Dermot Mulroney

Una serie intrigante, que especula con la necesidad que todo ser humano tiene de encontrar sentido a su existencia, y de la búsqueda de redención, necesitamos ser salvados, reconocer el mal que hemos hecho, pedir y recibir perdón. Tiene detrás nombres de cineastas interesados por el tema de la fe, entre ellos productores Mark Burnett y Roma Downey, que impulsaron una exitosa serie sobre la Biblia, el creador Michael Petroni, que escribió el libreto de El rito, y el director James McTeigue, que dirigió V de Vendetta, una reflexión sobre una sociedad enferma y desorientada. La trama arranca en Siria, donde una milagrosa tormenta de arena impide una sangrienta acción bélica del Estado Islámico. Se atribuye el logro a un misterioso hombre que comienza a ser conocido como Al-Masih, el Mesías, un hombre muy espiritual y sosegado, cuya sola mirada conmueve a los que se acercan a él. Reunirá tras de sí a dos mil hombres que caminan y acampan en la frontera de Israel. Los servicios secretos judíos, preocupados por este hombre, le detienen para interrogarlo, y el duro agente Aviram Dahan, separado y con una hijita, queda impactado por alguien que parece leer en su corazón. Sigue también el caso la agente de la CIA Eva Geller, viuda y con una mala relación con su padre judío. Entre los afectados por quien pronto se convierte en personaje mediático global a través de las redes sociales se encuentra un pastor protestante, de familia desestructurada, que estaba a punto de quemar su iglesia, y una madre desesperada por el cáncer que padece su pequeña. Petroni logra atrapar al espectador, pero su planteamiento tiene el problema de qué dirección tomar hasta alcanzar un resultado satisfactorio. Porque se trata de jugar con las dudas –¿es Al-Mahih un profeta, el mismo Jesús en su segunda venida, o un impostor hinchado por las redes sociales?– y la catarsis e interrogantes que produce entre las personas a nivel planetario, hasta el mismísimo presidente de Estados Unidos se siente interpelado. Y la apuesta es tan alta, que cualquier solución, por sugerente e imaginativa que resulte, tiende a ser insatisfactoria. Con lo que se va prolongado algo innecesariamente la trama, aportando elementos traumáticos de los personajes, o proporcionando algo de “background” sobre Al-Masih, lo que tiene efectos paradójicos, porque sí, responde a la curiosidad del espectador, pero a la vez esa información puede parecerle banal o al menos insatisfactoria. Evidentemente no estamos ante un sesudo tratado teológico, y no debería esperarse una gran ortodoxia en la propuesta. La serie, respetuosa con las creencias religiosas, no es al fin y al cabo otra cosa que una suerte de parábola para tiempos descreídos y superficiales en que, sin embargo, anhelamos la trascendencia y la vida espiritual. El reparto está muy bien escogido. Acierta Mehdi Dehbi, en su hierática composición con leves rasgos para mostrar su cariño y afecto. Mientras que el resto del elenco –Michelle Monaghan, Tomer Sisley, John Ortiz, Stefania LaVie Owen, Sayyid El Alami...– encarnan bien variadas situaciones en que sus personajes se debaten entre la esperanza y sus demonios interiores.

Nick Murch, testigo de un asesinato cometido por el mafioso Ezekiel Mannings, es conducido a un lugar secreto para tomarle declaración en vídeo para ser transmitida en directo en el juicio de Mannings, retenido en arresto domiciliario en su casa. Para grabar la declaración del testigo llegará una mensajera con el equipo, pero éste resulta contener un gas letal. Todo es una trampa y la mensajera, ignorante de lo que contenía el envío, intentará salvar al testigo con todos los medios a su alcance. Vehículo de acción a mansalva, bastante simplón en sus planteamientos y en su desarrollo argumental. Con un presupuesto reducido y una dirección un tanto anodina de Zackary Adler, prácticamente toda la historia tiene lugar en el interior de un garaje de varias plantas, en donde mensajera y testigo, intentarán sobrevivir a una serie de asesinos. Aunque cuenta con la presencia de algunos pesos pesados como Gary Oldman (en el papel del mafioso) o Dermot Mulroney (como agente del FBI), todo el peso del film recae en la mensajera Olga Kurylenko, que resultará tener unas habilidades impresionantes para el combate. Aún así resultan muy poco creíbles las escenas de acción, torpemente rodadas, especialmente en el cuerpo a cuerpo, al igual que el modo que tienen los perseguidos de desvanecerse, de evitar ser encontrados una y otra vez. Tampoco parece muy normal el personaje del testigo, tan patoso y agotador que dan ganas de dejarlo a su suerte. Con estos mimbres, el resultado sólo gustará a espectadores que quieran pasar el rato viendo a la Kurylenko repartir estopa. Poco más ofrece el film.

Original serie de Amazon Prime basada en un podcast de Gimlet Media, donde suma fuerzas Sam Esmail –el creador de Mr. Robot–, con los recién llegados a la tarea Micah Bloomberg y Eli Horowitz. Describe en dos tiempos, que se distinguen por el formato de pantalla, normal en un caso, cuadrado en el otro, lo ocurrido en un centro que atiende a veteranos de las guerras de Irak y Afaganistán, antes y después de una fecha crítica, el 14 de mayo de 2018, en que se supone que ocurrió un importante incidente. En Homecoming, que gestiona una empresa que tiene una subcontrata con el ejército estadounidense, se atiende a militares que vuelven de la guerra y necesitan terapia antes de reincorporarse a la vida normal, y se supone que ofrecen una novedosa metodología para prestarles ayuda. En la parte del "antes", Heidi Bergman ejerce tareas de trabajadora social y terapeuta, y empatiza especialmente con un soldado afroamericano, Walter Cruz, que empieza a andar mosqueado con el modo en que se opera en el centro. Tampoco Heidi acaba de entender la presión a que le somete su supervisor, Colin Belfast. Mientras que en el "después" Heidi trabaja de camarera, y no recuerda qué pasó el 14 de mayo, el incidente que le obligó a dejar su trabajo en Homecoming e irse a vivir con su madre. Al mismo tiempo Thomas Carrasco investiga para el Pentágono, tratando de averiguar si ha habido malas prácticas en la empresa que gestiona Homecoming. Siguiendo el estilo de su anterior serie, y con capítulos de no más de media hora, Esmail, que también ejerce de director, pergeña una serie que combina intriga de tintes hitchcockianos –la amnesia, los estados mentales vertiginosos, las terapias– con un poderoso elemento humano, donde los personajes arrastran traumas, tratan de averiguar la verdad, o ejercen actividades manipuladoras. La trama juega con ideas como la simulación y el fingimiento, los seres humanos usados como cobayas de un experimento, de modo que resulta difícil saber dónde se encuentra los personajes, no sólo físicamente –el soldado que duda que realmente Homecoming se encuentre en Florida, las palmeras podría ser de pega, y consistir todo en un montaje–. sino emocionalmente. Hacía tiempo que no se abordaba en la pantalla de modo tan logrado los peligros de la deshumanización, la consideración de los demás como objetos para utilizar, olvidando su condición de personas, cada una irrepetible; incluso quien trata de hacer lo correcto, Carrasco, puede verse atrapado en la maraña de la burocracia despersonalizada. Julia Roberts atrapa bien la fragilidad de Heidi, incluidas sus inseguridades a la hora de maquillarse y ponerse guapa –da gusto recuperar su proverbial sonrisa, aquí de doble uso, como bienvenida a Homecoming, pero también de conexión emocional con Walter–, al igual que Stephan James encaja en el perfil de "buen chico", Shea Whigham en el de investigador concienzudo, y Bobby Cannavale en el de tipo con doblez y engaño. Como madres, de Heidi y de Walter, están perfectas Sissy Spacek y Marianne Jean-Baptiste.

Las Vegas. En un encontronazo con unos narcotraficantes el turbio teniente de policía Vincent Downs y su compañero Sean, obtienen un importante alijo de cocaína, pero se ven involucrados en una serie de muertes. El golpe afecta seriamente a la mafia, pues la coca era un envío de Rubino, jefe del casino Luxus, a Novak, sanguinario mafioso cuya familia controla todas la ciudad. Rubino se ve obligado entonces a secuestrar al hijo de Downs para recuperar la droga. Entretenido thriller policiaco servido por el poco conocido director Baran Bo Odar, hasta el momento conocido sobre todo por el drama criminal Silencio de hielo. Aquí se pone al servicio de un guión procedente de una película francesa del mismo nombre, dirigida por Frédéric Jardin, versionada en este caso por Andrea Berlioff (Blood Father), que presenta una trama bastante convencional y ligerita de polis y mafiosos que se persiguen y se enfrentan en un continuo juego del ratón y el gato, donde el queso es un suculento cargamento de cocaína. La acción, narrada prácticamente en tiempo real, tiene lugar a lo largo de unas pocas horas nocturnas, en su mayor parte entre las paredes festivas de un gran casino. Mafias, polis corruptos y rehenes se dan cita así en una historia que, gracias a su ritmo y a la simpleza del planteamiento, se sigue con interés y ofrece los mínimos giros requeridos, mientras asistimos a un festival de peleas, trompazos y muertes, aunque haya que perdonar algunas secuencias poco verosímiles, véase el clímax final en el aparcamiento o el accidente en el túnel. El director suizo ha sabido eso sí escoger un reparto perfectamente adecuado, con protagonismo para un Jamie Foxx (Collateral) que es capaz de bordar este tipo de papeles de hombre desesperado que ha de hacer el pino con las orejas para salir del laberinto en donde se ha metido. Correcta aunque más limitada se muestra Michelle Monaghan (La conspiración del pánico) en su rol de policía de asuntos internos más perdida que carracuca, mientras que Scoot McNairy (Argo) aporta el perfecto retrato del psicópata criminal que exige su personaje.

Ben y Alex no se conocen de nada, pero ambos tienen asuntos urgentes que atender –una operación quirúrgica él, su propia boda ella– y la suspensión de su vuelo por la previsión de una tormenta supone una enorme contrariedad. Pero Alex, fotoperiodista de profesión, es una mujer de recursos, y contrata una avioneta para emprender viaje, y le propone a Ben compartirla. La decisión de aceptar supone un error, pues se van a estrellar en una zona montañosa cubierta por la nieve, y aunque sobreviven, nadie sabe que están ahí, y el tiempo empieza a correr en su contra. Decididamente al palestino Hany Abu-Assad se le dan mejor las historias que sitúa en su tierra –Paradise Now, Omar, Idol–, que las de corte hollywoodiense, aquí con dos grandes actores que ofrecen esforzadas interpretaciones, Idris Elba y Kate Winslet. En este caso adapta una novela de Charles Martin, con típica trama de supervivencia tras un accidente aéreo. Se juega con el contraste de caracteres de los dos protagonistas –él es cerebral, le gusta tener las cosas bajo control, mientras que ella se mueve por el corazón y tiene capacidad de asumir riesgos–, y la compañía de un perro fiel, para ir sembrando la narración de elementos relativos a situaciones peligrosas que hagan el largo metraje llevadero. El problema es que el film adolece de una exasperante arritmia, no avanza dinámicamente, casi el único punto de intriga real, y ello sólo hasta cierto punto, consiste en saber si surgirá la chispa del enamoramiento, sobre todo teniendo en cuenta que él, hermético en lo relativo a su vida personal, arrastra un matrimonio con problemas, mientras que ella estaba en vísperas de casarse. Y decididamente el modo de terminar resulta decepcionante. Aparte del trabajo interpretativo es destacable la preciosa fotografía de los pasajes montañosos, teóricamente del estado de Utah, aunque la película se ha rodado en Canadá.

Insidious: Capítulo 3 debería ser en realidad el capítulo 0 de la saga, pues se trata de una precuela que transcurre antes de que los espíritus molesten a la familia Lambert. Se mantienen tres secundarios, Elise, la parapsicóloga, y sus dos ayudantes, Specs y Tucker, que se encontrarán por primera vez cuando tratan de ayudar a Quinn Brenner, una adolescente que aspira a ser actriz. Ésta piensa que su difunta madre intenta contactar con ella, pero en realidad está siendo acosada por una entidad sobrenatural maligna. Tras dos entregas de enorme calidad en comparación al 'standard' del cine de terror, James Wan ha abandonado la saga iniciada con Insidious, para cambiar por una vez el terror por la acción, pues ha sido el responsable de Fast & Furious 7. Le sustituye en Insidious: Capítulo 3 Leigh Whannell, guionista y también actor, pues interpreta al citado Specs. Se agradece que Whannell se mantenga dentro de los parámetros de los relatos clásicos de fantasmas, sin excesos truculentos, y logra una buena ambientación, y algún susto logrado, como el que tiene lugar en una ventana. La joven Stefanie Scott (Quinn) y el resultón Dermot Mulroney (su padre) salen airosos llevando el peso principal, en sustitución de Patrick Wilson, Rose Byrne y Barbara Hershey. Pero Insidious: Capítulo 3 pierde la frescura que tenían los dos episodios anteriores, pues abusa de los lugares comunes del género, y el desarrollo resulta demasiado previsible.

Doug Martin, un estudiante, se siente muy atraído por su bella vecina Lena, que está casada con un hombre algo mayor. Cuendo éste aparece asesinado, Doug se convertirá en el principal sospechoso. Thriller dramático de planteamiento architópico en torno a la seducción, la inocencia y el crimen, con cabeza de turco de por medio. Todo en la historia explota el morbo de las relaciones turbias, aunque la intriga tiene momentos logrados. También los intérpretes, algunos tan conocidos como Isabel Lucas, hace un eficaz trabajo.

Mackenzie Reed hereda un espléndido hotel de su tía. Aunque su idea es venderlo, como es temporada navideña no será fácil con tantos huéspedes. Además, la Navidad traerá magia a su vida. Bonito telefilm navideño de la cadena norteamericana Hellmark. El guión narra una historia romántica y positiva, llena de sentimiento. Mejora el resultado gracias a un trío de intépretes bastante apañados.

India Stoker se encuentra desconsolada, pues justo el día que cumplía 18 años, su padre, al que estaba muy unida, ha muerto accidentalmente, carbonizado en su coche. Su madre Evelyn es una mujer frívola y desustanciada, que poco le ayuda a sobrellevar la situación. Para colmo de males ha aparecido por sorpresa en las honras fúnebres el tío Charlie, hermano de su padre, y cuya existencia India simplemente ignoraba. Aparentemente encantador, el tío Charlie decide quedarse en el hogar de India y Evelyn una temporada, lo que la joven que acaba de inaugurar su mayoría de edad no acaba de llevar demasiado bien. Debut hollywoodiense del coreano Park Chan-wook, rarito cineasta al que chiflan las historias malsanas, y responsable de títulos como Oldboy y Simpathy for Mr. Vengeance. Para la ocasión maneja un guión escrito por Wentworth Miller, el protagonista de Prison Break, que se estrena en labores de pergeñar libretos de película. Stoker parece material ideal para Chan-wook, y que seguramente ha hecho más suyo todavía de lo que era sobre el papel; en el film llaman la atención los numerosos guiños hitchcockianos, pues además del tío Charlie que remite a La sombra de una duda, y que físicamente recuerda al Norman Bates de Psicosis, tenemos una cabina deudora de Los pájaros, y una chorro de agua de una ducha, entre otras referencias innegables. El cineasta coreano rueda muy bien, y crea en Stoker una de esas atmósferas inquietantes en las que es especialista. Resulta muy plástico, esas florecillas salpicadas de sangre, aunque no faltan tampoco los toques algo sádicos, como Mia Wasikowska reventándose una ampolla del pie. Pero la trama en torno al mal y/o la locura es poca cosa, en realidad pura excusa para entregar un ejercicio de estilo tirando a vacuo, donde la sorpresa es, como mucho, relativa.

Con La red social David Fincher dejó bien alto el listón en el subgénero de los biopics de jóvenes genios del mundo de la informática. Desde la estructura del guión hasta los movimientos de cámara, pasando por la arriesgada banda sonora de Atticus Ross y Trent Reznor, todo iba en sintonía con el novedoso negocio creado por el protagonista, Mark Zuckerberg, fundador de Facebook. Resulta inevitable acordarse de aquel film a la hora de visionar Jobs, biografía del fundador de Apple, rodada poco después del fallecimiento de éste, el 5 de octubre de 2011. Sobre todo porque el libretista de aquel film, Aaron Sorkin, prepara su propia versión, basándose en el completo volumen sobre el personaje escrito por Walter Isaacson. Por su parte, Joshua Michael Stern, responsable de El último voto, es un cineasta correcto pero no tan brillante como Fincher. Tampoco el debutante libretista Matt Whiteley apunta el talento de un Sorkin. Realizan un trabajo digno, centrándose en hacer accesible la historia de Steve Jobs, de la misma forma que éste hizo asequible la informática a todos los públicos. El film pinta bien sus relaciones profesionales, sobre todo con el introvertido pero genial ingeniero Steve Wozniak, el financiero Mike Markkula, y John Sculley presidente de Pepsi que pasó a ser CEO de Apple. De la misma forma, describe bien su paso de joven rebelde amante del LSD a emprendedor revolucionario. Pero por contra, Jobs pasa un poco de largo por las relaciones del protagonista con sus padres adoptivos, sus parejas y todo lo que tenga que ver con su vida personal. Se dedica algo de metraje para contar lo que supuso para él tener una hija inesperada en su juventud, Lisa, a la que tardó en reconocer, pero finalmente esta subtrama sabe a poco, no se le saca el suficiente partido. La interpretación de Ashton Kutcher como Steve Jobs no provoca ni frío ni calor. No desentona, está bien caracterizado, pero tampoco realiza un trabajo brillante. Resultan mucho más eficaces Matthew Modine (Sculley) y Dermot Mulroney (Markkula) porque se les ha asignado personajes de cierta complejidad. Por contra, Jobs desaprovecha por completo a actores potentes como James Woods, en la piel de un decano universitario, o Lesley Ann Warren, como la madre adoptiva del personaje central. Ha sido muy crítico con el film el auténtico Steve Wozniak, que asegura que no han captado del todo la forma de ser de Steve Jobs. En el film está su capacidad negociadora, su enorme creatividad, su mal genio, pero quizás no capta del todo su carisma, así como su forma de manipular la realidad para entusiasmar a su favor a todo el que estaba a su alrededor.

Cuando Beverly Weston muere, los miembros de su familia se darán cita para darle el último adiós en el funeral. En la gran casa situada en las llanuras de Oklahoma se reunirán las tres hijas mayores –Barbara, meticulosa, seria, con problemas matrimoniales; Ivy, solícita, servicial, harta de su vida sin alicientes; y Karen, alocada y superficial–, junto a sus acompañantes, tíos y primos. El centro de la reunión será la madre de familia, Violet, una mujer enferma, enganchada a las pastillas y que sufre un completo desequilibrio emocional, con una crueldad verborreica difícil de controlar. Con el amparo de George Clooney como productor, el actor, guionista y dramaturgo Tracy Letts adapta para el cine su propia obra de teatro, en donde se pone detrás de las cámaras John Wells, que dirigió con buen tino The Company Men y cuenta con amplia experiencia televisiva. El resultado es un drama familiar de alto voltaje, con puntos tragicómicos, en donde saldrá a la luz un maremágnum de secretos, mentiras y sorprendentes verdades del que ninguno –madre, hermanas, cónyuges, primos– saldrá ileso. Muy turbia es la visión de Letts sobre el matrimonio y la familia, un estado de convivencia imposible, donde la paz brilla por su ausencia y donde reina un imperial cinismo respecto al amor y la comprensión hacia los demás. Los lazos familiares no son nada, dice Letts, “unas células al azar” sin significado, y no merecen el esfuerzo por conservarlos. Agosto bebe indudablemente de la tradición dramatúrgica del sur norteamericano. Hay momentos en que la sombra de Tennessee Williams es alargada, como en esa comida de funeral, en donde la disputa dialógica será exasperante y se producirá una desenfrenada catarsis que afectará especialmente a la madre de familia, pero que acusarán cada uno de los convidados. Tras la explosión ya nada será lo mismo, sólo restará que cada uno vaya asumiendo en su propia carne el fracaso familiar y vital, hasta llegar a la más ciega amargura, al completo desafecto. Porque aquí, paradójicamente, sólo se apoyan quienes no comparten la sangre. La mayor parte de la película sucede en un solo día, en una enorme casa, aislada en el inmenso y desértico páramo de Oklahoma (la familia, ése mundo infernal que te separa del mundo). Fiel a su origen teatral, se trata, pues, de un film de personajes, de diálogos, de enfrentamientos cara a cara. Hay por tanto un enorme espacio para el brillo interpretativo, y vaya si lo hay. Resulta cansino citar el talento de Meryl Streep, pero aquí vuelve a generar un personaje único, neurótico, cruel, desconcertante, que bien podría valer un Oscar. Pero todo el elenco acompañante está magnífico, comenzando por una muy convincente Julia Roberts hasta llegar a la ya no tan joven Abigail Breslin y pasando por Juliette Lewis, Ewan McGregor, Chris Cooper, Dermot Mulroney, o por la menos conocida aunque igualmente estupenda Julianne Nicholson.

Cuando ocurre un problema en la estación espacial internacional, un grupo de seis ingeniosos y astutos adolescentes serán los elegidos para arreglar la situación. Film del director de películas juveniles Sean McNamara, que en esta ocasión cuenta la historia de cómo un grupo de amigos dejan al lado sus diferencias para poder completar con éxito una peligrosa misión. Con reminiscencias de Elegidos para la gloria, cuenta con un sólido reparto adulto, con la participación de la ganadora del Oscar Mira Sorvino.

Un grupo de trabajadores de una explotación petrolífera en Alaska toma un vuelo de la compañía, para disfrutar de unos días de asueto. El avión sufre un accidente cayendo en medio de ninguna parte; los supervivientes, siete hombres, dudan entre quedarse esperando un hipotético rescate, o ponerse en marcha. El acecho de una manada de lobos acelera la decisión, deberán huir del territorio dominado por estos animales. Lidera la expedición Ottway, que precisamente en la explotación se ocupaba de matar o ahuyentar a los animales salvajes que ponían en peligro la vida de los trabajadores. Una trama de supervivencia a cargo de un director vigoroso, Joe Carnahan, que ha contado con el respaldo en la producción de los hermanos Ridley Scott y Tony Scott. Infierno blanco está bien rodada, y el cineasta logra captar la atmósfera de una naturaleza hostil, junto al instinto por sobrevivir de los personajes, con sus discusiones, momentos de abatimiento, recuerdos, reproches a Dios... El gran problema es que acaba siendo reiterativa, y su esquema tipo Diez negritos, en que uno a uno van cayendo los miembros de la expedición, resulta algo elemental y previsible. También hay cierto abuso de los sustos y situaciones angustiosas, con su gráfica violencia.

La trayectoria en el departamento de justicia estadounidense de J. Edgar Hoover durante casi medio siglo, desde que es un joven ayudante del fiscal, pasando por su dirección del recién creado FBI, hasta su muerte en los años de la presidencia Nixon. Dustin Lance Black estructura la narración alrededor de un Hoover envejecido, que estaría dictando unas narcisistas memorias a diferentes ayudantes, recuerdos más o menos distorsionados que facilitan los diferentes flash-backs. Clint Eastwood es un grandísimo director, y logra dar empaque y consistencia con su clasicismo a la vida de un personaje muy complejo, con muchos puntos oscuros, y rasgos que invitan a la especulación. Cuenta con la ayuda de un Leonardo DiCaprio memorable, que sabe dotar de muchos matices al solitario Hoover, y un gran trabajo de Naomi Watts como su secretaria; el maquillaje de ambos personajes envejecidos, sobre todo el primero, es asombroso. El director del FBI estuvo envuelto en tantas investigaciones, que resultaba difícil escoger sobre cuáles construir la historia. El libreto de Black tiene el mérito de optar por algunas que abran la perspectiva al espectador, como los atentados reales llevados a cabo por comunistas y anarquistas en la segunda década del siglo XX –la obsesión con el peligro comunista en EE.UU., tan caricaturizada, tiene una base–, el secuestro del hijo de Lindbergh –que sirve para subrayar el afán de protagonismo de Hoover, pero también su lucha por definir los crímenes federales y la introducción de métodos científicos para investigar–, y los informes secretos y delicados sobre personalidades –que arrojan luz sobre el vértigo del poder y el deseo de control–. Siendo Black también el guionista de Mi nombre es Harvey Milk, parecía inevitable abordar la cuestión no aclarada de la supuesta homosexualidad de Hoover, quien nunca se casó. El enfoque adoptado no acaba de funcionar, recurre a manidos clichés: la madre que reprime, la consideración de buscarse una esposa como pieza decorativa, o la ceguera y crueldad para no aceptar sin complejos el amor de Clyde Tolson, su fiel colaborador y amigo.

Barrow es una pequeña localidad de Alaska, situada en el punto más septentrional de Estados Unidos, en el Círculo Polar Ártico. Las temperaturas allí son extremadamente frías. El joven periodista Adam se encuentra en ese lugar perdido para realizar una serie de reportajes en la televisión local. Pero un día descubre una noticia que poco a poco se va adueñando de la opinión pública hasta llegar a ser una bomba mediática de repercusión internacional: tres ballenas grises han quedado atrapadas bajo el hielo. Sólo pueden respirar gracias a un agujero del tamaño de una pequeña piscina, el único lugar abierto en una extensión de 8 kilómetros. Si no les ayudan, las tres ballenas morirán por la congelación del agua... Muchas personas verán cómo esa noticia afecta a sus vidas: los autóctonos de la zona (los inupiat), una activista de Greenpeace ex novia de Adam, un magnate del petróleo, un alto mando militar, etc. Cuidada y amable película ecológica, plagada de buenos sentimientos y de personajes de buen corazón, cuyo guión está inspirado en los hechos reales que acaecieron en esa pequeña localidad de Alaska en 1988. Una aventura extraordinaria recoge bien cómo una pequeña noticia va adquiriendo cada vez más repercusión, hasta ir alcanzando un nivel mundial. A la vez, supone un ejemplo de la fuerza que en la actualidad ha alcanzado el llamado cuarto poder, los “mass media”, y del error que supone ignorar esa realidad, cuando muchas veces la situación requiere aunar esfuerzos por una causa común. Como telón de fondo se incide en el respeto por los pueblos de esas zonas del mundo, un lugar en donde también la llegada de la tecnología y la modernidad puede significar la desaparición paulatina de su cultura y sus tradiciones. Ken Kwapis dirige con oficio a un reparto que está bien elegido y cumple su cometido con solidez, aunque tampoco se exigen grandes alardes interpretativos. Si hay que destacar a alguien habría que nombrar al veterano Ted Danson y al expresivo chaval debutante Ahmaogak Sweeney.

Cuando en plena noche una niña de siete años es secuestrada, la desolada madre acudirá a la ayuda de un periodista sensacionalista con ciertos poderes extrasensoriales para localizar a la pequeña, puesto que afirma haberla visto. Thriller de intriga estadounidense servido con corrección por Josef Rusnak (Nivel 13), quien logra rodearse de un notable equipo artístico, encabezado por Jon Voight.

Nathan Harper es el típico adolescente rebelde y guaperas, al que sus padres, por motivos desconocidos, han entrenado para dar patadas y defenderse de potenciales enemigos como nadie. Un día prepara con su vecinita y compañera de "insti" Karen –por la que está coladita– un trabajo de sociología sobre personas desaparecidas... ¡y descubre que él mismo es un niño desaparecido, que sus padres no son sus verdaderos padres! A partir de aquí entra en una espiral donde está envuelta la CIA y todo tipo de agentes dobles, que inician una persecución implacable. Una peli entretenidilla a cambio de no exigir demasiada coherencia. Cierto que la primera media hora es completamente estúpida, parece que estamos ante la típica historia de adolescentes de instituto. Pero de pronto la cosa se convierte en un movidito thriller, y al menos logra que el espectador esté atento a lo que sucede ante sus ojos. Lo que resulta más curioso es ver a John Singleton detrás de la cinta. Quedan lejos los días en que el director afroamericano filmaba el cine combativo de Los chicos de la calle. En los últimos tiempos se ha plegado al cine comercial, y aquí se diría que se toma un poco a broma la historia que tiene entre manos. Por supuesto, saca a Taylor Lautner a pecho descubierto, ya se sabe, marca de fábrica del licántropo de Crepúsculo, pero para los que puedan "odiar" al actor les reserva a modo de guiño una escena en que recibe una somanta de palos. Y el modo nada disimulado en que se presentan pasajes ilógicos –la CIA logrando persuadir a los chicos en una loma que son de los "buenos" e invitándoles a un batido y a una hamburguesa, por ejemplo–, invita a pensar que está cultivando la ironía sin decirlo abiertamente: da a los productores lo que esperan de él, pero mostrando sin ambages su condición de "mercenario".

Tony Lord es un prestigioso abogado que regresa a su pueblo para defender a un profesor que supuestamente ha asesinado a uno de sus alumnos. No será fácil para Lord enfrentarse a ese caso, puesto que su doloroso pasado volverá de golpe a su vida. Correcta, aunque algo extensa, adaptación televisiva de una novela de Richard North Patterson. Cuenta con buenos intépretes, que se esfuerzan por aportar intensidad a sus personajes.

Paul es fiscal del distrito en Nuevo México, y con su esposa Diane le toca sufrir, y mucho, por la enfermedad de su hijita Chloe, que necesitaría urgentemente un trasplante de ambos pulmones. Esperar su turno en la lista de los donantes de órganos no parece conducir a ninguna parte, y la estado de Chloe se agrava cada vez más. Sabedor de que en el país vecino hay una red ilegal de tráfico de órganos, Paul viaja a México a la desesperada, con intención de contactar en Juárez con el misterioso doctor Navarro que podría ayudarle. Allí se encuentra con la realidad de “los olvidados”, los niños de la calle cuya vida no se estima en nada. A priori la trama que maneja el islandés Baltasar Kormákur tiene su interés, al menos para entregar un film correcto sobre un tema inquietante con claras implicaciones morales, el comercio ilegal con órganos aprovechando la situación de desesperanza de potenciales clientes, dispuestos a hacer lo que sea para salvar la propia vida o la de los seres queridos. Sin embargo, y aun contando con un envidiable reparto -Dermot Mulroney, Diane Kruger, Sam Shepard, el cada vez más internacional Jordi Mollà...-, la realización es bastante torpe, empezando por la estructura narrativa de flash-backs que no vienen muy a cuento, se narra paralelamente la estancia de Paul en México, con sus pasos en Estados Unidos para que el espectador se sitúe con respecto a él y su familia, y los medios que pone para lograr la curación de su hija. Deslavazado y poco sutil resulta el hilo narrativo del caso que Paul tiene entre manos, un padre acusado de dejar parapléjico al disparar al hombre que abusaba de su hijita, incluido en el guión para apuntalar el interrogante de hasta dónde se debe llegar por el bien de los hijos. Y gratuito es el exhibicionismo de los padres acudiendo desnudos al cuarto de su hija, que no podía respirar. En general dominan en el film un tono a falsete, uno no se acaba de creer lo que ve allí, lo que es una pena pues al final sólo quedan lo que parecen buenas intenciones de hacer pensar al público sobre un tema candente.

1964. El doctor David Henry es padre de gemelos, un niño y una niña. Pero ella tiene síntomas que indican que podría tener Síndrome de Down. El doctor prefiere decirle a su mujer que ha fallecido, y dejar el bebé a una enfermera. Nunca más vuelve a preocuparse por ella. Durante los siguientes 25 años, el doctor se guarda su oscuro secreto y ve cómo su familia se descompone por diversos problemas, al tiempo que se obsesiona por la fotografía, después de que su esposa le regale una cámara digital. Mientras tanto, su hija discapacitada, Phoebe, ha sido criada por la enfermera, y se ha convertido en una bella joven que ignora por completo quién es su padre. El veterano Mick Jackson, director de títulos como El guardaespaldas y Vulcano, adapta en esta ocasión un best-seller de Kim Edwards que llegó a ser número uno en las listas de ventas estadounidenses. Cuenta con un buen reparto, Dermot Mulroney (el doctor), Gretchen Mol (su esposa) y Emily Watson (la enfermera). Tiene mucho papel la debutante Krystal Hope Nausbaum, que interpreta a la joven Phoebe. La historia es un gran dramón, con bastantes elementos de intriga y giros inesperados.

Película basada en la historia real de Robert Kearns, un profesor de universidad que ocupaba su tiempo inventando cosas. Una de estas invenciones resultó fundamental para la industria automovilística, sin embargo, los grandes fabricantes dieron de lado a Kearns y nunca le reconocieron su éxito. El profesor decidió entonces iniciar una larga y durísima batalla legal contra los grandes del sector. Protagoniza Greg Kinnear, a quien es habitual verlo en papeles más cómicos. Compone bien a este hombre que, padre de seis hijos, acarició con los dedos la gloria para quedarse finalmente con un palmo de narices. Nadie como él para saber lo que supone que David luche contra Goliat.

Película basada en hechos reales acontecidos en torno a San Francisco a partir de los años 60, cuando un asesino en serie que se hacía llamar Zodiac aterrorizó a la población con sus espeluznantes crímenes, que acompañaba de acertijos que hacía llegar a diarios como The San Francisco Chronicle. El guión de James Vanderbilt  se basa en los libros de investigación escritos por Robert Graysmith, caricaturista e ilustrador del Chronicle, que a pesar de que el caso no le incumbía periodísticamente hablando, se sumergió en él desde su inicio hasta extremos que rayaban lo obsesivo. La trama nos pinta uno de esos casos que parece de resolución imposible, y que permanece abierto a lo largo de varias décadas. El rigor de la narración, de un sabor muy clásico, emparenta el film con otros clásicos del periodismo de investigación como Todos los hombres del presidente. Tenemos ante nosotros múltiples personajes, encuadrables en las categorías de víctimas, sospechosos, periodistas, policías y familiares. Y gran parte del mérito de Vanderbilt y del director, David Fincher, es dar cohesión al conjunto, no permitir que esa variedad de personajes y escenarios, más el paso del tiempo, conduzcan a una trama deshilachada. Hay emoción y genuino suspense, cuando el film se mueve en las fronteras del cine de terror, en los momentos en que el asesino actúa; hay inteligencia en mostrarlo como una figura fantasmal, y están bien las dudas que surgen en algún caso acerca de si determinado perturbado era o no el asesino buscado. Fincher parece haberse aficionado a cierto tipo de filmes sobre las pautas del comportamiento humano, que parece seguir unas determinadas "reglas de juego". La palabra "juego" está incluso en uno de los títulos de su filmografía, The Game, pero también forma parte conceptual de Seven, El club de la lucha y La habitación del pánico. Aquí esta idea está muy presente a la hora de tratar de determinar el patrón de acción que sigue el asesino; pero también al hablar de los problemas de jurisdicción de la policía y sus posibles piques; o de la importancia que pueden tener los medios de comunicación, incluida la televisión, a la hora de dar cancha a un desequilibrado y de alarmar a la población. También se describen con mucha inteligencia los comportamientos obsesivos y el sentimiento de frustración a que puede dar lugar el deseo a toda costa de solucionar el caso, muy presentes en el reportero de Robert Downey Jr., en el policía de Mark Ruffalo, y en el caricaturista de Jake Gyllenhaal, que pueden derivar en adicciones indeseables o en problemas en la vida familiar. Los actores citados sobresalen dentro de un magnífico y bien seleccionado reparto.

La historia auténtica de una adolescente apasionada del fútbol, pero cuyo padre, antigua leyenda de este deporte, y sus hermanos, no creen en sus posibilidades. Se trata de la típica historia de superación personal, encuadrada en el subgénero de drama deportivo.

Lily está desesperada por la actitud de su hija adolescente, que bebe, grita y no respeta a nadie. Cuando ésta destroza el coche, decide llevársela a Idaho, a la granja de Georgia, su madre. Ésta es una viejecilla afable, pero exige que cualquiera que viva en su casa respete unas  reglas, basadas en el respeto a Dios y al trabajo. Rachel pasará el verano con su abuela, al principio a regañadientes.Garry Marshall, director de Pretty Woman, firma esta comedia dramática sobre las relaciones familiares y la redención. Une a la veterana Jane Fonda, con Felicity Huffman (Mujeres desesperadas) y Lindsay Lohan (Tú a Boston y yo a California).

griffin es un hombre que padece cáncer y los médicos le dan una esperanza de vida de dos años. Se enamora rá de Phoenix, una consejera académica con la que coincide en un seminario sobre la muerte en la universidad. Ambos intentarán disfrutar al máximo sus últimos días. Lacrimógeno drama romántico, excesivamente convencional aunque bien desarrollado y muy emotivo. Al menos su mensaje es positivo y cuenta con los siempre correctos Amanda Peet y Dermot Mulroney como protagonistas.

Kat Ellis vive en Estados Unidos y ha de acudir a la boda de su hermana en Londres. Sin embargo, hay un problema que le frustra: el padrino de boda será su ex novio, el mismo que la dejó plantada a ella tras su compromiso. Como no quiere acudir sin compañía, decide contratar los servicios de un apuesto acompañante masculino, al que presenta en la fiesta de boda como su novio. Aunque previsible, la película tiene muy buenos ingredientes para la comedia y las situaciones de enredo. Sin embargo, no logra hacerse suficientemente creíble, quizá porque la química entre los personajes no funciona. La deprimida Debra Messing (Un final made in Hollywood) consigue, eso sí, una convincente interpretación.

Las tramas sobre personas que se enfrentan a la situación de conocer a la familia de su novio hacen furor. Esta enésima versión de la fórmula la protagoniza Everett Stone, que durante unas vacaciones de Navidad visita a sus padres y hermanos, que viven en una pequeña localidad, para presentarles a Meredith, su introvertida novia. Todo acabará en desastre, porque Meredith no tiene prejuicios a la hora de hablar de cualquier tema, o expresar sus recelos hacia la homosexualidad. Por su parte, los Everett son permisivos, declaradamente liberales y uno de los hermanos resulta ser homosexual. Frente a Los padres de ella o Adivina quién, de esquema similar, el guionista y director Thomas Bezucha imprime un tono tragicómico que combina momentos hilarantes, y apuntes de cierta entidad dramática sobre la tolerancia como base para la convivencia familiar. Lo mejor son sus homenajes al musical Cita en St. Louis, y el elenco, del que sobresale una magnífica Sarah Jessica Parker en un difícil papel, con muchos matices.

Un reparto muy apañado, encabezado por la guapa Diane Lane y el sólido John Cusack –en un papel parecido al que ya bordó en la encantadora Serendipity–, logra que esta simpática historia caiga como un cuento de hadas sobre el espectador de blando corazoncito. Los dos actores encarnan a Sarah y Jake, sendos solteros en busca del amor verdadero, y la casualidad quiere que se conozcan a través de las páginas de anuncios de citas en internet. La cosa tendrá sus obstáculos –errores, malentendidos, otros pretendientes–, pero el amor es siempre el amor, sobre todo en historias de corte clásico como ésta. Destaca por encima de cualquier otro elemento la veterana Stockard Channing, en un papel un poco tarambana, muy “ad hoc” para su perfil.

Mónica y Chandler han decidido mudarse a Tulsa. Mientras, Joey sigue enamorado de Rachel, aunque ella haya tenido a su niña con Ross. Así comienza la novena temporada de esta telecomedia romántica, uno de los grandes éxitos televisivos recientes.

Warren Schmidt. Acaba de jubilarse de un importante puesto ejecutivo en su empresa. ¿Qué puede hacer ahora? Si se le ocurre dejarse caer por su antiguo trabajo, el jovenzuelo sustituto de turno le mirará con una cara cuyo significado bascula entre “qué pesado, ¿qué querrá éste ahora?” y “este viejito me viene ahora, ¡a mí!, a dar lecciones, ¿qué se habrá creído?”. Su esposa viene con ideas “geniales” como la comprar una caravana y recorrer a lo largo y a lo ancho los Estados Unidos. A punto de hacer ese viaje, la mujer muere: entonces Schmidt se entera de que tenía una aventura con su mejor amigo. Tal revelación le hace caer en un terrible abandono: su vida carece de alicientes, los afectos que creía auténticos le han fallado. Por si fuera poco, su hija está a punto de casarse con quien considera un perfecto imbécil. Así las cosas, el único lazo que le permite estar conectado al mundo es Ndugu Umbo, un niño africano al que ha apadrinado. Si uno lee el párrafo anterior, la conclusión que saca es que el film que nos ocupa es una auténtica tragedia. Y sin duda que en parte lo es. No obstante lo que nos entrega Alexander Payne, director de la interesante y también despiadada Election (1999), es una comedia llena de humor negro, una sátira tremenda sobre lo que puede ser una vida desprovista de significado. Ante tal situación, Payne nos pone en la tesitura de reír, por no llorar. Vemos a un hombre patético (genial Jack Nicholson, que evita caer en el histrionismo), que ha “visto” discurrir su existencia, pero que no la ha “mirado”, no la ha “vivido”, en el sentido más radical de la palabra. Sobre esto el director y coguionista –usando como hilo conductor las cartas que Schmidt escribe a su ahijado– nos regala situaciones muy divertidas, a la vez que nos hace reflexionar sobre la necesidad de contar con asideros capaces de dar sentido a la vida.

Jane es una mujer madura madre de tres hijas. Cada una de ellas tiene su propia personalidad, son muy distintas e incluso la edad separa a dos de ellas con la benjamina. Todas parecen estar pasando por momentos algo difíciles y tienen en común la búsqueda de redención en la que será determinante la curiosidad y ganas de vivir de la pequeña. Típica comedia dramática con un toque existencialista de la gran dama del cine independiente Nicole Holofcener. Esta cineasta no suele ofrecer soluciones, sino que opta más bien por plantear las situaciones para que el espectador saque sus propias conclusiones, lo que en ocasiones hace que sus películas parezcan poco esperanzadoras.

Adaptación de varios relatos de A. M. Homes, que se unifican en torno al drama de una madre que, obsesionada por cuidar de su hijo, en coma por culpa de un accidente, descuida la comunicación con su marido, y con su otra hija. Mientras tanto, somos testigos del devernir de varios vecinos: Jim, que se ha quedado en paro, se siente un inútil y piensa que su familia podría funcionar sin él; Annette, que acaba de divorciarse; Helen, que es infiel a su esposo; y el modesto jardinero, que guarda un oscuro secreto. Las películas corales han dado en los últimos tiempos grandes ejemplos de buen cine, como Magnolia o, una joyita, Vidas contadas. Estas obras han hecho palidecer un poco a este título, menos pretencioso y más convencional, y con algún que otro añadido artificioso. Aún así, indaga con hondura en su tratamiento del tema central, los problemas de convivencia en el seno de la familia. Además, cuenta con buenas interpretaciones de un reparto que encabeza Glenn Close, a quien también vimos en Cosas que diría con sólo mirarla, otra cinta coral.

Años 20. Edgar es un académico que prepara un estudio sobre el sexo. Sus métodos de investigación son un tanto peculiares. Contrata a dos guapas secretarias, las viste con ropas provocativas, y les dicta todo tipo de procacidades. Espera que sus reacciones y las de sus compañeros de investigación den nuevas luces al mundo sobre la cuestión. Alan Rudolph coescribe y dirige un film muy en su línea, donde lo más destacable es el notable reparto.

Trixie es una vigilante jurado muy competente en su trabajo. Recién fichada por un casino, vigila a los clientes que buscan camorra o a los simples carteristas. Por su camino se cruzan personajes variopintos, entre ellos un senador corrupto. Alan Rudolph divierte más de lo acostumbrado en un film en que Emily Watson demuestra el pedazo de actriz que es.

Henry es un atracador de bancos que ya peina canas. Víctima de una supuesta parálisis cerebral, es trasladado a un asilo. Allí la guapa enfermera Carol se mosquea un poco con el nuevo inquilino, que parece un rematado cuentista. Fascinada por su personalidad, se aliará con él para realizar un nuevo golpe. Atractiva pareja la que forman el mítico Paul Newman con la morenaza Linda Fiorentino. La peli conjuga la intriga típica de las historias de ladrón de guante blanco con la clásica subtrama romántica. Hay diálogos inteligentes, pero sobre todo el carisma de una estrella de muchos quilates.

Ben es amante de Sandra, la esposa de su hermano Jake. Un tipo celoso, dispuesto a llegar al crimen para desquitarse de la humillación a la que le somete su hermano. Quedan lejos los tiempos en que Roland Joffé filmaba películas como Los gritos del silencio y La misión. En esta ocasión se adentra en los terrenos del thriller erótico, en una historia en la que nada es lo que parece. El juego de amantes y traiciones, movido por una cantidad de dinero muy apetitosa, recuerda a Juegos salvajes. En el reparto, muy conjuntado, pueden verse rostros muy típicos del cine independiente americano (Patricia Arquette, Dermot Mulroney, Mary-Louise Parker), con otros que han hecho su carrera artística en el medio televisivo (Ellen DeGeneres, Don Johnson)

Julianne y Michael, amigos desde niños, hicieron un curioso pacto: que se casarían, si antes de los 28 años no habían encontrado a su otra media naranja. Al llegar ese momento, Julianne recibe una llamada de Michael, en la que le anuncia su compromiso con Kimmy. Julianne queda destrozada por la noticia, pues ahora comprende que el amor de su vida es Michael, y que tal amor se le va a escapar ante sus propias narices. No obstante Julianne no se da por vencida, y hará todo lo posible para evitar esa boda. Divertida y alocada comedia dirigida por el australiano P.J. Hogan (La boda de Muriel), llena de enredos y situaciones equivocas que homenajea a los grandes clásicos al estilo Historias de Filadelfia. Una elaborada puesta en escena y unas soberbias interpretaciones hacen que el film no decaiga en ningún momento. Julia Roberts da vida a Julianne, mientras que Cameron Díaz interpreta a Kimmy, la angelical y cursi novia de Michael. Pese a que se trata de un papel en principio ingrato, Cameron sale airosa del reto, llegando a eclipsar a la entonces ya consagrada Julia Roberts. Genial la secuencia del "Karaoke".

Recreación erudita del mundo de los años de la depresión en Estados Unidos. 1934. Kansas City es una ciudad al rojo vivo en vísperas de unas importantes elecciones. La vida de la ciudad gira en torno a el Hey Hey Club, un lugar lleno de corrupción, lujo y prostitución. Un día, va a parar a ese lugar Johnny O'Hara (Dermot Mulroney), un ratero que ha robado al hombre equivocado, el hampón negro Seldom Seen, y es retenido allí con aviesas intenciones. Su mujer, Blondie (Jennifer Jason Leigh), no dudará en secuestrar a su vez a la esposa de un importante político (Miranda Richardson) para hacer un intercambio y lograr la libertad de su marido. Película de género dirigida por el prestigioso Robert Altman. En ella hay una mezcla de política, crimen, amor, dinero y, sobre todo, jazz. Los actores están fantásticos y el guión del propio Altman y de Frank Barhydt se reparte en varias direcciones, especialmente en las que recogen las andanzas de las dos mujeres y en lo que acontece a la vez en el club de jazz del mafioso. Pero como suele suceder en el cine de Altman se echa falta un tono general de mayor autenticidad, menos frío y "externo", que implique más al espectador. De cualquier modo, la película es un buen homenaje a la Norteamérica de aquellos años y es ideal para aficionados al cine negro y al mundo del hampa, y para amantes del jazz. Destacan en este sentido las secuencias ficticias que recogen a los saxofonistas Lester Young y Coleman Hawkins en plena batalla musical, ante la atenta mirada de un jovencito Charlie Parker. De entre los músicos se reconoce a estrellas modernas del jazz, como el saxo tenor Joshua Redman o el bajista Ron Carter.

El guionista David Koepp debuta como director con una historia de catástrofes –un apagón deja sin luz toda una región del estado de California–, que explora en los lados más oscuros del llamado mundo civilizado. La falta de electricidad pone en marcha una verdadera ley de la selva. La pasión y la violencia se desatan con inusitada facilidad. Carecer de dinero –las tarjetas de crédito no sirven–, no poder conseguir una receta, el miedo a ser asaltado, convierten en un manojo de nervios a los diversos personajes. La idea que subyace en el film tiene garra, pero quizá se le dan demasiadas vueltas de tuerca, lo que acaba restando credibilidad. El pulso narrativo es desigual, y pesa a la película no presentar con suficiente claridad adónde pretende llevar. La atmósfera de crispación la consigue, a veces a costa de ceder al efectismo y a las consabidas concesiones eróticas.

La vida del ingeniero eléctrico Al Fountain es una perfecta cuadrícula. La obsesión por el detalle, por hacer en cada instante lo previsto, dificulta la relación con su mujer y su hijo, y con sus subordinados. La interrupción de una obra, que dirige a varios cientos de kilómetros de su hogar, le ofrece unas inesperadas vacaciones que decide aprovechar para visitar antiguos paisajes de su infancia, y para reflexionar sobre su trayectoria vital. Tom DiCillo sorprendió con Vivir rodando, sobre el rodaje de una película. Aquí vuelve a demostrar su talento narrativo con una historia sencilla, contada con agilidad, que aborda en tono de comedia los ajetreos y tensiones de la vida moderna, que impiden disfrutar de los placeres más simples. Al, el protagonista —un inspirado John Turturro—, que tiene unas extrañas visiones donde las cosas parecen marchar hacia atrás, cree ver en ellas la necesidad de liberarse de las manías que le impiden ser el que fue en otro tiempo. Le ayuda Kid, al que conoce casualmente; ambos desarrollan una amistad en que el uno se ocupa del otro. Kid, un joven algo alocado, que viste como David Crockett y vive en plena naturaleza, imprimirá algo de alegría a la vida anodina del ingeniero. Y Al, que deseaba volver a casa, prolongará sus vacaciones por ahogar la soledad de su nuevo amigo. La película es algo larga para la historia que desarrolla. Hay buenas dosis de humor, pero también mal gusto en los diálogos y un tonto exhibicionismo sexual. La principal cuestión que plantea es interesante: hay que disfrutar de la existencia, vivirla con intensidad; aprovechar el tiempo en sentido amplio, no cuantificarlo hasta el ridículo. Pero se aborda de modo superficial, el alcance es corto. Algunas de las diversiones que Kid propone —hacer el gamberro en un campo de tomates, echar una cana al aire con dos chicas de buen ver— parecen un modo algo simplista de simbolizar qué significa la verdadera libertad.

Nick Reve es un director de cine que se embarca en una nueva película en la que nada le sale bien. Lejos de derrumbarse el joven intentará tirar para adelante a pesar de contar con un sonido pésimo, unos malos actores, una pareja protagonista que se lleva fatal, y un rodaje en general que acabará sacándole de sus casillas. Satírico y divertidísimo film de cine dentro del cine donde un director hará lo que sea por realizar su película. Tom DiCillo (Delirious) contó con Steve Buscemi (El gran Lebowski), Dermot Mulroney (La boda de mi mejor amigo) y Peter Dinklage (Un funeral de muerte) entre los protagonistas principales. El mejor guión en Sundance y el premio del público fueron algunos de los galardones que se llevó la cinta.

Un brutal asesino está cometiendo unos crímenes exactamente iguales a otros asesinatos célebres de la historia. La psicóloga Helen Hudson, que padece agorafobia, es decir, un miedo atroz a los lugares abiertos, andará tras el caso y contará con la ayuda de la detective M.J. Monahan. Cada vez que se acercan un paso hacia el asesino, sus vidas también correrán más peligro. Emocionante cinta de intriga que no deja respiro. Sigourney Weaver (Alien, el octavo pasajero) y Holly Hunter (Al filo de la noticia) protagonizan el thriller con solventes interpretaciones. Destaca la fotografía del húngaro László Kovács.

Finn (Wynona Ryder) acaba de graduarse en la universidad de Berkeley y se retira para terminar su tesis durante el verano a la casa que su abuela y su tía poseen en Grasse, California. Se trata de un sitio tranquilo, ideal para trabajar y para que Finn reflexione sobre una propuesta de matrimonio. Sin embargo, conoce a un atractivo joven, León, que le hace dudar. Mientras trata de tomar una decisión, es aconsejada por un grupo de amigas de su familia que le cuentan sus experiencias personales. Winona Ryder era en el momento de la producción de Donde reside el amor una de las actrices más solventes y que más prometía. Así lo demuestran títulos como Drácula, de Bram Stoker, La edad de la inocencia o esta emotiva película, donde realiza una excelente interpretación. Está secundada por grandes actrices extraordinarias como Ellen Burstyn (Alicia ya no vive aquí) o Anne Bancroft (El milagro de Anna Sullivan).

Un niño huérfano de madre y cuyo padre se desentiende de él pide a Dios que el equipo de béisbol de Los Ángeles gane una liga de la que es colista. Él cree que a esta victoria va unida la consecución de otro deseo más hondo: encontrar, al fin, un verdadero padre. Los ruegos del chico son escuchados, y un grupo de ángeles opera un verdadero milagro en el mediocre equipo, que comienza a ganar partido tras partido ante la sorpresa de su arisco entrenador. Película amable y divertida, sin mayores pretensiones, es una muestra del reciente interés despertado por el tema de los ángeles en Estados Unidos, que mereció portada en la revista Time. La cuestión angélica, aunque tratada de modo superficial, resulta sintomática de la sed de trascendencia de todo hombre. El principal problema de William Dear, un director formado en la factoría Spielberg, es que ahonda poco en los personajes, desaprovechando de paso un ajustado reparto. Especialmente descuidados están los ángeles, que no pasan de ser una mera presencia. Sobresalen los estupendos efectos especiales en el campo de juego, cuando los ángeles han de echar una mano a los torpes jugadores.

Sam Shepard no es sólo —como algunos cinéfilos poco informados podrían pensar—, un actor de carisma en films como Corazón trueno, Días de cielo o Elegidos para la gloria. Prestigioso autor teatral en el Off-Broadway, ganó en 1978 el Pulitzer con su obra “Buried Child”. Lengua silenciosa es su segunda película tras la cámara, después de Far North. Talbot Roe (River Phoenix) enloquece por la muerte de su mujer mestiza —medio blanca, medio india— cuando iba a darle un hijo que no llegó a nacer. El joven vela el cadáver noche y día, negándose a enterrarlo o incinerarlo. La desesperación de Prescott (Richard Harris), su padre, que sufre lo mismo o más que él, le lleva hasta Eamon McCree (Alan Bates), un feriante charlatán, padre de la difunta. Al igual que antes le vendió a ésta a cambio de unos caballos, pide que ahora haga lo mismo con su otra hija mestiza. El director y guionista ha concebido un western atípico. El salvaje Oeste, cuyas praderas se fotografían en hermosos planos generales, sirve como marco para una tragedia de temas universales. La culpabilidad, la locura, la dignidad humana, las relaciones paternofiliales —gran contraste entre cómo las viven Eamon y Prescott— se desarrollan con hondura en una narración extraña, si se quiere, pero con un magnífico sentido del ritmo. Shepard hace avanzar la historia con pausado equilibrio, y muchas de las cosas que tiene que decir las dice sin palabras, con un magnífico sentido visual. Los personajes, muy bien interpretados, tienen entidad y despiertan el interés del espectador por el atormentado destino que les guía a no se sabe dónde. Sus problemas tienen resonancias casi míticas, y remiten a los clásicos griegos o a Shakespeare; por ejemplo, en el personaje del espectro que reclama venganza. El empleo de elementos mágicos, o el curioso contraste que ofrecen los números circenses en el marco donde transcurre la historia, contribuyen al encanto de la película. Puestos a poner pegas al film, habría que reprocharle la concepción de su desenlace, escasamente elaborado, quizá por temor a estropear el notable resultado final.

Cody, Anita, Eileen y Lilly son cuatro mujeres que  huyen del saloon donde trabajan tras asesinar a un hombre que iba a violar a una de ellas. Decepcionadas por unos y traicionadas por otros, su única salida es escapar como forajidas hacia el norte e intentar comenzar una nueva vida. Pero las cosas no serán tan fáciles, pues los contratiempos se irán interponiendo a cada paso. Jonathan Kaplan (Casi una familia) dirige este film ambientado en el oeste cuyo mayor reclamo es exhibir a las cuatro actrices de moda. La historia no entretiene y el guión, flojito, no consigue levantar cabeza a pesar de las inoportunas escenas sensuales introducidas con calzador. Andie MacDowell había rodado en el mismo año Cuatro bodas y un funeral, con la que obtuvo más éxito.

Remake del film francés Nikita. Y nunca mejor dicho, pues sigue casi al pie de la letra la película de Luc Besson. Maggie es una joven drogadicta, un verdadero gato salvaje, que es dada oficialmente por muerta. Sin embargo, una agencia del gobierno supersecreta, la entrena para convertirla en una fría asesina. Su adiestramiento tendrá efectos imprevisibles, pues junto a la habilidad para la acción afloran los buenos sentimientos. Aunque la idea es buena,y se pretende narrar la redención de la protagonista, preside la historia un tono amoral. No hay lugar para buenos y malos, todos son víctimas del sistema, y cada uno ha de hacer individualmente lo que pueda. La película cuenta con trepidantes escenas de acción, bien resueltas por John Badham (Fiebre del sábado noche, Juegos de guerra). Y permite el lucimiento de la guapa Bridget Fonda, aunque su relación sentimental, demasiado elemental, no está bien desarrollada.

Acabada la Guerra de Secesión, un grupo de soldados sudistas se dedica a atracar bancos. Les lidera el coronel Graff, que ha perdido la razón y piensa que la guerra continúa. Geoff Murphy, responsable de Intrépidos forajidos, vuelve al western con un producto de lo más convencional, aunque cuenta en el reparto con actores bastante solventes. Destaca el trabajo de Mickey Rourke como el demente Graff.

El Blue-Bird Café de Nashville es el lugar con el que cualquier músico de country sueña. Es un sitio de peregrinaje, donde cientos de jóvenes provenientes de todos los puntos de Estados Unidos se dan cita, con la esperanza de ser descubiertos por un cazatalentos. Así se conocen James, Miranda, Kyle y Linda Lue. Todos tienen concertadas sus pruebas para actuar en el Blue-Bird. James es el que tiene más talento, y no dejará de luchar hasta que se lo reconozcan. Entretenida película, muy adecuada para adolescentes y jóvenes que quieren cumplir sus sueños. Se trata de la última que estrenó el prometedor River Phoenix antes de su trágico fallecimiento. La historia es atractiva y los intérpretes actúan con brillantez y naturalidad. La música 'country' está presente durante toda la película. Atención al último tema, "Big Dream", cantado por la rubita Samantha Mathis. Excelente.

Investigación periodística acerca de una muerte aparentemente sin sentido. Conforme aumenta sus pesquisas David Leader (Eric Stoltz) queda cada vez más atrapado en la atmósfera siniestra e insana que rodea a la familia y que se refiere especialmente al entorno de la atractiva hija, Emma Burgess (Jennifer Connelly). Telefilm del brasileño Bruno Barreto (Cuatro días en septiembre) que posee una meritoria intriga, pese a que el resultado final deje bastante que desear. El reparto es sobresaliente, y entre los rostros conocidos destaca el de Vincent Price, en la que fue su última aparición en pantalla antes de su muerte en 1993.

El joven Jim Dodge encuentra trabajo como chico de la limpieza en los almacenes Target, el mayor establecimiento de su pueblo. Un día conoce a Josie McClellan, la hija del gobernador, por la que se sentirá irresistiblemente atraído. Una amena comedia romántica, a pesar de que el reputado guionista John Hughes (Solo en casa) abusa de los tópicos del género. Cuenta con un gran trabajo de los protagonistas y del secundario Dermot Mulroney, acompañado de su hermano menor Kieran.

George ayuda a una inquieta chica a encontrar a su hermano, que ha salido de la cárcel. Jóvenes actores protagonizan esta road movie de argumento convencional. Supuso el primer largometraje de cine de Michael Fields, posteriormente especializado en series televisivas.

Narra la historia de un grupo de amigos, y los cambios surgidos en su mundo ante lo que hoy ya se conoce como una de las mayores plagas del siglo XX, el sida. La película nos retrata a una serie de tipos humanos, haciendo especial hincapié en los pertenecientes a la comunidad gay. Norman René; dirige este melodrama y si bien es verdad que el fim obtuvo diversos galardones y premios en diversos festivales, lo cierto es que realizada durante la primera época de la aparición de la terrible enfermedad, hoy ha perdido gran parte de su vigencia. Bruce Davison obtuvo la nominación al Oscar en la categoría de mejor actor secundario.

John Tunstall es un granjero de México que se dedica a recoger a jóvenes muchachos sin recursos para que le ayuden en el negocio y con ello, hacer de ellos hombres de provecho. Uno de ellos, Billy ha desarrollado gran habilidad con el rifle. Western que da otra vuelta de tuerca a las historias del mítico Billy 'el niño', como ya hizo Sam Peckinpah con Pat Garrett y Billy the Kid. En esta ocasión, el director Christopher Cain cuenta con un reparto juvenil en auge de los años 80, pues a parte de Emilio Estevez (Rebeldes), le acompañan también Lou Diamond Phillips (Stand and deliver), Charlie Sheen (El principiante), o Dermot Mulroney (Compañeros inseparables). Además, les sostienen los veteranos Terence Stamp, Kiefer Sutherland y Jack Palance. La cinta no está a la altura de las clásicas del Oeste, pero hay buena ambientación, buen ritmo de acción de la historia, rostros jóvenes y una música pegadiza que consigue atraer al espectador.