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Biografía

Gabriel Yared

Gabriel Yared

70 años

Gabriel Yared

Nació el 07 de Octubre de 1949 en Beirut, Líbano

Premios: 1 Oscar

27 Octubre 2006
Escucha la banda sonora de "La cocinera del presidente", uno de los títulos más destacados de Gabriel Yared.
Oscar
1997

Ganador de 1 premio

Filmografía
Judy

2019 | Judy

1969. A la antigua superestrella Judy Garland la expulsan del hotel en que se aloja junto a sus dos hijos menores, Lorna y Joey, por no haber podido afrontar los pagos. Después de que su ex marido, Sidney Luft, le quite a los dos pequeños, acepta dar una serie de conciertos en Londres, donde aún ostenta el rango de mito, como primer paso para recuperar su vida. Allí encontrará inesperadamente el amor. Rupert Goold debutó en la dirección con la interesante Una historia real, sobre la auténtica relación entre un periodista y un asesino convicto. Ahora afronta otro capítulo de la vida real en su segundo trabajo como realizador, un biopic que en la línea de otros títulos recientes no trata de abarcar toda la vida del personaje, sino que se centra en un momento concreto, en concreto aquí se abordan los últimos días de Judy Garland. Adapta la obra teatral de Peter Quilter, traducida como “Más allá del Arcoiris” en España, donde estuvo protagonizada por Natalia Dicenta. Se han añadido numerosos elementos, sobre todo unos interesantes flashbacks con la artista en la época en que rodó El mago de Oz. Vender su alma al productor Louis B. Mayer, el león de la Metro, a cambio de protagonizar el musical más famoso de todos los tiempos, explicaría las adicciones y problemas psicológicos de la estrella. Se suma a otras cintas sobre el lado oscuro de la fama. Capaz de deslumbrar con su talento al público, éste sin embargo no tiene piedad para abuchearla, o incluso arrojarle objetos, si tiene un mal día. Así que se muestra a una Judy Garland vulnerable, que pese al cariño que tiene a sus hijos, no puede mantenerlos a su lado por su estilo de vida –nunca se le ha permitido comportarse como una persona normal–, por su dependencia del alcohol y las pastillas, y por estar en un mal momento profesional. Pero lo mejor de la cinta estriba en la interpretación de Renée Zellweger, que acierta al no mimetizarse del todo, mediante maquillaje protésico, para convertirse en un clon de su personaje, al estilo de Gary Oldman, como Winston Churchill en El instante más oscuro, y otros. Pero canta “Somewhere Over the Rainbow” y el resto de canciones y realiza un trabajo excelente en escenas de gran intensidad dramática, como cuando escucha por teléfono que su hija quiere quedarse con su padre, o su primera salida desmotivada al escenario, cuando de repente aparece la energía que la solía caracterizar. Parece que sabe lo que siente su personaje, una estrella en decadencia, pues ella misma ya no tiene el tirón de los tiempos de El diario de Bridget Jones, los medios sólo parecen hablar de su decadencia física. Quizás algún componente del reparto resulte discutible, como la adolescente Darci Shaw, que encarna a la protagonista en su juventud, pero en general Zellweger cuenta con el respaldo de sólidos compañeros como el gran Michael Gambon, como dueño de un night club, o Rufus Sewell, el ex marido, pintado con humanidad, cuando podría haber sido el malo de la película. La pareja de fans homosexuales, está bien interpretada por Andy Nyman y Daniel Cerqueira, pero parecen un guiño metido con calzador al público LGTB –que tiene a Garland como su estandarte–.

7/10
La importancia de llamarse Oscar Wilde

2018 | The Happy Prince

Como ocurre con los personajes reales de las obras de William Shakespeare, Oscar Wilde se ha convertido en alguien más grande que él mismo, un tipo humano de resonancias universales. Genial escritor, ingenioso e irónico, casado con su amada Constance y padre de dos hijos, homosexual, epicúreo y disoluto, converso al catolicismo, su vida resulta fascinante, y es lógico que atraiga a todo tipo de artistas, que tratan de recrearla de modo que ilumine a las nuevas generaciones. Se nota que para Rupert Everett, guionista, director y protagonista, y reconocido homosexual, este film es un proyecto muy personal, en el que se ha metido hasta los tuétanos. El cineasta vertebra la trama en torno al conocido cuento de Wilde “El príncipe feliz”, que se corresponde con el título original del film, mucho más atinado que el adoptado en la versión española. Porque la idea es subrayar la hermosura del amor imposible entre Wilde y su buen amigo Robbie, del que el cuento viene a convertirse en símbolo, mientras se subraya el contraste con la relación tempestuosa y pasional con Bosie, que dio pie a la acusación promovida por la familia de éste de sodomía, y que llevó a su estancia en prisión y consiguiente caída en desgracia. El film, triste, se centra en los años que siguen a la salida de la cárcel de Wilde, donde ha escrito en forma de carta a Bosie su “De profundis”, con su estancia en París, en que se bascula entre la atención que le prestan sus amigos, su encuentro con el cristianismo, sus adicciones, sus esfuerzos por suavizar la relación con su esposa y su promiscuidad autodestructiva. Destaca el esfuerzo de Everett por ofrecer una visión poliédrica del personaje, nada complaciente, y que maneja mucha de la información contrastada que se conoce sobre él, aunque siempre con su prisma personal. Logra componer con convicción a Wilde, y se ha rodeado de un plantel de buenos actores: Emily Watson y Tom Wilkinson, como la mujer y el sacerdote, son poderosos aunque tengan pocos minutos de metraje. Edwin Thomas y Colin Morgan saben ofrecer las dos caras del amor que profesan a Wilde, y Colin Firth el de la amistad difícil de otorgar cuando el otro ha caído en barrena.

6/10
The Death and Life of John F. Donovan

2018 | The Death and Life of John F. Donovan

Dilili en París

2018 | Dilili à Paris

La niña mestiza Dilili forma parte de una exposición para mostrar las costumbres africanas en el París de la Belle Époque. Allí se hace amigo del joven Orel, un repartidor que se mueve en triciclo, y ambos investigan el misterioso caso que tiene aterrorizada a la capital gala, el secuestro de niñas como Dilili. En su periplo para descubrir qué mueve a los componentes de la sociedad secreta de los hermanos Alfa, que están detrás de los hechos, se encontrarán con lo más granado del mundo artístico, cultural y científico del momento. Simpática película animada familiar del especialista francés Michel Ocelot, responsable de títulos como Kirikú y la bruja. Se dirige especialmente al público infantil, con indudables intenciones didácticas. Maneja una trama de intriga sencilla pero eficaz, que sirve para ofrecer un punto de vista feminista, los secuestradores estarían actuando para otorgar a las mujeres un rol social de inferioridad, incluso vejándolas haciendo que se muevan a cuatro patas; de este modo se recuerdan las discriminaciones del pasado. También están presentes las actitudes despectivas por el color de la piel, en que la actitud de Dilili en todo momento es desarmante para los racistas, por su sincera ingenuidad. Por otro lado, en el ir de aquí para allá, hay tiempo para introducir a los más pequeños en el conocimiento de personajes históricos variados, ya sean pintores como Pablo Picasso, Pierre-August Renoir o Toulouse-Lautrec, escritores como Marcel Proust, científicos como Marie Curie y Louis Pasteur, o cantantes y actrices como Emma Calvé, Collette o Sarah Bernhardt, por citar sólo a unos pocos. Hasta se establece una conexión de Dilili con Louis Michel, que habría sido para ella una suerte de institutriz. Visualmente el film es muy gratificante. Por un lado los dibujos siguen la muy reconocible estela de los anteriores trabajos de Ocelot, de modo que el uso de la animación en 3D en los personajes es discreto, para que persista su particular encanto naïf de trazos sencillos. Y de fondo, resulta muy original utilizar como decorados fotografías de París, con sus calles, jardines y monumentos tan reconocibles, que se presentan estilizados, de modo que la integración de los dibujos es perfecta. El desplazamiento en triciclo de Orel y Dilili da pie a escenas de acción muy dinámicas.

6/10
Solo el fin del mundo

2016 | Juste la fin du monde

Adaptación de la obra de teatro homónima de Jean-Luc Lagarce (1957-1995), muerto prematuramente de sida. Sin duda que aborda una temática profundamente personal y medianamente autobiográfica, que el canadiense Xavier Dolan ha encontrado también próxima, aunque reconoce que su primer acercamiento al texto escénico de Hasta el fin del mundo no le produjo especial emoción, tuvo que pasar el tiempo antes de que se produjera cierta conexión. El film describe el regreso a casa de Louie, tras doce años de ausencia. Escritor afamado y homosexual, se está muriendo de una enfermedad innombrada que su familia –la madre, el hermano mayor casado Antoine y su esposa Catherine, la hermana pequeña Suzanne, a la que apenas conoce– ignora por completo. Ellos están asombrados de su repentino e inesperado interés por propiciar una reunión familiar, pero lejos de convertirse aquello en la ocasión idónea para limar asperezas y conseguir algo parecido a la reconciliación, enseguida saltan chispas de resquemores e incomprensiones, que dificultan mucho expresar lo que verdaderamente sienten unos y otros, sincerarse. Dolan tiene el mérito de, sin ocultar el origen teatral de su propuesta, concederle una puesta en escena –fotografía, juegos de luces, breves flash-backs, inserciones musicales...– que convierte la experiencia en cinematográfica. No obstante las reacciones de los personajes a veces parecen exageradas, y como la idea es mantener al espectador en la oscuridad de qué ha envenenado las relaciones, y sólo sugerir que algo terrible sucedió, el conjunto a veces se antoja un tanto impostado, a pesar del buen hacer actoral de todo el reparto, donde sobresalen el contenido protagonista Gaspard Ulliel, o la torpeza del apocado y sensible personaje de Marion Cotillard.

6/10
Monsieur Chocolat

2016 | Chocolat

Biopic de Rafael Padilla, conocido a nivel artístico como Chocolat, esclavo cubano que, huido a finales del XIX, acepta la propuesta del consagrado payaso Foottit para formar un dúo cómico. Ambos logran triunfar en París con novedosos números que pasaron a la historia circense y fueron imitados hasta la saciedad. Pero a Chocolat le critican por la imagen caricaturesca que ofrece de la raza negra, y también aspira a convertirse en actor serio, lo que le distanciará de su compañero. El habitual actor Roschdy Zem (Days of Glory) dirige con corrección, logrando una cuidada ambientación un tanto irreal pero efectiva, por lo que la interesante historia se sigue con gran atención. Pivota en torno al tema de la discriminación racial, aunque tiene otros puntos de interés, sobre todo en lo relativo a los efectos nefastos de la fama, cuando no se sabe sobrellevar. El especialista en historias de relación entre blanco o blanca y negro Omar Sy, actor de Intocable, se luce componiendo a este personaje que inspiró a Toulouse Lautrec y fue filmado por los hermanos Lumière.  Pero quien verdaderamente roba el film es su ‘partenaire’, James Thierrée, nieto de Chaplin, y que dará que hablar.

6/10
La promesa

2016 | The Promise

1914, en los albores de la Gran Guerra. En Siroun, pequeño pueblo al sur de Turquía, Michael Boghosian, recibe de la familia de su prometida, la joven Maral, el dinero necesario para completar sus estudios de medicina en Constantinopla; a cambio jura que regresará para contraer matrimonio. Pero una vez instalado en la capital del imperio, en la casa de su acaudalado tío, se fija en Ana Kheserian, elegante armenia que sin embargo mantiene un idilio con el estadounidense Chris Meyers, reconocido periodista de Associated Press. Éste será el primero en denunciar en la prensa que el gobierno está ‘cambiando de localización’ a los armenios, lo que suena a excusa para aniquilarles. Terry George reconstruyó el terrible genocidio de los tutsis a manos de los hutus en la excelente Hotel Rwanda. Ahora se atreve con otro de proporciones aún mayores, ya que se estipula que millón y medio de armenios cayeron por orden del gobierno de Turquía, que en la actualidad sigue negando lo ocurrido. Se diría que el astuto cineasta ha recurrido al viejo patrón de Doctor Zhivago, que divulgaba para el gran público la Revolución Rusa, y el choque entre el idealismo inicial y la cruda realidad posterior, pero centrándose en una historia de amor que vendiera entradas. Con varios puntos en común con el legendario film de David Lean, la jugada puede ser tachada de comercial –se trata de la primera superproducción de Hollywood sobre el tema–, pero tendrá más influencia a la hora de dar a conocer la realidad que otras propuestas más minoritarias, como Una historia de locos, Ararat o El destino de Nunik. De ambientación impecable, rodada a buen ritmo, no trata de ocultar la realidad, abundan las secuencias duras, como la del tren donde se hacinan los prisioneros, o la mujer aniquilada porque ya no puede caminar. A diferencia de otras historias de amor en tiempos difíciles (de Lo que el viento se llevó a Titanic) tiene más interés el relato histórico que las peripecias de los personajes. Oscar Isaac y Charlotte Le Bon realizan un trabajo impecable, aunque se luce sobre todo Christian Bale, que se ha quedado el papel con más matices. El film está lleno de actores reconocidos en papeles secundarios, como Shohreh Aghdashloo, o los llamativamente episódicos James Cromwell y Jean Renó. Tampoco tienen mucha cancha los españoles Luis Callejo, Abel Folk y Alicia Borrachero.

7/10
Nacido en Siria

2016 | Nacido en Siria

Una mirada necesaria al drama de los refugiados de la guerra de Siria. Dirige esta película documental Hernán Zin, que ya abordó otra dura situación en una cinta con título semejante, Nacido en Gaza. Logra su objetivo de ofrecer una "foto" completa de las personas que abandonan un país desolado, con un penoso periplo que les lleva a Turquía, la isla griega de Lebos, Serbia, Hungría, Austria, Alemania, con su alojamiento en campos donde las condiciones distan de ser óptimas, y donde no está claro que se vaya a producir la desada acogida. Sin histrionismos, el fracaso a la hora de atajar el problema queda de manifiesto, con una Europa incapaz de gestionar un problema de enormes dimensiones, y en que el miedo ante personas de distinta cultura e idioma queda de manifiesto. El film funciona sobre todo con testimonios en off de niños que han visto horrores como decapitaciones, donde se habla de familias obligadas a separarse, y de las dificultades idiomáticas, y de cumplir los requisitos para recibir asilo. Aunque el interés humano de la cinta de Zin está fuera de toda duda, y hay imágenes de gran fuerza, las pateras en Lebos, una ciudad siria asolada, las secuelas de la metralla en un chaval, etc, se echa en falta una mejor articulación cinematográfica al conjunto, el hilo narrativo no resulta demasiado nítido.

5/10
Frente al mar

2015 | By the Sea

Tercera película de ficción como directora de Angelina Jolie, decididamente plúmbea. Vista en retrospectiva, tras su ruptura matrimonial con Brad Pitt, se diría concebida como terapia para restañar las heridas de su propia relación, con decisiones como la de firmar el film –de cuyo guión también es autora en solitario– como Angelina Jolie Pitt, y el protagonismo de los dos actores dando vida a marido y esposa. El film sigue en los años 70 a un matrimonio sin hijos, Vanessa y Roland, en crisis. Ella era bailarina, él es escritor falto de ideas. Ambos se establecen en un idílico y solitario pueblecito de la costa francesa por unos días, con idea de que eso les puede venir bien. Allí Michel, el tipo que atiende el bar, viudo, escucha los lamentos de Roland y le da sabios consejos sobre el amor. Por otro lado, conocen a un joven matrimonio de luna de miel, Lea y François, que ocupan la habitación contigua en su mismo hotel, y a los que espían con cierta envidia y deseo por un orificio de la pared. Jolie parece tener en mente cierto cine italiano sobre crisis de parejas, Bertolucci, Antonioni, Rossellini, para decantarse por un ritmo lento y el antiargumento de que no pasa nada, mientras una relación está yéndose al garete. Pero se encuentra lejos de sus modelos, por lo que sobresale más la vacuidad de su propuesta, con un recurrente voyeurismo que agota a cualquiera.

2/10
Tom à la ferme

2013 | Tom à la ferme

La promesa

2013 | A Promise

Alemania, 1912. El joven ingeniero Friedrich Zeitz entra a trabajar en la fábrica metalúrgica de Karl Hoffmeister, empresario serio y reflexivo. El buen hacer Zetz hará que vaya subiendo su consideración en la empresa, hasta el punto de pasar a ser pronto la mano de derecha de Hoffmeister. Cuando éste sufra una enfermedad que le obligue a recluirse en su casa, Zeitz será invitado primero a despachar allí con él los asuntos laborales y más tarde a trasladarse a vivir a la mansión de su jefe. Allí Zeitz conocerá a la joven esposa, Lotte, y al hijo del matrimonio. Zeitz y Lotte se sentirán instantáneamente atraídos. Un relato del vienés Stefan Zweig sirve al veterano director francés Patrice Leconte (La viuda de Saint-Pierre) para ofrecer una de sus películas más clásicas, una historia de amor que el cineasta galo modifica para derivar hacia lo más convencional lo que en Zweig tiene mucho de metafórico. Ambientada en el periodo que va desde 1912 a 1918 la historia original ofrecía un claro contraste entre la vida alemana durante el Imperio Austrohúngaro y la que iba a surgir tras la Gran Guerra. Leconte pasa sobre este aspecto de puntillas, dejando de lado ese “mundo de ayer” y su desmoronamiento, algo que Zweig magnífica con brutal nostalgia en cada una de sus obras; en su lugar, el director se centra de lleno en la sufriente historia de amor de sus protagonistas, desvinculándola quizá demasiado del tiempo en que les toca vivir, a excepción, claro, de la inevitable mención a la irrupción bélica. El guión de La promesa, escrito por el propio Leconte en colaboración con Jérôme Tonnerre, es leve y austero en trama y diálogos; una suerte de palabras cotidianas, reuniones laborales, charlas de sobremesa entre Karl Hoffmeister, su mujer Lotte y su huésped Friedrich. Pero en donde Zweig se muestra un experto, desentrañando la intimidad del corazón humano, Leconte parece encontrar un muro infranqueable, pues no es fácil trasladar en imágenes una pasión amorosa que apenas se exterioriza. Logra, sí, hacerla ver en algunos reiterados pasajes (la ópera, las escaleras, el piano, el cuadro), pero en conjunto falta mordiente, momentos que transmitan verdadera emoción. Rodado con elegancia y clasicismo, con una bella y elaborada banda sonora de Gabriel Yared, el film se ve, en fin, como una sugestiva historia de amor a tres bandas, con su indudable interés, aunque no se escapa que en otras manos quizá podría haber dado para más. Entre el reparto, hay que destacar a la magnífica actriz Rebecca Hall y a su marido en la ficción Alan Rickman.

5/10
Un asunto real

2012 | En kongelig affære

Año 1766. Carolina, hermana del rey inglés Jorge III y princesa de Gales, se dispone a contraer un matrimonio concertado con el monarca danés Cristián VII, según los usos de la época. Sólo ha oído decir cosas buenas de su futuro esposo, que es un hombre apuesto, amante de las artes... Pronto va a descubrir que es un tipo libertino y débil, con un punto de locura, y que se encuentra sometido a las decisiones de su Consejo, que en la práctica es quien decide los destinos de Dinamarca. De modo que tras dar descendencia al rey, la existencia de Carolina parece reducirse a criar a su hijo y al encierro entre las cuatro paredes del palacio. Hasta que asoma a las puertas el médico Johann Friedrich Struensee, que cae en gracia al monarca, ignorante de sus ideas ilustradas. Aunque al principio Carolina no congenia con Johann, pronto surgirá la atracción, física, sí, pero también de ideas que mejoren las condiciones en que vive el pueblo. Uno de los méritos del director danés Nikolaj Arcel es lograr una perfecta imbricación entre el drama personal descrito, triángulo amoroso que atañe al rey Cristián, a la reina Carolina y al médico Johann, con el telón de fondo histórico donde bullen nuevas ideas y el deseo de la libertad, de modo que ambas “patas” de la película tienen igual peso, no hay descompensación. De este modo se evita el peligro de caer en el culebrón, pero también el de simplemente ofrecer una serie de farragosos datos históricos. Además, aunque el público danés está familiarizado con la historia contada, Arcel tiene el acierto de pensar en el espectador de otros lares que lo ignora todo sobre el tema, de modo que no se sienta perdido en ningún momento. Algunas películas de corte histórico ponen el acento en el marco donde transcurre la acción, fastuosos decorados, lujoso vestuario, bailes fastuosos... La que nos ocupa cuida notablemente la dirección artística, pero no la convierte en protagonista, simplemente está al servicio de la narración. Dinamarca es un país frío, y dominan los colores apagados y el “mood” invernal. Ello no quita para que se ofrezcan cuidados planos generales del Copenhague de la época, o que las escenas entre las paredes de palacio u otros lugares resulten muy convincentes en su cotidaneidad. Resulta obligado mencionar el gran trabajo de los actores. Madds Mikelsen se ha convertido ya en el rostro más reconocible del cine danés, le hemos visto en títulos como Pusher, Wilbur se quiere suicidar y Después de la boda, además de que ha trabajado en España con Pablo Berger, el director de Blancanieves, de Pablo Berger, en Torremolinos 73. Le dan perfecta réplica los emergentes Alicia Vikander (que está en la nueva Anna Karenina) y el actor de teatro Mikkel Boe Følsgaard.

7/10
La cocinera del presidente

2012 | Les saveurs du Palais

Comedia ligera a la medida de Catherine Frot, actriz de títulos como Odette, una comedia sobre la felicidad o La cena de los idiotas, que tiene un gran prestigio en el teatro francés. El guión de La cocinera del presidente se inspira libremente en la historia real de Danièle Delpeuch, que fue durante un tiempo cocinera privada de François Mitterrand. En La cocinera del presidente, Catherine Frot interpreta a Hortense Laborie, que organiza las comidas de una base científica en la Antártida. Años antes, entró a trabajar en el Palacio del Elíseo, como cocinera personal del presidente y de sus invitados más íntimos en cenas privadas. Laborie, que no tenía formación culinaria pero había aprendido desde pequeña observando a su abuela y a su madre, se esforzaba por preparar recetas relativamente sencillas rememorando los platos que más gustaban a su familia, a pesar de que apenas podía adivinar si estaba cumpliendo bien su trabajo, ya que su contacto con el mandatario era mínimo. Su abnegada dedicación desató algún caso de celos. Su reivindicación de la cocina tradicional recuerda lejanamente a Ratatouille, el film animado de Pixar. Por lo demás, La cocinera del presidente entretiene y tiene un tono amable. Como era de esperar, Catherine Frot le saca mucha tajada a la protagonista, expresando un mundo de sentimientos a pesar de que no pasa por grandes conflictos dramáticos. Su personaje está sobre todo sugerido, pero se sabe algo de él, lo que no se puede decir del resto de los que están a su alrededor. Por lo demás, el veterano realizador Christian Vincent (La discreta) cumple su cometido, pero quizás le falta intentar volar un poco más alto.

5/10
En tierra de sangre y miel

2011 | In the Land of Blood and Honey

Bosnia-Herzegovina, años 90. Ajla acude a bailar a una sala de fiestas, se mueve en la pista con gozo en compañía del apuesto Dajnijel, hasta que una explosión marca el final de la “fiesta”, la convivencia armoniosa de serbios, croatas y bosnios musulmanes ha terminado, es la guerra. Meses después los serbios cometen todo de tropelías contra los bosnios, y Ajla es una de las víctimas, aunque se salva de ser violada gracias precisamente al serbio Dajnijel, capitán del ejército, que la toma bajo su protección. Ambos están enamorados, pero su relación parece un desatino en medio del conflicto. La actriz Angelina Jolie decide dar un paso adelante en su carrera cinematográfica poniéndose detrás de una cámara como directora y guionista, y lo hace con En tierra de sangre y miel, una cruda y pesimista película que quiere mostrar el horror de la guerra que desangró a Bosnia-Herzegovina en el corazón de una Europa inoperante, desencadenando odios que algunos ingenuos habían dado por desaparecidos prematuramente. Hay que reconocer la valentía de la debutante en la elección del tema abordado, que de alguna manera parece querer seguir así su tarea de embajadora de buena voluntad de UNHCR, la agencia de refugiados de la Naciones Unidas, alertando de tantos crímenes que se cometen contra la humanidad. Y el deseo de evitar la trivialización y el sentimentalismo, incluso con la decisión de rodar con actores bosnios y en las lenguas del lugar, parece innegable. Sin embargo, el proyecto le viene a Jolie demasiado grande, da la impresión de que se escapan, no sólo muchas claves del complejo conflicto de la antigua Yugoslavia, sino, lo que es más grave, también una comprensión más lúcida de la naturaleza humana. Escribir y dirigir en solitario se revela como un error, tanta seguridad en sí misma y sus capacidades le acaba pasando factura para mal. Así, resulta muy difícil creerse el modo en que discurre el amor de Ajla y Dajnijel, la psicología y evolución de estos personajes, y están muy desdibujados el padre de él y la hermana de ella. La cuidada composición de algunos planos -no en balde el operador de cámara es el oscarizado Deam Semler- y el esfuerzo de producción no pueden ocultar que a este film le falta eso tan importante llamado consistencia.

3/10
Polisse

2011 | Polisse

La rutina diaria de la Brigada Policial de Menores en París. El film sigue a cerca de una decena de agentes que se ocupan de casos muy variados, muchos relacionados con delitos sexuales, a veces en el ámbito de la propia familia de la víctima, pero también de robos callejeros, incapacidad de los padres para cuidar de los menores. La mirada de Maïwen Le Besco es original, y no sólo porque además de dirigir y firmar el guión se reserva el papel de una fotógrafa, que documenta el trabajo de los policías para el ministerio del interior, sin ser ella agente, lo que permite cierta identificación con el espectador, también por la reserva inicial con que lo ve todo. Resulta también inteligente, y cala, la idea de pintar la vida personal de los policías, que tienen sus problemas: infidelidad, divorcio, discusiones conyugales, estrés, rencillas, impotencia ante los crímenes a los que se enfrentan día a día... Ellos no son ajenos a un caldo de cultivo social, donde abundan los prejuicios, la falta de integración, el sexo omnipresente, la frustración, la ignorancia, las adicciones... un cóctel que lo está cambiando todo y a cuya influencia resulta difícil, por no decir, imposible, sustraerse. Así las cosas, lograr un equilibrio personal y familiar resulta, cuando menos, complicado. Polisse, justo Premio del Jurado en Cannes, tiene la virtud de lograr una fuerte cohesión en su visión caleidoscópica del quehacer policial. Procura ofrecer una mirada objetiva, casi documental, sin juzgar a las personas, y donde domina el pesimismo ante un panorama poco halagüeño, donde crímenes como la pedofilia horrorizan, y en que al bando de “los buenos” también les falta el fundamento sólido que permite resistir sin venirse abajo. El título parece proponer un juego de palabras acerca de cómo suena en francés “policía”, pero también “educado” y “pulido”.

7/10
El baile de las actrices

2009 | Le bal des actrices

"El baile de las actrices" es la plasmación del deseo de una realizadora de homenajear a las actrices de todo tipo mediante un documental: Estrellas populares, desconocidas, intelectuales, cómicas e incluso, olvidadas. Filmando todo y cada una de ellas, con o sin permiso, la propia directora queda atrapada en su propio juego y ella misma se permite ser devorada por estas particulares mujeres que resultan tan frágiles como manipuladoras.

Amelia

2009 | Amelia

Biopic de la piloto norteamericana Amelia Earhart, una de las mujeres más famosas de su tiempo, de quien ya se hizo una película con el título Amelia Earhart: el vuelo final. Si Charles Lindbergh alcanzó la celebridad el 20 de mayo de 1927 al ser el primer hombre que cruzó en solitario el Oceáno Atlántico en avión, Amelia ocupó idéntico puesto en cuanto al género femenino en 1932 –el mismo día en que se cumplían 5 años de la gesta de Lindbergh–, cuando voló en su pequeño monoplaza Lockheed Vega desde Newfoundland (Canadá) hasta tierras irlandesas. Amelia estuvo casada con el empresario y editor George Puttnam, quien le dio su primera oportunidad para cruzar el Atlántico en 1929 (aunque esa vez sólo en calidad de pasajera) y supo después cómo sacar mucho partido comercial y económico a las aventuras de su mujer, gracias al cual pudieron financierase numerosos vuelos en avión y otras actividades pioneras para las mujeres que deseaban ser pilotos. La directora india Mira Nair (La boda del monzón, La feria de las vanidades) dirige este film con corrección y elegancia, pero no puede evitar que resulte bastante aburrido. Quizá sea el guión sin sorpresas, quizá sean los personajes demasiado distantes, quizá sea el modo frío y decimonónico de narrar, pero el resultado carece por completo de garra. Se centra, claro está, en el personaje de Amelia, pero prestando especial atención a su faceta rebelde y feminista. El film muestra a una mujer que basa su libertad en la falta de compromisos, y en su ansia algo irracional y temeraria por volar, lo que acaba por resultar un poco superficial e incluso infantil. Hay una fotografía cuidada, una estudiada música de Gabriel Yared y algunas buenas tomas aéreas, pero todo está como 'embotellado' y también resultan empalagosas y artificiales las frases en off sobre la belleza, la libertad, la plenitud..., a propósito de la mirada de la piloto hacia el cielo, las nubes, las aguas del mar, etc. En cuanto al reparto, Hilary Swank se esfuerza como siempre, aunque esta vez en vano, y los personajes secundarios son más secundarios que nunca. Quizá Richard Gere da más el pego como el marido de Amelia, pero resulta muy banal el personaje encarnado por Ewan McGregor.

4/10
El erizo

2009 | Le hérisson

Fiel adaptación de la popular novela de Muriel Barbery "La elegancia del erizo" a cargo de la debutante Mona Achache, que ha escrito también el guión. Sigue a Paloma Josse, una niña superdotada a punto de cumplir en unos meses los doce años, que ha tomado la determinación de quitarse la vida el día de su cumpleaños. Lo hará inadvertidamente, sin que sus padres –él, ministro del gobierno, ella, ama de casa depresiva– ni su hermana mayor se enteren, ingiriendo un veneno. Pero entretanto llega el planeado y fatal desenlace, se muda al inmueble un nuevo vecino japonés, Kakuro Ozu, tipo encantador y cultivado, que además va a descubrir la vida oculta de la portera Renée Michel, quien detrás de su aspecto gris y desaliñado oculta un alma sensible, a la que encanta la literatura y el cine de categoría. Achache se muestra modesta al hablar de su film como "adaptación libre", porque la realidad es que se nota que le encanta el libro de Barbery, y que se esfuerza en plasmarlo en imágenes. Así que se mantienen pasajes como el de la intuición de Kakuro acerca de cómo es Renée, o la invitación a su apartamento, para cenar y ver una película de Yasujiro Ozu. La idea es mostrar un triángulo ciertamente variopinto, de personajes que externamente no pueden ser más distintos –una niña sabihonda, una mujer culta pero empequeñecida, un exótico nipón– y que sin embargo comparten una enorme sensibilidad y el deseo de amar y ser amados. De modo que la metáfora del erizo –tras los pinchos hay algo más– se revela eficaz. El film adopta el punto de vista de Paloma con el recurso de su cámara de vídeo digital, que a modo de diario sirve para presentarnos sus pensamientos más íntimos, por ejemplo en lo que atañe al extrañamiento de su familia, que no le presta la atención debida. Sirve también para sugerir la sensibilidad audiovisual que en la actualidad tienen los más jóvenes, pues Paloma tiene ideas tan buenas como grabar imágenes con el filtro de una pecera. En general el desarrollo del film es correcto, funcional, aunque el desenlace resulta algo brusco, aunque sea para demostrar que ciertas planificaciones en la vida no tienen demasiado sentido; eso sí, algo semejante ocurría en el libro. En el reparto resulta obligado destacar el trabajo de Josiane Balasko como Renée, la actriz se aleja de ciertos papeles a los que nos tiene acostumbrados, y a la vez nos entrega una portera nada estereotipada. También está bien la jovencita Garance Le Guillermic.

6/10
Manolete

2008 | Manolete

Adam resucitado

2008 | Adam Resurrected

Adam Stein es un judío, desequilibrado mental, que en 1961 reingresa en un sanatorio en el desierto de Negev, en Israel. Allí se encuentran otros enfermos mentales que, como él, perdieron la cordura en los años del nazismo en los campos de concentración. Pero Adam es especial, tiene ciertas cualidades de líder, algo que aprecia el director del centro. Y que podría ser especialmente valioso a la hora de tratar a un nuevo huésped, un niño que se cree un perro, y que obliga a Adam a reencontrarse con su doloroso pasado. Irregular película de Paul Schrader, que maneja guión ajeno de Noah Stollman, que a su vez adapta una novela de Yoram Kaniuk. Sin duda que el cineasta demuestra en Adam resucitado su dominio de la narración cinematográfica, donde las escenas de la actualidad se combinan con otras del pasado, en blanco y negro –las del teatro de variedades, el auge del nazismo y los campos de concentración– y color –las de después de la guerra, en Berlín e Israel–, que van explicitando la terrible tragedia del protagonista. El problema de Adam resucitado es su tono malsano que cansa, que se manifiesta en la extraña relación sexual del protagonista con una enfermera, en el empeño del comandante nazi en tener a Adam como un perro bufón, y en los momentos en que se manifiesta la locura de Adam y otros pacientes, reiterativos. Todo da la impresión de ser algo desmesurado, ya sean las escenas en que se culpa a Dios de haber permitido el horror del holocausto, o las del crío que parece que va a ser humano, pero no, o en que uno u otro personaje se ponen a aullar como perros. La búsqueda de la hija tras la guerra da pie también a momentos extraños, de vez en cuando se hace presente en el film un incómodo punto histriónico que te saca de la película. Hay que reconocer que Schrader en Adam resucitado toma riesgos, y que actores como Jeff Goldblum o el habitual William Dafoe cumplen sobradamente, pero el resultado es definitivamente insatisfactorio.

5/10
1408

2007 | 1408

El sueco Mikael Håfström (Drowning Ghost, Sin control) ha paladeado las mieles del éxito en Estados Unidos con esta adaptación del relato homónimo de Stephen King, incluido en el libro ‘Todo es eventual’. Al parecer, el famoso escritor ha avalado el film, dando el visto bueno al montaje final. Mike Enslin, escritor especializado en divulgar temas sobrenaturales, está elaborando un libro sobre hoteles embrujados. Su periplo le lleva a la habitación 1408 del Hotel Dolphin, un lugar donde se suicidaron cuatro inquilinos. El director del establecimiento insiste en que Enslin no pase la noche en la 1408, porque en su interior ocurren sucesos inexplicables, y teme por su vida. Enslin insiste y acaba obteniendo las llaves... A pesar de su asumida intrascendencia, introduce algún elemento de entidad, como el conflicto del personaje central, traumatizado por la muerte de su hija, suceso que provocó el distanciamiento con su esposa. Esto permite que el espectador sienta simpatía por él, lo que se ve subrayado porque esté interpretado por John Cusack, un actor que siempre resulta muy cercano. El protagonista de Alta fidelidad sostiene casi toda la película, en la que está solo y encerrado la mayor parte del tiempo. No desentonan en papeles mucho más secundarios Samuel L. Jackson –el dueño del hotel– y Mary McCormack –la esposa separada–. Aunque abusa de los sustos fáciles para dar miedo al espectador, Hâfström acierta al prescindir de elementos excesivamente truculentos y tomar el camino del terror más psicológico. Aunque toda la película transcurre en la misma habitación, contiene los suficientes elementos de suspense para mantener la intriga.

5/10
A Room With a View

2007 | A Room with a View

Lucy Honey Church (Elaine Cassidy), una joven inglesa de buena familia, se encuentra de viaje en Florencia junto a su prima Charlotte Bartlett (Sophie Thompson). En la pensión donde se hospedan conocen al señor Emerson (Timothy Spall) y a su hijo George (Rafe Spall), que, amablemente, les ceden sus habitaciones para que estas disfruten de una ventana con vistas a la ciudad. Remake en la televisón de la adaptación de 1985 de James Ivory sobre la novela de Forster. Cuenta con un reparto más televisivo, que si bien, no llega a la altura del reparto original, nos deja un producto de calidad más que correcta.

6/10
La vida de los otros

2006 | Das Leben der Anderen

Alemania es de los países que ha sabido mirar a su doloroso pasado reciente a través del cine con acierto. El nazismo ha propiciado en los últimos tiempos El hundimiento y Sophie Scholl: los últimos días. La partición del país y el dominio comunista de una de las mitades de Alemania dio pie a Good Bye, Lenin!. Ahora llega este otro potente film sobre Alemania del Este. Georg Dreyman es un prestigioso escritor de la RDA. Aunque no simpatiza con el opresivo régimen comunista, es un ‘animal político’ que se les arregla para sobrevivir congraciándose con las autoridades, y no significándose demasiado. Así, se le permite cierto margen a la hora de expresarse, y no se le reprocha su amistad con algún elemento intelectual claramente disidente. Dreyman vive con la celebérrima actriz Christa-Maria Sieland, y cree estar lejos de la vigilancia de la Stasi, la policía secreta del ministerio del interior. En realidad un pez gordo comunista ha puesto los ojos en la hermosa Christa-Maria, y encarga al capitán Gerd Wiesler, de la Stasi, un estrecho seguimiento de ella y Dreyman, no porque le preocupe una posible actividad subversiva, sino porque desea a la actriz. Concienzudo funcionario capaz de descubrir traidores debajo de las piedras, Wiesler se aplica a la tarea, escuchando durante horas las conversaciones que retransmiten los micrófonos colocados en el apartamento de Dreyman. El desconocido Florian Henckel von Donnersmarck orquesta una trama de alto interés dramático, donde el autocuestionamiento que Wiesler hace de su trabajo recuerda a los dilemas morales que planteaba Francis Ford Coppola en La conversación. Pero von Donnersmarck está lejos del mimetismo. El cineasta alemán sabe atrapar con la cámara el modo en que un régimen autoritario como el comunista limita la libertad de los ciudadanos, convenciéndoles incluso de que la poca que les queda es más que suficiente; aunque hay lugar para algún apunte de humorada negra –el inocente chiste sobre Honecker, que de pronto se transforma en espada de Damocles sobre un pobre hombrecillo–, dominan la atmósfera opresiva y la tragedia, que invitan a los personajes a preguntarse si pueden conformarse con el estado de las cosas, si han de rebelarse con las herramientas de las que cada uno dispone, o si se deben a un elemental instinto de supervivencia, que podría pasar por la traición. Hay un magnífico sentido del ritmo, unas actuaciones sobrias pero muy sentidas. La partitura musical de Gabriel Yared ayuda, y la paleta de colores grises y pardos sirve bien para dibujar a un país triste. Y aunque todo el reparto brilla a un excelente nivel, es de justicia destacar el trabajo de Ulrich Mühe: desde el principio, con ese interrogatorio que abre el film, hasta la entrada en una librería después de la caída del muro, final sencillamente memorable, pasando por el clímax del registro en el apartamento del escritor.

8/10
Azur & Asmar

2006 | Azur et Asmar

Dos niños diferentes (Azur, rubio e hijo de un terrateniente, y Asmar, moreno e hijo de su nodriza) son educados y crecen juntos, como si de hermanos se tratase. Pero un día la vida los separa, juntándoles de nuevo de mayores, cuando ambos buscan lo mismo: al hada de los Djins. Los dos tendrán que iniciar un viaje para encontrar su destino y conseguir sus sueños. El francés Michel Ocelot (Kirikú y la bruja) dirige esta película de animación que se distingue por la estética y los trazos tan particulares del dibujo. Lejos de ser perfectos en calidad (tan acostumbrados como estamos a las nuevas tecnologías del 3D), su gran baza son los escenarios y fondos llenos de colorido. Además, estuvo nominada al premio Cesar por la academia del cine francés a la mejor banda sonora. A pesar de ser dibujos animados, Azur y Asmar no es un film demasiado recomendable para los más pequeños, que no la entenderán bien; sin embargo, trata temas educativos como la tolerancia y el respeto.

6/10
Breaking and Entering

2006 | Breaking and Entering

Will (Jude Law) lo tiene aparentemente todo para ser feliz. Pero no lo es. Arquitecto imaginativo, tiene una novia preciosa e inteligente (Robin Wright Penn). Eso sí, la hija de ella, nacida de una relación previa, es hiperactiva y nerviosa, la convivencia con ella es difícil… Pero sobre todo domina una vida rutinaria y de pocos alicientes, donde la pareja se muestra distante, y la profesión se convierte en particular refugio. Este frágil estado de cosas se va a quebrar cuando la nave-estudio que Will comparte con un socio es asaltada de noche por una sofisticada banda de ladrones de origen bosnio, que utiliza las habilidades de saltimbanqui de dos jóvenes para introducirse por el techo y desconectar la alarma en un ‘visto y no visto’. El disgusto por el robo de ordenadores y demás equipamiento no para aquí, pues la banda repite sus incursiones, motivo por el cual Will establece un puesto de vigilancia nocturno en su propio automóvil; una ‘aventura’ que le procurará nuevas emociones. Desde conocer a una prostituta (Vera Farmiga) que ejerce en la zona, a la identificación de uno de los jóvenes, buen tipo en el fondo, hijo de una sufrida y trabajadora madre, Amira (Juliette Binoche), que se desvive por sacar adelante a su hijo. Tan valiosa es la mujer, que Will, en vez de denunciar al chico, propicia el encuentro ‘casual’ con ella, que arregla trajes y vestidos en su propio domicilio.Anthony Minghella (El paciente inglés) escribe y dirige un drama con más de un punto de interés, acerca de la vida corriente de tantas personas, que se diría no es vida hasta que determinadas ‘rupturas’ obligan a mirarse dentro de uno mismo. Al tiempo ofrece una reflexión acerca de las dificultades de integración de los inmigrantes, no siempre bien aceptados (fácilmente son sospechosos de actividades delictivas) y con empleos precarios que facilitan el recorrido delictivo. Lo permite esa relación entre Will y Amira, que Minghella construye pacientemente, mostrando antes sus respectivos entornos e intereses. De tal modo que cuando Will ‘se lanza’ a conquistarla a ella con movimientos casi de adolescente peterpanesco, la reacción de Amira se comprende, es la propia de una madre que hará lo que sea por su hijo. Se agradece el esfuerzo de definición de personajes, un regalo para los actores; e incluso el de la prostituta, que se diría fuera de lugar, se entiende como pieza que resuena más tarde en Amira, puesta en una posición que le obliga, en cierta manera, a seguir sus pasos. También hay una apuesta por la capacidad de perdonar y pasar página, aunque a este respecto chirría alguna escena torpe (el personaje de Robin Wright Penn, estallando y apeándose del coche), incluida para justificar su inesperada magnanimidad en el juzgado.

6/10
L'avion

2005 | L'avion

¿Bailamos?

2004 | Shall We Dance

Padre de familia, abogado, con dos hijos, que sólo tiene motivos para ser feliz… no es feliz. El día de su cumpleaños, pese al ambiente festivo que impregna su casa, no puede evitar la sonrisa forzada de quien acepta una celebración convencional. Las cosas cambiarán gracias a un rostro triste como el suyo: el de una profesora de una academia de baile, a quien ve cada día, tras el cristal de una ventana, desde su vagón de metro. Un día se apea, y casi sin pensarlo se apunta a clases de baile. Oculta la decisión a su familia, y lo que al principio era curiosidad por una atractiva mujer se convierte en pasión por el baile, y alegre camaradería con alumnos y profesores. Película perdidamente romántica, y que no se avergüenza de serlo, remake de un film japonés de 1997, firmado por Masayuki Suo. Su apuesta la acerca al acaramelamiento, pero la presencia de un director con personalidad, Peter Chelsom, evita el peligro, real, del ridículo. Sin ambigüedades, se señala que los problemas en casa no se arreglan ‘liándose’ con la vecina de enfrente. Pero el motivo para superar las personales insatisfacciones, la afición por el baile, no deja de ser endeble, aun aderezado con lo que éste propicia: nuevas amistades y un redescubierto aprecio a lo que tiene, una familia estupenda. Hay un acierto completo en el reparto, tanto en el trío protagonista (Gere, López, Sarandon) como, y quizá más, en los personajes secundarios (Stanley Tucci, inesperado bailarín latino; Lisa Ann Walter, bailarina de ‘peso’; Richard Jenkins, el detective…).

5/10
Sylvia

2003 | Sylvia

Sylvia Plath y Ted Hughes. Ella americana, él inglés, ambos poetas. Se conocen en Cambridge en 1956 y tras un rápido flechazo, se casan. Tendrán dos hijos. Pero su apasionada relación no estará exenta de negros nubarrones. El duro y deprimente film, basado en personajes reales, toma inspiración de los poemas "Ariel" (de Sylvia) y "Cartas de cumpleaños" (de Ted). Y se esfuerza en describir una relación complicada, donde pesa el éxito de él y las dificultades de ella para escribir. La infidelidad, los celos y los trastornos mentales conducirán a un duro final. Meritorio trabajo interpretativo de Gwyneth Paltrow.

4/10
Bon voyage

2003 | Bon voyage

Vodevil en la Francia de 1940. Con los nazis a las puertas de París, un variopinto grupo de personajes (una actriz, un ministro, un escritor y un científico con su joven colaboradora) coincide en un hotel de Burdeos. Jean-Paul Rappeneau, el director de la excelente Cyrano de Bergerac, adopta un tono alocado de comedia de persecución, pero no renuncia a criticar la actitud tomada en aquellos años por gran parte de las autoridades francesas. Y es que el colaboracionismo, representado por el divertido personaje de Gérard Depardieu, fue una lacra innegable de aquellos años.

6/10
Cold Mountain

2003 | Cold Mountain

La guerra de secesión americana. Inman, un soldado que combate en el bando sudista, resulta herido. En la etapa de convalecencia llega a sus manos una carta de su amada Ada, hija de un clérigo, con la que apenas mantuvo dos breves conversaciones y un beso antes de partir. En esas encendidas líneas, ella le cuenta sus penas, la muerte de su padre, su práctica inutilidad a la hora de sacar adelante su granja. Y le dirige una orden imperiosa: que deje todo lo que tiene entre manos (el ejército, por tanto) y vuelva junto a ella. Conmovido, sabedor de que ese amor a primera vista es lo que da sentido a su vida, Inman emprenderá el largo camino a casa. Adaptación de la voluminosa novela de Charles Frazier, ganadora del prestigioso National Book Award americano, que muestra cómo el amor es un motor más poderoso que las guerras a la hora de que el mundo siga dando vueltas. Anthony Minghella, director y autor del guión, sabe vertebrar bien la historia, que se inicia con Inman en el frente. Los flash-backs nos permiten conocer cómo se fraguó el delicado amor entre una tímida damisela del Sur, perfecta señorita nada práctica, y un tosco granjero, al que cuesta articular más de dos palabras seguidas. Una vez cumplido este primer objetivo, Minghella narra paralelamente las penalidades de Ada para sobrevivir en su granja y las de Inman para regresar. Ella contará con la ayuda inesperada (quizá demasiado, pues la chica llega casi como llovida del cielo) de Ruby, una moza sin demasiados modales, pero muy trabajadora y con un corazón de oro. Pero debe soportar el acoso de un bruto pretendiente, que más que a ella lo que desea son sus tierras. Mientras él, al modo de un Ulises del siglo XIX, encontrará en su camino múltiples personajes, oráculos, ciegos y cantos de sirena. Minghella pone un especial cuidado en las transiciones entre uno y otro hilo narrativo. Una buena herramienta para ello es la música: el director la usa, no sólo como un elemento que sirve para dar paz en medio del clima bélico, sino para pasar de una historia a otra; el piano de Ada y los violines del grupo del padre de Ruby, vienen para eso al pelo. El film es el clásico título concebido para arrasar en los Oscar. De hecho, obtuvo 7 nominaciones (de las cuales materializó una, la estatuilla de Renée Zellweger), pero curiosamente, no en los apartados de película y director. El diseño de producción, fotografía, música, son apabullantes, así como el reparto, sembrado de actores de primera línea. Nicole Kidman (no nominada, quizá por su premio de Las horas el año anterior) prueba que es una de las mejores estrellas que pueblan la galaxia Hollywood, creíble en su modosito personaje y en su transformación; también Jude Law (él, sí, nominado) hace creíble un personaje parco en palabras, pero en cuyo rostro es bien visible la huella de la guerra; y René saca todo su jugo a un personaje agradecido, apoyo necesario para la heroína. El resto –Atkins, Gleeson, Hoffman, Portman, Ribisi, Shuterland, Winstone…–, secundarios de lujo, cumplen sus papeles a la perfección.

7/10
The One & Only

2002 | The One & Only

Steve acude a instalar una nueva cocina a Neil, una atractiva mujer de la que queda completamente prendado. Pero Neil ésta casada con Sonny, un famoso futbolista, del que espera un niño. Y Steve, por su parte, está iniciando los trámites de adopción de una niña africana. Fresca comedia británica, con solventes actores, como Richard Roxburgh, que empieza a sonar tras interpretar al Conde Drácula en Van Helsing. Se basa en Den Eneste Ene, una desconocida película danesa dirigida por Susanne Bier, y aunque el argumento es ligero, realiza una apología del amor sincero.

3/10
Posesión

2002 | Possession

Mientras estudia la obra de un poeta victoriano, un investigador americano descubre unas cartas que prueban su relación con una misteriosa amante. Con ayuda de una académica inglesa, seguirá diversas pistas en varios países europeos. El cuarto largometraje de Neil LaBute (Persiguiendo a Betty), adapta una novela de A.S. Byatt, que entrelaza dos historias románticas, en diferentes épocas. Pero la cosa no acaba de interesar demasiado.

4/10
Otoño en Nueva York

2000 | Autumn in New York

Will es el típico playboy al que ninguna mujer se le resiste: cínico y cuarentón, tiene cierto encanto por el que todas caen rendidas a sus pies. Charlotte no es una excepción pero su caso reviste una particularidad especial: ella padece una grave enfermedad que le puede conducir a la tumba en cualquier momento. Como ella es un encanto de chica, quizá la frívola actitud de Will ante la vida dé al fin un vuelco.   Melodrama romántico que empareja al guaperas de Richard Gere con la estupenda Winona Ryder. La película tiene un toque muy personal, quizá porque la dirige una mujer, que además es oriental. Joan Chen trata de profundizar en los motivos que laten detrás del amor verdadero: autosacrificio por la persona amada, que lleva a darlo todo por ella. A alguno quizá la historia le parezca algo empalagosa, pero estamos seguros que más de uno no podrá evitar echar la inevitable lagrimita.

4/10
Mensaje en una botella

1999 | Message in a Bottle

Theresa es una joven y ambiciosa periodista. Un día encuentra casualmente en la playa una vieja botella, que contiene una carta de amor de un desconocido viudo, a su mujer recién fallecida. La historia ocupa la primera plana del Chicago Tribune, y Theresa, tras varias pesquisas, descubre la identidad del viudo: se trata de Garret, un constructor de barcos. Cómo no, surgirá el flechazo, pero... ¿será capaz Garret de volver a amar a otra mujer? El film tiene bastantes puntos a su favor. El trepidante comienzo, con delirio en el mundo de la prensa, recuerda al Frank Capra como Vive como quieras. El legendario Paul Newman tiene un papel secundario pero jugoso. Kevin Costner y Robin Wright Penn componen una creíble pareja. La creciente historia de amor es pesadita a ratos, pero la música y las canciones románticas, o la formidable fotografía de Caleb Deschanel, hacen más llevaderos esos momentos.

4/10
El talento de Mr. Ripley

1999 | The Talented Mr. Ripley

Tom Ripley es un joven brillante, pero sin posición social. Le gusta aparentar más de lo que es. Una confusión le lleva a recibir un encarguito de un rico constructor: debe traer de vuelta a casa a su hijo Dickie, que lleva una vida de playboy en Italia junto con su novia Marge. Es el comienzo de un juego de fingimientos, donde Tom, en palabras del director Anthony Minghella, empieza a comportarse "como un niño que ha vertido jugo de tomate sobre el mantel y, en un intento por ocultar su error, vuelca una tetera, rompe un plato, araña la mesa, le pega fuego y acaba por prender la casa entera". El film recrea de modo maravilloso la Italia de los años 50, y la atmósfera de dolce vita de unos jóvenes desocupados. Desasosegadoras son las situaciones que conducen al crimen, y más de uno ha discutido la atracción homosexual entre Tom y Dickie sugerida por Minghella, que según el director está latente en la novela original de Patricia Highsmith. En cualquier caso, lo más fascinante del film es el planteamiento de que "esquivar la responsabilidad no es lo mismo que eludir la justicia. No se sale impune de nada. (...) El pacto con el diablo de Ripley consiste en preferir ser una falsa persona importante que un don nadie auténtico. (...) Se describe el precio implícito por abandonar la propia personalidad para convertirse en aquél que te gustaría ser". El film ha servido para confirmar lo buen actor que es Jude Law, candidato al Oscar por su papel. El resto está a la altura. Estupenda la música de Gabriel Yared.

6/10
City of Angels

1998 | City of Angels

Ángeles. Espíritus puros que viven una felicidad inefable y ayudan al hombre en el trance de la muerte, sin nunca forzar su libertad. Seth es uno de ellos. Pese a su dicha, se pregunta con frecuencia cómo será la naturaleza humana. Sobre todo en un aspecto que no puede ni imaginar: el corporal. Tocar, oler, saborear... amar a una mujer. El encuentro con Maggie, una bella y competente doctora, torturada porque no pudo salvar a uno de sus pacientes, acrecienta su anhelo de ser humano. Cassiel, un compañero ángel, le explica que Dios les ha dejado la opción de convertirse en humanos; pero una vez tomada la decisión, el resultado es definitivo. Seth deberá elegir. El guión resalta interesantes contrastes. El mundo sereno de los ángeles con el ajetreo humano; la profesión médica que busca salvar vidas con el misterio inexorable de la muerte; sanar corazones con amar de corazón; el ajetreo de la planificación con la quietud de la simple contemplación. Se muestra la biblioteca a modo de santuario donde resaltan los pensamientos de los humanos, sus reflexiones, su goce de la belleza; es el sitio donde más próximos se encuentran hombres y ángeles. El deseo de Seth por conocer el amor entre hombre y mujer ayuda a subrayar la especial belleza que encierra; aunque el film no aborde claramente el matrimonio. Mostrar el dolor como parte integrante y misteriosa de la realidad humana resulta, también, muy sugerente. Falta quizá al film un pelín de brío. No acaba de dar Silberling (Casper) con el ritmo para contar una historia tan especial. Pero la emotividad de lo narrado es tan fuerte que se supera el escollo. La atención la acaparan Seth y Maggie –inspirados Nicolas Cage y Meg Ryan– que tienen escenas compartidas memorables, como la de su primer encuentro en el hospital. Menos presencia tienen personajes como Cassiel, mero comparsa, o Messenger, un ex ángel. La música y las canciones que acompañan al film son muy hermosas. No en vano se escucha el tema de U2 "If Would Send His Angels".

6/10
Hércules y Sherlock

1996 | Hercule et Sherlock

Bruno (Christopher Lambert) y Vincent (Richard Anconina) son dos patosos que de la noche a la mañana se ven envueltos en la aventura de su vida. Un conocido mafioso les hace el encargo de recuperar una importante cantidad de dinero falso que ha desaparecido misteriosamente. Para ello, se les ocurre la disparatada idea de secuestrar a dos perros especialistas en detectar monedas falsas. Pero vivir con estos dos perros especiales no les resulta fácil, y más teniendo en cuenta que su atractiva vecina policía adora a los perros. Simpática comedia basada en las peripecias de dos curiosos tipos con dos perros. Hará las delicias de grandes y pequeños con escenas llenas de humor, en las que los divertidos protagonistas se las tienen que ver con unos animales que se las saben todas.

4/10
Las alas del coraje

1996 | Wings of Courage

El film presenta el interés de ser la primera historia de ficción rodada en el sistema Imax de tres dimensiones. Película de 70 milímetros, una pantalla de 21 por 29 metros, y unas gafas especiales ofrecen al espectador un efecto bastante impresionante, aunque todavía diste mucho de la deseada perfección. Para estrenarse en el relato de una historia con personajes se ha escogido un director conocido (Jean-Jacques Annaud, realizador de El oso y El nombre de la rosa) y rostros de actores relativamente populares. En cuanto al relato, es corto y sencillo: el de la historia de supervivencia de uno de los pilotos que transportaba correo en una precaria avioneta, a principios de siglo, el célebre escritor creador de 'El principito' Antoine de Saint-Exupéry. Su heroica lucha contra los elementos, tras estrellarse en una solitaria montaña nevada de los Andes, ofrece bellas imágenes, y dio alas, nunca mejor dicho, a la esperanza de que los formatos cinematográficos sigan perfeccionándose.

5/10
El paciente inglés

1996 | The English Patient

En los años de la Segunda Guerra Mundial, un inglés sobrevive milagrosamente a un accidente aéreo. Aparentemente amnésico, con el rostro desfigurado, el conde Laszlo de Almassy recuerda su apasionada relación amorosa, en el desierto egipcio, con Katherine Clifton. Ella es la esposa de uno de los hombres que le ayudan a trazar mapas para la Sociedad Geográfica Británica. Adaptación de una novela de Michael Ondaatje, ganadora del Booker Prize. Logró doce nominaciones al Oscar, de los que materializó nueve, incluido el de mejor película. Los entusiastas han elevado la película a la altura de Casablanca, la quintaesencia del cine romántico. Más dura será la caída, pues El paciente inglésno es la maravillosa historia de amor que algunos pretenden. Consiste, en todo caso, en el hábil relato de una pasión amorosa, teñida de fatalismo, a la que Almassy es incapaz de poner freno, y donde los intentos de Katherine por detenerla apenas son apuntados. Al marido engañado, tercer vértice del triángulo amoroso sobre el que pivota el film, apenas se le dedican unas tenues pinceladas. La habilidad está en la estructura del guión –Anthony Minghella elabora muy bien el entramado de flash-backs–, en el apoyo de la hermosa fotografía del desierto –debida a John Seale– y de los demás departamentos artísticos. Los actores están muy bien seleccionados y encarnan muy bien sus personajes, ya sean principales o secundarios. Donde debería amor, apenas hay otra cosa que egoísmo. Se puede entender que Almassy se enamore de una mujer casada, pero la ausencia de principios al enfocar la atracción, la disposición a sacrificar todo –la lealtad a la patria, la amistad, la propia vida mediante el suicidio o la eutanasia– en aras a ese supuesto amor, lastran al film privándolo de su teórica razón de ser: mostar un amor que va más allá de la muerte. Hay momentos emotivos –el amor entre la enfermera Hana y el militar hindú Kip propicia la hermosa escena de la contemplación de los frescos de una iglesia–, pero la película se resiente de su larga duración y de su planteamiento amoral de fondo.

6/10
Las marmotas

1993 | Les marmottes

El 24 de diciembre los Klein se disponen a cenar todos juntos para celebrar la Nochebuena y hacer honor a su apodo, "Las Marmotas", unos animales que destacan por ser muy familiares. Durante los días que pasan juntos se verá que no es todo tan idílico como se piensan. Situaciones demasiado exageradas que en ocasiones cansan con problemas ridiculamente existenciales.  

5/10
Mapa del sentimiento humano

1992 | Map of the Human Heart

Un anciano esquimal, hijo de padre blanco, recuerda su vida desde que, siendo niño, trabó amistad con un piloto canadiense trazador de mapa, que le llevó a un hospital en Montreal cuando estuvo aquejado de tuberculosis. Allí el chico tuvo un encuentro con la civilización que le marcó profundamente, además de que se enamoró de una chica india. Luego las vidas del esquimal, el piloto y la chica se separaron, hasta que se produce el inesperado reencuentro, en plena Segunda Guerra Mundial. El neozelandés Vincent Ward es un cineasta inclasificable, como demostró en su subyugante The Navigator. Una odisea en el tiempo. Aquí maneja de nuevo de modo deslumbrante los recursos estéticos, aunque su punto de vista resulta más deprimente, su "mapa del sentimiento humano", símbolo tomado de la profesión del cartógrafo, fija su mirada de modo excesivo en las bajezas del corazón, en lo relativo a la sexualidad y la violencia. Destaca la escena del bombardeo de Dresde.

6/10
El amante

1992 | L’amant

Adaptación de la novela de Marguerite Duras. Indochina, años 20. Una joven francesa y un diplomático nativo se enamoran y comienzan una relación de amor y sexo desenfrenado, que Annaud filma con explicitud.

4/10
IP5: L'île aux pachydermes

1992 | IP5: L'île aux pachydermes

La última película de Yves Montand, que murió de un infarto con 70 años, curiosamente su personaje en el film también sufría un ataque al corazón. Sigue la asociación de dos ladrones con otro veterano, ambos comparten un objetivo común.

6/10
Vincent y Theo

1990 | Vincent & Theo

Vincent Van Gogh, el artista maldito que no vendió un cuadro en su vida, no habría sido jamás un pintor célebre sin su hermano Theo. La historia comienza en el momento que Vincent empieza a pintar y renunciar a la vida de pastor, Theo es ya un rico marchante de arte, Vincent marcha a Francia y en 2 años y medio él va pintando su obra en París, Arles y Auvers sur Oise.

6/10
La puta del rey

1990 | La putain du roi

En el siglo XVII, el rey Vittorio Amadeo de Saboya se queda prendado de la esposa de su chambelán. Ella no quiere ni oír hablar del monarca porque quiere a su esposo, el duque de Luynes, pero su marido se la ofrece al rey. Los amores serán turbulentos, entre el amor y el odio... Coproducción europea bien ambientada históricamente pero cuyo argumento, en la línea de Las amistades peligrosas, no logra el enganche deseado. Está basada en una novela de Jacques Tournier, que no tiene nada que ver con el director de películas como Retorno al pasado.

4/10
Las mil y una noches

1990 | Les 1001 nuits

Singular adaptación de algunos relatos del clásico "Las mil y una noches", protagonizados por Sherezade, que fue el primer papel de la entonces bellísima debutante Catherine Zeta-Jones. El director francés Philippe de Broca inventa una historia en que la protagonista tendrá que convivir en diferentes tierras, con reyes y héroes diversos, y será guiada por el genio de la lámpara, quien curiosamente vive en el Londres actual y sigue a Sherezade por la televisión. Buen reparto secundario.

5/10
Romero, el santo del pueblo

1989 | Romero

Biopic de Óscar Romero, desde que es nombrado arzobispo de El Salvador, hasta su asesinato mientras celebraba misa. El film John Duigan ofrece una matizada mirada al personaje, que sería beatificado por el Papa Francisco y considerado mártir en 2015. En un contexto de injusticia social, en que la brecha que separa a las clases privilegiadas y el pueblo sencillo es cada vez mayor, y en que la dictadura militar ejerce una extrema violencia contra los que se oponen al régimen sin ajustarse a derecho, Romero es un hombre espiritual, teólogo y pastor por encima de todo, lo que produce en su entorno reacciones erróneas ante su nombramiento como arzobispo: los que mandan creen que podrán manejarlo a su antojo como mera figura decorativa, mientras que los sacerdotes que piensan que hay que pasar a la acción ya, y la guerrilla en general, piensan que no aportará nada a la causa de los los pobres. Por supuesto unos y otros están equivocados, pues su unión con Jesús le impele a escuchar a todos y a obrar en conciencia buscando el bien común, y sin tomar atajos que no son cristianos. Era difícil lograr una película sobre Romero, y más con su muerte reciente, que no cayera en obvios planteamientos partidistas. Pese a que su guión dista de ser perfecto, sorprende esta producción de Paulist Pictures, compañía de los padres paúles, donde el mismísimo Alfonso Cuarón ejerció de ayudante de dirección. Raul Julia logra una buena composición del protagonista, pues refleja bien una vida interior que no le impide sufrir y tener miedo, y buscar el parecer de sacerdotes y hemanos en el episcopado, procurando actuar calmada y reflexivamente. Y se pinta bien la tentación de responder a la violencia con la violencia, camino seguido por algún sacerdote con planteamientos extremos de la teología de la liberación, o la ceguera de los que ocupan una buena posición social y se olvidan de los más necesitados; y ello haciendo a los personajes humanos, aunque su comportamiento produzca rechazo. La película habría ganado con una mejor vertebración, pero ofrece en cualquier caso momentos muy intensos, como el de la profanación de una iglesia, donde Romero se juega la vida, un anticipo del final que le aguardaba, y que sin duda no le debió pillar tan de sorpresa.

6/10
La pasión de Camille Claudel

1988 | Camille Claudel

Camille (Isabelle Adjani) desde muy niña sintió gran pasión por el arte y en especial por la escultura a la que dedica gran parte de su vida. El escultor Auguste Rodin (Gérard Depardieu) fue su maestro y Camille se convirtió en su inspiración, su musa, y con el que inició una tormentosa relación protagonizada por las numerosas crisis y rupturas. La escultora tuvo una vida agitada sentimentalmente y lo reflejó en su obra, una vida en la que también echaba un pulso a su propia libertad en una sociedad que no se ajustaba a sus ideas. En sus últimos días vivió como una mendiga y finalmente fue internada en un psiquiátrico por sus problemas mentales. El film es la biografía de la escultura Camille Claudel, centrándose en la lucha interior de la artista y su relación con Rodin. La película consiguió varias nominaciones y premios, y Adjani logró con su gran interpretación ser nominada a los Oscar como mejor actriz.

6/10
Gandahar. Los años luz

1988 | Gandahar

Los habitantes del planeta Gandahar están condenados a desaparecer por haber olvidado a Métamorph, una poderosa criatura que vive en el fondo del océano. Pero podrían tener una oportunidad para sobrevivir, concedida por el propio Métamorph. Imaginativa cinta de animación, con extraños mundo fantásticos, debida al maestro René Laloux.

6/10
Tres en un diván

1987 | Beyond Therapy

Sin duda, la peor película de Altman y una comedia realmente difícil de digerir. Parte de la obra teatral de Christopher Durang, y en ella un homosexual quiere reconducir su vida hacia la relación con una neurasténica mujer ante los celos de su antiguo amante. O sea, una vulgaridad repleta de innecesarias escenas sexuales que, ya en el colmo del absurdo, tienen lugar incluso en el pasillo de un edificio entre dos desconocidos. Al menos su reparto es cuando menos curioso: Jeff Goldblum (que acababa de llegar al estrellato con La mosca (1986)) y Julie Hagerty (la azafata de Aterriza como puedas) son la pareja protagonista, y los veteranos Glenda Jackson y Tom Conti unos psiquiatras que tienen sus consultas pegadas.

1/10
Agent Trouble

1987 | Agent Trouble

Una mujer que trabaja en un museo cmienza a investigar el asesinato de su sobrino. Al parecer había sido testigo de un proyecto del gobierno que se había saldado con la muerte de un hombre. A la vez que la mujer se va enterando de todo, un malvado agente del gobierno no dudará en eliminar a cualquiera que se inmiscuya en sus planes. Pasable thriller francés que tiene como gran reclamo la presencia de la diva Catherine Deneuve, aunque también cuenta con un papel de Kristin Scott Thomas (Hace mucho que te quiero). La historia, bien dirigida, se basa en una novela de Malcolm Bosse. La actriz Dominique Lavanant ganó un César del cine francés por su trabajo.

5/10
Betty Blue

1986 | Betty Blue

Film francés de gran intensidad dramática centrado en el amor entre Betty y Zorg, cada vez más obsesivo entre lo dos, pero que acabará por ser absolutamente anormal en el personaje de ella que se irá enajenando poco a poco. Basado en una novela de Philippe Djian, el film se acaba haciendo pesado e insano en su insistencia sexual, a veces brutalmente explícita. Dirige Jean-Jacques Beineix (La diva).

4/10
Desorden

1986 | Désordre

Historia de una chica y dos chicos que, a pesar de no tener dinero, quieren formar una banda de rock. Para ello intentan robar los instrumentos en una tienda, pero el crimen acaba en tragedia.  Olivier Assayas reflexiona sobre la culpabilidad en una película en la que no hay castigo legal, sino psicológico. El director francés explora el remordimiento en las carnes de un grupo de jóvenes.

5/10
La diagonal del loco

1984 | La diagonale du fou

Campeonato del mundo de ajedrez. Se enfrentan en el tablero un judío, el actual campeón, y un lituano, exiliado político, el aspirante. Las partidas se convierten en eficaz metáfora de la guerra fría. Coproducción de Francia y Suiza, ganó el Oscar a la mejor película extranjera.

6/10
Hanna K.

1983 | Hanna K.

Las tribulaciones de una abogada en Israel, que lleva una mala racha en medio de un triángulo amoroso, lo que le lleva a tomar la decisión de abortar al bebé que espera, de cuya paternidad no está muy segura. Pero el viaje a París para llevar a cabo su propósito es pospuesto cuando un terrorista palestino, al que defendió en el pasado sin conocer esta faceta, le pide que se encargue de representarle ante los tribunales. Costa-Gavras se sumerge en una historia demasiado complicada de manejar para no herir susceptibilidades, aunque encaja sin duda en el cine político por el que es reconocido.

5/10
Salve quien pueda, la vida

1980 | Sauve qui peut (la vie)

Tras casi una década moviéndose en el documental, Jean-Luc Godard volvió a la ficción con una historia triangular, dos mujeres y un hombre con sus intercambios sexuales, en una situación anímica de profunda desilusión. El cineasta suizo sigue experimentando, y se nota todavía su enorme talento, pero ha perdido la frescura de sus títulos rompedores en los 60.

6/10

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