Después de una noche de juerga, se replanteará su vida. Decide abandonar el set donde rueda su último film, y parte en busca de su madre, a la que hace mucho que no ve. Ésta le revela una inesperada noticia. Resulta que Howard tiene un hijo cuya existencia desconocía por completo, fruto de uno de sus escarceos amorosos. Howard decide encontrarse con él. Wim Wenders se reencuentra con Sam Shepard, guionista de París, Texas. En esta ocasión, ambos se han encargado de escribir el guión, mientras que Shepard, que también es un excelente actor, interpreta al protagonista, un hombre en busca de su familia y de un sentido para su vida, como Travis, el personaje de Harry Dean Stanton en la citada París, Texas. Este nuevo trabajo recupera el tema de la soledad y la incomunicación y también transcurre por escenarios desérticos. Pero Wenders ya no está tan en forma como entonces, y acude a un tono excesivamente pretencioso. Sus personajes están peor construidos y sus escenas son menos brillantes. Estas pegas lastran un poco una película con fondo interesante, que recuerda en varios elementos a la muy superior Flores rotas, de Jim Jarmusch, también sobre un maduro 'donjuan' en busca del hijo cuya existencia ignoraba y de su propia redención. En cualquier caso, sin ser de lo mejor de Wenders, se sigue con interés y cuenta con un estupendo reparto.

Cuando se separa de su marido, Dahlia Williams encuentra un nuevo apartamento en una zona de edificios modestos, para instalarse con su hija Ceci. Dahlia consigue trabajo, aunque está agobiada por el trauma de la descomposición matrimonial, y la dura batalla legal por la custodia de Ceci. Además, en su apartamento aparece una misteriosa gotera de agua negruzca, que será el primer síntoma de una serie de fenómenos paranormales. Hace unos años llegó a nuestras pantallas la versión japonesa de Dark Water, de Hideo Nakata, que volvía a llevar al cine otra novela de Koji Suzuki, tras la exitosa The Ring, que puso de moda el cine de terror japonés en todo el mundo. El remake estadounidense de Dark Water no se ha hecho esperar, y curiosamente supone el debut en Hollywood de Walter Salles, máximo representante del cine brasileño actual, y director de Diarios de motocicleta. Salles, más versado en el drama, no es un cineasta especialmente indicado para el género de terror, y apenas se esfuerza por crear tensión y sustos. Pero a cambio se centra en la descripción de personajes, lo que se nota en secundarios como el abogado, descritos con una economía de medios asombrosa. Además, el cineasta aprovecha al excepcional reparto y le saca tajada a temas como la maternidad, la soledad y las consecuencias de una ruptura familiar. Queda así un film atípico que no se ajusta del todo a lo que esperan los incondicionales del género, pero que interesará a un público más amplio.

Mientras rueda un spot publicitario, el candidato a gobernador de Colorado pesca un cadáver en un lago. Tratando de evitar a toda costa el escándalo (que el candidato quede como ‘el tipo que pescó un cadáver’), encargan a una agencia de detectives que averigüen quién es el muerto, y si algún enemigo político lo ha dejado adrede para dañar las posibilidades de ganar las elecciones. A medida que avanza en sus indagaciones, el investigador Danny O'Brien descubrirá que ‘el enemigo está en casa’. Hábil sátira política, revestida de trama detectivesca, y con el romanticismo al fondo de un antiguo amor, y de la fidelidad a los propios principios. Aunque en el candidato hay paralelismos con el presidente George W. Bush, John Sayles es lo bastante capaz para no caer en la burda caricatura. Así, muestra con mordacidad a un demagogo puro, no demasiado inteligente, hombre de paja manejado por otros que esperan sacar tajada de su triunfo electoral. Y dirige su diatriba a ese clan de explotadores, que hace fortuna manipulando a los votantes con la apelación a su patriotismo, a los valores familiares, Dios, etc. De este modo se fustiga más la hipocresía que las ideas, lo que se constata en el caso de la hermana del candidato, feliz de haber tenido al hijo que pensó abortar. Pero no sólo los políticos salen mal parados: los medios de comunicación son acusados de apostar siempre al caballo ganador, de evitar las cuestiones incómodas que suponen un riesgo. Además hay una interesante subtrama, en que se pinta la miseria de los inmigrantes y los espaldas mojadas, que sin papeles son mercancía de la que se puede prescindir.

Nueva Francia, a mediados del XVIII. Aunque podría llevar una vida acomodada, pues pertenece a una familia burguesa, François Le Gardeur ha elegido errar por el territorio americano y vivir con los indios. De paso por Québec, descubre que su padre ha fallecido y que estaba implicado en una trama de corrupción. En la ciudad conoce también a Marie-Loup, hija del molinero, de la que se enamora. Jean Beaudin, un prolífico director canadiense, filma una historia de amor en el contexto de los últimos días de la presencia francesa en el Nuevo Mundo. Se trata de una lujosa coproducción franco-anglo-canadiense, de inmejorable reparto internacional, basada en hechos reales.

Uno de los hechos menos conocidos en relación con la guerra del Vietnam es que algunos soldados americanos experimentaron sinceros flechazos hacia mujeres vietnamitas, que les llevaron incluso al matrimonio. Este sensible film describe los esfuerzos del joven Bihn, considerado como “menos que polvo” por ser hijo de padre americano, por encontrar a su progenitor, del que no han vuelto a saber nada desde la retirada de EE.UU. de su país años atrás. Hans Petter Moland concibe la trama como la descripción de un largo viaje con mil penalidades, que permitirá al protagonista conocer no sólo a su padre, sino a sí mismo.

Inglaterra. Siglo XVII. La corrupción política provoca que el noble Thomas Fairfax y su leal general, Oliver Cromwell, encabecen una revolución. Tras una guerra civil que dura tres años, el monarca Carlos IV es derrotado. Fairfax cree que la contienda ha sido una lección suficiente para el rey, pero Cromwell pretende ir mucho más allá. Decide ejecutarlo, e instaurará un nuevo régimen que genera una espiral de violencia. Nueva recreación del episodio histórico que dio lugar a una magnífica película: Cromwell, de Ken Hughes. Esta vez, el guión se toma muchas licencias históricas, que pillarán los conocedores del paño (Carlos IV no se rindió tras la batalla de Naseby, como muestra el principio de la cinta), y simplifica una época histórica marcada por complejas intrigas políticas. Se echan de menos, por ejemplo, las motivaciones religiosas que tenía el puritano Oliver Cromwell en la realidad. Pero gracias a este recurso, se hace inteligible para el gran público el conflicto central: la postura radical de Cromwell, frente a la de Fairfax, ansioso de reformas, pero más racional y moderado. La cinta se centra sobre todo en la descripción de los personajes, lo que se refuerza por la modélica labor del reparto, especialmente de Tim Roth, que refleja a la perfección como Cromwell fue convirtiéndose poco a poco en un tirano.

Un poli acaba de saber que le quedan pocos días de vida. De modo que, para no sufrir una agonía, contrata un asesino que debe matarle cuando menos se lo espere. Entretanto se dedicar a resolver un caso. Original thriller, cuya trama da un vuelco cuando el protagonista descubre que, en el caso que investiga, la víctima en potencia es… ¡él! El semidesconocido Scott Wolf (Tormenta blanca) da a su detectivesco personaje un adecuado aire de inocencia.

Parábola en torno al ascenso del nazismo en Alemania. Zishe Breitbart, hijo de un herrero polaco, judío, tiene una fuerza descomunal, y el corazón y la inocencia de un niño. El célebre mago e ilusionista Hanussen, que aspira a establecer y dirigir un ministerio de fuerzas ocultas al servicio de Hitler, lo ficha para uno de sus espectáculos, donde debe encarnar al héroe mitológico Sigfrido. Entre ambos hombre se establece una relación especial, mientras Zishe cree haber recibido de Dios una misión: advertir a su pueblo de la que se le viene encima. El cineasta alemán Werner Herzog recupera la buena forma de antaño, cuando sorprendía con títulos como Aguirre, la cólera de Dios. Aquí se atreve con una historia inspirada en hechos reales, pero que adquiere trazos legendarios, y hasta de cuento. Los actores están soberbios: Tim Roth da rienda suelta a los excesos de su personaje, mientras que Jouko Ahola da con la justa medida para el suyo no parezca irreal.

Singular versión de las novelas de Dumas, más centrada en la figura de D'Artagnan, aquel muchacho provinciano dispuesto a ingresar en los míticos mosqueteros y, en esta ocasión, también pendiente de vengar la muerte de sus padres. Puesto que a Athos, Porthos y Aramis se les muestra en decadencia y apartados de la acción, el joven debe ocuparse casi en solitario de desbaratar los planes de Richelieu. Basándose muy libremente en los textos originales, el veterano Peter Hyams (El fin de los días) construye un espectáculo de acción moderna al estilo de Matrix. Frente al eficaz Justin Chambers (D'Artagnan) y a renombrados actores como Stephen Rea (Richelieu) o Mena Suvari (la criada de la reina), brilla especialmente Tim Roth en su papel de Febre, sicario del cardenal, auténtico villano de la función. También destaca Catherine Deneuve, como la reina, personaje con mayor presencia que en otras ocasiones.

Tim Burton ofrece una nueva visión de la historia de "El planeta de los simios". El director, que odia que califiquen su film de remake, ha buscado una mayor fidelidad a la novela original de Pierre Boulle, y trata de no entregar un simple clon de la película original. De modo que destapa el frasco de su genio cinematográfico y logra una gran aventura. Porque ha preferido dejar un poco de lado la visión pesimista acerca de la condición humana, y centrarse en una trama trepidante. De nuevo tenemos a un astronauta (eficaz Mark Wahlberg) que, atrapado en una tormenta magnética, va a parar a un planeta donde los simios son los amos, y los humanos son tratados como poco más que animales. Aunque en la versión burtonesca los humanos hablan, por lo que su condición se asemeja más a la de los esclavos negros de hace menos de dos siglos en el continente americano. El reparto del film es de campanillas. Además de contar con Wahlberg para emular a Charlton Heston, tenemos a Tim Roth como el chimpancé general Thade, a Michael Clarke Duncan dando vida al gorila Attar, y a Paul Giamatti como el orangután Limbo. Entre las féminas, tenemos a Helena Bonham-Carter como la inteligente doctora Ari, y a la modelo de Chanel Estella Warren como la humana Daena. Burton mira con respeto su referencia clásica, y quizá los signos de reconocimiento de su particular y desbordante mundo interior están más ocultos que en otras ocasiones (hablamos, no lo olvidemos, del autor de dos entregas de Batman (1989), Eduardo Manostijerass, Ed Wood y Sleepy Hollow). De todos modos, los experimentos genéticos con monos conectan con su constante revisión de la figura de Frankenstein; y la doctora simia, defensora de los derechos humanos, no está lejos de sus clásicos personajes 'outsiders', patitos feos que no son bien comprendidos por las personas que están a su lado. Y no faltan algunos detalles de su humor delirante, como la niña simia con su mascota humana.

Russ Richards es un patético hombre del tiempo que trabaja en una televisión Pennsylvania. Derrocha todo lo que gana y lo que le queda lo pierde en un cutre negocio de motos de nieve. Desesperado, decide buscar suerte en un lugar seguro y decide amañar el sorteo de lotería estatal poniéndose de acuerdo con la chica de la tele encargada de sacar las bolas. John Travolta y Lisa Kudrow forman una formidable pareja cómica, capaz de sacar adelante un guión convencional, dirigido con oficio por Nora Ephron.

Estamos en pleno siglo XVIII, prolegómenos de la Revolución Francesa. François Vatel es el nombre del maestro de ceremonias del Príncipe de Condé, un noble francés que se encuentra arruinado y pretende conseguir el favor del rey. Para lograr sus propósitos, invita al monarca y a su séquito para disfrutar una temporada de fiestas en su castillo de Chantilly. Los fastos serán obra de Vatel. Pero con la llegada del rey, vendrá también una bella mujer, Anne de Montausier (Uma Thurman), que desatará pasiones y odios en la corte. Roland Joffé es un estilista de la imagen y lo demuestra en esta producción llena de colorido e intrigas palaciegas, un auténtico regalo para los sentidos basado en hechos reales. Gérard Depardieu encarna a la perfección a Vatel, un hombre leal a su señor, a su trabajo y a su honor; y Tim Roth, fiel a su imagen, se mete en la piel del libertino marqués de Lauzun. Una película de época de exquisito gusto, con música y coreografía del más alto nivel.

Un veterano trompetista de jazz desea vender su trompeta. Cuando la toca por última vez, antes de desprenderse de ella, el dueño del establecimiento recuerda esa música. Y viene la historia de un hombre que ha pasado toda su vida en el interior del transatlántico donde nació. Allí fue abandonado por su madre y adoptado por un maquinista, que le puso el nombre de Mil Novecientos ("Novecento") por nacer en tal año. Nuestro hombre se convirtió allí en un mítico virtuoso del piano, que hacía una música genial con la que expresaba su rico mundo interior. Cuando descubre el amor piensa en descender a tierra firme, pero... Película romántica hasta los tuétanos, es, sencillamente, una auténtica gozada. La historia atrapa el corazón de cualquier persona con un mínimo de sensibilidad, al ofrecer una hermosa metáfora sobre la soledad del artista. La música, preciosa, se debe a Ennio Morricone. El director Giuseppe Tornatore (Cinema Paradiso) concede todo su sentido a esas palabras con que empieza el film: "No estás acabado mientras tengas una buena historia y alguien a quien contársela". Escenas como el duelo entre los dos pianistas, o la composición inspirada por el amor, son sobrecogedoras. Un film a descubrir, con una magnífica interpretación de Tim Roth.

Tras la sobredosis que sufre una amiga común, miembro de su grupo de rock, dos drogadictos, Scretch y Spoon, deciden iniciar un proceso de desintoxicación, que no resulta sencillo. Vondie Curtis Hall escribe y dirige su primer filme con muchísima habilidad. Pese a la dureza de la historia, logra imprimir interés humano y la suaviza con cierto humor. Del reparto destaca el siempre excelente Tim Roth, habitual de las películas de Quentin Tarantino (Reservoir Dogs, Pulp Fiction).

Producción televisiva basada en el relato corto homónimo de Joseph Conrad. El texto del escritor también sirvió de inspiración a Francis Ford Coppola para su Apocalypse Now, con lo que esta película guarda cierta relación con la obra maestra del cineasta. La obra de Conrad está basada en la experiencia personal que tuvo el escritor en un viaje a África. Coppola adaptó su relato a la guerra de Vietnam, pero originariamente se trataba de una denuncia contra el sistema colonial. La película que nos ocupa guarda una relación más estrecha con el relato y cuenta la historia de Marlow, un aventurero contratado por una empresa colonial británica. Realiza un interesante viaje por el río, donde oye historias sobre un tal Kurtz. Cautivado por el personaje que inspira terror y admiración a partes iguales, decide ir en su busca. Cuando lo encuentra descubre a un ser perturbado capaz de las mayores atrocidades.

Thriller con tintes dramáticos donde un joven rico es acusado de matar a una prostituta. La investigación policial sacará a la luz secretos de joven acusado, pero también del grupo de policías encargados del caso. Tim Roth da vida al acusado, un tipo que además de rico es inteligente y muy violento. Todo esto aderezado con problemas con la bebida, hace que Roth sea perfecto para el papel dada su capacidad para encarnar a personajes inquietantes que no despiertan ninguna confianza.

Corre el año 1934 en el neoyorkino barrio de Harlem. El crack de la bolsa de 5 años atrás ha afectado mucho al barrio: gente honrada ha perdido todos sus ahorros. Para conseguir dinero, la gente confía en las apuestas, controladas por la mafia. Se cruzarán las vidas de tres importantes gángsters: Bumpy (magnífico Laurence Fishburne), que poco a poco asciende en el escalafón del hampa; Dutch Schultz, el holandés, de temperamento agresivo (un eficaz Tim Roth); y Lucky Luciano, de origen italiano (al que presta su encanto Andy García). La película está inspirada en hechos reales. Ellsworth "Bumpy" Johnson (1906-1968) fue un importante gángster negro, que en la década de los 30 hizo de Harlem un lugar imprescindible en el "negocio" del juego y las apuestas clandestinas. El film resiste bien la comparación con títulos clásicos del cine de gángsters: Chicago, años 30, Scarface, el terror del hampa, Los intocables de Eliot Ness... Hay una magnífica reconstrucción de época, que transmite el típico glamour de este tipo de títulos: trajes, sombreros, armas, automóviles... Y una fotografía que retrotrae perfectamente a los años 30. La trama interesa, y abundan los tiros y crueldad típicos en este tipo de films. El reparto se revela acertadísimo.

El argumento sigue las peripecias de los familiares de D. J., una adolescente con una madre adinerada que dedica la mayor parte de su tiempo a obras sociales, y un padrastro abogado. Su padre biológico es un escritor de segunda fila que vive en París, y que sufre una grave depresión tras ser abandonado por su última pareja. Woody Allen dirigió por una vez un musical que rinde pleitesía a las comedias musicales protagonizadas por Fred Astaire y Ginger Rogers, o Gene Kelly. El cineasta reunió a un selecto reparto de primeras figuras que no suelen aparecer cantando en las películas, y a los que no les dijo que la película era un musical hasta el último momento. El argumento es muy divertido con momentos delirantes, como el romance entre Julia Roberts y Woody Allen, una de las parejas más extrañas que jamás haya aparecido en la pantalla. Lo mejor, los números musicales compuestos por canciones populares y coreografías sencillas, pero eficaces y divertidas.

Joey Larabito (Tim Roth) vuelve al barrio donde creció tras pasar seis años en la cárcel. Descubre que su madre ha muerto y que su hermano vive con continuos problemas económicos y siempre metido en turbios negocios. Cuando descubre que le persigue la mafia, Joey decide alejarse de su hermano, pero debe permanecer en su casa hasta que consiga un empleo. Su cuñada desconfía de su presencia allí porque le considera un criminal. Este duro, aunque bien resuelto, drama de personajes está protagonizado por el excelente Tim Roth, actor fetiche de Quentin Tarantino con quien ha colaborado en títulos como Reservoir Dogs y Pulp Fiction. Interpreta con mucha convicción al atormentado protagonista. El resto del reparto, aunque está formado por actores desconocidos, está a su altura.

Rob Roy fue la punta de lanza de los numerosos filmes épicos de aventuras. Relatos exóticos ambientados en tiempos pretéritos, buenos y malos, lealtad y traición, amores imperecederos... Los grandes productores inventan poco menos que la pólvora al descubrir que con estos ingredientes se puede confeccionar un plato al gusto del gran público. Rob Roy MacGregor (Liam Neeson), jefe del clan de los MacGregor en las tierras altas de Escocia, consigue con esfuerzo y duras condiciones un préstamo del marqués de Montrose (John Hurt). Dos esbirros del marqués, a espaldas del mismo, trazan un plan para robarle el dinero prestado. Ello provoca el enfrentamiento entre Rob Roy y su señor; entre las salvajes represalias se cuenta la violación brutal de la mujer de Rob Roy, Mary (Jessica Lange), por el malvado y sádico Cunningham (Tim Roth). El film se basa en un personaje real que vivió en el siglo XVIII, y que inspiró una novela de Sir Walter Scott, el autor de Ivanhoe. El guión de Alan Sharp, aunque conserva el tono heroico del novelista, trata de dar una mayor dosis de realismo mal entendido: lo cual se traduce en más sangre, algo de erotismo, y el recuerdo de las necesidades fisiológicas más elementales. También adolece de una cierta arritmia. A pesar de estos defectos y de un metraje excesivo —más de dos horas—, el film cumple su objetivo de entretener. El director, Michael Caton-Jones ofrece unas cuantas secuencias espectaculares, dirige bien el clímax del duelo, y armoniza eficazmente los distintos elementos de un producto complejo. Entre los intérpretes, Tim Roth —muy bien en su papel de malvado— roba la función al resto del cuidadísimo reparto.

Disparatada comedia que narra cuatro historias diferentes que tienen como nexo de unión el hecho de desarrollarse en diferentes habitaciones de un mismo hotel de la ciudad de los Angeles, e intervenir en todas ellas un botones en su primera noche de trabajo. Un grupo de brujas que quieren convocar a una antigua diosa, un matrimonio, en el que el marido quiere matar a su adúltera esposa, los hijos de un matrimonio de mafiosos que la toman con Ted, el botones, que debe aguzar su ingenio si quiere salvar su vida, y una macabra apuesta, son las cuatro historias que componen el hilo argumental de esta película. Narradas por cuatro directores diferentes: Allison Anders, Alexandre Rockwell, Robert Rodriguez y Quentin Tarantino, estamos ante un film un tanto irregular en el que abunda la sal gruesa, y un macabro sentido del humor que parece especialmente dirigido a la fiel parroquia de Tarantino y compañía.

Joshua, un asesino a sueldo de la mafia rusa, regresa tras muchos años de ausencia a Little Odessa, el barrio neoyorkino donde nació, para perpetrar un crimen. Es la oportunidad para volver a ver a los suyos... y para poner su vida en peligro. James Gray filmó con 25 años con su primer largometraje, y sorprende la densidad dramática, dura y violenta, con que dibuja la esquizofrenia de un asesino que trata de compatibilizar su 'trabajo' con la vida familiar. Un tema tradicional en los filmes de gangsters, que ha dado títulos espléndidos como la trilogía de El padrino de Francis Ford Coppola, o Calle sin salida de William Wyler. Con este último, comparte la película de Gray el deseo del protagonista de ver a su anciana madre.

Carol es la antigua amante de Nick, además de su vecina y confidente. Nick vive desde hace tiempo con Beth. Ambos no llevan una relación muy apasionada, pero permanecen juntos. Carol se ha convertido en la persona a la que le cuentan sus problemas tanto Nick como Beth. De repente Nick decide que no puede soportar esta situación por más tiempo, y pretende dar un cambio a su vida. Cuando piensa en volver a su forma de vida pasada, más inconsciente y desenfadada, descubre que lo que le une a aquel estilo de vida es precisamente Carol, a quien abandonó por Beth. Entonces Beth conoce a Sid, por el que siente enseguida una atracción irresistible. Este encuentro puede arreglar sus vidas, o acabarlas de estropear. Una curiosa comedia sentimental, que se adentra en el complejo mundo de las relaciones personales. Cuenta con una atractiva pareja protagonista. Tiene bastante ritmo y pretende ser algo más que una comedia de enredo.

Dos años después de su hiperviolento debut tras las cámaras con Reservoir Dogs, Quentin Tarantino sorprendió a la crítica y al público de todo el mundo con un magnífico ejercicio de estilo. El título hace referencia a los 'pulp', tal como se llamaban unas novelillas baratas que narraban historias criminales, con humor negro y secuencias violentas. Es el mismo tono que predomina en los relatos de este film, que transcurren en Los Ángeles. Vincent Vega, un matón de la mafia, debe acompañar a la novia de su jefe. Al boxeador Butch Coolidge le persigue un mafioso, por no cumplir con un combate amañado. Tarantino introduce numerosas referencias a la cultura pop, homenajeando a películas de artes marciales, a los cómics, y a la música rock, mediante una modélica utilización de la banda sonora. Tarantino también se luce en el guión, con ingeniosos diálogos, eso sí, groseros e irreverentes. Los pasajes violentos y sórdidos están filmados de forma irreal, y con sentido del humor y un enfoque ‘kitsch’. Lo cautivador de este peculiar producto es lo inverosímil de unas situaciones que parecen concebidas por la mente violenta de un Peckinpah mezclada con la de los hermanos Marx. El film supuso la resurrección cinematográfica de John Travolta, quien tras Grease y Fiebre del sábado noche se había perdido entre subproductos de difícil digestión. Sólo el bailecito con Uma Thurman le convirtió de nuevo en estrella. Tarantino da muestras de su extraordinario talento para narrar con imágenes y con ritmo trepidante. Pero... nada de realidad, aquí todo es puro cine. Y la música es tan original y ecléctica como todo lo demás. Estuvo nominada para 7 Oscar y ganó merecidamente la estatuilla al mejor guión original.

El impresionante debut de Quentin Tarantino (si dejamos de lado My Best Friend's Birthday, rodada en plan amateur) es una de las películas más influyentes e imitadas del cine de los 90. Ya estaban presentes las señas de identidad de este cineasta, que se apoya en diálogos ocurrentes e ingeniosos, y recarga sus películas de violencia. Seis gansters profesionales que no se conocen entre sí son contratados por Joe y Eddie Cabot para un trabajito. Los seis mantienen su identidad en el anonimato, escondiéndose bajo nombres de colores: Sr. Rosa, Sr. Blanco, Sr. Naranja, Sr. Marrón, Sr. Azul y Sr. Rubio. Mientras realizan un atraco en una comisaría, aparece inesperadamente la policía, por lo que se desata un trágico tiroteo. Los miembros de la banda sospechan que uno de ellos ha dado el soplo, por lo que acaban enfrentándose entre ellos para descubrir al traidor. Aunque Tarantino contaba con un presupuesto bastante limitado, logró fichar al veterano Harvey Keitel (también productor del film) y se rodeó de un grupo de grandes actores desconocidos por aquel entonces, pero que se han dado a conocer gracias a él, como Steve Buscemi, Tim Roth o Michael Madsen, entre otros. El propio Tarantino se reserva el papel del señor Marrón. Destaca la narración a base de flashbacks, que van dosificando los detalles de la trama, y ofreciendo detalles sobre los personajes. La brutalidad de momentos, como la secuencia de la oreja, se suaviza parcialmente por algunos elementos humorísticos. A destacar la meritoria utilización de clásicos del rock para la banda sonora, de grupos como Stealers Wheel y Blue Swede. El propio Tarantino quedó muy satisfecho de una película que había rodado pensando en lo que a él mismo le hubiera gustado ver en una pantalla. "Si yo no hubiera hecho Reservoir Dogs, y si algún otro la hubiera hecho y yo hubiera ido a verla, habría pensado que aquella era la película más acongojantemente buena del año", comentó el cineasta.

Adaptación de la obra de teatro del dramaturgo y guionista Tom Stoppard, que dirige él mismo, su única incursión hasta la fecha como director. Toma a dos personajes secundarios del "Hamlet" de William Shakespeare, Rosencrant y Guildenstein, y presenta los hechos de la conocida obra desde su punto de vista, ignorantes del destino que les ha preparado su amigo el príncipe de Dinamarca, por lo que considera una deslealtad y una traición de parte de ellos. Se trata de un planteamiento original, y que proporciona momentos cómicos, próximos a lo surrealista. Gran trabajo de Gary Oldman y Tim Roth como la pareja del título. El film ganó el León de Oro en el Festival de Venecia.

En un restaurante de lujo, un cocinero observa impasible la relación entre los componentes de un triángulo amoroso, formado por un ladrón, su mujer y su amante. En un principio se mantiene distante, pero poco a poco decide intervenir en los acontecimientos. La historia desembocara en la más absoluta violencia. El mayor éxito comercial del peculiar realizador Peter Greenaway (El vientre del arquitecto, Conspiración de mujeres), considerado por parte de la crítica como uno gran artista de cine, moderno y precursor de lo que este arte será en el futuro. En España se mantuvo durante años en algunas carteleras. De su cine destaca, sobre todo, el aspecto visual, formado por unas impactantes imágenes que, a veces, homenajean famosos cuadros de la historia de la pintura y, otras, se permiten extraños experimentos o juegos visuales. Este título basa su argumento en una extraña mezcla de erotismo y un humor un tanto macabro. Su mayor cualidad es que está impecablemente interpretado por Richard Bohringer y la veterana Helen Mirren.

A comienzos de los años 80, el padre Alek es un sacerdote polaco partidario del sindicato llamado 'Solidaridad', de la Unión Trabajadora Polaca. Por sus ideas en desacuerdo con el régimen político, Alek sufre el acoso y la persecución de los comunistas, y en particular de Stefan, capitán de la Policía Secreta. La polaca Agnieszka Holland (Europa, Europa) dirigió este drama basándose en hechos reales, y cuenta con dos actores de la talla de Ed Harris y un sorprendente Christopher Lambert, que protagoniza la cinta y da muestras por una vez de su buen hacer. Lástima que no se le haya vuelto a ver en papeles de este nivel. Entre el reparto, destacan también los rostros conocidos de Tim Roth (Reservoir Dogs) o Pete Postlethwaite.

Willie Parker es un antiguo gángster que un buen día decidió abandonar a su banda y asentarse en España. Allí vive tranquilo y confiado, pues tiene fe en que ninguno de sus antiguos compañeros de con su paradero. Pero diez años después de su desaparición aparecen dos matones con la misión de escoltarlo hacia su antiguo hogar. Producción británica del gran Stephen Frears con abundante presencia española, y el ritmo adecuado para contar una historia donde el pasado vuelve al encuentro. Prácticamente todos los secundarios son españoles, entre los que destaca Fernando Rey. Pero no sólo en le reparto se nota el toque hispano, sino también en la música ya que el responsable es el fantástico guitarrista Paco de Lucía.