Bernard Herrmann

Travis Bickle, ex marine que ha regresado de la guerra de Vietnam, es un tipo marginal y desarraigado, que sufre graves problemas de insomnio. Acaba ejerciendo el turno de noche en una compañía de taxis. En su taxi atraviesa las peores zonas de la ciudad, y recoge a yonquis, prostitutas, personajes deprimidos, que le hacen darse cuenta de que vive en una sociedad amoral y putrefacta. Un día lleva en su taxi a una atractiva mujer, Betsy, de la que se enamora. Betsy trabaja en la campaña electoral de un destacado político. Aunque consigue que ella acepte una cita, ambos son tan incompatibles que Betsy acaba huyendo de él. Bickle también se encuentra con Iris, una prostituta adolescente tiranizada por su chulo. Aunque ella asegura que no quiere cambiar de vida, Bickle llega a la conclusión de que encontrará su propia redención si libera a la muchacha.  Una de las grandes películas de los años 70, y la mejor tarjeta de presentación del cineasta Martin Scorsese, que en su cuarto trabajo partió de un guión de Paul Schrader. Al parecer, éste pasaba por uno de los peores momentos de su vida, al estar divorciándose de su mujer, por lo que algunos de los problemas de soledad del protagonista están sacados de su propia experiencia personal. Schrader asegura que escribió el guión de un tirón, en pocos días y que apenas hubo que realizar cambios finales. En uno de sus trabajos más estudiados en las escuelas de cine, Scorsese supo retratar la soledad del hombre moderno en las gigantescas urbes que sirven de germen a todo tipo de corrupciones. Recorre temas que están presentes en toda su filmografía, como la génesis de la violencia, los prejuicios y el rechazo social. El cineasta se luce con una utilización modélica de la voz en off del protagonista, unas dinámicas secuencias de éste recorriendo las calles, y sobrecogedores planos que muestran una violencia descarnada y terrible. Además, supo aprovechar la excelente partitura de Bernard Herrmann, habitual compositor de Hitchcock, que murió antes de poder ver el resultado de su trabajo.

Un importante hombre de negocios ha perdido a su querida familia, su mujer y su hija debido a un secuestro. Muchos años después, mientras viaja por Italia, conoce a una mujer idéntica a su esposa fallecida, e intenta entablar una relación con ella. El realizador Brian de Palma siempre había manifestado su admiracion por Alfred Hitchcock, el maestro del suspense. En esta ocasión, hizo una versión libre de una de las mejores películas del realizador británico, De entre los muertos (Vértigo). El guión está co-escrito por uno de los mejores guionistas americanos y, posteriormente, también realizador, Paul Schrader. La fascinante banda sonora es del compositor habitual de Hitchcock, Bernard Herrmann.

Durante la grabación de un concurso televisivo, Phil (Lisle Wilson) conoce a la dulce Danielle (Margot Kidder). Tras salir a cenar, marchan a casa de ella y pasan la noche juntos. Al despertar, Danielle tiene un gran dolor de cabeza y él marcha a comprarle unas pastillas tras oírla discutir con su hermana Dominique. Cuando Phil regresa al apartamento y se acerca a dárselas, Danielle –¿o es Dominique?– le asesina acuchillándole repetidamente. La escena es observada por una vecina... Cine de un primerizo Brian De Palma que ya empezaba a dar muestras de su poderío con la cámara. Aunque ha quedado algo antigua y efectista, con encuadres muy pensados, fragmentación de pantalla, uso principal de la música, etc., se muestra muy hitchcokiano en la atmósfera que reina en el film. Además de la temática, que retrotrae a Psicosis, especialmente toma del maestro dos escenas de cuchilladas que recuerdan en su concepción a las que sufría Janet Leigh. Por cierto, que la angustiosa música también es del gran Bernard Herrmann.

Ellie, una joven estadounidense de vacaciones por Europa, inicia una relación con Michael, conductor de coches de lujo. Pero una desconocida anciana le advierte que se marche antes de que sea demasiado tarde. Hayley Mills (Tú a Boston y yo a California) protagoniza esta adaptación de una de las clásicas novelas de misterio de Agatha Christie.

Una artimaña del cine de terror es jugar a provocar miedo con aquello que debería producir ternura. En este film un bebé deforme con instintos asesinos las hace pasar canutas a un montón de gente. Dirige y escribe este sanguinolento título de serie B Larry Cohen. Destacan el maquillaje de Rick Baker y la partitura de Bernard Herrmann, con ellos cierta atmósfera está asegurada.

Una de las batallas de la Segunda Guerra Mundial, en concreto la que tuvo lugar en Yugoslavia, es lo que se muestra en esta cinta bélica de Veljko Bulajic. El ejército alemán e italiano, los leales a Tito y aquellos que sirven al Rey se dan cita en el cruento combate que tiene lugar en la vereda del río Neretva del título. El puente que cruza dicho río representa un medio de comunicación imprescindible dentro de la guerra, y cuando los partisanos del líder Tito lo hacen volar por los aires, esto no es más que el comienzo de un violento encuentro. La película se alimenta de unas espectaculares secuencias de batallas ocurridas en el marco de un pueblo yugoslavo sufriente. Coproducida por varios países, cuenta con un reparto internacional. El ruso Yul Brynner, un tanto prudente en su trabajo, el norteamericano Orson Welles, en una breve pero intensa aparición, el alemán Hardy Krüger, el italiano Franco Nero o la yugoslava Sylva Koscina son algunos de los rostros presentes. El film fue nominado a los Oscar en la categoría de mejor película extranjera en 1970.

Martin Durnley es un joven de veinte años que siempre ha vivido sobreprotegido por su familia. Martin es un desequilibrado, con brotes esquizoides y tendencias psicópatas, asesinas. Se encaprichará de una jovencita, Susan, y conseguirá vivir en su pensión haciéndose pasar por un joven inocente y retrasado, de nombre Georgie, y escapando así de la mirada de sus padres. Correcto producto criminal británico, con mucha atmósfera setentera, pero logrado guión de intriga que lleva a la historia por cuestiones médicas y desviaciones mentales. Protagoniza la rubita Hayley Mills (Tú a Boston y yo a California). La música es del gran Bernard Herrmann, con un leitmotiv que recuperó Tarantino para su Kill Bill Volumen 1.

La más hitchcockiana de las películas dirigidas por François Truffaut, no en vano el director galo compartió con Alfred Hitchcock un célebre libro-entrevista donde quedaba clara su admiración por el mago del suspense. Basada en una novela de Cornell Woolrich, sigue los  pasos de Julie, una fría mujer que ha planificado el asesinato de cinco personas, relacionadas con la muerte accidental de su marido, de un disparo, justamente el día de su boda.Truffaut ofrece con esta historia de venganza un magnífico ejercicio de estilo, de magnífico ritmo, y repleto de guiños a su referente: desde la banda sonora de Bernard Herrmann, a las escenas de la galería de arte y la mujer que cambia su aspecto, pasando por el suspense en el palco de un teatro donde se interpreta un concierto, pasando por el cruce de un avión que despega con la protagonista y una avioneta con otro personaje al que comenzamos a seguir, el film es una sentida y muy inspirada declaración de amor al cine de Hitchcock, que prueba la maestría del director a la hora de crear suspense o de acudir a un irónico sentido del humor, muy presente en el sorprendente desenlace. También hay inteligencia a la hora de crear expectación acerca de cómo Julie ejecutará cada uno de sus crímenes; o en no dedicar apenas atención al papel de la policía, algo en lo que Truffaut siguió el consejo de su amigo Jacques Rivette. Jeanne Moreau hace un magnífico trabajo como columna vertebral de la película.

Las aventuras del sheriff Jim Crown en Cimarron Strip, un rincón desértico entre Kansas y Oklahoma, muy cerca del territorio indio. Como compañeros de aventuras cuenta con su ayudante MacGregor y el fotógrafo Francis Wilde.  Entretenida serie de 23 capítulos autoconclusivos que se disfrutan como largometrajes independientes, de 75 minutos cada uno. La serie fue emitida entre 1967 y 1968, y cada capítulo cuenta con directores de cierta relevancia.

Montag (interpretado por Oskar Werner) es un bombero que debe quemar todo tipo de libros, pues su posesión se considera un delito. Junto con su esposa Linda vive en un mundo controlado, donde la gente ha cambiado la individualidad y la creatividad por la seguridad. Pero gracias a una mujer, Clarisse, Montag descubre el placer de la lectura, lo que le convierte en un fugitivo de la ley. El extraordinario realizador francés François Truffaut (El pequeño salvaje) consiguió una obra notable con la adaptación del libro más conocido del escritor norteamericano Ray Bradbury ("Crónicas marcianas"), si bien es cierto que los rudimentarios efectos especiales han quedado muy desfasados. Lo que emociona del film es, sin embargo, su elevado canto al espíritu y la libertad humanas. La fantástica Julie Christie está perfecta en su doble papel de Linda Montag y de Clarisse. 

Marnie es una mujer muy atractiva que siente un impulso irresistible hacia el robo. Con su buena presencia y habilidades contables, consigue fácilmente ser contratada por importantes empresas, aunque aporte pocas referencias. Cuando se ha ganado la confianza de sus jefes y compañeros, se hace con la combinación de la caja fuerte, se lleva su contenido, desaparece y cambia de aspecto. Un hombre la descubre en uno de sus delitos, pero se siente incapaz de denunciarla debido a que se ha enamorado de ella. Decide averiguar entonces as causas de su comportamiento antisocial. Desgarrador retrato de una mujer traumatizada desde la infancia, realizado por el maestro del suspense, Alfred Hitchcock, y que contiene la mejor interpretación de una de sus actrices favoritas, la bella Tippi Hedren. Como coprotagonista, el mítico intérprete de James Bond, Sean Connery (El hombre que pudo reinar) en uno de sus papeles más logrados. Como otras películas del director de esa época, explicaciones psicoanalíticas, muy en boga entonces, explican el comportamiento de Marnie. También era novedoso entonces que se hablara de las relaciones sexuales en la pantalla, así, Marnie confiesa no haber estado con ningún hombre, y la explicación de su tara mental también está relacionado con una experiencia desagradable en este terreno, cuando era niña. Resulta excelente el uso del suspense, en lo relativo al color rojo y las tormentas que suscitan la histeria de la protagonista, y en la escena del robo en que los zapatos, que se ha puesto en los bolsillos del abrigo para no hacer ruido con los tacones, comienza a sobresalir peligrosamente de los mismos con peligro de caer al suelo y armar un tremendo estrépito.

Jasón debería estar rigiendo el destino de Tesalia, pero un usurpador, Pelias, no está dispuesto a ceder el trono. Disfrazado de noble, le dice al otro que la única forma de convertirse en rey será el hallazgo del vellocino de oro. Jasón reunirá una tripulación de héroes que se embarcará a bordo del "Argo", y en su periplo se encontrarán todo tipo de criaturas míticas, como Talos, el gigante, o las Arpías. Clásico indiscutible del cine fantástico, y probablemente la obra maestra del mago de los efectos visuales Ray Harryhausen con su legendaria escena de la lucha de esqueletos. Maneja libremente elementos de la mitología griega para componer una cinta de aventuras sencillamente memorable.

Los pájaros tiene como protagonista a la joven Melanie Daniels (Tippi Hedren), hija consentida de un adinerado magnate de los medios de comunicación. Un día, Melanie acude a una tienda de mascotas para comprarle un pájaro a su tía, que se lo ha encargado. En el establecimiento conoce casualmente a Mitch Brenner (Rod Taylor), un exitoso abogado en busca de unos periquitos del que ella se enamora a primera vista. Al día siguiente, Melanie viajará en un lujoso descapotable a Bodega Bay, el pueblo donde el letrado pasa el fin de semana, para llevarle dos periquitos. Pero allí será atacada por una gaviota, presagio del tremendo desastre que está a punto de ocurrir, cuando las aves del lugar empiecen a atacar a los habitantes de la zona. Tras Psicosis, Alfred Hitchcock firma otra de las cumbres del cine de terror y consigue dar miedo a través de unos animales tan cotidianos y entrañables como los pájaros, con unas escenas estremecedoras. El maestro del suspense partió de una novela corta de Daphne Du Maurier., cuyas obras ya habían dado lugar a sus cintas Rebeca y Posada Jamaica. Pero el cineasta británico también se inspiró en un suceso real ocurrido en 1961 cerca de la casa del realizador en California, cuando miles de pájaros alterados por una sustancia producida por algas, acabaron irrumpiendo en domicilios de la zona sin causar víctimas. Aunque las descripciones de los personajes y las relaciones entre ellos quizás estén menos cuidadas que en otras cintas del maestro del suspense –el guión de Evan Hunter podría estar más elaborado–, el realizador se luce con las impactantes secuencias del ataque de los pájaros, que logran aterrorizar al espectador, gracias entre otras cosas a los efectos sonoros de movimientos de alas y graznidos, aspecto técnico del film coordinado por Bernard Herrmann, compositor habitual del cineasta. Acierta también al no explicar las causas de lo que ocurre, dejando la puerta abierta para la especulación, y aumentando el terror que produce el film. Del elenco destaca Tippi Hedren, que pasó un rodaje muy duro, al tener que rodar en condiciones algo extremas, por ejemplo a veces llevaba pájaros de verdad atados en su ropa para que no se alejaran demasiado. Frente a ella, el australiano Rod Taylor, que se había convertido en una estrella con títulos como El tiempo en sus manos, realiza uno de sus mejores trabajos. Se puede decir que Los pájaros supone la última gran obra maestra de Alfred Hitchcock. Aunque al realizador aún le quedaban por rodar otras cuatro películas (Marnie, la ladrona, Cortina rasgada, Topaz, Frenesí y La trama), todas ellas de interés, no volvería a llegar al mismo nivel.

Años 20. Nicole, una mujer de clase alta, que sufre graves trastornos emocionales, decide casarse con Dick River, su psiquiatra. Juntos se trasladan a una casa que ella tiene en la Riviera, donde lleva una intensa vida social.  Último film de Henry King, que adapta una de las mejores novelas de F. Scott Fitzgerald, cuya biografía había narrado parcialmente en Días sin vida, su película anterior. Según Zelda, la esposa del escritor, había "mucho de su propia vida", en el libro. King se muestra bastante fiel al original y trata temas habituales en la obra del escritor, como el idealismo malogrado.

Serial de enorme éxito en la televisión estadounidense, que adapta libremente la novela escrita por Owen Wister. La historia ya dio lugar a algunos largometrajes, los más célebres de los cuales fueron los protagonizados por Gary Cooper en 1929 y por Joel McCrea en 1946. Aquí el protagonismo lo asumía James Drury. La acción transcurre en un pueblo llamado Medicine Bow y tiene como protagonista a un cowboy conocido como "el virginiano". Aunque en la novela se recrea una historia de amor con una maestra, la serie retrata más ciertos temas sociales, como la justicia, los prejuicios y las distintas relaciones entre los habitantes. El virginiano trata de llevar una vida pacífica trabajando en el rancho Shiloh, pero capítulo tras capítulo correrá distintas aventuras. La serie obtuvo un gran éxito y se mantuvo en antena nueve años, mucho tiempo si se tiene en cuenta que cada capítulo (y hubo 249) dura 90 minutos. A lo largo de los años aparecieron en la pantalla estrellas conocidas, como Vera Miles, Ricardo Montalban, Ben Johnson, Tom Skerritt y hasta Leslie Nielsen y Harrison Ford.

Un prestigioso abogado (Gregory Peck) comienza a sentir temor por su familia cuando sale de la cárcel un peligroso criminal (Robert Mitchum) al que él logró encarcelar. Después de que éste moleste a su esposa y a su hija adolescente, el abogado requiere la ayuda del jefe de la policía y de un detective privado, pero no encuentra ningún recurso legal para impedir que el criminal les atosigue. Magnífico clásico del cine de intriga norteamericano. El realizador J. Lee Thompson consigue crear una enorme tensión. Dos de los mejores intérpretes de la historia del cine, Gregory Peck y Robert Mitchum realizan en este filme un magistral duelo interpretativo.

En su fuga, un grupo de prisioneros recala en una isla desierta donde habitan horribles criaturas. Inolvidable adaptación del clásico de Julio Verne con impagables efectos especiales de la factoría Ray Harryhausen.

Clásica adaptación de la famosa novela de Jonathan Swift, sobre el intrépido doctor que naufraga en Lilliput, el país de los enanos. Supuso uno de los mejores títulos del diseñador de efectos especiales Ray Harryhausen (Simbad y el ojo del tigre), cuyos trucos aún no han sido superados.

En Psicosis, una joven (Janet Leigh) roba una pequeña suma de dinero de su trabajo y emprende la huida. Por el camino se refugia para pasar la noche en un lúgubre motel de carretera atendido por un joven encantador llamado Norman Bates. De repente, es asesinada. Un detective emprende su búsqueda, alertado por los dueños del dinero que robó. Una de las obras maestras del cine de Alfred Hitchcock y, sin duda, la más terrorífica. Psicosis contiene la famosa escena del asesinato de la ducha, que resulta sobrecogedora por su rápido montaje, su excelente fotografía en blanco y negro y por los acordes de violín de la música del maestro Bernard Herrmann. El resto del filme mantiene estas características.

Cary Grant encarna a un publicista que es confundido con un agente de los servicios secretos. Víctima de este error de identidad, se ve envuelto en una imparable persecución en la que debe aguzar su ingenio si quiere escapar con vida. Con la muerte en los talones es, sin duda, uno de los títulos más celebres de su aclamado director, Alfred Hitchcock, el mago del suspense. Cuenta con escenas, hoy consideradas míticas, tales como:la persecución de la que es objeto Cary Grant por una avioneta fumigadora, o el desenlace final en las montañas Rushmore. La película cuenta con una magnífica puesta en escena que, acompañada de la excelente partitura musical de Bernard Herrman (Psicosis), mantiene la acción y el suspense en todo momento. El reparto se ve completado por Eva Marie Saint, encargada de dar el contrapunto romántico al film y por James Mason. Obtuvo tres nominaciones a los oscars en las categorías de mejor montaje, guión original y decorados.

La fórmula de episodios breves con final sorprendente da estupendos resultados, como bien saben dos adeptos (Alfred Hitchcock y Steven Spielberg), que también crearon sus particulares "cuentos asombrosos". Los episodios de esta mítica serie de finales de los años 50, servidos en evocados blanco y negro, y con una misteriosa tonadilla, nos llevan de un entorno inicialmente anodino a otra dimensión extraordinaria, contando historias de fantasía y misterio.

Oliver S. Lindenbrook es un prestigioso pero excéntrico profesor de geología en la Universidad de Edimburgo. El regalo de una piedra de lava por parte de uno de sus discípulos le permite descubrir encerrada en su interior una plomada con un mensaje de un prestigioso científico islandés que siempre defendió que bajo la superficie de la Tierra había otros mundos y civilizaciones por explorar. Como está desaparecido, lo considera una prueba de sus descabelladas teorías, de modo que organiza una expedición para descender por un volcán apagado al centro de la Tierra. No cuenta que al compartir su descubrimiento con un colega de Estocolmo, éste va a tratar de adelantarse. Adaptación bastante insulsa de la famosa novela de aventuras de Julio Verne. Tiene un arranque simpático, que dibuja el mundo académico en que se mueve Lindenbrook, y el cortejo que su protegido Alec McEwan hace su sobrina Jenny. Pero Henry Levin imprime un ritmo lentísimo a la narración, y la película de más de dos horas se hace interminable. Ni siquiera un actor de la solvencia de James Mason puede hacer gran cosa para hacer el film soportable.

Mientras persigue a unos delincuentes Scoottie Ferguson, inspector de la policía de San Francisco, contempla la caída accidental de un compañero desde un tejado. Esto le produce un gran trauma y un insuperable miedo a las alturas. Un día, Scottie recibe una llamada de Gavin Elster, millonario al que conoce del pasado, que le pide que vigile discretamente a Madeleine, su esposa, que se comporta de forma extraña. Uno de los mejores trabajos del mago del suspense, que adaptó la novela 'D'entre les morts', de Pierre Boileau y Thomas Narcejac. Hitchcock trata los dos temas trascendentales más recurrentes de la historia del arte, el amor y la muerte, a través de una historia absorbente e intrigante. Se puede seguir como simple entretenimiento, o como una película reflexiva. Aunque el mismo Hitchcock la recordaba como una película imperfecta, por sus incoherencias de guión, lo cierto es que logra imágenes inquietantes, como cuando Scottie persigue a Madeleine por el museo. Curiosamente, Hitchcock no guardaba un buen recuerdo de Kim Novak, que sin embargo realiza uno de los mejores trabajos de su carrera. James Stewart borda el papel de detective que se resiste a perder a su amada cuando ésta ha muerto.

El hechicero Sakura reduce la estatura de la princesa Parisa, y no le devolverá a su tamaño a no ser que Simbad le traiga una valiosa lámpara mágica. El joven aventurero, que desea recuperar a su amada, parte veloz hacia la isla del Coloso, donde vivirá mil y una aventuras. Magnífica cinta fantástica con héroe de cuento de "Las mil y una noches", que corre peligros en lugares exóticos plagados de criaturas imaginarias. Antes de que el ordenador entrara a formar parte importante del cine de nuestros dias, los monstruos de la pantalla se realizaban con una técnica conocida como "stop-motion", donde en realidad, los seres eran pequeños muñecos de apenas 15 centímetros. El mérito se debe a Ray Harryhausen, que participó en el guión y es el responsable de que las marionetas de la película, como el cíclpe o el dragón, parezcan en pantalla gigantescos monstruos asesinos.

1943. Una patrulla de soldados americanos desembarca en Anopopei, una isla del Pacífico. Su misión consiste en comprobar si allí existen bases japonesas. Desmejorada versión cinematográfica de la sobrecogedora novela de Norman Mailer, considerada por la crítica como la gran novela estadounidense de la II Guerra Mundial. El veterano Raoul Walsh no llegó a estar a la altura de sus grandes obras maestras, como Objetivo: Birmania.

Johnny Pope es un hombre adicto a la morfina desde que estuvo en la guerra de Korea, pero trata de ocultárselo a su padre y a su mujer embarazada. Sólo lo sabe su hermano Polo que es la persona que le suministra la dosis cada vez que tiene una crisis. Pero llega un momento en que la situación es insostenible y Johnny deberá plantarle cara a la adicción si no quiere perder todo lo que tiene y quiere. Duro drama que adentra al espectador en la lacra de la droga. Fue uno de los primeros films que planteaban esta cuestión y está protagonizado por Don Murray (Bus Stop), Eva Marie Saint (Con la muerte en los talones, Castillos en la arena), y Anthony Franciosa (El largo y cálido verano), que recibió una nominación a los Oscar por su papel.

Ben (James Stewart) y Jo (Doris Day) Mackenna son un matrimonio que pasa junto con su hijo de diez años unas vacaciones en Marruecos. Inesperadamente, un hombre les confía un secreto antes de morir y una poderosa organización, rapta a su hijo para chantajearles y que no revelen lo que saben. A partir de ese momento, el matrimonio investigará para recuperar al pequeño. Magistral remake de una de las películas claves en la filmografía de Hitchcock, El hombre que sabía demasiado, realizada en su etapa inglesa en blanco y negro. En esta ocasión, enriqueció el filme con las interpretaciones de la mítica pareja protagonista y mejorando el suspense de muchas de sus escenas.

El músico Manny es injustamente acusado de un atraco que no ha cometido. Cuando ingresa en prisión, su mujer se siente culpable de su encarcelamiento. Hitchcock se inspiró para esta película en una noticia de un periódico, sobre un hombre injustamente acusado de cometer un atraco, como el protagonista. No es de sus mejores películas, el maestro del suspense pero el maestro del suspense trata con imaginación su tema más recurrido: el falso culpable. Inmejorables interpretaciones de Henry Fonda y Vera Miles.

Interesante película sobre el estrés y la adicción al trabajo, producto muchas veces del deseo de alcanzar cierto estatus social. Gregory Peck da vida al 'hombre del traje gris', presionado por su esposa. Dirige el habitualmente guionista Nunnally Johnson.

Burt Lancaster debutó como director con esta película que también protagonizó. El actor dio vida a un aventurero deseoso de descubrir y conocer nuevos territorios en el Oeste americano.

En Nueva Inglaterra, varios individuos creen que son culpables de la muerte de Harry. Tras intentar ocultar varias veces el cadáver y volver a desenterrarlo, descubrirán la verdadera causa de su muerte. Curiosa, divertida, desconcertante y entretenida historia de humor negro muy al estilo del maestro del suspense, Alfred Hitchcock, que consiguió una buena interpretación del niño Jerry Mathers y también de la bella debutante Shirley MacLaine, que posteriormente se convertiría en una de las mejores actrices de Hollywood y rodaría títulos inolvidables como Irma la dulce.

Biografía del actor Edwin Booth, un nombre bastante conocido en la escena americana. Era hermano del sudista John Wilkes Booth, tristemente célebre cuando asesinó al presidente Abraham Lincoln durante una función de teatro en 1865, sólo cinco días después de terminar la Guerra Civil Norteamericana. Su argumento se basa en una novela de Eleanor Ruggles, donde se rescataba del anonimato a este singular personaje. Rodada a todo color y en Cinemascope, lo más interesante lo constituía su reparto, con Richard Burton al frente y demostrando su capacidad para la interpretación shakesperiana que tanto entusiasmaba a Booth. Le acompañan Eva Le Gallienne, Maggie McNamara, John Derek y Stanley Hall en el papel de Lincoln.

Una de las series más famosas de la historia de la televisión, que nació como un serial radiofónico, en 1952, producido por Norman MacDonnell. Narraba las peripecias de Matt Dillon, el sheriff de un pueblecito del oeste. Cuando empezó a barajar la posibilidad de adaptarlo a la pequeña pantalla, MacDonnell le ofreció el papel del protagonista, el sheriff Matt Dillon, al mismísimo John Wayne. Cuando éste rechazó el papel fichó a James Arness, que se hizo muy popular con la serie y que fue recomendado por el propio Wayne. Se mantuvo en antena a lo largo de 20 temporadas, batiendo todos los records en este sentido –tuvieron que pasar muchísimos años para que Los Simpson igualara el número–. En todo ese tiempo, la serie pasó del blanco y negro al color, y también pasó de los episodios de media hora iniciales a una hora. Destaca el trabajo de un jovencísimo Burt Reynolds, que interpretaba a Quint Asper, herrero del pueblo, y descendiente de los indios. La serie también dio a conocer a Dennis Weaver, ayudante del sheriff protagonista, y por sus numerosos episodios pasaron rostros hoy en día tan populares como Jodie Foster o Harrison Ford. Entre los directores que rodaron alguna entrega destacan Sam Peckinpah, Andrew V. McLaglen, Arthur Hiller, Robert Stevenson o Mark Rydell.

Tres hombres se ven obligados a permanecer en México, tras el naufragio de su barco. Ocasión que una mujer aprovecha para recabar su ayuda, a cambio de una suculenta paga: su marido indio, y deben acudir con ella al rescate. En el camino se desata la avaricia por el dorado metal, y el deseo de captar la atención de la atractiva mujer. Buen reparto (Cooper, Hayward, Widmark y Cameron Mitchell), dosis de cinismo en la medida justa y gran partitura de Bernard Herrmann.

Clásico del cine de aventuras cuya acción tiene lugar en la India colonial de 1857. Tyrone Power encarna al heroico capitán del título, un oficial británico que luchará contra las tropas hostiles y salvará de la muerte a sus compañeros, teniendo todavía tiempo para escalar el Himalaya y mantener un romance con la hija de un jefe militar. Toda una explosión de acción y aventura, rodada en Cinemascope y Technicolor y con una excelente partitura de Bernard Herrmann. Su rodaje se llevó a cabo en las montañas de Alabama, siendo especialmente destacable el papel de Guy Rolfe como el malvado Karram Khan. Este actor británico, nacido en 1911 y fallecido en el 2003, estuvo sesenta años en activo y tenía un rostro ideal para papeles de corte histórico como los de Ivanhoe (1952), La reina virgen (1953), Rey de Reyes (1961) y Taras Bulba (1962).

Historia de amor conflictivo. Unos pescadores de esponjas de Florida, además de vencer al mar, su principal enemigo, han de hacer frente a las rivalidades entre ellos mismos. Duelo en el fondo del mar, que fue nominada al Oscar a la mejor fotografía en color, asombró en su época por la vistosidad de las escenas submarinas, y el aprovechamiento de las nuevas posibilidades que ofrecía el formato scope. La atractiva Terry Moore y varios secundarios gloriosos acaparan el interés del reparto.

Principios del siglo XX. Lonni es un cazador profesional de turbio pasado que es contratado por una enfermera para que se interne con ella en la selva del Congo belga con objeto de encontrar a un hombre desaparecido. Una vez llegan a los dominios de la tribu de los Bakuba, ella intenta que acepten las medicinas que llevan para curar a sus enfermos. Por otro lado, un compañero de expedición comienza a ver las posibilidades de hacerse con un tesoro oculto. Adaptación de una novela de Louise A. Stinetorf que volvía a reunir a la pareja de Hombres errantes (1952), Susan Hayward y Robert Mitchum. Rodada a todo color y en escenarios naturales de África, cuenta con un melancólico score de Bernard Herrmann –quien un año antes ya había demostrado su talento en el cine romántico de aventuras con Las nieves del Kilimanjaro– para el que se usó auténtica instrumentación africana a base de ritmo y percusión.

El mayordomo del embajador inglés en Turquía vende información a los nazis. No le importa traicionar a su país, en connivencia con una condesa rusa exiliada, proporcionando datos sobre los preparativos aliados del desembarco de Normandía. Pero en realidad nada es lo que parece en este film de intriga basado en hechos reales, y servido con mano maestra por Joseph L. Mankiewicz. James Mason hace el que es quizá el papel de su vida. Pero destaca además la francesa Danielle Darrieux, musa de los mejores títulos de Max Ophuls.

Colorista adaptación de una de las novelas más renombradas de Ernest Hemingway, impagable muestra de romance y aventuras que hizo que tanto la fotografía de Leon Shamroy como la dirección artística (Lyle Wheeler, John Decuir, Thomas Little y Paul S. Fox) fuesen candidatas a la estatuilla. Cuenta cómo un escritor (Gregory Peck) que se encuentra en África en compañía de su esposa (Susan Hayward) no puede olvidar al auténtico amor de su vida (Ava Gardner). Producida por el gran jefe de la FOX, Darryl F. Zanuck, fue filmada en París, la Riviera Francesa y España. Aunque si por algo se recuerda este largometraje es por el apasionado tema de amor compuesto por Bernard Herrmann y que inunda las imágenes de una desesperación lírica pocas veces conseguidas en la historia del cine.

Mientras resuelve un asesinato, un duro policía se enamora de la hermana del asesino. Prácticamente desconocida, esta cinta de Ray es una de las cimas del cine negro. Excepcional Ida Lupino como ciega.

Un alienígena llega a la Tierra con su robot y un platillo volante. Su mensaje invita a los terrícolas a convivir pacíficamente. La alternativa es clara: o los humanos se las arreglan para vivir en paz, o los extraterrestres se encargarán del problema borrando la Tierra de la faz del Universo mundo. Y es que los hombres demuestran ser bastante burros: disparando a Klaatu, el alienígena recién llegado, nada más bajar de su nave; o discutiendo ridículamente acerca de si los dirigentes mundiales deberían reunirse en Washington o en Moscú. El film de Robert Wise, basado en una historia de Harry Bates, fue rodada en plena guerra fría. Es de justicia reconocerle su coraje, al advertir de los peligros a los que se enfrentaba la humanidad. El director supo modelar de modo magistral una atmósfera de inquietante amenaza. La orden de Patricia Neal al robot (¡Gort! ¡Klaatu barada nikto!) ha llegado a ser frase emblemática de pacifistas y amantes de la ciencia ficción.

La Sra. Muir, joven viuda con una hija, alquila un caserón cerca del mar. El lugar resulta estar habitado por el fantasma de su anterior inquilino, el capitán Daniel Gregg. La mujer y el marino entablan una extraña relación que animará al difunto y solucionará los problemas económicos de la joven viuda. Primera gran film del estilista Mankiewicz, que rodó antes la interesante El castillo de Dragonwyck. Mezcla con elegancia fantasía, comedia y drama. Fantástica la Tierney.

Primera de las adaptaciones del libro autobiográfico de Margaret Landon, del que después se realizaron Ana y el rey (con Deborah Kerr y Yul Brynner) y la versión animada El rey y yo. La que nos ocupa está protagonizada por Irene Dunne y Rex Harrison, este último en un papel que la verdad no le va demasiado bien. El film ganó dos Oscar, los correspondientes al mejor diseño de producción y la mejor fotografía. La trama es conocida: en 1862 la institutriz Anna Owens marcha al reino de Siam (la antigua Tailandia) para educar a los 58 hijos del rey Mongkut. Las relaciones entre el monarca y Anna serán tirantes al principio, pero poco a poco los dos aprenderán a comprenderse y a quererse.

Film basado en una novela de Patrick Hamilton, que no deja de ser una variante inteligente del conflicto de doble personalidad al estilo de Dr. Jekyll y Mr. Hyde. Londres, 1903. George es un compositor musical de indudable talento, que experimenta lapsos de tiempo de vacío, y es incapaz de recordar lo que hace en esos momentos. Esto le tortura, pues le hace dudar si ha podido tener que ver con la muerte de un prestamista y un incendio posterior. Mientras trabaja en el concierto que debería ser su obra maestra, conoce a Renda, una cantante de cabaret, de la que se prenda enseguida, relegando a segundo término a Barbara, la hija del director de orquesta que es su valedor. Consciente del influjo que ejerce sobre él, Renda le camela para que componga canciones para ella y así triunfe en espectáculos musicales. De ese modo, el talento de George se está desperdiciando.John Brahm entrega un interesante melodrama con elementos propios del cine de terror, que aparte de a la mencionada novela de Robert Louis Stevenson, retrotraen a los relatos de Edgar Allan Poe, o a historias como “El fantasma de la ópera”. Es notable el trabajo de Laird Cregar como el músico enfermo, sobre todo en sus momentos de trance, con su mirada perdida y los ojos en blanco; también merece destacarse a Linda Darnell como la fresca que se aprovecha de su trabajo; más convencional, en cambio, es el personaje de George Sanders. Aunque algunos pasajes pueden ser inconsistentes, sobresale la gran fuerza de la escena en la noche del 5 de noviembre en que se queman monigotes de la figura del frustrado volador del parlamento inglés Guy Fawkes, y el plano final del incendio, en que el protagonista recuerda a una especie de Nerón, que desdeñando el peligro de las llamas, interpreta su concierto. En una trama como la descrita es esencial la partitura musical, y ciertamente Bernard Herrmann hace un notable e intrigante trabajo, que reproduce el supuesto trabajo musical de George.

La más cuidada de las adaptaciones de "Jane Eyre", la novela más famosa de Charlotte Brontë, y muy representativa del romanticismo literario. Existen varias versiones, algunas más modernas, pero ninguna consigue el poder evocador y nostálgico de esta cuidada cinta, que destaca sobre todo por su fotografía. Robert Stevenson demostró su habilidad para el drama, como años después lo haría para la aventura en producciones de la Disney, productora donde desarrolló la mayor parte de su carrera (El abuelo está loco, La bruja novata, Mary Poppins). En esta ocasión contó con un privilegiado reparto en el que destaca el polivalente Orson Welles, y una Joan Fontaine en la línea de Rebeca, su papel más famoso. Una joven sale del orfanato donde ha pasado toda su infancia y comienza a trabajar como institutriz en una mansión que resulta siniestra, debido al misterioso carácter del dueño, Edward Rochester. La causa de su comportamiento es el repentino fallecimiento de su esposa, que no ha conseguido superar. Sin embargo, la nueva empleada le lleva algo de alegría, tanto es así que surge un romance entre los dos y deciden casarse. Sin embargo, tras el matrimonio él se comporta de forma muy inusual, por lo que queda claro que esconde algo que no le ha contado a su nueva mujer. Ella decide investigar para recuperar su amor.

Indianápolis, siglo XIX. Isabel Amberson, que pertenece una familia de la aristocracia, cancela su noviazgo con Eugene Morgan, inventor de origen humilde. Finalmente, Isabel se casa con Wilbur Minafer. El matrimonio tiene un hijo, que con el paso del tiempo crece y se enamora de Lucy, la hija de Eugene. Tras Ciudadano Kane, Orson Welles adaptó la novela de Booth Tarkington. RKO tenía miedo de que Welles rodara una película demasiado personal, lo que pudiera perjudicar a sus resultados en taquilla. Así que la productora arrebató el control creativo al cineasta, y ordenó un nuevo montaje, que mutiló seriamente el original. Aún así, el resultado es un excelente film sobre la decadencia de la aristocracia y el amor interracial.

Un joven granjero firma un contrato de siete años con el diablo a cambio de oro; un famoso abogado luchará por salvar su alma . Inquietante y peculiar film, adaptación de la novela fantástica de Stephen Vincent., con claras reminiscencias del mito de Fausto. La película cautiva por su ambigüedad formal e ideológica y por su belleza visual y excelentes interpretaciones, particularmente la de Walter Huston como diablo y la de Edward Arnold en el papel de letrado americano. Dieterle logra una de las mejores realizaciones de su carrera.

Los historiadores cinematográficos señalan que la película más influyente de la historia del cine sería El nacimiento de una nación, en la que Griffith combinó todos sus descubrimientos, dando lugar al lenguaje cinematográfico. La segunda sería Ciudadano Kane, que partiendo del lenguaje de Griffith, dio lugar al cine moderno, preocupado por ofrecer en cada plano elaborados encuadres y movimientos de cámara. Los personajes esquemáticos e ingenuos de El nacimiento de una nación, y su indisimulado racismo, han quedado superados por el paso del tiempo, mientras que Ciudadano Kane ofrece una riqueza antropológica aún vigente. Todo comenzó con un joven genio, Orson Welles, director teatral que se había hecho popular con su particular versión radiofónica de la novela "La guerra de los mundos", de H. G. Wells, que provocó auténtico pánico entre la población. RKO le ofreció el contrato más sustancioso que jamás haya recibido un cineasta debutante, que incluía un porcentaje de los beneficios y el absoluto control creativo de sus filmes. El imaginativo Welles pasó algún tiempo barajando la idea de adaptar la novela "El corazón de las tinieblas", de Joseph Conrab, filmándola en primera persona, con un punto de vista subjetivo. Finalmente, desecho este proyecto, pues se le había ocurrido algo mucho mejor, retratar a un magnate inspirado en William Randolph Hearst. Precursor del amarillismo periodístico, Hearst llegó a poseer en sus mejores momentos 28 periódicos, diversas emisoras de radio y multitud de revistas e incluso productoras de cine. Como no contaba ni mucho menos con la autorización de Hearst, Welles le cambió el nombre por Charles Foster Kane, y cambió ligeramente algunos de los hechos reales. Por ejemplo, Hearst se gastó infructuosamente una fortuna para que Marion Davis, su amante, triunfara en el cine. Por su parte, Kane, el personaje de ficción, haría lo propio para que su esposa se convierta en estrella de la ópera. Parece que Kane sólo llegó a sentirse feliz durante su infancia. Ésta es la clave de la última palabra que pronuncia al morir, Rosebud, nombre del trineo con el que solía jugar. El arranque del film se considera curiosamente uno de los mayores errores de la historia del cine, pues en la célebre secuencia de la muerte de Kane, nadie está presente para escuchar sus últimas palabras. Aún así, el fallecimiento desencadena que un periodista investigue qué significaba la palabra Rosebud. Éste entrevista a numerosas personas que le conocieron, pero no conseguirá resolver el misterio. Welles sostiene que nadie puede penetrar en la insondable y compleja mentalidad del ser humano. Por mucho que se conozca a una persona, no se puede saber qué es lo que pasa por su cabeza. Se sintetiza en un plano metafórico, que aparece al principio y al final de la película, en el que la cámara muestra la inscripción No traspassing (Prohibido el paso), en la verja de Xanadú, la suntuosa mansión de Kane.